Alex (Mae Martin, auch Creator), ein Transgender-Mann und Polizist, zieht gemeinsam mit seiner schwangeren Frau Laura (Sarah Gadon) zurück in ihre abgelegene Heimatstadt Tall Pines. Parallel dazu wird die Teenagerin Abbie (Sydney Topliffe), die gemeinsam mit ihrer besten Freunden Leila (Alyvia Alyn Lind) die Schule schleifen lässt, von ihrer Familie verstoßen. Sie wird nachts entführt und in eine Umerziehungsheim für Jugendliche gebracht, unter der Leitung von Evelyn (Toni Collette). Leila versucht ihre Freundin zu befreien, währenddessen wird Alex damit konfrontiert, dass in der sogenannten Besserungsanstalt schlimme Dinge passieren. Er bekommt mit, dass ein Junge namens Riley geflohen ist, und sieht, wie das gesamte Dorf Jagd auf ihn macht. Die erste Folge hat viel Tempo und baut eine spannende Kulisse auf. 

Doch trotz interessanter Prämisse kann die Serie nicht ganz überzeugen, weil sie aus den Augen verliert, was sie eigentlich sein möchte: Ein Krimi? Ein Coming-of-Age-Drama? Eine knallharte Präsentation und Abstrafung solcher folternden Besserungsanstalten? Eine Geschichte über gehirngewaschene Menschen und eine charismatische Sektenführerin? Eine Story über multigenerationales Trauma, angebliche Veranlagungen und das Schicksal? Oder doch über Ängste in Freundschaften und Partnerschaften kurz vor der Geburt eines Babys? „Wayward” wirft alles in einen Topf und hofft, dass am Ende etwas Gutes dabei herauskommt. Einzelne Elemente sind tatsächlich interessant und unterhaltsam. Doch am Ende ergibt die Kombination keine Symbiose, die „Wayward” auf eine höhere Stufe hebt. Es bleibt eine Suppe, die durch die vielen Zutaten verwässert wird. Dazu passen das sehr offene Ende und ein Drehbuch, das die Charaktere manchmal die dümmstmöglichen Entscheidungen treffen lässt. Oft wirkt das wie auf dem Reißbrett konstruiert, nur um noch ein fehlendes Klischee zu bedienen. Speziell im Finale sind einige Fluchtversuche fast schon unfreiwillig komisch. 

Das Erzähltempo ist nach Folge 1 recht gemächlich, nimmt aber in der Mitte an Fahrt auf. Die schauspielerischen Leistungen sind „Hit or Miss”: Manche (wie Toni Collette) überzeugen komplett, andere spielen Karikaturen oder wirken hölzern. Ein großes Problem dürften viele Zuschauer damit haben, dass am Ende zu viele Fragen offenbleiben. Ich mag offene Enden und wenn Szenen bewusst Raum für Interpretation lassen. Wenn man aber die ganze Zeit auf ein großes Finale hinarbeitet und dieses dann so wirr bleibt und sich wie der Auftakt für eine zweite Staffel anfühlt – obwohl das Ganze als Miniserie konzipiert war –, teile ich die Enttäuschung. 

Ultimativ ist es schade, dass die 8-teilige Miniserie sich nicht mehr auf einige wenige Handlungsstränge konzentriert hat, sondern zu einem wahren Genregulasch wird. Mehr Fokus auf einen roten Faden und die spannenden Aspekte hätte der Serie gutgetan. Die düstere Atmosphäre und die Drohkulisse in dieser Kleinstadt, die von zwei vermeintlich charismatischen Figuren ausgeht, funktionieren nämlich wirklich gut. Leider macht „Wayward” zu wenig daraus. Am Ende sehe ich vor allem das ungenutzte Potenzial. Das Finale funktioniert nicht als Auffangbecken mit großem „Ah-Effekt“, bei dem es endlich „Klick“ macht. Stattdessen trudelt die Geschichte eher unbefriedigend aus. Schade, da war mehr drin.

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In nur 6 Episoden und einer Gesamtlaufzeit von knapp unter 150 Minuten erzählt „Takopi’s Original Sin” eine etwas wirre Story voller Gegensätze. Als Protagonist dient das titelgebende Alien, das vom „Happy Planet” stammt und dessen Aufgabe es ist, Glückseligkeit zu verbreiten. Takopi ist sehr naiv und versteht die Menschenwelt gar nicht, so dass ihm anfangs das Konzept von Mobbing, Depressionen und Traurigkeit völlig fremd erscheint. Mithilfe seiner Glücklichkeits-Gadgets versucht er im Jahr 2016 der 9-jährigen Shizuka zu helfen. Sie wird allerdings in der Schule brutal gemobbt, weil ihre Mutter eine Escortdame ist. Nach einem folgenschweren Fehler nutzt Takopi seine Zeitreisekamera und versucht in mehreren Zeitschleifen den Lauf der Geschichte zu verändern. Doch durch seine Versuche, Shizuka glücklich zu machen, gerät das pinke Oktopus-artige Wesen in immer größere Schwierigkeiten.

Die Miniserie zieht einem die Schuhe aus und reißt einem das Herz heraus. Der Kontrast des glücklichen Aliens mit den realen Problemen von Kindern, die durch Mobbing, häusliche Gewalt und versagende, missbräuchliche Eltern gezeichnet sind, funktioniert hervorragend. Das Alien vom Happy Planet kann anfangs gar nicht verstehen, warum Menschen so handeln würden, wie sie es tun. Doch nachdem es Gewalt aus erster Hand erlebt hat, beginnt es zu verstehen und wird in die bedrückende, hoffnungslose Atmosphäre selbst hineingezogen – so wie der Zuschauer selbst. Die Zeitreise- und Zeitschleifen-Thematik fügt der Miniserie zudem das gewisse Etwas hinzu. Man muss allerdings aufmerksam sein, um alles zu verstehen, gerade beim Ausflug ins Jahr 2022. Mein einziges Manko ist der letzte Twist, den ich als etwas abrupt (und zu einfach) empfand. Man hätte dem Handlungsstrang gerne mehr Zeit widmen können. Der letzte Monolog Takopis ist hingegen enorm bitter, pointiert und emotional zerstörend. Was für eine Wucht diese kleine Miniserie doch in sich trägt: Unfassbar.

„Takopi’s Original Sin” basiert auf einem Web-Manga und ist eine depressive Animeserie, die radikal fies und bitterböse realistisch ist. Dabei werden stets Kinder zu Opfern ihrer Umgebung und speziell ihrer Eltern. Das ist ultimativ harter Tobak und deshalb schwer zu empfehlen. Wer aber von Serien gern herausgefordert wird und wen die extreme Schere zwischen süßer Optik und harten Themen nicht stört, der wird von dieser Miniserie emotional mitgerissen. Die Serie ist ein Erlebnis und eine melancholische, düstere Meisterleistung, die sehr sehenswert ist.

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Im 26. Jahrhunderts lebt die Menschheit auf vielen verschiedenen Planeten, angeführt wird sie von einer Art Militärdiktatur des UNSC. Deren Elitesoldaten sind die Spartans, die entschlossen der großen Alienbedrohung entgegentreten. Die sogenannten „Covenant” bilden die Speerspitze der Aliens und wollen die Menschheit unterjochen. Dabei könnte ihnen der sogenannte „Halo” helfen, ein mysteriöser (Planeten-)Ring, den Menschen und Aliens gleichermaßen für sich beanspruchen. Der krasseste aller Spartans, der Supersoldat Masterchief (Pablo Schreiber), begibt sich auf eine Mission. 

