Innerhalb des Silos gibt es ein Herrschaftssystem mit demokratisch gewählter Bürgermeisterin, einem Sheriff, der IT und der Justiz, theoretisch handelte es sich um eine Gewaltenteilung. Die Menschen leben auf den zahlreichen Ebenen des Silos (über 100) und sind technologisch etwas unterentwickelt. Niemand weiß so recht, was vor dem Leben im Silo passierte und was draußen ist. 80 Jahre vor der Gegenwart der dargestellten Handlung soll es zu einer großen Rebellion gekommen sein, die alle Dokumente der alten Zeit vernichtete. 

„Silo” bietet damit eine spannende Prämisse, die innerhalb einer mutigen und überzeugenden Pilotfolge, die das Ziel bereits formuliert, gut umrissen wird. Denn es gibt Gerüchte und vielleicht sogar Beweise, dass die Obrigkeit des Silos die Bewohner belügt und die Außenwelt vielleicht gar nicht so tödlich sein könnte, wie behauptet wird. Festgeschrieben im „Pakt” (sowas wie das Grundgesetz oder die Bibel des Silos) ist dazu, dass Bewohner jederzeit darum bitten dürfen das Silo in einem Anzug zu verlassen, was unwiderruflich und ein großes Spektakel für die Bewohner ist. Sie können die Zeremonie des Verlassens per Kamera live beobachten. Neben dem freiwilligen Versuch, das Silo zu verlassen, kann dies auch als Bestrafung für Insassen verwendet werden.

Staffel 1: Nachdem Folge 1 der zehnteiligen Staffel eine Einführung in die Welt bedeutet, fokussiert sich ab Episode 2 vieles auf Juliette Nichols (Rebecca Ferguson), die Nachfolgerin des Sheriffs werden soll und Nachforschungen verschiedener Art anstellt. Die ersten 3 Folgen sind sehr interessant, danach geht die Handlung in der Mitte durch ein Tal, das auf der Stelle tritt und nur tröpfchenweise Infos preisgibt, bis das Tempo mit den letzten 3 Folgen wieder anzieht und sich auf seine Kernfrage besinnt: Was ist da draußen und wer kontrolliert das eigentlich alles? Das gipfelt in einer starken letzten Episode.

Manchmal etwas ungelenk und konstruiert wirkend, sollte man alle Handlungen, die „Silo” unternimmt, um die Story voranzubringen, manchmal nicht allzu sehr hinterfragen. Die Grundidee, das Setting und die Welt sind aber sehr spannend und interessant, das Herrschaftssystem ist weitgehend greifbar und nur in kleineren Teilen weniger nachvollziehbar. Darüber hinaus ist das Darstellerensemble gut, gerade Tim Robbins sticht positiv hervor.

Die 2. Staffel nimmt nach dem sehr spannenden und guten Ende der letzten Staffel schnell wieder Tempo heraus und steckt den Dschinn zurück in die Flasche. Im weiteren Verlauf entwickeln sich daraus zwei parallele Handlungsstränge an verschiedenen Orten. Die eigentliche Hauptfigur Juliet wird in lang andauernde, langatmige Aufgaben verwickelt, die an Videospiel-typische Fetch-Quests erinnert (mit Auftraggeber reden, was suchen, zurückkommen), die Hauptstory lange nicht voranbringen und auch in Sachen Lore nicht wahnsinnig viel liefern. Währenddessen wird die Geschichte um IT-Chef Holland und die anderen Figuren intensiviert, was den deutlich interessantere und spannendere Teil der Geschichte darstellt. Hier werden konsequente Entscheidungen getroffen, die Welt und das Ökosystem Silo weiter erklärt und durch Informationshappen bekommt man mehr Einblicke in die spannende Vergangenheit. In der Mitte der Staffel muss man sich fragen, warum so viel Zeit auf Verschwörungen und Pläne verwendet wird und man etwas auf der Stelle tritt. Zunächst wirkt das wie fragwürdige Charakterentscheidungen, doch das Ende bietet genügend Aufklärung, dass man zumindest im Nachhinein die Dinge nicht mehr blöd findet, die einen vorher aufregten. Was mich auch am Ende noch aufregte: Dass bestimmten Personen etwas sehr Wichtiges erzählt wird und wir als Zuschauer bewusst nicht hören, was gesprochen wird, wirkt wie ein Hinhaltetaktik, dass man auch ja noch dranbleibt. Das Cliffhanger-Ende der 2. Staffel schlägt in dieselbe Kerbe.

Insgesamt ist Staffel 2 schwächer als die erste Staffel, die Handlung im Vault und das Ende sind aber wieder auf einem guten Niveau. Es soll wohl insgesamt 4 Staffeln geben, ich könnte mir vorstellen, dass das in dieser Länge gut funktionieren kann. „Silo” ist aktuell noch eine Empfehlung, gerade wenn man schon die „Fallout”-Serie mochte. Silo ist allerdings die erwachsenere Version, ohne Comedy und Ghouls.

