Die 6-teilige Miniserie nimmt sich anfangs kurz Zeit die Vorgeschichte zu präsentieren, bevor in der 3. Episode die Belagerung beginnt. Die Sekte (Branch Davidians) lebt in ihrem Anwesen mit ihren Kindern unter der Leitung von David Koresh (Taylor Kitsch), ihrem Messias, dem sie treu ergeben sind. Koresh zeugt mit den Frauen (und Jugendlichen) mehrere Kinder und frönt der Polyamorie, während er von seinen Leuten sexuelle Enthaltsamkeit und absoluten Gehorsam einfordert. Aussteiger bringen zunächst das Jugendamt (wegen Kindesmisshandlung) und dann auch das ATF (Behörde für Schusswaffen) auf die Spur der Sekte, die sich illegal bewaffnet, weil sie theologisch von großen Konflikten ausgehen. Nach einem fehlgeleiteten Zugriff übernimmt das FBI die Führung. Der erfahrene Verhandlungsführer Gary Noesner (Michael Shannon) erzielt schnell erste Erfolge. Doch seinen Vorgesetzten geht alles nicht schnell genug, sie drängen mehr in Richtung einer Eskalation.

„Waco” ist ein inszenatorisch solides Dokudrama, das von guten Leistungen der Darsteller und einer schockierenden Geschichte lebt. Ich wusste zuvor nichts von der Handlung und war dementsprechend überrascht, dass es sich um keine klassische Sektengeschichte handelt, sondern um die Erzählung einer Belagerung aus vielen verschiedenen Perspektiven. In den ersten beiden Episoden wird demnach Exposition betrieben, aber spätestens ab Folge 3 nimmt die Handlung spürbar an Fahrt auf und bleibt bis zum Ende spannend und interessant. Im Verlauf kann die Stimmung kippen, wenn die Entscheider des FBIs auf einmal verrückter wirken, als der Sektenführer, der behauptet, mit Gott zu sprechen. Diese Ambivalenz gefiel mir sehr gut. Am Ende bleiben ein paar Zweifel, ob die damaligen Ereignisse in der Serie wirklich realistisch dargestellt wurden, plausibel erscheint es aber komplett.

„Waco” ist eine kurzweilige und interessante Miniserie, die auf wahren Ereignissen basiert und ein erschreckendes Ereignis ins Zentrum stellt. Fans von Dokudrama, die wütend machen und einen ungläubig zurücklassen, und True-Crime-Fans kommen dabei auf ihre Kosten.

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„1923” schließt grob an „1883” an und wurde erneut von Taylor Sheridan geschrieben und erschaffen. Nach der blutigen Reise der Vorgängerserie sind die Duttons nun in Montana angekommen, wo sie viel Land und eine große Viehherde besitzen und bewirtschaften. Doch die Probleme folgen ihnen erneut. Eine Dürre führt dazu, dass es kaum noch Land zum Grasen gibt, so dass es zu Konflikten mit anderen lokalen Farmern kommt (Jerome Flynn, „Game of Thrones”). Doch damit nicht genug. Es gibt auch noch einen superbösen britischen Geschäftsmann (Timothy Dalton, gut), der mit seinen reichen Freunden am Tisch alle paar Folgen die Welt unter sich aufteilt (oder so) und das Dutton-Land für seine touristischen Projekte braucht. Zu dieser spannenden Hauptstory gesellt sich eine Lovestory rund um Spencer Dutton und seine künftige Ehefrau Alex, die nach Montana kommen sollen, um Krieg zu führen. Außerdem gibt es eine große Storyline rund um eine amerikanische Ureinwohnerin (Aminah Nieves), die von Nonnen und einem Priester in einem christlichen Umerziehungsheim schikaniert wird. Generell fand ich diese Geschichte durchaus spannend und natürlich ist es löblich, dass die Schicksale amerikanischer Ureinwohner nicht unter den Tisch fallen. Mit der Hauptstory zu tun, hat es allerdings exakt gar nichts, was befremdlich wirkt, da zwei Erzählstränge nebeneinander herlaufen, ohne sich zu verbinden. Warum auch immer wird auch viel Zeit für die sadistischen Neigungen des Geschäftsmanns verwendet, die er mit Prostituierten auslebt.