So oder so ähnlich könnte die Story sogar spannend verlaufen, doch leider entscheidet man sich schnell von der Geschichte der Spiele abzuweichen und den Masterchief in eine Sinnkrise zu stürzen. Denn während der Chief in den Spielen die gefühllose, superstarke Killermaschine ist (den man spielt), weil er als Kind von seinen Eltern entführt wurde und seitdem zu genau dieser Art von Soldat ausgebildet wurde, hat er hier einen Chip im Rücken hängen, der seine Gefühle unterdrückt. Kurzerhand entfernt er den (was niemanden stört) und erforscht seine Vergangenheit. Später in Staffel 1 geht es dann endlich um den Halo, allerdings verborgen unter einigen langweiligen Nebenhandlungssträngen. In Staffel 2 stehen interne Querelen im Mittelpunkt, der Masterchief bekommt seine Rüstung abgenommen und ist in etwa 7h Laufzeit vielleicht eine halbe Stunde in Rüstung zu sehen. Zum Vergleich: In den Spielen legt er seine Rüstung nie ab.

Ich habe mich schon lange nicht mehr so durch eine Serie durchquälen müssen. Die Serie hat kein Bewusstsein dafür, was die Spiele so beliebt gemacht hat. Sie sieht speziell in Staffel 1 schwach aus (das wird in Staffel 2 besser, auch durch ein überfälliges Redesign von Cortana), sie dreht den Charakter des beliebten Masterchief vollkommen unnötig durch die Mangel. Es drängt sich der Verdacht auf, dass – ähnlich zu der „The Witcher”-Serie – die Drehbuchschreiber keine großen Fans der Spiele waren, sondern die Welt nur als Vehikel sahen, um ihre eigenen, langweiligen Storys zu erzählen. Doch auch das gelingt nicht, man bricht lieber den altbekannten Kanon. Ich frage mich, warum man nicht komplett neue Charaktere nimmt und deren Geschichte in der Welt von Halo erzählt. So macht es beispielsweise „Fallout” ziemlich erfolgreich. Warum muss man krampfhaft den Masterchief verwenden, wenn man ihn komplett „falsch” darstellt? Will man die Fans verprellen?

Immerhin kann man dem audiovisuellen Bereich die Mühe nicht absprechen, sie versuchen den Geist der Games zu bewahren. Einige Moves aus den Spielen sind dabei, die Soundeffekte sind akkurat, die Waffen sehen cool aus und die bekannte Musik wird treffend eingesetzt. Zudem sehen einige Actionchoreographien ganz gut aus, auch wenn die Bewegungen der CGI-Figuren manchmal sehr abgehackt wirken. Dennoch kommt bei der Serie tatsächlich ab und an Freude auf, wenn der Masterchief sich mit seinem Team oder allein in den Kampf gegen die Aliens stürzt und das passend inszeniert wird. Endlich bekommt man das, was im Spiel die ganze Zeit lang passiert. Doch leider kommt das innerhalb der 17 Folgen etwa dreimal in größeren Kampfsequenzen vor. Das kann kaum der Ernst der Schöpfer sein.

Die „Halo”-Serie ist enttäuschend. Was ich nicht verstehe: Wenn man schon den Masterchief zwanghaft vermenschlicht und ständig ohne seine Rüstung zeigen will, warum castet man dann nicht einen besseren, bekannteren Schauspieler als Pablo Schreiber? Nichts gegen ihn, aber bei „The Mandalorian” nimmt der Held den Helm deutlich seltener ab, darunter steckt aber Pedro Pascal. Bei „Halo” ist kein Schauspieler gut, generell ist es erstaunlich, dass man Budgetlimitierungen bei einer so großen Marke ständig spürt. Die 2. Staffel beendet die Serie letztlich mitten in der Geschichte. Ich bin darüber aber nicht traurig, sondern froh, dass es vorbei ist. Nur ein Reboot hätte diese Serie retten können.

Was mich frustriert zurücklässt, ist, dass die Serie so viel mehr Potenzial hat. Einige Sequenzen sind wirklich gut, der audiovisuelle Teil ist durchweg gelungen und schlägt die Brücke zu den Spielen gekonnt. Leider sind die Änderungen alle zum Schlechten und die ganzen Nebenfiguren uninteressant. Fans der „Halo”-Spiele machen einen großen Bogen um die Serie, Fans von Sci-Fi-Serien ohne Berührungspunkte könnten zumindest theoretisch einen Blick hineinwagen. Man versucht sich an „The Expanse” zu orientieren, erreicht aber nie diese Qualität. Somit kann ich keine Empfehlung aussprechen. Das Schlimmste: Es ist nicht mal amüsant kacke, sondern in der Mitte der Staffeln stets langweilig und frustrierend, weil man ständig denkt, wie viel besser das doch alles sein könnte.

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Lorna (Ruth Wilson, „The Affair”, „Luther”) ist eine von der Vergangenheit stark gebeutelte Frau. Sie schlafwandelt häufig und ist in ihrem Dorf als Person mit psychischen Problemen und einem gewissen Hang zur Wut bekannt. Eines Tages findet sie eine tote Frau in ihrer Wand, die allerdings später nicht mehr da zu sein scheint. Halluziniert Lorna? Und was hat sie eigentlich zu der Frau werden lassen, die sie heute ist? Im Verlauf der Handlung wird das immer deutlicher, speziell als der Kommissar Colman Akande (Daryl McCormack) dazu kommt und den Todesfall eines bekannten Priesters untersucht. Dabei fördert er eine Verbindung zu sogenannten Magdalenen-Wäschereien zu Tage. Dort wurden die Frauen zur Arbeit gezwungen, zudem wurden ihnen ihre Kinder abgenommen. Viele Kinder starben kurz darauf, einige wurden aber wohl auch adoptiert. Colman ermittelt, dass auch er eines dieser Kinder sein könnte. Währenddessen versucht Lorna das Grab ihrer Tochter zu finden. Daran schließt sich eine größere Handlung über die Vergangenheit, den Verbleib der Kinder und die tiefen seelischen Narben der Frauen und Mütter an, die damals unter dem Deckmantel der christlichen angeblichen Hilfseinrichtung gequält wurden.

Interessanterweise verwebt die Miniserie reale Ereignisse mit einer fiktiven Mysterystory mit Krimielementen. Denn leider gab es die Magdalenen-Wäschereien und die Quälereien der Frauen in solchen Einrichtungen in Irland tatsächlich. Der historische Hintergrund ist demnach bitter, schockierend und der stärkere Teil der Geschichte. Denn leider ist die Mysterygeschichte rund um Lorna anfangs unnötig wirr. Erst in der Mitte wird die Geschichte durch größeren Fokus auf Kriminalfall und Vergangenheit spannend, sie bekommt Gewicht. Leider werden bis dahin allerdings nicht alle durchhalten. Ich würde es aber empfehlen, denn sobald sich das große Bild mehr und mehr zusammensetzt, wird die Serie wirklich sehenswert. 

Die Darsteller sind alle gut, die musikalische Untermalung hat mir an vielen Stellen gut gefallen. Inszenatorisch treffen bewährte Einstellungen auf ein paar kreative Ideen, das Setting ist gut getroffen. Nicht jeder Dialog trifft ins Schwarze und manchmal handeln Figuren etwas komisch, aber im Großen und Ganzen hat „The Woman in the Wall” viele Qualitäten. Man muss allerdings festhalten, dass es auch harter Tobak ist. Wie mit den Frauen umgegangen wurde, war wirklich das Allerletzte und das ist zutiefst verabscheuungswürdig. Die Serie bietet keinen einfachen, unterhaltsamen Sehgenuss, sondern Themen, die einen auch emotional herausfordern.