Die 3. Staffel des dystopischen Dramas ist vielleicht sogar die bisher beste. Denn endlich gibt es große Antworten auf die zahlreichen Fragen, die seit Beginn über dieser spannenden Vault-Welt schwebten: Wer hat die Apokalypse ausgelöst? Wer kontrolliert all das? Und welches Ziel verfolgen sie? All das wird in den furiosen letzten beiden Episoden enthüllt während gleichzeitig ein hochinteressanter Showdown für die finale 4. Staffel gebastelt wird. Die erneut 10-teilige 3. Staffel entschleunigt anfangs die Geschichte wieder spürbar. Die allseits unbeliebte Amnesie der Hauptfigur sorgt für Stillstand, so dass eigentlich nur der groß angelegte Handlungsstrang in der Vergangenheit interessant ist und Erkenntnisse liefert. Ab der Mitte (Episode 5) nimmt aber auch die Handlung im Vault langsam Fahrt auf. Juliette (Rebecca Ferguson) wirkt zwar immer noch zu häufig wie eine Nebenfigur in ihrer eigenen Story, weil sie stellenweise nur ein Spielball der anderen Mächtigen ist, aber das kann man gut verschmerzen, weil andere Figuren diese Leerstellen gut ausfüllen. Überraschend ist dabei besonders Camille, die von Alexandria Riley stark gespielt wird. Die Geschichte bleibt ihrem erzählerischen Mantra treu: Alle Menschen können von Macht sehr einfach korrumpiert werden und die Gehorsamkeit wurde den Vaultbewohnern offensichtlich eingehämmert. Doch auch der 2. Teil bleibt gleich. Alle Bösen bekommen irgendwann ihre Redemption-Ark. Das wirkt seltsam und geht stellenweise etwas zu schnell, aber es zahlt auf die große Geschichte ein.

Zusammenfassend ist die 3. Staffel von „Silo“ nach einem ruhigen Beginn die vielleicht bislang stärkste. Geheimnisse werden gelüftet, Hintergründe erklärt, endlich kann man die gesamte Geschichte verstehen. Zudem ist das Setup für das Finale absolut gelungen. Ich habe große Lust weiterzuschauen.

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David E. Kelley („Lincoln Lawyer”, „Big Little Lies”) widmet sich der wahren Geschichte von Candy Montgomery zum Ende der 70er Jahre in Texas. Candy (Elizabeth Olsen) ist vom monotonen Vorstadt-Ehealltag gelangweilt und fragt den ebenfalls verheirateten Allan Gore (Jesse Plemons, auch sehr stark), ob er Interesse an einer Affäre hätte. Nach einigem Zögern willigt Allan ein, allerdings nicht ohne feste Regeln aufzustellen. Das Wichtigste für die beiden: Niemand darf je davon erfahren, niemand soll emotional verletzt werden. Zunächst blühen beide sichtlich auf, doch als Candy merkt, dass sie tiefere Gefühle für Allan entwickelt, beenden sie die Affäre. Monate später holen sie die Geister ihrer Vergangenheit allerdings ein, als ihre Ehepartner von der vergangenen Liebesbeziehung erfahren. Der Anfang einer blutigen Katastrophe.

„Love & Death” erweist sich als handwerklich sehr solide produziertes Dokudrama mit den klassischen Versatzstücken des True-Crime-Genres. Das absolute Faustpfand der Serie ist ihr fantastisches Ensemble, speziell die beiden Hauptdarsteller brillieren regelrecht. Auch das finale Gerichtsdrama ist dramaturgisch stark umgesetzt. Leider steht sich die Serie zu Beginn selbst im Weg. Die Affäre wirkt etwas gestreckt und erschwert den Zugang zur Serie. Sofort möchte man wissen, was es mit der blutigen Szene, die in Folge 1 angeteasert wird, auf sich hat. Ab dem Moment der Konfrontation zieht das Erzähltempo zum Glück spürbar an. Die Geschichte erfindet das Rad des Genres zwar nicht neu, besticht aber durch ein starkes Fundament. 

„Love & Death“ braucht etwas Anlaufzeit, um seine volle Wucht zu entfalten. Wer die anfänglichen Längen im texanischen Vorstadt-Idyll übersteht, wird jedoch mit einem packenden Justiz-Thriller und einer schauspielerischen Meisterklasse belohnt. Dank einer atemberaubenden Elizabeth Olsen ist die Miniserie eine Empfehlung für jeden True-Crime-Fan.

