Alex (Mae Martin, auch Creator), ein Transgender-Mann und Polizist, zieht gemeinsam mit seiner schwangeren Frau Laura (Sarah Gadon) zurück in ihre abgelegene Heimatstadt Tall Pines. Parallel dazu wird die Teenagerin Abbie (Sydney Topliffe), die gemeinsam mit ihrer besten Freunden Leila (Alyvia Alyn Lind) die Schule schleifen lässt, von ihrer Familie verstoßen. Sie wird nachts entführt und in eine Umerziehungsheim für Jugendliche gebracht, unter der Leitung von Evelyn (Toni Collette). Leila versucht ihre Freundin zu befreien, währenddessen wird Alex damit konfrontiert, dass in der sogenannten Besserungsanstalt schlimme Dinge passieren. Er bekommt mit, dass ein Junge namens Riley geflohen ist, und sieht, wie das gesamte Dorf Jagd auf ihn macht. Die erste Folge hat viel Tempo und baut eine spannende Kulisse auf. 

Doch trotz interessanter Prämisse kann die Serie nicht ganz überzeugen, weil sie aus den Augen verliert, was sie eigentlich sein möchte: Ein Krimi? Ein Coming-of-Age-Drama? Eine knallharte Präsentation und Abstrafung solcher folternden Besserungsanstalten? Eine Geschichte über gehirngewaschene Menschen und eine charismatische Sektenführerin? Eine Story über multigenerationales Trauma, angebliche Veranlagungen und das Schicksal? Oder doch über Ängste in Freundschaften und Partnerschaften kurz vor der Geburt eines Babys? „Wayward” wirft alles in einen Topf und hofft, dass am Ende etwas Gutes dabei herauskommt. Einzelne Elemente sind tatsächlich interessant und unterhaltsam. Doch am Ende ergibt die Kombination keine Symbiose, die „Wayward” auf eine höhere Stufe hebt. Es bleibt eine Suppe, die durch die vielen Zutaten verwässert wird. Dazu passen das sehr offene Ende und ein Drehbuch, das die Charaktere manchmal die dümmstmöglichen Entscheidungen treffen lässt. Oft wirkt das wie auf dem Reißbrett konstruiert, nur um noch ein fehlendes Klischee zu bedienen. Speziell im Finale sind einige Fluchtversuche fast schon unfreiwillig komisch. 

Das Erzähltempo ist nach Folge 1 recht gemächlich, nimmt aber in der Mitte an Fahrt auf. Die schauspielerischen Leistungen sind „Hit or Miss”: Manche (wie Toni Collette) überzeugen komplett, andere spielen Karikaturen oder wirken hölzern. Ein großes Problem dürften viele Zuschauer damit haben, dass am Ende zu viele Fragen offenbleiben. Ich mag offene Enden und wenn Szenen bewusst Raum für Interpretation lassen. Wenn man aber die ganze Zeit auf ein großes Finale hinarbeitet und dieses dann so wirr bleibt und sich wie der Auftakt für eine zweite Staffel anfühlt – obwohl das Ganze als Miniserie konzipiert war –, teile ich die Enttäuschung. 

Ultimativ ist es schade, dass die 8-teilige Miniserie sich nicht mehr auf einige wenige Handlungsstränge konzentriert hat, sondern zu einem wahren Genregulasch wird. Mehr Fokus auf einen roten Faden und die spannenden Aspekte hätte der Serie gutgetan. Die düstere Atmosphäre und die Drohkulisse in dieser Kleinstadt, die von zwei vermeintlich charismatischen Figuren ausgeht, funktionieren nämlich wirklich gut. Leider macht „Wayward” zu wenig daraus. Am Ende sehe ich vor allem das ungenutzte Potenzial. Das Finale funktioniert nicht als Auffangbecken mit großem „Ah-Effekt“, bei dem es endlich „Klick“ macht. Stattdessen trudelt die Geschichte eher unbefriedigend aus. Schade, da war mehr drin.

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Weil die 10-teilige Miniserie auf den Memoiren zweier Marines basiert, verzichtet sie auf einen strategischen Gesamtblick auf den Pazifikkrieg. Stattdessen greift sie prägnante, bekannte und teilweise kriegsentscheidende Schlachten heraus und porträtiert sie in ihrem ganzen Grauen. Diese episodische Erzählweise erfüllt zwar einen höheren Realismusanspruch, erschwert es jedoch, eine tiefere Bindung zu den Figuren aufzubauen. Man begleitet die Soldaten nicht kontinuierlich, sondern wird – genau wie die Marines selbst – unvorbereitet in die jeweiligen Einsätze hineingeworfen: erst nach Guadalcanal, später nach Peleliu, Iwo Jima und Okinawa. 