„1923” ist schwer zu bewerten. Ein stimmungsvoller, atmosphärisch dichter Anfang bringt schnell den Krieg auf die Tageskarte und macht Lust auf mehr. Doch dann wird deutlich, dass der Krieg erst heiß werden wird, wenn Spencer zur Familie dazustößt. Leider verbringt er aber seine Zeit als Abenteurer in Afrika und auf Schiffen, wobei er sich verliebt und die beiden ein bisschen Titanic nachspielen. Das ist ungeheuer schmalzig, generell verfallen einige Dialoge dem Kitsch und viel dieser Geschichte plätschert und pilchert so vor sich hin. Somit wartet man von Folge 5 der ersten Staffel bis zur finalen 7. Folge der zweiten Staffel darauf, dass es endlich zum unvermeidlichen Showdown kommt. Diese Herangehensweise bläht die Episoden dazwischen extrem auf, speziell, weil sich immer wieder redundanten Handlungssträngen gewidmet wird, die für die Hauptgeschichte irrelevant sind oder nichts Neues zu erzählen haben. Generell werden ständig Frauen gequält, was historisch vermutlich absolut korrekt ist, aber in der Häufigkeit befremdlich wirkt. Zwar bekommen einige Frauen ihre Rache, aber leider auch nicht alle und ab und an kann nur der heldenhafte Mann in glänzender Rüstung den Tag retten.

In Sachen Produktion und Inszenierung kann man „1923” kaum etwas vorwerfen. Die Kulissen sind hochwertig, die Bilder der riesigen, weiten Landschaften sind atemberaubend schön. Die Darstellerriege ist sehr gut, auch weit über die beiden Hauptdarsteller hinaus. Die Musik bedient sich vieler Streicher und beherrscht die allzu typische Klaviatur des Kitschkinos. 

Fans von „Yellowstone” und „1883” kommen auch bei „1923” auf ihre Kosten, die Reihe sortiert sich nahtlos in das bekannte Universum ein. Zudem ist die Serie etwas für Fans von Romanzen. Ich werde mit dem „Yellowstone”-Franchise weiterhin nicht so richtig warm und habe kein Interesse mehr an weiteren Spin-offs. Das heißt aber keinesfalls, dass die Serie schlecht ist. Ich mochte den Anfang und das Ende gerne, mir war die Mitte allerdings zu lang.

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Whitney (Emma Stone) und Asher (Nathan Fielder, gleichzeitig Regisseur) sind seit rund einem Jahr verheiratet und arbeiten mit Ashers altem Freund, Mobber und heutigen Regisseur Dougie (Benny Safdie, Co-Schöpfer) an einer Reality-TV Show. Darin wollen sie eine ärmere Nachbarschaft umweltfreundlich umbauen, Passivhäuser liegen ihnen dabei am meisten am Herzen. Allerdings ist ihnen auch sehr wichtig, dass sie die lokale Community bestmöglich unterstützen – zumindest vor den Kameras. Denn bei einer gestellten Szene verschenkt Asher 100 Dollar an ein junges Mädchen, die er allerdings direkt danach wieder haben und gegen ein 20 Dollar Geschenk eintauschen will. Als Konsequenz verflucht ihn das Mädchen. Fortan drehen sich sein Leben und seine Beziehung zu Whitney nach und nach zum Schlechten und er fragt sich mehr, ob es diesen Fluch tatsächlich gibt.