„The Woman in the Wall” ist ein interessanter Mix aus Mystery, Drama und Krimi vor einem historisch korrekten, bitteren Hintergrund. Leider sind die ersten beiden Episoden so sperrig, dass viele danach aufhören würden. Doch das ist schade, denn im Ganzen lohnt sich die Miniserie.

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Aoteru Misumi lebt ein ruhiges Leben mit seiner Frau im Bezirk Yamato. Doch eines Tages kommt der Innenminister Yamatos zu Gast, der durch seine äußerste Brutalität und Skrupellosigkeit auffällt. Misumis Frau stößt die Schikane der lokalen Bevölkerung auf und sie prangert diese Missstände öffentlich an. Ein Fehler, der Misumi dazu bringt, ein klares Ziel zu verfolgen: Er möchte Japan wiedervereinen. Nach einer actiongeladenen ersten Folge werden zunächst viele verschiedene Figuren eingeführt und die Hauptfiguren müssen sich innerhalb der Armee zurechtfinden. Danach verlagert sich der Fokus auf die Innenpolitik und Expansionspläne Yamatos. Später wird der Konflikt mit dem rivalisierenden Seii heiß, auch hier wird sich viel Zeit für die „Diktatorin”, ihren Weg zur Macht, ihre Unterstützer und ihre Kriegspläne genommen. 

Die Serie ist gut produziert und entwickelt schnell eine visuell ganz eigene Identität, bei der man die Manga-Herkunft sehr deutlich bemerkt. Viele Farben werden verwendet, viele Geräusche visuell dargestellt, die Gesichter immer wieder in violette Farbe getaucht. Zudem fällt die Serie durch ihre Brutalität auf, häufiger werden Köpfe abgehackt und das Blut spritzt. Interessant ist, dass es gar nicht so viele Schlacht- oder Actionsequenzen gibt, wie man vermuten könnte. Stattdessen wird extrem viel geredet, geplant, gedacht, taktiert und intrigiert. Die eigentlichen Schlachten werden recht knapp abgehandelt und von einer Erzählerin untermalt, die so klingt, als würde sie aus einem Geschichtsbuch vorlesen. Man sollte also keine falschen Erwartungen an die Serie haben: Es ist eine Laberserie mit einzelnen Schlachtszenen und visuellen sowie inszenatorisch spannenden Ideen.

Das Erzähltempo der Serie ist gut. Nach einem starken Beginn nimmt sich die Exposition recht viel Zeit. Sobald Seii auf den Plan tritt, wird es aber schnell interessant. Was mir fehlte war Worldbuilding. Zu Beginn wird einmal kurz umrissen, was mit dem alten Japan geschah, aber mir fehlte der Tiefgang bei der Bevölkerung. Der Militär- und Machtapparat der Länder wird durchleuchtet und ausgiebig betrachtet, doch leider kommt die normale Bevölkerung dabei zu kurz. Deswegen fehlte mir etwas das Gefühl für die Länder und warum welche Gruppierung wie weit technologisch entwickelt ist (Bogen gegen Schusswaffen). 

„Nippon Sangoku” ist eine Serie wie keine andere. Weil nicht die Schlachten, sondern die Planung der Schlachten, Taktik und Intrigen im Vordergrund stehen. Der hohe Dialoganteil kommt unerwartet, aber er funktioniert und die Handlung wird durch zahlreiche visuelle Spielereien nicht langweilig. Die Zielgruppe dürfte recht nischig sein, aber ich möchte empfehlen mal reinzuschauen, wenn man sich für Anime, Dystopie, Militär oder Politik interessiert.

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Die Animationsserie funktioniert visuell. Sie bedient sich der Ästhetik des Spiels und nutzt auch diverse Versatzstücke und Soundeffekte. Besonders gelungen empfand ich die Sequenzen, in denen kurzzeitig die Kamera aus dem Game verwendet wird. Die Animationen sehen gut, aber nicht großartig aus. Inhaltlich referenziert man viel und verliert sich teils in Anspielungen und (vermeintlichen) Insider-Gags (wie dem Kostüm-Crewmate). Allerdings versucht man sich auch an eigenen Ideen. Gerade anfangs erscheint alles noch als sehr wirr und chaotisch. Man möchte möglichst viel in die etwa 13-minütigen Episoden hineinzuquetschen und versucht sich sogar an einer Exposition zu den Figuren, die allerdings alle recht dümmlich und stereotyp wirken. Der Humor ist relativ flach, ab und an gibt es aber auch gute Beobachtungen oder gesellschaftskritische Kommentare, die man so gar nicht erwartet hätte. 

Deshalb ist die Serie bis zur Mitte ziemlich banal, überfrachtet und relativ langweilig. Kann man (nebenbei) schauen, kann man aber auch lassen. Doch glücklicherweise bringt Episode 7, die auf „Die 12 Geschworenen” anspielt, endlich die Wende. Durch eine dezimierte Teilnehmerzahl hat man Zeit Figurenkonstellationen auszuspielen. Der Fokus auf das gegenseitige Beschuldigen und die Auswirkungen solcher Behauptungen hilft der Handlung sehr, die sich überraschend auch um emotionale Tiefe bemüht. Auch danach wird sich auf die Stärken des Spiels fokussiert: Das Endgame, wenn es um Sieg oder Niederlage geht. Die letzten zwei Folgen sind dann actionreicher und ganz amüsant.

„Among Us” kann man sich durchaus ansehen, zumindest, wenn man früher das Videogame gespielt hat. Die erste Hälfte ist sehr chaotisch und wirr, in der zweiten Hälfte findet die Handlung aber ihren Rhythmus und liefert einige gute Momente. Insofern können Fans mit der Serie ihren Spaß haben. Personen, die bisher keine Berührungspunkte mit dem Videogame hatten, wird die Serie vermutlich eher nicht überzeugen können.

The post Among Us – Die späte Adaption des Covid-Hype-Games hat ihre Momente. Review first appeared on Are you series?.

Im Zentrum der 6-teiligen französischen Miniserie, die überwiegend authentisch in Kasachstan gedreht wurde, steht die französische Astronautin Anna (Céline Sallette), die mit einer Gruppe von Astronauten vom russisch verwalteten Kosmodrom Baikonur starten soll. Doch aufgrund einer Panikattacke startet nicht sie, sondern ihr amerikanischer Kollege (Lex Shrapnel), mit dem sie eine kurze, aber intensive Affäre hatte. Der US-Astronaut sorgt beim Andocken dann später für den katastrophalen Unfall. Schnell wird sich innerhalb der Verwaltung gegenseitig beschuldigt, wer für den Vorfall verantwortlich war. War es Sabotage? Vielleicht von den Amerikanern? Oder doch von den Russen? Parallel entfaltet sich eine Handlung in der kasachischen Steppe. Ein Kommissar (Daniyar Alshinov) findet eine Leiche, deren Kopf abgetrennt wurde. Nach einiger Zeit stellt sich heraus, dass es sich bei der Leiche um den amerikanischen Astronauten handelt. Doch wie kann dieser gleichermaßen auf der Erde und im Weltall sein? 