Etwas seltsam erscheinen die Episoden, in denen das Liebesleben der Marines im Mittelpunkt steht. Die formelhafte 3. Episode mit einer zarten Romanze in Australien und die Liebesgeschichte in der 8. Folge führen weit weg vom Krieg und bremsen das Erzähltempo aus. Auf der anderen Seite funktionieren sie als starker Kontrast. Denn bald darauf müssen die Marines wieder an die Front, durch Schlamm kriechen, ihre Kameraden sterben sehen und desorientiert nur knapp dem Tod entkommen – oder ihn sogar finden. 

Ohnehin sind die Kampfsequenzen die größte Stärke der Serie. Man sieht der Serie an, dass sie mit über 200 Millionen Dollar Budget unfassbar teuer war und überwiegend nicht in Studios gedreht wurde. Die unpersönlichen Gefechte, die permanenten Granateneinschläge und die kurzen Befehle ohne große Erklärungen verbinden sich zusammen mit der unruhigen Kamera und einer wuchtigen Soundkulisse zu einem Mix, der das Grauen des Krieges perfekt unterstreicht. Doch noch stärker ist die Charakterisierung der Soldaten. Während nur wenige als Helden inszeniert werden, zeigt die Serie weitaus mehr verrohte Männer, die darauf gedrillt wurden, japanische Soldaten zu töten, und dabei ihr Gewissen, ihre Moral und letztlich sich selbst verlieren. Gerade Rami Maleks („Mr. Robot”) Charakter „Snafu” sorgt immer wieder für schockierende Szenen. Generell ist das Darstellerensemble überzeugend. Zwar sind keine großen Stars dabei, aber alle erfüllen ihre Aufgaben sehr gut.

„The Pacific” ist düsterer, dreckiger und realistischer als „Band of Brothers”, weil das psychische Trauma und die moralische Abstumpfung der Soldaten radikaler herausgearbeitet werden. Dieser Ansatz überzeugte mich und rückt die Miniserie tonal näher an „Apocalypse Now” heran als an ihren Vorgänger, bei dem Kameradschaft und ein gewisser Pathos im Mittelpunkt standen. Leider bremsen die fragmentarische Erzählweise und die Landgänge die Handlung immer wieder aus, zudem wirken die Spezialeffekte an einigen Stellen leider ein wenig aus der Zeit gefallen.

Zusammenfassend möchte ich die Antikriegsserie „The Pacific” als ideales Komplementärwerk zu „Band of Brothers” empfehlen. In einigen Facetten ist sie sogar stärker, in vielen anderen wiederum nicht. Dennoch ist „The Pacific” gerade wegen ihres anderen Fokus absolut sehenswert und lädt zu einer tiefergehenden Online-Recherche ein.

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Penny (Robyn Malcolm, überragend) wirkt wie eine gefestigte Frau, die als Lehrerin voll im Leben steht und dennoch einen guten Zugang zu der Jugend hat. Ihr großer Schatz sind ihre Tochter Grace (Tara Canton) und ihr kleiner Enkel Walt, mit dem sie gerne viel Zeit verbringt. Doch eines Tages wird ihr Leben komplett auf den Kopf gestellt: Die Geister der Vergangenheit suchen sie in Form ihres Ex-Manns heim. Phil (Peter Mullan, „Ozark”, „Westworld”, sehr stark) kehrt nach 5 Jahren im schottischen „Exil” zurück nach Neuseeland und zieht sofort bei der gemeinsamen Tochter ein. 

Innerhalb der ersten Episode wird deutlich, warum für Penny eine Welt zusammenbricht. Auf einer Party vor 5 Jahren sah sie, wie Phil gemeinsam mit dem leicht bekleideten 15-jährigen Olli (Ian Blackburn, sehr gut) im Bett lag und ihn sanft streichelte, nachdem dieser sich zuvor übergeben hatte. Penny entschied sich damals, die Situation zu eskalieren und ihren damaligen Mann öffentlich des Kindesmissbrauchs zu bezichtigen. Zudem drängte sie „das Opfer” zur Polizei zu gehen. Der sah dafür aber keinen Grund, denn Phil war „nur nett”. Auch die polizeilichen Untersuchungen führten zu nichts, Phil wurde niemals angeklagt. Einige hielten und halten immer noch zu Penny, doch viele in der Kleinstadt sind der Meinung, sie habe sich die Geschichte nur ausgedacht, um Phil zu schaden. Am meisten kränkt Penny aber, dass ihre Tochter und ihr Sohn den Vater wieder in ihre Leben lassen wollen. Angetrieben von dem Wunsch, andere vor Phil zu schützen, begibt sie sich auf einen destruktiven Trip. Sie schlägt blind in alle Richtungen aus und trifft frustrierende, objektiv „dumme” Entscheidungen. 