Die 10-teilige Miniserie nimmt sich viel Zeit für das Parodieren und Sezieren von Reality-TV Shows. Dabei steht im Fokus, wie gestellt und falsch das alles ist. Zudem gibt es einen Haufen von unsympathischen und stereotypen Figuren und Handlungen, die übertrieben dargestellt sind, woraus sich eine gewisse Comedy entwickelt. Zudem ist der Fremdscham ein großes Thema. Gerade Asher greift permanent daneben und wird von allen Seiten gedemütigt – auch sein kleiner Penis ist beispielsweise sehr schnell Thema. Mir dauerte das, speziell in der Mitte, alles etwas zu lang. Nach einem interessanten Beginn sind die Fronten, Standpunkte und Charakterzüge früh dargelegt, die Handlung verliert sich dann etwas in belanglosen, teils anstrengenden Nebensträngen. Das Erzähltempo ist durchweg ziemlich langsam, 8 Episoden hätten sicherlich auch ausgereicht. Die Produktion ist sehr wertig, die Inszenierung gut. Neben den drei bereits genannten Darstellern erweitert Barkhad Abdi das Starensemble, alle spielen überzeugend.

Das Highlight der Serie, die lange Zeit dahin plätschert und nur halbwegs interessante Themen behandelt (und diese teils zu lang), ist definitiv die letzte Episode. Wenn der Fokus auf der Ehe und dem wahren Charakter Whitneys liegt, zeigt die Miniserie ihre größten Stärken. Im Finale wird das metaphorisch und völlig überhöht auf die Spitze getrieben. Aber das ist sehr unterhaltsam und visuell spannend umgesetzt.

„The Curse” ist eine ganz eigene Serie, die permanent mit der Frage der Ernsthaftigkeit des Fluchs spielt, dabei aber dem Genre des Beziehungsdramas mit Dramedy-Elementen treu bleibt. Fans von Satire, Parodien, Genremixen und neuen, frischen Ideen können mal einen Blick in diese mutige Serie wagen. Ganz einfach ist es allerdings nicht „The Curse” großartig und durchweg unterhaltsam zu finden.

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Lorna (Ruth Wilson, „The Affair”, „Luther”) ist eine von der Vergangenheit stark gebeutelte Frau. Sie schlafwandelt häufig und ist in ihrem Dorf als Person mit psychischen Problemen und einem gewissen Hang zur Wut bekannt. Eines Tages findet sie eine tote Frau in ihrer Wand, die allerdings später nicht mehr da zu sein scheint. Halluziniert Lorna? Und was hat sie eigentlich zu der Frau werden lassen, die sie heute ist? Im Verlauf der Handlung wird das immer deutlicher, speziell als der Kommissar Colman Akande (Daryl McCormack) dazu kommt und den Todesfall eines bekannten Priesters untersucht. Dabei fördert er eine Verbindung zu sogenannten Magdalenen-Wäschereien zu Tage. Dort wurden die Frauen zur Arbeit gezwungen, zudem wurden ihnen ihre Kinder abgenommen. Viele Kinder starben kurz darauf, einige wurden aber wohl auch adoptiert. Colman ermittelt, dass auch er eines dieser Kinder sein könnte. Währenddessen versucht Lorna das Grab ihrer Tochter zu finden. Daran schließt sich eine größere Handlung über die Vergangenheit, den Verbleib der Kinder und die tiefen seelischen Narben der Frauen und Mütter an, die damals unter dem Deckmantel der christlichen angeblichen Hilfseinrichtung gequält wurden.

Interessanterweise verwebt die Miniserie reale Ereignisse mit einer fiktiven Mysterystory mit Krimielementen. Denn leider gab es die Magdalenen-Wäschereien und die Quälereien der Frauen in solchen Einrichtungen in Irland tatsächlich. Der historische Hintergrund ist demnach bitter, schockierend und der stärkere Teil der Geschichte. Denn leider ist die Mysterygeschichte rund um Lorna anfangs unnötig wirr. Erst in der Mitte wird die Geschichte durch größeren Fokus auf Kriminalfall und Vergangenheit spannend, sie bekommt Gewicht. Leider werden bis dahin allerdings nicht alle durchhalten. Ich würde es aber empfehlen, denn sobald sich das große Bild mehr und mehr zusammensetzt, wird die Serie wirklich sehenswert. 