Die Serie ist überraschend konsequent und durchaus brutal. Großartig ist das unverbrauchte Setting. Kasachstan sieht man in Serien schließlich selten und es gelingen einige wunderbare Kamerashots und Bilder von Orten, die man so nicht kennt. Generell ist die Produktion auf einem hohen Niveau. Die Weltraumkomponenten sehen gut aus, die Schauplätze sind super, man bekommt ein Gefühl für die Kasachen. Die Darsteller sind solide. Was die Serie erheblich ausbremst, ist ihre Langsamkeit. Zudem werden einige Geheimnisse etwas zu früh gelüftet. So schaut man eher den Figuren beim Rätseln über die Verschwörung zu als, dass man selbst rätseln muss. Denn als Zuschauer wird man schnell ins Bild gesetzt. Immerhin bleibt das große Weltraumgeheimnis, das irgendwann recht plakativ mit Schrödingers Katze erklärt wird, als das letzte große Mysterium. 

„Infiniti” hat viele gute Seiten. Vor allem im visuellen Bereich, der Grundidee, dem Setting und der Konsequenz. Leider erschwert das sehr langsame Erzähltempo den Sehgenuss. Speziell in der Mitte tritt man extrem auf der Stelle. Außerdem helfen die zahlreichen Zeitsprünge mit teils redundantem Inhalt nicht dabei das Tempo hochzuhalten. Zudem kann sich die eigentlich spannende Verschwörung nicht ganz entfalten, weil man als Zuschauer zu früh zu viel weiß. Dennoch hat Infiniti auch seine guten Momente und speziell die letzte Folge bietet viel für Sci-Fi-Fans. Ob sich der Zeitaufwand lohnt, muss am Ende jeder selbst entscheiden. Ich fand es ganz interessant, aber das Potential wird nicht ausgeschöpft.

The post Infiniti – Wenn ein Raumschiff mit der ISS zusammenprallt. Review Miniserie first appeared on Are you series?.

In den 1960er sind unzählige Atombomben auf die USA (und vermutlich die ganze Welt) gefallen und haben Infrastruktur und Menschenleben weitgehend ausgelöscht, alles in eine atomare Wüste verwandelt. „Glücklicherweise” hatte Vault Tech vorgesorgt und riesige Bunker, die Vaults, gebaut, in die die Reichen fliehen konnten. Nun sind 200 Jahre vergangen und die Bewohner der Vaults führen vernünftige, ruhige Leben, immer mit dem zeitlich unklaren Ziel, in der Zukunft die Oberfläche neu zu bevölkern. Eines Tages soll es zu einer Hochzeit kommen, doch die Lage eskaliert und fördert nach den starken ersten beiden Episoden eine ganze neue Welt zu Tage. Bei der Erkundung folgen wir einigen Hauptfiguren. Vor allem der ehemalige Vaultbewohnerin Lucy (Ella Purnell), die nun die – doch nicht so leere – Oberfläche entdeckt, aber auch Knappe Maximus (Aaron Moten), der einer Bruderschaft angehört, die riesige Mech-Waffen von vor der Apokalypse besitzt und damit die Welt vermeintlich sicherer macht. 

Darüber hinaus gibt es einen Ghoul: Bitte was? Ja, ein ehemaliger Filmstar der 60er, der durch seine Frau im Dunstkreis Vault Techs verkehrte und einige Infos über die damalige Ursache der Apokalypse mitbekam, vor allem aber ordentlich Strahlung abbekam, was man an seinem Äußeren gut erkennen hat. Er hat seine ganz eigene Agenda in dieser apokalyptischen Welt und ist ein 1A Westernheld Charakter, wie „Der Mann in Schwarz“ in „Westworld„. Angereichert werden die Handlungsstränge der Hauptcharaktere von einer Ministoryline, die sich aufklärend in den Vaults abspielt.

Die Welt von Fallout ist der Star. Die vielen verschiedenen Fraktionen, wie es zu den Vaults kam, was in den Vaults Seltsames, Mysteriöses passiert und wie wessen Agenda aussieht, stehen im Mittelpunkt, der somit auch Mystery-Elemente beinhaltet. Die Handlung ist lange Zeit eine Art MacGuffin. Alle jagen einem Wissenschaftler hinterher, der sich wohl etwas extrem Wichtiges in den Kopf spritzte, worauf nun alle Fraktionen geiern, weil es bei der Erfüllung der eigenen Ziele enorm helfen würde. Das ist weder besonders originell noch ausgefeilt, aber es reicht vollkommen aus, um die Handlung voranzutreiben, die Figuren die Welt entdecken zu lassen (Roadtrip) und zu einigen Showdowns zusammenzubringen. Eingeträufelt wird bei Fallout eine gehörige Portion Absurdität und Comedy (die mal zündet, mal eher nicht). Der Look der Serie ist überwiegend überzeugend, die Special Effects können sich zumeist gut sehen lassen, die Flashbacks sind stimmig eingesetzt. Die letzte Episode der ersten Staffel beantwortet einige aufgeworfene Fragen sehr gut, während sie genügend weitere Fragen stellt, um es spannend zu halten. Die Darsteller sind nicht überragend, aber in Ordnung, ich habe mich vor allem gefreut, Kyle MacLachlan und Michael Cristofer in Nebenrollen zu sehen. 

Staffel 2 schließt nahtlos an die 1. Staffel an. Das gilt für die Handlung, aber auch die Stärken und Schwächen. Weiterhin ist die dargestellte Welt das Faustpfand der Serie. Die zahlreichen verschiedenen Kulissen und Settings sind wunderbar ausgearbeitet, die unterschiedlichen Fraktionen geben der Welt eine Tiefe und lassen sie authentisch wirken. Diesmal steht New Vegas (und mutmaßlich einiges aus dem Spiel) im Mittelpunkt der Handlung. Erneut beleuchtet eine Zeitebene in der Vergangenheit die Frage, wie es zu dieser Katastrophe überhaupt kommen konnte und erneut gibt es viele verschiedene Figuren mit eigenen Handlungssträngen. Manchmal artet das etwas aus, weil einige Charaktere wenig zur großen Handlung beitragen und sich wie Ballast anfühlen (der Bruder). Von den zahlreichen Szenenwechseln, die mit häufigen Schwarzblenden einhergehen, hätte ich mir weniger und stattdessen mehr Stringenz gewünscht. Die gibt es allerdings in der Haupthandlung. Die Geschichte ist diesmal deutlicher umrissen, die Hauptfiguren haben klarere Ziele, die sie verfolgen. Das funktioniert bei Lucy und dem Ghoul gut, bei Marcus wird es etwas chaotischer. Generell gefiel mir speziell die Vergangenheit sehr gut, weil es dort um die Beantwortung von Fragen geht. Ansonsten wird nämlich wieder viel nur angedeutet. Somit wird zwar die Spannung hochgehalten, aber ich bekomme auch leichte „Endlos-Serie“-Vibes. Zusammenfassend kann die 2. Staffel das Niveau der ersten komplett halten. Die Hauptgeschichte ist etwas besser, die Welt ist weiterhin wunderbar umgesetzt, die Comedyfarbe ist dieselbe, die Spezialeffekte sind auf einem guten Niveau, nur das Pacing ist vielleicht etwas schwächer. Wer die 1. Staffel mochte, kann auch mit der zweiten viel Spaß haben. Kritiker wird auch die 2. Staffel nicht umstimmen könne.