Die Miniserie ist handwerklich solide produziert, das Neuseeland-Setting wird durchaus frisch, wobei sich ein großer Teil der dialoglastigen Serie in geschlossenen Räumen abspielt. Das absolute Faustpfand sind die starken Darsteller. Robyn Malcolm spielt eine Frau, fernab der typischen Hollywood-Heldinnen, die fehlerbehaftet ist und ständig impulsive, falsche Entscheidungen trifft. Ihr „Widersacher” hingegen ist ein charmanter Kerl, der scheinbar seine Würde behalten hat und nie laut wird. Diese Dynamik sorgt für eine herausragende moralische Ambiguität. Zu Beginn glaubt man Penny, doch mit der Zeit mehren sich die Zweifel an ihrer Geschichte – sowohl bei ihren Unterstützern und Freunden innerhalb der Serie als auch vor dem Bildschirm bei der Zuschauerschaft. 

Das ist extrem clever gelöst, führt aber in der Mitte erzählerisch zu einigen Längen und frustrierenden Momenten. Ständig möchte man Penny zurufen, dass sie mit ihren Handlungen sich ständig selbst sabotiert und mehr auf ihre Mitmenschen hören sollte. Psychologisch ist das zwar konsequent, als Zuschauer aber phasenweise anstrengend.  Letztlich zahlt sich dieser zähe Mittelteil, der sich zeitweise in Nebensträngen zu verlieren droht, im fulminanten Finale jedoch aus: Im Finale war ich angespannt wie selten und rutschte nervös auf der Kante meines Stuhls hin und her. Hier wird die Story zum atemberaubenden Thriller.

„After the Party” ist ein großartig gespieltes Familiendrama über die verheerenden Auswirkungen eines mutmaßlichen Missbrauchs. Das Drama ist sorgsam konstruiert und lebt von seinem brillanten Cast. Trotz kleinerer Längen und manch glücklicher Zufälle im Skript ist diese Miniserie – sofern man vom Thema nicht getriggert wird – ein echter Geheimtipp im frischen Neuseeland-Setting.

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Da die Miniserie auf einem realen Fall basiert, gilt: Je weniger Vorwissen man hat, desto spannender ist das Seherlebnis. Nach dem tragischen Unglück stellt sich zunächst die Frage, ob es sich um einen Unfall oder einen Anschlag handelte. Dafür arbeitet die lokale schottische Polizei mit dem FBI zusammen, die aufgrund der hohen Anzahl von amerikanischen Staatsbürgern unter den Toten ebenfalls bei der Ermittlung mitmischen wollen. Die Zusammenarbeit ist allerdings von gegenseitigem Misstrauen geprägt. Das FBI darf viele Informationen nicht mit den Schotten teilen, so dass die Polizisten vor Ort häufig unnötig in Sackgassen landen. Erst als sich beide Parteien zusammenraufen, gelingt es, die mutmaßlichen Drahtzieher vor Gericht zu bringen. 

Handwerklich kann man der Serie wenig vorwerfen. Die nachgebaute Stadt Lockerbie sieht authentisch aus, auch die verstreuten Trümmerteile sowie die Rekonstruktionen der Flugzeugmodelle und Frachtcontainer überzeugen auf ganzer Linie. Während die Außeneinsätze in Malta eine stimmige Atmosphäre transportieren, fallen die Szenen in Jordanien, den USA und Neuss (wo gebrochen Deutsch gesprochen wird) etwas ab. Generell sitzen die Personen häufig in Büros und rätseln, was die Serie spürbar entschleunigt. Der bürokratische Prozess wird zwar akkurat dargestellt, aber er frustriert sehr – vielleicht bewusst, weil man die Ohnmacht der echten Ermittler abbilden wollte. Ebenso verliert sich die Miniserie ein wenig in Nebenhandlungssträngen, wenn es speziell um den Umgang der Behörden mit den Angehörigen der Opfer geht. Das ist zwar sehr respektvoll und ein schönes Schlaglicht, für meinen Geschmack bekommt es aber zu viel Zeit eingeräumt. Ähnliches gilt für das Privatleben der Ermittler: Das zeichnet zwar ein umfassendes Gesamtbild, erweist sich für das Erzähltempo jedoch als Bremsklotz. 