Die Darsteller sind alle gut, die musikalische Untermalung hat mir an vielen Stellen gut gefallen. Inszenatorisch treffen bewährte Einstellungen auf ein paar kreative Ideen, das Setting ist gut getroffen. Nicht jeder Dialog trifft ins Schwarze und manchmal handeln Figuren etwas komisch, aber im Großen und Ganzen hat „The Woman in the Wall” viele Qualitäten. Man muss allerdings festhalten, dass es auch harter Tobak ist. Wie mit den Frauen umgegangen wurde, war wirklich das Allerletzte und das ist zutiefst verabscheuungswürdig. Die Serie bietet keinen einfachen, unterhaltsamen Sehgenuss, sondern Themen, die einen auch emotional herausfordern.

„The Woman in the Wall” ist ein interessanter Mix aus Mystery, Drama und Krimi vor einem historisch korrekten, bitteren Hintergrund. Leider sind die ersten beiden Episoden so sperrig, dass viele danach aufhören würden. Doch das ist schade, denn im Ganzen lohnt sich die Miniserie.

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Harry Da Souza (Tom Hardy) ist so etwas wie die Exekutive in der Gangsterfamilie Harrigan. Wenn es ein Problem gibt, wird er angerufen und findet schnell eine Lösung. Lösungen, die er allerdings nicht für die Probleme mit seiner eigenen Familie findet. Zu Beginn muss er sich darum kümmern, dass der junge, aufbrausende und arrogant-naive Eddie Harrigan (Anson Boon) während einer Partynacht jemand anderen absticht. Harry sorgt dafür, dass alles unter den Teppich gekehrt wird, doch bald darauf fördert er ein viel größeres Problem zu Tage. Denn bei Eddies Aktion war auch der jüngste Sprössling der Stevensons zugegen, der seit dem Abend vermisst ist. Die Stevensons sind die großen Rivalen der Harrigans und bereits im Fentanyl-Geschäft verwurzelt. Sie verlangen Erklärungen. Als das Problem an den Patriarchen Conrad (Pierce Brosnan, herrlich übertrieben) und die Matriarchin (Helen Mirren, erfrischend böse) herangetragen wird, droht alles zu eskalieren. Denn in ihrer Selbstüberschätzung kokettieren sie stets damit den Kriegspfad einzuschlagen.

Interessant ist, dass sich „MobLand” auf eine Gangsterfamilie fokussiert, deren Stern unterzugehen droht – es wird nicht der Einstieg in den Drogenhandel und der Aufstieg präsentiert, sondern eine Familie, die strauchelt und nach Strohhalmen greift. Das ist inhaltlich aber auch das einzig Besondere an der Handlung. Denn natürlich geht es um rivalisierende Gangs, um Grabenkämpfe, um Intrigen, um Korruption, um die Polizei und vor allem um einen Haufen familiärer Probleme. Harry hat mit seiner Frau ständig Streit und auch innerhalb der Harrigan Familie gibt es fast pausenlos Zerwürfnisse und Konflikte. Einige Handlungsstränge gefielen mir dabei weniger gut (Harry und seine Frau und speziell seine Tochter und Eddie), aber wenn es ums Geschäft geht, ist die Serie sehr unterhaltsam. Das große Faustpfand sind die Darsteller. Speziell die großen drei sind außergewöhnlich gut und es macht einfach Spaß ihnen bei ihrer Arbeit zuzusehen. Zudem ist die Inszenierung phasenweise außergewöhnlich gut. Guy Ritchie führt in den ersten beiden Episoden Regie, was man auch sieht. Speziell die erste Folge hat ein überragendes Tempo und verknüpft gekonnt Kamera, Musik und Dialoge. Generell nimmt die Geschichte spätestens ab Folge 5 Fahrt auf und gönnt sich bis zum Ende keine Ruhepause mehr. Inhaltlich ähnelt „MobLand” zwar „Gangs of London”, doch der Fokus liegt hier deutlich mehr auf dem Drama, den Dialogen, kurzen, brutalen Aktionen und weniger auf ausgedehnten Actionsequenzen.