Mit unbekümmertem Vibe und Comedy-Elementen in großer Apokalypse, ist die Serie bisher einfach gut umsetzt. Sie ist zwar nirgends überragend (wobei vielleicht beim sehr stimmigen Soundtrack), aber überall gut und letztlich unterhaltsam. „Fallout” ist die leichtfüßige Variante im Vergleich zu „Silo” und spielt mehr außerhalb.

The post Fallout – Gelungene Verfilmung der Videospiel Sci-Fi-Apokalypse. Review Staffeln 1 & 2 first appeared on Are you series?.

Die erste Kampagne der Critical Role Gruppe wurde als „The Legend of Vox Machina” verfilmt, die ich allerdings noch nicht gesehen habe. „The Mighty Nein” spielt rund 20 Jahre nach den vorherigen Ereignissen, man muss den Vorgänger aber nicht gesehen haben, um diese Abenteuer- und Actionanimationsserie genießen zu können. Die Serie ist extrem blutig, brutal und durch die zahlreichen Rassen, Fraktionen und Magie-Superkräfte sehr komplex. 

Die 8-teilige erste Staffel nimmt sich zu Beginn viel Zeit für die Exposition. Die sechs Hauptcharaktere, die später zur „Mighty Nein” werden, bekommen alle ihre Vorgeschichte, während parallel der große Krieg droht. Denn der Supermagier des Imperiums stiehlt mit Hilfe eines Kryn das heilige Artefakt der Kryn, in dem sich alle Seelen der Verstorbenen sammeln, wodurch sie wiedergeboren werden können. Doch das Artefakt kann offenbar noch viel mehr – zum Beispiel als Superwaffe dienen. Einige der Helden stecken in diesem Konflikt allerdings mal mehr und mal weniger mit drin. Nach einem folgenreichen Treffen auf einem Jahrmarkt mitsamt großem Kampf gegen eine Riesenkröte, rauft sich die Gruppe zusammen, um am Ende der ersten Staffel das Artefakt zu stehlen.

„The Mighty Nein” versucht an keiner Stelle seine Ursprünge als Pen & Paper Abenteuer zu verschleiern. Zwar wird natürlich nicht gewürfelt, aber dadurch wirkt alles wie ein Videospiel. Teilweise stehen typische Quests an der Tagesordnung und die Charaktere sind alle sehr überspitzt und häufig humoristisch. Die Animation ist hochwertig, die Actionsequenzen sehen gut aus und auch der visuelle Stil mit einigen starken Bildern kann überzeugen. Das Erzähltempo ist anfangs zwar gemächlicher, doch Langeweile kommt dennoch nie auf. Dennoch ist die Geschichte immer dann besser, wenn die Gruppe zusammen einen Plan verfolgen muss. Somit kommt es in der Mitte zum Highlight der 1. Staffel, ich war am Ende leicht davon enttäuscht, dass die Geschichte mittendrin aufhört. Naiverweise war ich davon ausgegangen, dass man eine Kampagne auch in einer Staffel erzählen kann, aber die Vorgängerserie soll 5 Staffeln bekommen.

Die Animationsserie mit kleinen Deutsch-Anleihen ist nicht nur etwas für Dungeons & Dragons oder Pen & Paper Fans, sondern generell für Fans von Fantasyserien. Denn die dargestellte Welt ist vielseitig, komplex und interessant. Mir fiel es zwar schwer alles zu verstehen, weil einiges nur angedeutet und anderes zufällig wirkt, aber das ist letztlich keine große Schwäche. Dennoch ist manchmal weniger mehr, was primär in der letzten Episode verdeutlicht wird, als viele neue Kräfte bekommen, die man noch nicht verstehen kann. Ob man die derbe Ausdrucksweise, die Gewalt und den Humor mag, ist sehr subjektiv.

„The Mighty Nein” kann man großflächig für Fans von Fantasy- und/oder Animationsserien empfehlen. Die Serie hat eine eigene Identität, bietet eine spannende Welt und ist hübsch animiert.

The post The Mighty Nine – Fantasyanimationsserie mit schrulligen Charakteren in Dungeons & Dragons Welt. Review Staffel 1 first appeared on Are you series?.

Triggerwarnungen für Mobbing, Suizide, Gewalt, Cuttermesser und viel Blut sind bei dieser Serie angebracht. Im Zentrum stehen Se-ah und ihre Freundesgruppe, die allesamt gerade volljährig sind und noch zur Schule gehen. Ein etwas unbeliebterer Schüler stellt ihnen eine mysteriöse App vor, die Wünsche erfüllt. Zunächst halten das alle für Schwachsinn, doch nachdem sich der Schüler am Ende der ersten Folge öffentlichkeitswirksam die Kehle aufschlitzt, nimmt die Geschichte Fahrt auf. Schon bald geht es um Schamanismus und das Brechen von Flüchen. Im weiteren Verlauf wird auch die blutgetränkte Entstehung der App in Rückblenden erzählt.

Die erste Folge der 8-teiligen Miniserie ist die schwächste. Das Teenie Schuldrama mit typischen Figurenkonstellationen und möglichen Beziehungen steht noch zu deutlich im Vordergrund. Ich war erst ab Folge 3 überzeugt, in der die Serie auf eine übernatürliche Ebene gehoben wird. Man muss zwar akzeptieren, dass es Schamanismus, Geister und Flüche gibt, aber speziell visuell erschließt die dritte Folge dadurch eine neue, kreative Ebene und hebt die Serie auf eine höhere Stufe. Besonders gut gefiel mir die Origin-Story in Folge 6, am Ende dreht die Serie noch einmal auf. Zwar ist nicht alles zu 100% logisch und manchmal wirkt das alles ziemlich dumm. Beispielsweise verlieren die Charaktere viel zu viel Blut, sind aber kurz darauf wieder topfit. Doch das kann man in einer Horrorlogik verschmerzen. Der Abschluss der Serie ist einigermaßen rund. Allerdings wird noch eine Fortsetzung angedeutet, die ich aber nicht unbedingt brauche.

Die Serie ist modern und stark produziert, die Inszenierung ist für eine Netflix-Serie überdurchschnittlich. Sie ist stylisch, wobei man ihr teils den Vorwurf von „style over substance” machen kann. Es gibt einige kreative Regie-Ideen und immer wieder werden starke, bedrohliche Bilder erschaffen. Die Actionsequenzen sind in Ordnung, die dynamische Kamera fängt das Geschehen stark ein. Einige Horrormomente gelingen großartig, wobei die Serie fast gänzlich auf Jumpscares verzichtet und stattdessen auf Atmosphäre oder visuelle Schockmomente mit viel Blut setzt. Die Darsteller overacten anfangs etwas und der Humor gelingt nur selten, wenn allerdings der Horrorthriller dominiert, können die Schauspieler zeigen, dass sie ihr Handwerk beherrschen. Zwar sind auch einige Momente mit zu viel Zeitlupe etwas überinszeniert, aber cool sind es meist dennoch aus.

„If Wishes Could Kill” ist eine gelungene Miniserie, die für Fans von Horror mit Teenagern, viel Blut und traumatischen Geschichten absolut sehenswert ist. Zudem sollte man kein Problem mit dem Übernatürlichen, Geistern und Flüchen haben. Ich empfehle, dass man die Serie nicht nur anhand ihrer ersten Folge beurteilt, sondern ihr mindestens bis nach Folge 3 eine Chance gibt. Danach sollte man hoffentlich im Bann sein und die Serie zu Ende schauen wollen. Natürlich ist daran nicht alles gut oder sonderlich schlau, aber ich mochte die kreativ inszenierte Horrorserie letztlich für das, was sie sein will. Die Serie gibt es in deutscher Synchronisation auf Netflix.