Interessant ist darüber hinaus die durchweg schottische Perspektive. Die Polizisten vor Ort gehen respektvoll mit den Hinterbliebenen um, sie wollen alle Ermittlungsergebnisse teilen. Das FBI hingegen möchte lieber allein ermitteln, ignoriert die Familien der Opfer und lässt auch noch Hinweise entwischen. Genauso dämlich ist das BKA. Ob das tatsächlich exakt so gewesen ist, kann ich nicht beurteilen, aber die Färbung der Geschichte ist offensichtlich: Vielleicht aber auch genauso richtig! Das Darstellerensemble überzeugt überwiegend. Zwar entsprechen einige melodramatische Szenen rund um verstreute Kinderschuhe, Weihnachtsgeschenke und trauernde Angehörige gängigen Klischees, emotional funktionieren diese Momente aber dennoch gut. 

Zusammenfassend ist „The Bombing of Pan Am 103” eine handwerklich starke Rekonstruktion der damaligen Ereignisse, aufbereitet als respektvolles, atmosphärisches Dokudrama. Sie richtet sich damit eher an Geschichtsinteressierte als an klassische Thriller-Fans. Mir gefiel dieser detaillierte, umfassende Ansatz allerdings sehr gut, wobei ich empfohlen hätte, die Geschichte etwas zu entschlacken und auf Redundanzen zu verzichten.

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In nur 6 Episoden und einer Gesamtlaufzeit von knapp unter 150 Minuten erzählt „Takopi’s Original Sin” eine etwas wirre Story voller Gegensätze. Als Protagonist dient das titelgebende Alien, das vom „Happy Planet” stammt und dessen Aufgabe es ist, Glückseligkeit zu verbreiten. Takopi ist sehr naiv und versteht die Menschenwelt gar nicht, so dass ihm anfangs das Konzept von Mobbing, Depressionen und Traurigkeit völlig fremd erscheint. Mithilfe seiner Glücklichkeits-Gadgets versucht er im Jahr 2016 der 9-jährigen Shizuka zu helfen. Sie wird allerdings in der Schule brutal gemobbt, weil ihre Mutter eine Escortdame ist. Nach einem folgenschweren Fehler nutzt Takopi seine Zeitreisekamera und versucht in mehreren Zeitschleifen den Lauf der Geschichte zu verändern. Doch durch seine Versuche, Shizuka glücklich zu machen, gerät das pinke Oktopus-artige Wesen in immer größere Schwierigkeiten.

Die Miniserie zieht einem die Schuhe aus und reißt einem das Herz heraus. Der Kontrast des glücklichen Aliens mit den realen Problemen von Kindern, die durch Mobbing, häusliche Gewalt und versagende, missbräuchliche Eltern gezeichnet sind, funktioniert hervorragend. Das Alien vom Happy Planet kann anfangs gar nicht verstehen, warum Menschen so handeln würden, wie sie es tun. Doch nachdem es Gewalt aus erster Hand erlebt hat, beginnt es zu verstehen und wird in die bedrückende, hoffnungslose Atmosphäre selbst hineingezogen – so wie der Zuschauer selbst. Die Zeitreise- und Zeitschleifen-Thematik fügt der Miniserie zudem das gewisse Etwas hinzu. Man muss allerdings aufmerksam sein, um alles zu verstehen, gerade beim Ausflug ins Jahr 2022. Mein einziges Manko ist der letzte Twist, den ich als etwas abrupt (und zu einfach) empfand. Man hätte dem Handlungsstrang gerne mehr Zeit widmen können. Der letzte Monolog Takopis ist hingegen enorm bitter, pointiert und emotional zerstörend. Was für eine Wucht diese kleine Miniserie doch in sich trägt: Unfassbar.

„Takopi’s Original Sin” basiert auf einem Web-Manga und ist eine depressive Animeserie, die radikal fies und bitterböse realistisch ist. Dabei werden stets Kinder zu Opfern ihrer Umgebung und speziell ihrer Eltern. Das ist ultimativ harter Tobak und deshalb schwer zu empfehlen. Wer aber von Serien gern herausgefordert wird und wen die extreme Schere zwischen süßer Optik und harten Themen nicht stört, der wird von dieser Miniserie emotional mitgerissen. Die Serie ist ein Erlebnis und eine melancholische, düstere Meisterleistung, die sehr sehenswert ist.