„MobLand” ist eine hervorragend produzierte und inszenierte Serie, die von ihrem Starensemble lebt und durchgehend unterhaltsam ist. Sie erfindet allerdings das Rad nicht neu und bleibt klassischen Versatzstücken von Gangsterdramen treu. Für Staffel 2 würde ich mir noch etwas mehr Mut wünschen, aber dennoch ist Staffel 1 bereits ein Serienhighlight und eine der besten Neustarts 2025.

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Aoteru Misumi lebt ein ruhiges Leben mit seiner Frau im Bezirk Yamato. Doch eines Tages kommt der Innenminister Yamatos zu Gast, der durch seine äußerste Brutalität und Skrupellosigkeit auffällt. Misumis Frau stößt die Schikane der lokalen Bevölkerung auf und sie prangert diese Missstände öffentlich an. Ein Fehler, der Misumi dazu bringt, ein klares Ziel zu verfolgen: Er möchte Japan wiedervereinen. Nach einer actiongeladenen ersten Folge werden zunächst viele verschiedene Figuren eingeführt und die Hauptfiguren müssen sich innerhalb der Armee zurechtfinden. Danach verlagert sich der Fokus auf die Innenpolitik und Expansionspläne Yamatos. Später wird der Konflikt mit dem rivalisierenden Seii heiß, auch hier wird sich viel Zeit für die „Diktatorin”, ihren Weg zur Macht, ihre Unterstützer und ihre Kriegspläne genommen. 

Die Serie ist gut produziert und entwickelt schnell eine visuell ganz eigene Identität, bei der man die Manga-Herkunft sehr deutlich bemerkt. Viele Farben werden verwendet, viele Geräusche visuell dargestellt, die Gesichter immer wieder in violette Farbe getaucht. Zudem fällt die Serie durch ihre Brutalität auf, häufiger werden Köpfe abgehackt und das Blut spritzt. Interessant ist, dass es gar nicht so viele Schlacht- oder Actionsequenzen gibt, wie man vermuten könnte. Stattdessen wird extrem viel geredet, geplant, gedacht, taktiert und intrigiert. Die eigentlichen Schlachten werden recht knapp abgehandelt und von einer Erzählerin untermalt, die so klingt, als würde sie aus einem Geschichtsbuch vorlesen. Man sollte also keine falschen Erwartungen an die Serie haben: Es ist eine Laberserie mit einzelnen Schlachtszenen und visuellen sowie inszenatorisch spannenden Ideen.

Das Erzähltempo der Serie ist gut. Nach einem starken Beginn nimmt sich die Exposition recht viel Zeit. Sobald Seii auf den Plan tritt, wird es aber schnell interessant. Was mir fehlte war Worldbuilding. Zu Beginn wird einmal kurz umrissen, was mit dem alten Japan geschah, aber mir fehlte der Tiefgang bei der Bevölkerung. Der Militär- und Machtapparat der Länder wird durchleuchtet und ausgiebig betrachtet, doch leider kommt die normale Bevölkerung dabei zu kurz. Deswegen fehlte mir etwas das Gefühl für die Länder und warum welche Gruppierung wie weit technologisch entwickelt ist (Bogen gegen Schusswaffen). 

„Nippon Sangoku” ist eine Serie wie keine andere. Weil nicht die Schlachten, sondern die Planung der Schlachten, Taktik und Intrigen im Vordergrund stehen. Der hohe Dialoganteil kommt unerwartet, aber er funktioniert und die Handlung wird durch zahlreiche visuelle Spielereien nicht langweilig. Die Zielgruppe dürfte recht nischig sein, aber ich möchte empfehlen mal reinzuschauen, wenn man sich für Anime, Dystopie, Militär oder Politik interessiert.