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Nach „Rentierbaby” widmet sich Schöpfer, Drehbuchautor und Hauptdarsteller Richard Gadd erneut den düsteren Abgründen der menschlichen Psyche. Die Geschichte beginnt mit dem 15-jährigen Niall (Mitchell Robertson), einem schwer gemobbten Außenseiter. Zu allem Überfluss wird er damit konfrontiert, dass der 17-jährige Ruben (Stuart Campbell), der Sohn der Lebensgefährte seiner Mutter, frisch aus der Jugendstrafanstalt entlassen wird und bei ihnen einzieht. Doch es kommt noch schlimmer: Sie müssen sich sogar ein Zimmer teilen. Nach anfänglicher Skepsis nähern sich die beiden zunächst etwas an. Ruben mobbt Nialls Mobber noch härter, dafür hilft ihm Niall. So bauen sie eine seltsame, aber unerschütterliche Symbiose auf. Diese ist anfangs auch davon bestimmt ist, dass Niall bemerkt, dass er schwul ist, was er seinem dominanten „Bruder” aber keinesfalls mitteilen möchte. Alles gipfelt in einer unfassbar unangenehmen Szene, die mich in ihrer Tonalität an „Unbelievable” erinnerte. In den folgenden Episoden springt die Serie zu immer neuen Stationen im Leben der beiden Männer, während die Rahmenhandlung eine Brücke in die Gegenwart schlägt: Auf Nialls Hochzeit taucht der sichtlich labile Ruben plötzlich wieder auf und führt unweigerlich eine Katastrophe herbei 

Für „Half Man” sind zahlreiche Triggerwarnungen angebracht. Die Serie seziert toxische Männlichkeit, Missbrauch, unkontrollierte Wut sowie die Frage, wie man sich von Menschen lossagt, die man liebt, obwohl man weiß, dass sie einen geradewegs in den Abgrund treiben. Die Erzählung funktioniert überwiegend über dichte Dialoge und vereinzelte, schwer verdauliche Sequenzen. Zu Beginn verspürt man tiefes Mitgefühl für den jungen Niall. Doch nachdem Jamie Bell den Charakter ab Folge 4 übernimmt, weicht diese Empathie nach und nach der Frustration. Obwohl man versteht, wie tief Nialls Traumata sitzen, schmerzt es zu sehen, wie er sich einfach nicht aus der emotionalen Geiselhaft befreien kann. Gepaart mit seiner tiefen Verdrängung der eigenen Homosexualität wird das Zuschauen hier zu einer echten Geduldsprobe. Unweigerlich stellt sich eine emotionale Distanz ein, die den Zugang zur Serie erschwert. Schauspielerisch ist das allerdings ganz großes Kino: Das gesamte Ensemble spielt überragend, und Richard Gadds radikaler Rollenwechsel vom Opfer zum Täter ist faszinierend.

„Half Man” ist kein bequemes Entertainment, sondern ein schmerzhaftes Psychodrama, das seinem Publikum einiges abverlangt. Wer ein packendes, stark gespieltes und atmosphärisch dichtes Drama über männliche Traumata und zerstörerische Co-Abhängigkeit sucht, kommt an dieser HBO-Produktion nicht vorbei. Man muss dafür jedoch die emotionale Ausdauer aufbringen, denn die 6-teilige Miniserie ist sicherlich nichts für jede Stimmungslage.

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Ronnie (Zoe Magdalena, Hauptdarstellerin und Schöpferin) wird von ihrer Mutter in die Klinik gebracht. Zu Beginn zeigt sie eine starke Abwehrhaltung, doch mit der Zeit lässt sie sich immer mehr auf ihre Therapeutin und die anderen Jugendlichen ein. Dabei erlebt sie die typische Achterbahnfahrt aus Teilerfolgen und Rückschlägen – bei sich und den anderen Mitgliedern der Gruppe.

Dass der Verlauf der Therapie sehr geradlinig den klassischen Dramastrukturen folgt, verzeiht man der Serie gern. Das liegt vor allem an der spürbaren Realitätsnähe: Zoe Magdalena und viele weitere Mitwirkende haben eigene Erfahrungen mit Essstörungen in das Projekt eingebracht, was für eine enorm hohe Authentizität sorgt. Auch die Dialoge der Jugendlichen untereinander wirken lebensnah, was der Serie eine spürbare Erdung verleiht. Zudem mochte ich den Humor und das Brechen der 4. Wand.

Einige der Nebencharaktere empfand ich als arg überzeichnet und stereotyp (Social-Media-süchtige Zimmernachbarin). Zudem wandeln sich manche Figuren etwas zu abrupt und das angedeutete Liebesdreieck hätte ich nicht zwingend gebraucht. Auch blieben mir die Krankheitsbilder stellenweise zu oberflächlich. Als Außenstehender stand ich beispielsweise vor einem großen Fragezeichen, warum eine Patientin wegen eines Rückfalls disziplinarisch entlassen werden soll. Erst nach einer kurzen Recherche wurde mir klar, dass diese harte Praxis durchaus der Realität entspricht. Da wäre ich gern etwas mehr an die Hand genommen worden.