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Die Handlung startet in den 1960er Jahren in Hollywood. Albert S. Ruddy (Miles Teller) ist eigentlich Programmierer, möchte aber als Filmproduzent durchstarten und erzielt einen ersten Achtungserfolg mit einer Sitcom. Daraufhin versucht er es bei Paramount und wird vom dortigen Chef Robert Evans (Matthew Goode) unter seine Fittiche genommen und mit Verfilmung des absoluten Buch-Bestsellers betraut. Ruddy muss die kreative Vision von Francis Ford Coppola (Dan Fogler) gegen alle innerhalb von Paramount verteidigen – er nimmt den Buchautor als Drehbuchautor, er unterstützt die Wahl von Al Pacino als Michael (Anthony Ippolito, herausragend), obwohl dieser „zu klein für die Rolle ist”, er drückt die Hauptrolle für Marlon Brando durch. Zeitgleich sucht er Wege, um die reale Mafia zu beschwichtigen, denn diese droht damit, den Film zu sabotieren, weil ihnen das Buch nicht gefiel. Dadurch gerät er in den Strudel der organisierten Kriminalität. Gegen Ende spielen vor allem kreative Differenzen mit den höheren Studio-Bossen eine Rolle. Darf der Film wirklich so lang sein? Wie vermarktet man ihn? Wie macht man ihn zum Erfolg? Die Miniserie zeichnet diesen komplizierten Weg zum Ruhm gekonnt nach und feiert durch zahlreiche Referenzen das New Hollywood Kino.

„The Offer” ist perfekt für Filmfans und Cineasten. Nicht, weil die Inszenierung der Miniserie selbst herausragend ist, sondern weil Meilensteine der Filmgeschichte abgefeiert werden. Die Kritiker stoßen sich wohl leider an vielen Ecken und Kanten dieser 10-teiligen Miniserie, dem Mainstream hingegen gefällt sie sehr gut. Ich hatte viel Spaß mit der Geschichte, obwohl ich zugeben muss, dass vermutlich auch 8 Episoden ausgereicht hätten und sich die Erzählung ab und an zu sehr in Nebenhandlungssträngen verstrickt. Etwas mehr Stringenz hätte der Miniserie geholfen, dennoch ist sie nicht langweilig, wenn man sich auf die Figuren einlässt. Für mich gab es einige magische Momente: Häufig werden bekannte Szenen in ihrer Entstehung am Set gezeigt. Das sind besondere Leckerbissen, von denen ich gerne noch mehr gesehen hätte. Dennoch taugt die Geschichte durch die zahlreichen Twists und Hindernisse bereits ohne den großen „Der Pate”-Bezug als eigenständige „Ein Mann (und seine Sekretärin) entgegen allen Widerständen”-Story. Man muss den Film nicht zwingend kennen, aber es erhöht natürlich den Sehgenuss. Zudem bekam ich nach der Miniserie direkt Lust „Der Pate” zu streamen.

„The Offer” ist eine unterhaltsame Dokudrama-Serie über die Entstehung eines Meisterwerks der Filmhistorie – erzählt als Heldengeschichte. Das starke Ensemble spielt die realen Vorbilder überzeugend, die Inszenierung ist solide. Natürlich ist die Geschichte etwas dramatisiert, man sollte keine Dokumentation erwarten. Aber Fans des alten Hollywood-Kinos und Freunde von Filmen über das Filmemachen (aus Produzentensicht) kommen auf ihre Kosten.

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Die guten Freunde Alfred und Sigbjørn entscheiden sich noch 1939 zur See zu fahren, im Glauben und der Hoffnung mit dem Krieg nichts zu tun zu haben. Natürlich werden sie aber schnell ins Kriegstreiben mit hineingezogen durch den norwegischen Kriegseintritt auf alliierter Seite. Derweil leidet Alfreds Familie (Frau+3 Kinder) daheim unter der deutschen Besatzung und später auch den Luftangriffen der Alliierten. Per Schlaglichtern werden einzelne Kriegsjahre und Ereignisse immer wieder genauer beleuchtet und es wird in die Tiefe gegangen. Diese Machart setzt sich auch nach dem Ende des 2. Weltkriegs so fort.

Insgesamt ist „War Sailor” eine klassische, emotional harte und top ausgestattete Kriegsserie, erzählt aus norwegischer Perspektive (worüber man jetzt nicht zwingend schon alles weiß). Hinzu kommen tolle Darsteller. Die erste Folge mit viel Exposition ist sicher die schwächste, aber danach wird das Erzähltempo schnell erhöht, so dass bis zum Schluss keine Langeweile aufkommt. Zwar geht die Handlung in der letzten Folge erst einen zu klassischen Weg, nimmt aber dann doch eine bessere Wendung und gipfelt in einer fantastischen letzten Sequenz, bei der ich pure Gänsehaut hatte.

Ich weiß nicht, ob der Film besser oder schwächer ist, aber diese dreistündige Miniserie für Netflix ist absolut sehenswert. Empfehlenswert für Fans von emotionalen Kriegsdramen, die auch die Familie an der Heimatfront nicht vernachlässigen. Das Norwegen Setting sorgt zudem für „frischen Wind“.