The post If Wishes Could Kill – Die blutige Killer-App, die Wünsche erfüllt. Review first appeared on Are you series?.

„Tales from ‘85” hat von Beginn an mehrere Probleme. Zunächst fehlen die arrivierten Sprecher, weil Netflix ihre Stimmen für das Training von KI verwenden wollte und sie das (zurecht) strikt ablehnten. Doch natürlich fanden sich andere, die diese Aufgabe (eher schwach) erledigen. Zudem hat die Serie klassische Prequel-Probleme: Wir wissen genau, dass den Figuren nichts passieren kann, was jeder Actionsequenz die Spannung nimmt und die bedrohliche Inszenierung fehl am Platz wirken lässt. Schwierig ist in diesem Zusammenhang die neue Figur Nikki, die so wirkt, als sei sie „Vi” aus „Arcane” mindestens nachempfunden (eher eine billige Kopie). Auch der Animationsstil ist polarisierend. Die Figuren sehen sehr so aus wie in den Telltale Games (z.B. „The Walking Dead”), was man entweder mag oder nicht. Nach Betrachtung der ganzen Serie mag ich den Stil weiterhin nicht besonders, die Animationen sehen aber durchweg gut aus, auch wenn sie kein überragendes Niveau wie in „Arcane” erreichen. Was mir sauer aufstieß, war, dass man Eleven im Vergleich zur Hauptserie de facto kaum wiedererkennt. Sie ist stärker als je zuvor und je danach, besonders, weil sie dauerhaft ihre Kräfte wirken kann und keine (oder kaum) Erholungspausen braucht. Das wirkt etwas seltsam, wie auch die Begründung dafür, dass es überhaupt Monster in Hawkins gibt, nachdem Eleven das Tor doch eigentlich geschlossen hatte. Das bringt uns kurz zum Inhalt.

Forscher haben doch irgendwas von der anderen Seite in der echten Welt behalten und damit Experimente gemacht. Die gerieten natürlich außer Kontrolle und erschufen Wesen, die es davor und danach nicht mehr gab. Die Truppe rund um die jüngeren Kids (ohne die Erwachsenen und weitgehend auch ohne Nancy, Steve & Co) rennt zu Beginn vor allem davor weg, ehe sie in der Mitte versuchen die Viecher zu verstehen. Dabei bringen sie sich ständig dumm in Gefahr, die aber eigentlich gar keine Gefahr ist – die bereits genannten Prequel-Probleme. Letztlich müssen sie die Monster natürlich besiegen. Das Erzähltempo ist recht hoch, speziell in den ersten Folgen gibt es ständig Verfolgungsjagden und Actionsequenzen ohne jede Fallhöhe.

Was macht die Serie denn gut? Die Animation ist gut, die Musikauswahl ist stimmig, die Gruppendynamik funktioniert zumindest einigermaßen. Die Action ist vernünftig inszeniert. Mir gefielen die Szenen ohne Monster allgemein besser als der Rest. Wenn sich die Gruppe einen Plan zurechtlegt und diesen fernab von bösartigen Kreaturen ausführt, gefällt mir die Serie am besten. Aus meiner Sicht hätte die Aufklärung eines Mordfalls ohne Übernatürliches oder Ähnliches der Serie besser gestanden. So will „Tales of ‘85” irgendwie dasselbe, wie die Hauptserie erzählen, nur eben animiert – und aus meiner Sicht schlechter auf fast allen Ebenen (die Animation ist besser als so manches CGI).

Für wen ist es was? „Tales of ‘85” kann für alle funktionieren, die gar nicht genug von „Stranger Things” bekommen können und einfach sehen wollen, wie die Gruppe interagiert und sich erneut Monstern gegenübergestellt – zu passender Musik und mit Superheldenkräften von Eleven in höherer Frequenz als je zuvor. Zudem darf einen der Sprecherwechsel nicht stören. In diesem Fall funktioniert die Serie.

Wer sich mehr von der Serie versprochen hat, wird enttäuscht. Für mich häuften sich die Hindernisse zu sehr, um wirklich Spaß zu haben. Das größte Problem sind die anderen Stimmen und die steten Actionsequenzen ohne jegliche Gravitas, die bei mir eher Langeweile erzeugten. Wirklich schlecht ist das alles nicht, aber irgendwie wirkt es seelenlos, beliebig und mit der heißen Nadel zusammengestrickt. Schade. Ich bin gespannt, ob es noch mehr Spin-Offs geben wird.

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Die 8-teilige Miniserie basiert auf dem gleichnamigen Roman. Lisa Nova (Rosa Salazar) hat in Los Angeles ein Gespräch mit einem bekannten Filmproduzenten, der von ihrem verstörenden Horror-Kurzfilm begeistert ist. Darin sieht er etwas Besonderes und möchte eine Langzeitadaption drehen. Doch als Lisa seine sexuellen Avancen ablehnt, entscheidet er sich, ihr den Film wegzunehmen und einen anderen Regisseur zu besetzen. Lisa ist völlig verzweifelt und landet bei einer seltsamen Frau, die verspricht den Betrüger zu bestrafen. Dafür muss Lisa nicht nur Zutaten wie seine Schamhaare beisammen suchen, sondern auch einen Haufen ekelhafter Dinge essen und trinken, die sie auf ganz üble und schaurige schlechte Drogentrips führt. Das ist nur der Anfang einer Story, die immer weiter ins Absurde eskaliert. Irgendwann geht es um Magie, Zombies, wachsende Körperteile, Körperwandler und mehr verrückten Kram. Dabei muss sich Lisa auch mit den Dämonen ihrer Vergangenheit auseinandersetzen.

Visuell und inszenatorisch ist „Brand New Cherry Flavor” eine Wucht. Die Kulissen & Requisiten sind großartig, die Lichtstimmung ist faszinierend, die Kameraeinstellungen sind kreativ, die digitalen und physischen Horror- und Splattereffekte können überzeugen – besonders das „Wackelmonster” gefiel mir sehr gut. Auch der Einsatz von Popmusik ist sehr gelungen. Das Erzähltempo ist durchaus hoch, es passiert viel innerhalb der Episoden und man muss sehr viel akzeptieren, um nicht den Spaß an der Story zu verlieren. Mir war das an einigen Stellen einfach zu blöd, was mich immer wieder herausriss. Ständig wird man mit neuen Realitäten aus dem Reich der Magie konfrontiert. Etwas weniger Absurdität (looking at you „Sexszene” in Episode 4) würde helfen, um kein zu großes Kopfschütteln hervorzurufen und damit eine Distanz aufzubauen. Zudem hilft nicht, dass die Schauspieler zum Teil hemmungslos overacten. Rosa Salazar ist zwar zu Beginn stark, aber wenn sie eine Verfluchung oder eine Vergiftung spielen muss, dann ist das nicht mehr so überzeugend. Dennoch bleibt sie die stärkste Darstellerin in einem Ensemble, das häufiger (unfreiwillig?) komische Momente heraufbeschwört. Die Zombies sind dabei am schlimmsten. Später gibt es auch offensichtlich gewollte Comedymomente und zahlreiche Ekelszenen, die mich nicht für sich gewinnen konnten.