„Hungry” legt den Fokus viel mehr auf die Chemie der Gruppe als auf die medizinischen Ursachen oder tiefen psychologischen Hintergründe der Erkrankungen. Darin ähnelt die Serie z.B. „Club der roten Bänder”. Dennoch hätte ich mir an manchen Stellen gewünscht, als Außenstehender etwas tiefere Einblicke zu bekommen, um die Figuren und ihre inneren Konflikte noch besser verstehen zu können. 

„Hungry” erfindet das Rad des Coming-of-Age-Genres sicher nicht neu, überzeugt aber mit hoher Authentizität. Man spürt, dass die Serie das Herz am rechten Fleck hat und auf ein gesellschaftliches Problem aufmerksam machen möchte, ohne belehrend zu wirken. Das gelingt. Wer emotionale Jugend-Dramen im Stil von „Club der roten Bänder” mag, sollte „Hungry” eine Chance geben. Die Serie hat auf jeden Fall mehr Aufmerksamkeit verdient!

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Lisa Konrad (Friederike Becht, zeitweise überragend!) ist seit dem Mord an ihrer Schwester im Jahr 2015 schwer traumatisiert. Damals fand sie ihre blutüberströmte kleine Schwester noch im Todeskampf, konnte sie jedoch nicht mehr retten. Lisa glaubt zwar, den Mörder in jener Nacht flüchtig gesehen zu haben, doch eine mentale Blockade verwehrte ihr die Identifikation des Gesichts, so dass der Fall ungelöst blieb. Lisa legte sich eine neue Identität zu und verließ 10 Jahre lang das Haus nicht. Schuldgefühle, Therapiegespräche, Panikattacken und Medikamente dominieren ihren Alltag – und natürlich das Schreiben. Denn die Bestseller-Autorin kann sich hervorragend in ihre Fantasie flüchten. Ein Zufall verändert ihr Leben allerdings grundlegend. Im TV läuft eine Regierungspressekonferenz, die Lisa (wohl zum Vergnügen, wie wir alle…) ansieht und dabei aus dem Nichts die Person wiedererkennt, die ihre Schwester umgebracht hat. Sie ist sich plötzlich todsicher, dass der renommierte Journalist Robert Lenzen  (Hans Löw, stark) der Täter von damals ist. Doch die Polizei will nichts davon wissen. greift Lisa zu Selbstjustiz der literarischen Art: Sie schreibt einen Kriminalroman über die damaligen Ereignisse und lockt Herrn Lenzen mit dem Versprechen eines Exklusiv-Interviews in ihr Haus, um ihm ein Geständnis zu entlocken.

Die 6-teilige Miniserie macht es einem zu Beginn nicht ganz leicht. Die Prämisse wirkt arg konstruiert und die erste Folge kommt durch das tiefe Eintauchen in Lisas unzuverlässige Psyche recht wirr daher. Zudem sorgen einige kaum relevante Randfiguren für spürbare Längen. Manch ein Moment wirkt erzählerisch ziemlich hölzern – sei es die Leichtigkeit, mit der sie an eine Waffe gelangt, das seltsame Verhalten ihres Personal Trainers oder die etwas klischeehafte Darstellung ihres Traumas. Doch all das war mir spätestens ab Folge 4 völlig egal. Denn die ist brillant. So intensiv habe ich ein Kammerspiel seit Episode 3 von „Adolescence“ nicht mehr erlebt! Friederike Becht hat mich in Episode 4 und Teilen der 5. Episode regelrecht umgehauen!

Ein großes Plus von „Die Falle” ist die starke Inszenierung und die spürbar beklemmende Atmosphäre. Isabel Kleefeld, die mit „Liebes Kind” 2023 schon einen Überraschungserfolg ablieferte, zeigt ihr unheimliches Gespür für Hochspannung. Im Zusammenspiel mit der Musik, den wahnhaften Bildern und den starken Hauptdarstellern gelingt so eine Symbiose, die einen in den Bann ziehen kann – wenn man sich denn auf die Geschichte einlässt und so manche Holprigkeit im Bereich der Glaubwürdigkeit einen nicht herausreißt. Ich war der Sogwirkung der Miniserie irgendwann erlegen und habe die Episoden 3-6 in einem durchgebinged. Das Ende kann die vorherige Qualität leider nicht ganz halten, aber es ist sicherlich auch nicht enttäuschend.