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Ein erschütternder und echt klingender Notruf geht an einem Freitag um 1.15 Uhr ein. Zwei Streifenpolizisten gehen dem nach, betreten einer nach dem anderen das Haus (warum auch immer) und werden beide enthauptet. Thomas Berg (Jakob Oftebro) übernimmt die Ermittlungen. Dabei sucht er die Unterstützung seines Vaters, der dem Alkohol verfallen ist und kein Interesse an ihm hat. Ihre Probleme kommen aber kaum über ein „Du warst ein schlechter Vater” hinaus. Währenddessen hält der Serienkiller die Polizei im Würgegriff. Denn er wiederholt sein Muster. Jeden Freitag um 1.15 Uhr gibt es einen Notruf, die zwei Polizisten, die daraufhin ausrücken, werden blutig ermordet. Das hält immerhin das Tempo hoch, aber gleichermaßen wird dadurch (unbewusst) unterstrichen, wie schlecht die Polizisten eigentlich arbeiten. Selten gibt es Erkenntnisse und meistens liegt die Lösung für alle, die schon mal einen Krimi gesehen haben, auf der Hand – nur eben nicht für die Ermittler. Zudem muss man einige Logikhürden an mehreren Stellen überspringen. Wie z.B., wenn aus dem Haus 9 statt 8 Polizisten herauskommen, aber niemand etwas von der überschüssigen Person mitbekommen hat. Oder der Täter überall penibel säubert, aber nicht bei sich zuhause.

Das größte Problem ist aber die schwache Konstruktion der Miniserie. Um für Schockmomente, eine emotionale Involviertheit und die persönliche Bedrohung der Hauptfiguren zu sorgen, handeln einen Haufen von Charakteren arg dämlich und unfassbar sorglos. „Hey, hier gibts einen Typen, der ständig zwei Cops mit Schusswaffen überwältigt und enthauptet, lass mich mal allein zu dem gehen”. Wobei darin fast noch das größere Problem liegt: Denn bis zum Ende gibt es keine Erklärung dafür, wie der Killer die Morde beging und warum das stets so einfach für ihn war. Das Finale setzt dem Ganzen die Krone der Quatschigkeit und Unglaubwürdigkeit auf. Man konstruiert so lange Parallelen, bis alles gar keinen Sinn mehr ergibt. Durch den Ritualmord-Kram versucht man eine gewisse spannende Mysterykomponente beizumischen, aber das reicht leider nicht aus. Immerhin sind die Produktion und Inszenierung solide.

Die 5-teilige Miniserie „Blutopfer” ist als kurzer, blutiger Snack einigermaßen unterhaltsam, wenn man sich nicht zu sehr an Logikproblemen und dummen Charakterentscheidungen stört. Allerdings sättigt die Serie weder den Anspruch an einen durchdachten Krimifall noch an interessante, authentische Charaktere und versaut das Ende ordentlich. Schade.

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In den 50er Jahren treffen sich Hawk (Matt Bomer) und Tim (Jonathan Bailey), die beide für die US-amerikanische Regierung arbeiten. Schnell entbrennt eine leidenschaftliche Liebe, die allerdings extrem kompliziert ist, weil offen Homosexuelle von der Gesellschaft geächtet werden. Das intensiviert sich in der McCarthy-Ära, als vom gleichnamigen Senator eine Verdächtigungswelle („Red Scare”) gegen angebliche Kommunisten innerhalb des Regierungsapparats losgetreten wurde. Diese weitete sich kurz darauf auch auf Schwule und Lesben aus („Lavender Scare”), weil man glaubte, dass diese aufgrund ihrer sexuellen Orientierung einfach erpressbar wären. Dieser historische Kontext erklärt, warum Hawk und Tim ihre Liebe nicht ausleben können, sondern sich immer verstecken müssen – speziell, wenn sie weiterhin Karriere machen wollen. Somit driften die beiden häufig auseinander. Hawk denkt daran, sich offen mit einer Frau zu verheiraten und eine Familie zu gründen, Tim hat große Probleme mit seiner Religiosität, die er nicht so recht mit seiner sexuellen Orientierung in Einklang bringen kann. Doch ohne den jeweils anderen können die beiden auch nicht.

Die ersten 5 Episoden fokussieren sich noch sehr auf die 50er Jahre, zwischen den folgenden 3 Folgen finden größere Zeitsprünge statt. Die ganze Zeit über gibt es eine Rahmenhandlung, die im Jahr 1986 spielt, in der Hawk verzweifelt versucht, Kontakt zu einem an Aids erkrankten Tim herzustellen. Aufgrund dieser Konstruktion nimmt die Geschichte speziell im letzten Drittel deutlich an Fahrt auf, in den ersten 5 Folgen gibt es ein paar Längen und Redundanzen. Dennoch fällt das kaum ins Gewicht einer Geschichte, die nicht nur oberflächlich von den ganzen Diskriminierungen der Schwulen- und auch der Schwarzen-Community in einem Nebenhandlungsstrang (durch Jelani Alladin getragen) erzählt. Sei es von der steten Angst entdeckt zu werden, den intimen Befragungen und pseudowissenschaftlichen Tests von Ärzten, die jemanden der Homosexualität „überführen” sollten oder ekelhaften Elektroschocktherapien zur „Heilung”. Dabei kommt auch die Rolle von Lucy (Allison Williams) nicht zu kurz, die unbewusst als Scheinfrau für Hawk agiert. Was macht es mit einer Frau und einer Familie, wenn der Vater und Ehemann eine Lüge lebt? 