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Die Animationsserie funktioniert visuell. Sie bedient sich der Ästhetik des Spiels und nutzt auch diverse Versatzstücke und Soundeffekte. Besonders gelungen empfand ich die Sequenzen, in denen kurzzeitig die Kamera aus dem Game verwendet wird. Die Animationen sehen gut, aber nicht großartig aus. Inhaltlich referenziert man viel und verliert sich teils in Anspielungen und (vermeintlichen) Insider-Gags (wie dem Kostüm-Crewmate). Allerdings versucht man sich auch an eigenen Ideen. Gerade anfangs erscheint alles noch als sehr wirr und chaotisch. Man möchte möglichst viel in die etwa 13-minütigen Episoden hineinzuquetschen und versucht sich sogar an einer Exposition zu den Figuren, die allerdings alle recht dümmlich und stereotyp wirken. Der Humor ist relativ flach, ab und an gibt es aber auch gute Beobachtungen oder gesellschaftskritische Kommentare, die man so gar nicht erwartet hätte. 

Deshalb ist die Serie bis zur Mitte ziemlich banal, überfrachtet und relativ langweilig. Kann man (nebenbei) schauen, kann man aber auch lassen. Doch glücklicherweise bringt Episode 7, die auf „Die 12 Geschworenen” anspielt, endlich die Wende. Durch eine dezimierte Teilnehmerzahl hat man Zeit Figurenkonstellationen auszuspielen. Der Fokus auf das gegenseitige Beschuldigen und die Auswirkungen solcher Behauptungen hilft der Handlung sehr, die sich überraschend auch um emotionale Tiefe bemüht. Auch danach wird sich auf die Stärken des Spiels fokussiert: Das Endgame, wenn es um Sieg oder Niederlage geht. Die letzten zwei Folgen sind dann actionreicher und ganz amüsant.

„Among Us” kann man sich durchaus ansehen, zumindest, wenn man früher das Videogame gespielt hat. Die erste Hälfte ist sehr chaotisch und wirr, in der zweiten Hälfte findet die Handlung aber ihren Rhythmus und liefert einige gute Momente. Insofern können Fans mit der Serie ihren Spaß haben. Personen, die bisher keine Berührungspunkte mit dem Videogame hatten, wird die Serie vermutlich eher nicht überzeugen können.

The post Among Us – Die späte Adaption des Covid-Hype-Games hat ihre Momente. Review first appeared on Are you series?.

Die vierteilige Miniserie (Gesamtlaufzeit etwa 3 Stunden) präsentiert einen der größten Justizskandale Großbritanniens und gibt den Betroffenen die Aufmerksamkeit, die sie verdienen. Durch die Serie wurde das Problem der breiten Öffentlichkeit bekannt, so dass sich die britische Regierung gezwungen sah Stellung zu beziehen und Hilfe zu versprechen. Die Miniserie erreichte damit sogar gesellschaftlich etwas und ist ein weiterer Meilenstein auf dem Weg zur Entschädigung für die zahlreichen Opfer, die auch heute noch um Gerechtigkeit kämpfen, denn die juristische Aufarbeitung ist weiterhin nicht abgeschlossen.

Inszenatorisch ist die Serie solide, es gibt keine Spielereien, die ablenken. Stattdessen liegt der Fokus komplett auf der faszinierenden und schockierenden Geschichte und bedient sich klassischer musikalischer Untermalung. Die Darsteller sind allesamt sehr gut (speziell Toby Jones und Monica Dolan) und spielen die häufig echten Menschen sehr überzeugend. Man fiebert und fühlt mit, wenn die Initiative von Mr. Bates erneut Rückschläge kassiert, man sieht, was dieses institutionelle Fehlverhalten der Post für die einzelnen Filialleiter bedeutet und man hofft mit, wenn es endlich Hoffnung auf Gerechtigkeit gibt. Wenn man vorher vom Thema noch nichts weiß, ist der Einstieg in die Serie etwas schwierig, aber schnell zieht das Tempo an.