Zusammenfassend möchte ich „Die Falle” allen Fans von Psychothrillern empfehlen. Besonders wegen der grandiosen Episoden 4&5, der schauspielerischen Klasse des Haupt-Duos und der intensiven Inszenierung lohnt sich diese deutsche Produktion.  Ein paar Längen und Ungereimtheiten verwehren ihr zwar noch höhere Höhen, aber wer sich auf dieses ungewöhnliche Verwirrspiel einlässt, bekommt ein hochspannendes Stück Miniserie serviert.

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Marissa (Sarah Snook, sehr gut) möchte ihren 5-jährigen Sohn von einem Playdate bei einer anderen Familie abholen, die sie in der Kita kennengelernt hat. Doch an der besagten Adresse wohnt keine Familie, sondern nur eine ältere Dame. Die Textnachrichten mit der Mutter Jenny (Dakota Fanning, auch stark) waren ein Fake und Marissa hatte die Nummer nicht überprüft. Detective Alcaras (Michael Peña) übernimmt den Fall, denn alles spricht für ein Verbrechen. Zunächst gerät die Nanny der reichen Familie unter Verdacht, dann Jennys Kindermädchen (Sophia Lillis, super). Doch wer und was genau steckt wirklich hinter diesem mysteriösen Entführungsfall? 

Die 8-teilige Miniserie beginnt furios. Die Prämisse ist spannend, die Darsteller (auch Jake Lacy als Ehemann) sind überwiegend gut, die bedrohliche Atmosphäre wird stark aufgebaut. Leider nimmt sich die Erzählung schon früh unnötige Pausen und leistet sich spürbare Längen. Es erschließt sich beispielsweise kaum, warum das Privatleben des Ermittlers kurzzeitig so stark in den Mittelpunkt rückt oder weshalb Jennys Familien- und Arbeitsalltag so viel Raum einnimmt. Das ist jedoch fast vergessen, wenn die intensive fünfte Episode beginnt: Sie ist inszenatorisch großartig und verhandelt tief sitzende Familientraumata. 

Doch direkt im Anschluss tritt das größte Problem der Serie zutage, das schon zuvor im Verborgenen lauerte: Kommissar Zufall übernimmt das Ruder und bringt seine Kumpels, das Logikloch und die irrationalen Charakterentscheidungen, gleich mit. Ohne zu viel zu spoilern: Spätestens ab Folge sechs überschlagen sich die Ereignisse zwar auf eine ziemlich coole Weise, allerdings muss man als Zuschauer beide Augen fest zudrücken und wohlwollend nicken, um nicht komplett aus der Handlung gerissen zu werden. Hier steht sich die Story mit einem riesigen Plotpoint selbst im Weg. Ein oder zwei Twists weniger hätten der Serie sichtlich geholfen, um das psychologische Trauma nach dem großen Reveal runder und aussagekräftiger zu Ende zu führen. 

So bleibt „All Her Fault” eine packende, stellenweise mitreißende Serie, die ihr Thriller-Handwerk definitiv versteht, sich am Ende aber selbst sabotiert. Der Fokus auf das „Mom-Shaming“ und der immense Druck auf berufstätige Mütter werden gekonnt eingeflochten, die Miniserie ist spannend inszeniert, das Ensemble spielt überzeugend. Doch leider fehlt die Glaubwürdigkeit. Wenn euch das nicht stört, bekommt ihr eine großartige Serie serviert. Alle anderen sehen eine Miniserie, die viel Potential verschenkt.

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„Tip Toe” ist nichts für schwache Nerven und meilenweit entfernt von einer Feel-Good-Serie. Denn bereits in Episode 1 wird das grauenvolle Ende angedeutet: ein möglicher Mord in diesem Nachbarschaftsstreit zwischen dem schwulen Barbesitzer Leo (Alan Cumming, fantastisch inbrünstig) und seinem „bürgerlichen” Nachbarn, dem Brexit-wählenden Elektriker Clive (David Morrissey, brillant alltagsböse). Die Serie zeigt nun in einem schnell eskalierenden Konflikt, wie es innerhalb von zehn Tagen dazu kommen konnte.

Die 5-teilige Miniserie glänzt mit ihrem Ensemble bis in die Nebenrollen hinein, während die beiden Hauptdarsteller überragen. Erneut gelingt Davies eine wilde Kombination aus komödiantischen Szenen, bitterem Drama und flammendem Appell an die Zuschauer. Diesmal ist allerdings der warnende Anteil größer, es gibt einige Monologe und Dialoge, bei denen man spürt, dass sich beim Autor viel Angst und Wut angestaut hat. Die Darsteller bringen dies überragend rüber. Generell nimmt die Serie gesellschaftliche Entwicklungen auf und versucht sich daran, den aktuellen Zeitgeist zu sezieren und zeitweise satirisch zu überhöhen. 