Sehr positiv ist, dass die beiden Hauptrollen an offen queere Darsteller vergeben wurden. Das spürt man auch in der Chemie der beiden Hauptfiguren zueinander, die beiden spielen ausgesprochen überzeugend. Diese Authentizität merkt man auch an den doch recht expliziten Sexszenen, viel Dirty Talk und ein paar ausgelebten Fetischen/Kinks, die heterosexuelle Darsteller vielleicht nicht so ausgespielt hätten. Die Produktion ist darüber hinaus absolut solide. Inszenatorisch gibt es keine herausragend kreativen Kniffe, einzig die ständigen Zeitsprünge brechen das Klassische etwas auf. Die Kostüme sind gut, speziell die 50er Jahre wirken sehr authentisch. Die Alterungsmasken sehen okay, aber nicht großartig aus. 

„Fellow Travelers” ist über weite Strecken ein Politthriller, bei dem es um die stets reale Gefahr geht, dass die beiden Hauptcharaktere auffliegen könnten. Dennoch steht die Liebesgeschichte mit zahlreichen romantischen Szenen, viel Sex und typischen Höhen und Tiefen im Mittelpunkt. Durch die historische Einbettung und den diskriminierenden Kontext trägt die Serie naturgemäß ein anderes Gewicht als eine schwule Lovestory, die heutzutage spielt. Genau das gefiel mir ausgesprochen gut. Die Romanze selbst gewinnt hingegen keine Originalitätspreise, aber durch die Chemie der beiden Figuren wirkt sie authentisch. Zudem sind die Figuren keine durchweg positiven, sondern glänzen mit innerer Zerrissenheit und komischen Angewöhnheiten. Ich bin weiterhin kein ausgewiesener Fan des Genres (egal ob homo- oder heterosexuell), aber in „Fellow Travelers” werden Politik, Geschichte und Liebe kunstvoll miteinander verwoben.

Ich weiß nicht, ob „Fellow Travelers” vielleicht sogar die beste Serie über eine schwule Liebe ist, dafür habe ich zu wenige Vergleichsserien gesehen. Für mich landet das Romanzen-Epos aber aufgrund der historischen Tiefe in meinen persönlichen Top 5 der Serienromanzen (egal ob queer oder straight). Fans von „Heartstopper” oder „Heated Rivalry” können vielleicht auch mal einen Blick hineinwagen, obwohl der historische Kontext für einen gänzlich anderen Vibe und eine andere Schwere sorgt. Ansonsten ist „Fellow Travelers” etwas für Freunde von historischen Politthrillern.

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Der Oberschüler Yuji Itadori ist ungewöhnlich stark, aber ansonsten recht normal. Er kümmert sich in seiner Freizeit um seinen kranken Opa und frequentiert den Okkultismus-Club seiner Schule, in dem die Gruppe ein sogenanntes Fluchobjekt untersucht. Eines Tages wird Megumi, ein Schüler der örtlichen Jujutsu-Schule der Magie, damit beauftragt das Fluchobjekt zur Akademie zu bringen, weil von ihm Gefahr ausgehen könnte. Doch der Fluch manifestiert sich und bildet eine spezielle Kampfzone, die außerhalb der normalen Realität zu liegen scheint. Innerhalb der Zone entscheidet sich Yuji – der gerade noch seinem sterbenden Großvater versprach Menschen zu helfen – in Megumis Kampf gegen den Dämon einzugreifen. Doch da er keine übermäßigen Kräfte besitzt, fällt ihm nur eines ein: Kurzerhand verspeist Yuji den Finger aus dem Inneren des Fluch-Amuletts und wird dadurch superstark. Doch leider wohnt nun der Dämonenkönig Sukuna in ihm und übernimmt manchmal die Kontrolle über seinen Körper… 

Bald darauf wird Yuji vollständig in den Bann der Kaisen-Akademie gezogen. Dabei entwickelt sich aus der relativ kleinen, absurden Dämonenfluchgeschichte eine weitaus größere Haupthandlung rund um das Wirken der Jujutsu-Akademien und der zahlreichen Studenten der Akademie. Die Studenten erhalten unterschiedliche Ränge und sind begnadete Kämpfer, die mit einer eigenen Fluchkraft gegen die bösen Flüche kämpfen, von denen es wiederum einige gibt. An dieser Stelle wurden für mich die „Dragon Ball” Parallelen deutlich, die mit „Battle Royale” (speziell „Panem”) gemischt wirken. Denn es handelt sich um Kämpfer von verschiedenen Schulen, die in einem Turnier gegeneinander antreten und ihre unterschiedlichen Superkräfte präsentieren, während alles beobachtet wird, aber auch wahre Dämonengefahren lauern.