„Mr.Bates gegen die Post” ist ein starkes Dokudrama, das keine Risiken eingeht, sondern die Geschichte geradlinig und mit Fokus auf die Betroffenen erzählt. Allen Fans von Dokudramen, Gerichtsdramen, True Crime und „David gegen Goliath”-Serien möchte ich die britische Miniserie empfehlen.

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Die 7-teilige Miniserie spielt zwischen 2002 und 2012 und stammt von Jack Thorne („Adolescence„, „His Dark Materials„, „Toxic Town„). Der Guardian-Journalist Nick Davies (David Tennant) erhält Insiderinformationen über kriminelles Fehlverhalten bei der großen Boulevard-Zeitung „News of the World”. Sie sollen Polizisten bestochen und Privatdetektive beauftragt haben, um die Mobiltelefone von Politikern, Schauspielern und Personen des öffentlichen Lebens abhören zu können und diese Informationen in ihrer Zeitung zu veröffentlichen. Später geht es so weit, dass sie die Familien und sogar die Opfer von Gewalttaten selbst bespitzelten. Damit verwoben wird der Mord an Daniel Morgan, den Dave Cook (Robert Carlyle) von der Polizei neu aufrollen soll. Irgendwann finden sie Informanten, aber der Fall droht erneut in sich zusammenzufallen. Doch auch er hat Insiderinformationen, die „News of the World” zu Fall bringen könnten. Die Miniserie verfolgt diese beiden Handlungen in zunächst separaten Strängen, der Journalismus-Fokus ist deutlich besser.

Teilweise versprüht „The Hack” Esprit, Spannung und Kreativität. Die Hauptfigur durchbricht ständig die vierte Wand und spricht direkt mit der Zuschauerschaft, um Geschehnisse einzuordnen. Das wirkt passend, leichtfüßig und interessant. Doch gegenüber wird eine mühsame Polizeiermittlung gestellt, die mit Korruption und Bremsern innerhalb der eigenen Reihen präsentiert wird und ganz klassisch inszeniert wird. Gegensätzlicher könnten sowohl Erzählweise als auch Inszenierung kaum sein – eine seltsame Entscheidung bereits in Folge 2 das Tempo so massiv herauszunehmen und sich selbst auszubremsen. Mir erschloss sich zudem nicht, warum dieser Mord eine so hohe Relevanz für die Enthüllungen bei „News of the World“ hatte. Nur 5 oder 6 Folgen und ein größerer Fokus auf die Journalismusgeschichte hätte das Erzähltempo der Serie erhöht und der Miniserie im Ganzen sehr gut getan. Das große Ensemble spielt sehr gut, ich habe mich gefreut auch Toby Jones („The Long Shadow„) und Rose Leslie („Game of Thrones”) mal wieder zu sehen.

„The Hack” versucht eine klassische Journalismus-Enthüllungsgeschichte mit klassischen True Crime zu verbinden. Dieser Mix gelingt leider nicht so gut, aber der journalistische Teil ist sehr sehenswert. Eine gute Inszenierung trifft auf einen schockierenden, interessanten Fall. Die Miniserie ist deshalb empfehlenswert, wenn man diese Themen mag. Sie lässt aber leider Potenzial liegen.