„Tip Toe” ist Davies bisher düsterstes und hoffnungslosestes Werk – auf Augenhöhe mit „Years and Years”. Dabei steht Clive für einen typischen Brexit-Wähler, den Trump-Unterstützer, der Verschwörungstheorien glaubt, ein Problem mit Fakten sowie der Wahrheit hat und hinter vorgehaltener Hand homophob und rassistisch ist. Durch die politischen Veränderungen in den letzten Jahren sagt dieser Archetyp viele Dinge wieder laut und in der Öffentlichkeit, die er zuvor nur gedacht hat. Auf der anderen Seite steht mit Leo eine Figur, die das Ende der Aids-Krise in den 1990er-Jahren miterlebt hat und sich durch die nachfolgende Pride-Bewegung ermächtigt fühlte. Mittlerweile bietet er mit seiner Bar einen Safe Space für queere Menschen und Transpersonen. Doch auch er bemerkt eine Zeitenwende: Er braucht mehr Security, es gibt mehr Zwischenfälle. Die beiden Männer werden im Spannungsfeld der Nachbarschaft positioniert. Zudem ist Clives jüngerer Sohn schwul, hat sich allerdings noch nicht geoutet, was zu weiteren Konflikten führt. 

An dieser Stelle kann man die Serie dafür kritisieren, dass sie sehr konstruiert ist. Ich empfinde das aber als ganz typisch: Man teasert in der ersten Folge an und erklärt danach, dass eine Reihe von unglücklichen Verkettungen und falschen Entscheidungen zu diesem Ergebnis geführt hat. Womit wir beim nächsten Kritikpunkt einiger Zuschauer wären: dem Ende. Für viele ist es zu übertrieben und wirkt unrealistisch, weil die Charakterentwicklungen nicht ganz ausgereift erscheinen. Ich gebe zu: Es ist etwas überspitzt und überhöht. Aber genau deshalb entfaltet es eine solche Wirkung. Die Täter sind keine Ausgeburten der Hölle, sie sind Idioten, die keine Grenzen mehr kennen. Darin liegt die große Warnung. Die pseudodokumentarischen Einblendungen danach waren allerdings selbst mir eine Spur zu dick aufgetragen. 

„Tip Toe” ist ein bitterer, aufrüttelnder Hilferuf im Gewand eines eskalierenden Nachbarschaftsstreits. Russell T. Davies liefert ein hochemotionales Drama, das den aktuellen Zeitgeist radikal seziert und eine düstere Warnung für die Zukunft ausspricht. Auch wenn das polarisierende Finale nicht jeden abholt: Die schauspielerische Wucht von Alan Cumming und David Morrissey brennt sich unweigerlich ins Gedächtnis ein. Deshalb ist „Tip Toe” ein absolut sehenswertes Serien-Highlight.

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Die 8-teilige Serie, die nach der ersten Staffel offiziell beendet wurde, ist nicht so leicht greifbar. Drei Freundinnen aus Belfast erhalten zu Beginn eine E-Mail, dass eine einstige Schulfreundin verstorben ist, und reisen zu deren Beerdigung. Die vier verbindet ein dunkles Geheimnis aus der Vergangenheit, an das sie auch ein gemeinsames Tattoo erinnert. Innerhalb der ersten Folge, in der die Dynamik zwischen den ungleichen Frauen im Zentrum steht, kommt eine unerwartete Wendung hinzu: Die Tote ist gar nicht ihre Freundin von vor 20 Jahren! Doch wer ist die Verstorbene und wo ist die gesuchte Greta? Daraus entwickelt sich eine Murder Mystery, bei der bald eine mysteriöse Organisation auf den Plan tritt, sodass die Freundinnen schnell mit der Situation überfordert sind und sich irgendwie ans Ziel stolpern. 

Auf den ersten Blick wirkt die Serie etwas überfrachtet und wild zusammengeworfen: Comedy, Traumabewältigung, ein großes Verbrechen, ein mordender Geheimbund, eine Meta-Ebene mit einer Figur als Krimiautorin, mysteriöse Symbole, eine sich andeutende Affäre und eine Freundinnengruppe, die so wirkt, als würde sie nur noch die gemeinsame Vergangenheit zusammenhalten. Ich war sehr überrascht, dass nach der ersten Episode, die sehr deutlich „Comedy” schrie, noch ein so düsterer Mysterythriller entsteht. Leider nimmt dieser erst ab Folge 4 langsam Fahrt auf, vorher verstrickt sich die Erzählung in einigen Nebenhandlungssträngen. Nachdem allerdings die übergeordnete Geschichte und die Geschehnisse der Vergangenheit deutlicher werden, gefiel mir die Serie ziemlich gut.  Die düstere Atmosphäre gelingt und es gibt sogar ein paar emotionale Momente. Dennoch bleibt die Gagdichte hoch, und ein paar überzeichnete Charaktere verleihen der Geschichte gemeinsam mit dem nordirischen Lokalkolorit das gewisse Etwas. Zeitweise wirkt es so wie eine Satire auf Agentengeschichten, wie „Hanna” oder James Bond.