Die Story ist absurd, aber nicht so wichtig. Man wird sofort in diese groteske Welt hineingesogen. Denn das Pacing der Serie ist zu Beginn sehr temporeich, ständig gibt es Actionsequenzen, ständig wird sich geprügelt. Die interessante Handlung rund um Flüche und Dämonen tritt nach den ersten 7 Folgen Feuerwerk etwas auf die Bremse und entscheidet sich stattdessen den Fokus und sein Charakterensemble zu erweitern. Ab diesem Zeitpunkt wird „Jujutsu Kaisen” klassischer. Das ist nach dem großartigen Start etwas enttäuschend, weil es dann auch Fillerfolgen gibt und sich einiges nach (unnötig) aufgeblasener Handlung anfühlt. Alles in allem ist das große Turnier der verschiedenen Schulen ein großes Durcheinander, dass allerdings weiterhin einige Highlightfolgen in seinen insgesamt 24 Episoden der 1. Staffel zu bieten hat.

Staffel 2 steigt mit einer Art Prequel langsamer ein, ehe danach im Shibuya Incident wahre Actionfeuerwerke abgebrannt werden. Man sieht den Animationen richtig an, dass darin viel Geld investiert wurde. Die Kämpfe sind wunderschön inszeniert und die Kampftechniken der vielen verschiedenen Charaktere sehr unterschiedlich, kreativ und spannend visualisiert. Manchmal ist das so weit draußen, dass eine Erzählerin einordnen muss, was da eigentlich gerade alles passiert. Ich verlor allerdings schnell den Überblick über diese ganze Heerschar an Charakteren, ihre Motivationen, ihre Seite, ihre Kraft. Teilweise hatte ich das Gefühl das Wiki parallel offen haben zu müssen, das könnte aber auch zumindest teilweise daran liegen, dass ich die 2. Staffel immer in Wochenblöcken von 4 Folgen schaute und damit immer etwas Pause dazwischen lag. Für Actionfans legt Staffel 2 aber nochmal eine Schippe drauf, die Kämpfe sind krass.

In Staffel 3 fügt sich endlich alles zusammen. Es wirkt fast so, als hätte man sich die vorherige Kritik zu Herzen genommen und würde sich bemühen, nun mehr Hintergründe und Erklärungen zu liefern. Der Fokus liegt in dieser Staffel auf den sogenannten Metzelspielen, die nach dem überraschenden Ende der 2. Staffel sofort ausgerufen werden. In übersichtlichen Grafiken werden anfangs die Regeln erklärt, wodurch man einen guten Überblick über das Ausmaß der Spiele und die Ziele unserer Heldengruppe bekommt. Auch in den Kämpfen gibt es nun mehr Erklärungen. Die Kampfstile der verschiedenen Figuren sind weiterhin einzigartig und somit auf den ersten Blick schwer zu verstehen. Doch dieses Mal gibt sich die Serie extrem viel Mühe, alles verständlich zu machen. Exemplarisch dafür steht der Kampf gegen die Dame mit den Sternbildern. Die Actionsequenzen sind weiterhin großartig, und jetzt stimmt auch das Drumherum. Erzählerische Atempausen gibt es bei der nur 12 Folgen umfassenden 3. Staffel ebenfalls nicht. Nur schade, dass wir nun auf den zweiten Teil der Metzelspiele noch eine Weile warten müssen.

Zusammenfassend ist „Jujutsu Kaisen” ein Fantasy-Action-Abenteuer-Spektakel, das von vielen unterschiedlichen Animes inspiriert scheint und eine gewisse Person Wahnsinn ausstrahlt. Klingt diese Mischung sehr seltsam? Vielleicht, aber letztlich ist die Serie in den ersten beiden Staffeln überwiegend unterhaltsam, temporeich, stark inszeniert und gut animiert (gezeichnet). Somit möchte ich die Serie empfehlen, zumindest wenn man mit Dämonen, Action oder Dragon Ball etwas anfangen kann. Fans von toll inszenierten Anime-Kämpfen kommen voll auf ihre Kosten.

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