Zusammenfassend ist es schwer „Brand New Cherry Flavor” etwas vorzuwerfen. Denn inszenatorisch gelingt sie auf allen Ebenen und ist vermutlich genau das Werk geworden, was sich die Macher vorstellten. Letztlich scheiden sich die Geister am Inhalt. Manchen wird diese fluchhaltige Horrorgeschichte mit Magie, Zombies, Blutschwüren und Monstern zu quatschig sein, bei anderen könnte diese ungeahnte Melange voll ins Schwarze treffen. Ich gehöre leider zur ersten Gruppe. Mir gefiel der Start, als es sich um eine Rachegeschichte handelte, bei der nicht klar war, ob es Flüche gibt oder nicht, deutlich besser als das Übernatürliche danach. Aber das ist Geschmackssache.

Deshalb ist die Miniserie für alle empfehlenswert, die im übernatürlichen Horrorbereich eine frische, absurde und eigenartige Geschichte sehen wollen. Alle anderen wird die Geschichte wohl ab einem gewissen Punkt nicht mehr mitreißen können. Allgemeintauglich ist die Serie sicher nicht, aber in der Nische kann sie gut funktionieren. Für mich tat sie es aber leider nicht. Auch, weil ich das Ende nicht mochte.

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Die Live-Action Netflix Variante profitiert von Manga-Schöpfer Eiichiro Oda, der als „creative consultant” an der Serie beteiligt ist – vielleicht kommt die Serie auch deshalb gut bei Fans an. Die 1. Staffel umfasst die sogenannte Eastblue-Saga des Mangas, verändert dabei allerdings auch etwas. Der schrullige Pirat Monkey D. Ruffy (Iñaki Godoy) schart in einer Fantasiewelt eine Reihe von anderen Piraten um sich, die sich zur Strohhut-Bande formieren um letztlich den „One Piece”, den sagenumwobenen großen Schatz, zu finden, damit Ruffy seinen Traum verwirklichen kann. Doch dies wollen auch viele andere Piraten und somit stellen sich der Gruppe stets neue Gefahren und Gegner in den Weg. Noch zu erwähnen ist, dass One Piece ordentlich in den Fantasybereich hineingleitet, weil verschiedene Figuren Superkräfte haben. So kann beispielsweise Ruffy nach dem Genuss einer bestimmten Frucht seine Gliedmaßen bis in die gefühlte Unendlichkeit verlängern, ansonsten sind viele Figuren begnadete Schwert- oder Faustkämpfer.

In der deutschen Synchronisation setzt man clevererweise auf Altbewährtes, ein Großteil der Anime-Stimmen vertont auch in der Netflix-Variante ihre Figuren, vor allem Ruffy funktioniert sehr gut und schafft eine gewisse Vertrautheit. Generell fängt die Serie den Vibe des Animes mit seiner Mischung aus Comedy und Kampfsequenzen gut ein und bleibt dem Ausgangsmaterial wohl relativ treu. Hervorzuheben sind die vielen schön gebauten Sets, nicht alles wird hier mit CGI gelöst, die Produktion der Serie ist ziemlich gut. Auch deswegen passt dieser wilde Mix aus Abenteuer, Fantasy und Comedy überraschend gut. Die Kampfchoreographien sind überwiegend ganz gut, der Humor ist quatschig dämlich, die Figuren bekommen mit ihren Origin-Stories eine ordentliche Tiefe, die visuellen Effekte sind meistens hübsch anzusehen. Das Ensemble spielt ihre Charaktere überwiegend gut, für meinen Geschmack sind viele der Figuren „komplett drüber“, so dass ich mich schon wieder in einem Anime wähnte. Das bedient nicht zwingend meine Interessen, aber es führt dazu, dass Fans von Manga & Anime sich schnell zuhause fühlen. 

Die 2. Staffel der Action-Abenteuer Serie mit vielen Kampfszenen und dem eigenartigen Anime-Humor knüpft nahtlos an Stärken und Schwächen der 1. Staffel an. Inhaltlich begibt sich die Strohhutbande auf die Grand Line und muss sich dort einigen Herausforderungen stellen, meist auf verschiedenen Inseln. Dabei treffen die Helden beispielsweise auf einen riesigen Wal, Riesen oder auch Dinosaurier. Doch auch die Barockfirma mit ihren zahlreichen Schergen, die teils abenteuerliche Superheldenkräfte haben, ist ihnen stets auf den Fersen. Großer Bösewicht der Staffel ist Wapol. Ich bin weiterhin Fan von der offensichtlichen Liebe für das Vorbild, das ist schließlich nicht bei allen Adaptionen der Fall. Die meisten Kampfsequenzen sehen ganz gut aus und wirken aufwändig, wenngleich es manchmal ein paar zu viele Schnitte gibt, um fehlende Kampfskills der Schauspieler zu kaschieren. Generell sind die Darsteller weiterhin maximal solide und viele overacten hemmungslos, so dass man sich im Anime wähnt. Mir fiel es manchmal schwer Charaktere ernst zu nehmen, wie den Typen der explosive Popel wirft oder Smoker, der stets zwei Zigarren im Mund hat. Das funktioniert für mich im Anime besser als in einer Realserie, aber aus dieser Absurdität kann man auch einen gewissen Unterhaltungswert ziehen. So absurd wie One Piece ist kaum eine Realserie. Auch die Requisiten und Kulissen erkennt man manchmal etwas zu deutlich, wodurch sich die Serie manchmal eher wie ein Fanprojekt als wie eine Millionenproduktion anfühlt. Jedoch stimmt – wie auch bei den meisten Fanprojekten – die Leidenschaft und die Freude am Projekt, das Herz sitzt sicherlich am rechten Fleck. Somit bleibt ein ähnliches Fazit wie für die 1. Staffel. Fans des Anime finden es super, alle anderen werden es aufgrund des ganzen Wahnwitzes etwas schwerer haben. Dennoch ist die Adaption weiterhin gelungen.

Somit ist die Netflix-Adaption eine schöne, bunte, drollige Serie für jeden, der einem Crew-Abenteuer mit vielen Kämpfen und jeder Menge Comedy nicht abgeneigt ist. Fans von Anime und Manga werden die Serie tendenziell sogar noch etwas besser finden. Ich bin gespannt, wie viele Staffeln die Netflix Serie letztlich umfassen wird, die 3. soll bereits 2027 folgen.

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Die 8-teilige Horrorminiserie hat mich seit langem mal wieder völlig kalt erwischt und positiv überrascht. Dabei musste ich mich kurz überwinden sie anzuschauen, weil ich kein Fan von (Jumpscare-)Horror bin und mich die ewig gleichen Bilder aus den dunklen Wäldern und den im Haus versteckten Horrorgestalten eher langweilen. Doch auf das, was mich dann erwartete, war ich nicht vorbereitet. Und Jumpscares gibt es glücklicherweise nicht viele, sie werden eher pointiert eingesetzt.

Die Geschichte beginnt mit Rachel (Camila Morrone, The Night Manager”), die ihren Freund Nicky (Adam DiMarco, „The White Lotus”) in einer Woche in der gruseligen Winterhütte seiner Familie irgendwo im Nirgendwo heiraten möchte. Bereits auf der Fahrt dahin erleben die beiden kleine Albträume und speziell Rachel hat das Gefühl in großer Gefahr zu sein. Leider lässt das nicht nach, nachdem sie Nickys Familie trifft. Denn diese ist komisch, mag sie nicht und wirkt fast wie aus einem Resident Evil Teil. Zudem wirken sie zum Teil arg überzeichnet (Portia). Nachdem man in Folge 2 nur „LAUF” rufen möchte und sich fragt, was die gute Rachel noch da hält, stellt die Handlung danach alles auf den Kopf und verlässt allzu eingetretene Pfade. Ein gelungener Kunstgriff, um die Serie spannend zu halten, mit dem allerdings viele offenbar ein Problem hatten. Das Erzähltempo ist in der Mitte der Serie vielleicht ein wenig zu zäh, aber dennoch gelingt eine enthüllungsreiche, visuell hammerharte 4. Folge, eine großartige Dinnerparty in Episode 5 und eine überragende Plansequenz in der 7. Folge. Das Ende liefert visuell komplett ab und führt die Geschichte zu einem passenden Ende.