Ein Faustpfand sind die Darstellerinnen. Wobei ich mir gewünscht hätte, dass das Trio durch mehr Gemeinsamkeiten als nur durch die Vergangenheit verbunden wäre. Zeitweise fragt man sich, warum sie überhaupt noch etwas miteinander zu tun haben: Sie verstricken sich ständig in Streitigkeiten, bis zufällig der nächste Plotpunkt einsetzt.Auf der anderen Seite ist genau in dieser Dynamik der größte Teil des Humors beheimatet. Dieser kann zünden oder eben nicht. Bei mir punkteten vor allem die treffenden Beobachtungen (z. B. zur Kirche) und die absurden Szenen, der Slapstick funktionierte für mich hingegen weniger. Aber so ist für jeden etwas dabei. Letztlich fand ich den Handlungsstrang rund um Gretas Verbleib meist sogar besser, weil er schlicht spannender war. Die Serie ist gut inszeniert und der poppige Ende der 90er-/Anfang der 2000er Jahre Soundtrack hat mich perfekt in die High School Zeit der Hauptfiguren oder eben meine eigene Jugend versetzt. 

„How to Get to Heaven from Belfast” ist ein chaotischer Genremix, der trotz erzählerischer Längen durch seinen pointierten Witz und ein starkes Ensemble überzeugt. Wer über die etwas überladenen Nebenhandlungsstränge hinwegsehen kann, bekommt eine atmosphärisch dichte und wunderbar skurrile Mischung aus vielseitigem Humor und packendem Mystery-Krimi geboten. Ich mag das Absurde, ich mag den Mut, etwas zu wagen und ganz anders zu machen. Und deshalb mag ich auch die Serie.

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Die 8 Episoden mit einer Laufzeit zwischen 13-23 Minuten habe ich kurz einzeln inhaltlich zusammengefasst und immer ein Fazit gezogen:

1. Episode: Zahlreiche verschiedene Außerirdische kamen auf die Erde und unterjochten die Menschheit nicht nur, sie fressen alle Menschen auf – mit dem Verweis, dass die Menschen das mit Tieren doch auch so machen. Doch 2 Kinder können sich als Hühner tarnen, die von den Außerirdischen wie Haustiere gehalten werden. Eine kreative Welt, ein interessanter Twist, gute Animation. Ein starker Auftakt, von der Welt hätte ich gern noch mehr gesehen.
2. Die 2. Episode ist vor allem seltsam. Schüler Sasaki ist schwer in seine Lehrerin verliebt, doch dann kommt einer ihrer alten Mitschüler mit der Waffe in den Klassenraum und bedroht alle. Es handelt sich aber um keinen klassischen Amoklauf, der Terrorist stellt stattdessen eine Forderung: Er will Sex mit der Lehrerin haben… Die Episode gefiel mir weniger. Die übernatürliche Komponente gibt ihr immerhin noch etwas, aber das war primär komisch und unangenehm.
3. Episode: Eigentlich ein zu lang geratener Sketch. Ein Schüler will seiner Angebeteten seine Liebe gestehen, doch immer wieder kommt etwas dazwischen. Der finale Störer ist zumindest ganz unterhaltsam, aber begeistern konnte mich diese Episode nicht.
4. Episode: Jetzt wird es blutig. Eine in der Kindheit misshandelte, mittlerweile berüchtigte Auftragskillerin soll jemanden töten und dafür groß abkassieren. Doch dieser jemand ist ein Vampir, in den sie sich verliebt. Interessante Prämisse, die eher wie ein Auftakt für mehr aufgebaut ist und dann schnell irgendwie beendet wird.
5. Episode ist klassisch aufgebaut. Über die gemeinsame Liebe zum Klavierspielen finden ein Mensch und eine Meerjungfrau zueinander. Leider fressen Meerjungfrauen manchmal Menschen. Aber vielleicht ist die Liebe doch stärker? Klassisch, aber mit schöner Musik und sorgsam ausgestaltet. Süße Folge.
6. Episode ist visuell ein buntes Highlight. Die Inszenierung und die Farben sorgen für ein echtes Erlebnis. Auch inhaltlich ist es ein Erlebnis, aber ein ganz seltsames. Ein Junge wacht in einem Mädchenkörper auf – soweit kennt man die Story. Doch in dieser Welt ist das eine anerkannte Krankheit, es gibt keinen Weg zurück. Was bedeutet das für Toshihide und die Beziehung zu seiner Freundin? Die Folge bietet einige unangenehme Szenen und befremdliche Ansichten von Sex und Liebe… bietet aber ein passendes Ende. Eine komische Mischung.
7. Episode: In dieser Episode trifft ein Familiendrama in einer magischen Welt auf der drohenden Weltuntergang. Ein kleines Mädchen mit Teufelshörnern soll angeblich für die kommende Apokalypse verantwortlich sein – da sind sich die Magier der Welt einig. Für Kenji ist Nayuta aber nur seine kleine Schwester, auf die er aufpassen muss. Als Nayuta mehr zaubert und zahlreiche Tiere tötet, werden Kenjis Loyalität und Geschwisterliebe auf die Probe gestellt. Interessante Welt, visuell hübscher Showdown, guter innerer Konflikt.
8. Episode: Die finale Episode kommt als einzige ohne Übernatürliches aus. Es gibt keine Fabelwesen, Aliens oder Magie. Stattdessen steht die Beziehung zweier Schwestern im Mittelpunkt. Doch etwas seltsam wird es trotzdem. Die kleinere gewinnt einen Preis in ihrer Kunsthochschule, in dem sie ihre große Schwester nackt malt. Das stürzt die große Schwester in eine Sinnkrise, wodurch sie beginnt, das Verhältnis der Geschwister im Laufe der Jahre unter die Lupe zu nehmen. Erfindet das Rad nicht neu, ist aber eine schöne, reflektierte Geschichte.