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Silvester 2014: Ana (Iria del Río) feiert ihren 30. Geburtstag, fühlt sich in ihrem Leben aber nicht so recht angekommen. Ihr Job als Barkeeperin gibt ihr nicht viel, ihre Freundinnen schenken ihr einen großen roten Koffer, da sie in Kürze für ein Jahr nach Kanada auswandern will. Mehr zufällig trifft sie auf den Arzt Oscar (Francesco Carril), der ebenso ziellos wirkt. Sofort besteht eine Chemie zwischen den beiden und bei dem Titel kann man sich schon denken, wohin die Reise führt. Nach einer intensiven ersten Begegnung steckt zunächst noch Oscar in einer anderen Beziehung, kurz darauf werden die beiden aber zu einem Paar. Nach einer folgenschweren Berlin-Episode verschlägt es die Figuren auch nach Frankreich. Dabei wird die Stimmung immer melancholischer und trauriger, vor allem, als auch noch ein Baby in der Verlosung auftaucht. Aber vielleicht gibt es doch noch Hoffnung auf eine gemeinsame Zukunft?

Die Idee der Serie ist clever. Statt alle Aspekte der Beziehung der beiden haarklein (in Zeitraffern) zu erzählen, wirft die 10-teilige Miniserie stattdessen jedes Jahr das Schlaglicht auf eine der beiden Hauptfiguren an Silvester. Was innerhalb des jeweiligen vergangenen Jahres passiert ist, erfährt man mehr beiläufig durch die zahlreichen Gespräche, die von den Figuren geführt werden. So setzt sich nach und nach ein glaubhaftes Mosaik zusammen. Genauso clever ist die Machart, die teilweise ans Theater erinnert und eine hohe Intensität und Authentizität verleiht. Denn häufig gibt es lange Sequenzen ohne Schnitt. Die Figuren interagieren kammerspielartig miteinander und dass die Handlung auf ein großes Ereignis zusteuert. Beispielsweise wird beim immer unangenehmer werdenden Gespräch unter Freunden voll draufgehalten oder auch bei einem extrem fiesen und heftigen Streit. Die Charaktere können nicht fliehen und genauso kann man als Zuseher seinen Blick nicht abwenden. Ob alle Dialoge vorgeschrieben oder doch improvisiert waren, ist letztlich völlig egal, denn die Wirkung stimmt: Die Geschichte wirkt real. Ich glaubte das Erzählte und war irgendwann einer Sogwirkung verfallen. In solchen Momenten merkt man, dass Schöpfer Rodrigo Sorogoyen (diesmal mit Sara Cano und Paula Fabra) eigentlich aus dem Spannungskino, dem Thrillerbereich (Antidisturbios) kommt. Denn die Inszenierung erinnert in ihrer Intensität manchmal genau daran: Ein Liebesdrama als fesselnder Thriller inszeniert.

In der Mitte hängt die Geschichte minimal durch und ab und an wird etwas zu stark mit Stereotypen oder Zufällen gearbeitet. Ob man den Verlauf der Handlung mag, ist subjektiv. Aber das sind letztlich nur kleine Kritikpunkte. Denn „Ana und Oscar” ist eine realistisch anmutende Liebesdrama-Serie, der es sogar exzellent gelingt, mit dem Aussehen seiner Charaktere die 10 Jahre authentisch abzubilden. Dazu sind die Darsteller großartig. Zunächst wird große Sympathie transportiert, aber im Verlauf gibt es auch für die Zuschauerschaft mehr Zweifel am Charakter der Figuren. Das spanische Setting sorgt zudem für eine gelungene Abwechslung, ebenso ist eine Liebesgeschichte zwischen zwei Figuren von ihrem 30. bis zu ihrem 40. Lebensjahr erfrischend in einem Meer von Teenie oder Young Adult-Geschichten.

Ich möchte „Ana und Oscar” breitflächig empfehlen. Fans von „Normal People” sollten auf jeden Fall einschalten, genauso Dramafans. Auch Fans von klassischen Liebesgeschichten oder Booktok-Stories sollten auf ihre Kosten kommen. Denn „Ana und Oscar” ist besser als vieles davon und kann vielleicht die Tür zu einem anderen Blickwinkel auf Liebesgeschichten (auf dem Bildschirm) öffnen. Die Serie ist leider ziemlich unbekannt und damit ein echter Geheimtipp!

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