Visuell, inszenatorisch und musikalisch wurde ich in eine Welt hineingezogen, die schnell ihre eigene Identität entwickelt. Dabei hilft eine hypnotische Topleistung von Hauptdarstellerin Camila Morrone, die in vielen langen Plansequenzen gemeinsam mit dem anderen Cast zeigen kann, was sie schauspielerisch drauf hat. Zudem habe ich mich natürlich über Ted Levine („Monk”) und Zlatko Buric („Copenhagen Cowboy”) gefreut. Jede der Regisseurinnen beweist ein feines Gespür für Symbolik und ausdrucksstarke Bilder, die mit einer stets dynamischen Kamera stilsicher eingefangen werden. Die Musik ist treibend, erinnerte mich an Raffertie von „The Substance” und untermalt die Atmosphäre gekonnt.

Weil meine Rezeption und die Mainstream Meinung auseinanderdriften, versuche ich mich an einer Erklärung dafür: Online liest man viel davon, dass es zu viele lose Enden gibt und man angeblich unnötig auf falsche Fährten geführt wird. Ich kann diese Auffassung nur sehr bedingt teilen. Denn das meiste ergibt Sinn, man muss ihn nur finden und verstehen. Die Serie arbeitet mit viel Symbolik, Metaphern und Vergleichen. Fast alles kann man auf Rachels Situation beziehen, wenn man ein wenig darüber nachdenkt oder aufmerksam zuhört. Hinzu kommt, dass die Handlung häufig nur Dinge andeutet (die Kiste in Folge 1 z.B.), was Zuschauern sauer aufstößt. Aber ich möchte ein Plädoyer für vage Andeutungen halten und gegen den Hang zum Hörspiel, den heutige Produktion gerne mal haben, damit man sie problemlos am second screen verfolgen kann. Man muss nicht alles auserzählen, man muss nicht alles für die Zuschauer buchstabieren. Manchmal reicht es völlig mit dem Finger auf etwas zu zeigen, was man interpretieren kann. Vielleicht bin ich da aber auch anders gestrickt, weil ich David Lynch Filme mag, die 2000 mal mehr andeuten und interpretiert werden wollen, als diese Miniserie. Ich verstehe aber, dass Anspielungen im heutigen Horrorgenre seltener vorkommen und sich deswegen für einige fehl am Platz anfühlen. Leider. Außerdem wird sich über angeblich ziellose Dialoge beschwert. Auch das kann ich nicht teilen. Viele der Dialoge zeigen sehr gut, wie sehr Rachel sich für ihren künftigen Ehemann und dessen Familie verbiegen muss, wie sehr sie darunter leidet und dass sie dennoch das Gefühl hat es tun zu müssen. Für manche mag dieser feministische Ansatz in einer Horrorserie wohl auch fehl am Platze sein, ich empfand es als erfrischend und möchte die Miniserie in dieser Hinsicht mit dem – aus meiner Sicht gelungenen – „Men” von Alex Garland vergleichen. 

Natürlich fand ich auch nicht alles überragend. Teilweise ist es mir etwas zu klischeehaft und ich hätte die Familie des Bräutigam etwas weniger absurd gestaltet. Dazu kommt, dass ich nicht zwingend „Team Flüche” bin und dass die Mitte leicht langatmig gerät. Doch das ist alles absolut verschmerzbar und es bleibt bei kleineren Makeln. Denn letztlich war ich gefesselt und seit langem nicht mehr so daran interessiert eine Serie schnell weiterzuschauen. „Something very bad is going to happen” zog mich in ihren Bann. Executive Producer sind übrigens die Duffer Brothers, die Serie ist trotzdem nicht zwingend etwas für Fans von „Stranger Things”. 

Die Miniserie wird von populären Websites wie IMDb viel zu negativ bewertet. Fans von psychologischem Horror oder auch feministischem Horror, wie „The Substance” kommen voll auf ihre Kosten, ansonsten sind auch Dramafans, die eine durchdachte Inszenierung schätzen, jederzeit willkommen. Doch vorsichtig, manchmal gruselt man sich und es wird blutig. Dennoch möchte ich den Geheimtipp breitflächig empfehlen. „Something very bad is going to happen” mag einen herausfordern, aber es lohnt sich. Traut euch (ob auch am Altar dürft ihr dann entscheiden). Und hört auf keinen Fall schon nach Folge 2 auf!

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Was ich zuvor nicht wusste, aber nach dem Ansehen durchaus kritisch sehe: Das Gezeigte soll (wohl ohne die Krimihandlung) auf der echten Person des James Van Praagh basieren, der als bekanntes Medium gilt und von sich selbst behauptet Kontakt mit einer Geisterwelt aufnehmen zu können. Als Mittel zum Zweck einer Krimihandlung gefällt mir die Fähigkeit mit Toten sprechen zu können grundsätzlich sehr gut, das hat auch kürzlich bereits die Serie „River” unter Beweis gestellt. Wenn man aber für sich reklamiert, dass das echt ist, alles „based on a true story“ ist, dann wird es problematischer. Doch das soll den Unterhaltungswert nicht schmälern.

Innerhalb der Miniserie muss James (Ted Danson) zunächst sich selbst und seine Fähigkeiten als Medium akzeptieren und neu entdecken, ehe er durch Zufall auf den Fall eines vermissten Kindes stößt. Durch Kommunikation mit den Toten hilft er der skeptischen Polizei weiter, während er auch noch seine eigenen Traumata rund um eine Vergangenheit in der Kirche und schwierige Eltern bewältigt. Leider etwas fehl am Platz wirkt die Rolle von Queen Latifah, die James mittels Ouya-Board ans Hellsehen heranführt; ebenso sind James klassische Termine als Medium, wenn er mit den Angehörigen der Toten spricht, auch nicht weiter relevant oder interessant. Doch der Kriminalfall funktioniert. Der erste Mord ist bereits über 30 Jahre her, doch in jüngerer Vergangenheit kamen einige weitere jugendliche Opfer hinzu. Ein Serientäter, der Kinder auf dem Gewissen hat, läuft noch frei herum. Nach einigen Twists präsentiert die Handlung letztlich eine gelungene Auflösung.

Die Miniserie fühlt sich sehr wie klassisches Fernsehen der 2000er an und leider nicht wie durchinszenierte Kino-Thriller der 90er Jahre. Dennoch ist die Produktion solide, die Darsteller in Ordnung und der Regie gelingt es immer wieder Spannungsmomente aufzubauen. Obwohl die Miniserie so kurz ist, hätte man sie an einigen Stellen sogar noch etwas straffen können. 

Zusammenfassend ist „Talking to Heaven” eine durchaus unterhaltsame Krimiserie, die es leider mit der Übernatürlichkeit etwas übertreibt. Fans von „Ghost Whisperer” kommen sicherlich auf ihre Kosten, Krimifans sollten dem Fall auch etwas abgewinnen können. Ich verstehe allerdings auch, wenn die „pseudorealistische” Komponente Interessenten abstößt.

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