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Jessie (Elisa Hofmann) und ihre Tochter Mila (Purnima Grätz) fahren in der Gegenwart zum Familienanwesen im Schwarzwald. Das alte Haus soll verkauft werden, doch es ist seit 1999 unbewohnt, sodass der Makler empfiehlt, das Anwesen erst einmal herzurichten. Jessie will eigentlich gar nicht vor Ort bleiben, doch Mila besteht darauf. 1999 verschwand Jessies kleine Schwester im Haus, und auch 1949 gab es bereits eine vermisste Person in der Familie. Jessie wollte das wohl alles so gut es geht vergessen, sie wirkt regelrecht traumatisiert von diesem Ort. Da hilft es natürlich gar nicht, dass Mila am ersten Abend an der Wand steht, hinter der Jessies Schwester verschwand, und monoton gruselig klopft… Und welches Wesen irrt da im Hintergrund herum? Doch ist das alles echt oder halluziniert Jessie etwa? 

Ich bin immer sehr froh, wenn die Öffentlich-Rechtlichen Genreproduktionen eine Chance geben, speziell im Mystery- oder Sci-Fi-Bereich gibt es davon in Deutschland viel zu wenige. „House of Yang” ist auf jeden Fall eine künstlerisch wertvolle Addition ins Portfolio. Die 6-teilige Miniserie mit Folgen von etwa 25 Minuten besticht durch ihre düstere Atmosphäre, ihre gelungene Bildsprache mit Horrormotiven und manchen Überraschungsmoment. Doch im Kern ist „House of Yang“ ein Familiendrama, eine intime Tragödie und eine Traumabewältigung für die Hauptfigur. Sie muss mit der Schuld umgehen, dass ihre Schwester unter ihrer Aufsicht im Haus verschwand. Die Zeitebene von 1949 bringt eine Extraportion schlechte Laune hinzu, weil den Frauen dort übel mitgespielt wurde. Die verschachtelte Erzählweise funktioniert sehr gut. Der fliegende Wechsel zwischen den Zeitebenen bringt eine gewisse, gewollte Verwirrung mit sich. Die meisten Dialoge wirken authentisch, gerade die Rassismuserfahrungen werden gekonnt verarbeitet. Den Einstiegsdialog im Auto empfand ich leider als etwas hölzern, danach wurde es aber stetig besser. 

Eine Mysteryserie steht und fällt letztlich mit dem Mysterium und wie es aufgelöst wird. Manchmal muss man ein Auge zudrücken, um alles genießen zu können, manchmal findet man es richtig super und kann dem komplett folgen. Manchmal findet man es nur dämlich und steigt gedanklich völlig aus – der Todesstoß für jeden Film oder jede Serie. „House of Yang“ lässt mich im Zwiespalt zurück. Irgendwie ist das Ende eher ein neuer Anfang, und die Geschichte hätte noch weitere Episoden vertragen können. Die Schlusspointe gefiel mir zwar sehr gut, aber für mich blieben doch zu viele Fragen offen. 

Zusammenfassend ist „House of Yang“ eine stark inszenierte deutsche Miniserie mit einem interessanten Mysterium im Mittelpunkt. Leider konnte mich das Ende nicht ganz überzeugen. Dennoch möchte ich die kurze Serie empfehlen. Fans von Familiendramen und Verwirrspielen kommen auf ihre Kosten, zudem muss man sich von den leichten Horrorelementen nicht abschrecken lassen.

The post House of Yang – Atmosphärisches deutsches Mystery-Drama. Review Miniserie first appeared on Are you series?.