Alex (Mae Martin, auch Creator), ein Transgender-Mann und Polizist, zieht gemeinsam mit seiner schwangeren Frau Laura (Sarah Gadon) zurück in ihre abgelegene Heimatstadt Tall Pines. Parallel dazu wird die Teenagerin Abbie (Sydney Topliffe), die gemeinsam mit ihrer besten Freunden Leila (Alyvia Alyn Lind) die Schule schleifen lässt, von ihrer Familie verstoßen. Sie wird nachts entführt und in eine Umerziehungsheim für Jugendliche gebracht, unter der Leitung von Evelyn (Toni Collette). Leila versucht ihre Freundin zu befreien, währenddessen wird Alex damit konfrontiert, dass in der sogenannten Besserungsanstalt schlimme Dinge passieren. Er bekommt mit, dass ein Junge namens Riley geflohen ist, und sieht, wie das gesamte Dorf Jagd auf ihn macht. Die erste Folge hat viel Tempo und baut eine spannende Kulisse auf. 

Doch trotz interessanter Prämisse kann die Serie nicht ganz überzeugen, weil sie aus den Augen verliert, was sie eigentlich sein möchte: Ein Krimi? Ein Coming-of-Age-Drama? Eine knallharte Präsentation und Abstrafung solcher folternden Besserungsanstalten? Eine Geschichte über gehirngewaschene Menschen und eine charismatische Sektenführerin? Eine Story über multigenerationales Trauma, angebliche Veranlagungen und das Schicksal? Oder doch über Ängste in Freundschaften und Partnerschaften kurz vor der Geburt eines Babys? „Wayward” wirft alles in einen Topf und hofft, dass am Ende etwas Gutes dabei herauskommt. Einzelne Elemente sind tatsächlich interessant und unterhaltsam. Doch am Ende ergibt die Kombination keine Symbiose, die „Wayward” auf eine höhere Stufe hebt. Es bleibt eine Suppe, die durch die vielen Zutaten verwässert wird. Dazu passen das sehr offene Ende und ein Drehbuch, das die Charaktere manchmal die dümmstmöglichen Entscheidungen treffen lässt. Oft wirkt das wie auf dem Reißbrett konstruiert, nur um noch ein fehlendes Klischee zu bedienen. Speziell im Finale sind einige Fluchtversuche fast schon unfreiwillig komisch. 

Das Erzähltempo ist nach Folge 1 recht gemächlich, nimmt aber in der Mitte an Fahrt auf. Die schauspielerischen Leistungen sind „Hit or Miss”: Manche (wie Toni Collette) überzeugen komplett, andere spielen Karikaturen oder wirken hölzern. Ein großes Problem dürften viele Zuschauer damit haben, dass am Ende zu viele Fragen offenbleiben. Ich mag offene Enden und wenn Szenen bewusst Raum für Interpretation lassen. Wenn man aber die ganze Zeit auf ein großes Finale hinarbeitet und dieses dann so wirr bleibt und sich wie der Auftakt für eine zweite Staffel anfühlt – obwohl das Ganze als Miniserie konzipiert war –, teile ich die Enttäuschung. 

Ultimativ ist es schade, dass die 8-teilige Miniserie sich nicht mehr auf einige wenige Handlungsstränge konzentriert hat, sondern zu einem wahren Genregulasch wird. Mehr Fokus auf einen roten Faden und die spannenden Aspekte hätte der Serie gutgetan. Die düstere Atmosphäre und die Drohkulisse in dieser Kleinstadt, die von zwei vermeintlich charismatischen Figuren ausgeht, funktionieren nämlich wirklich gut. Leider macht „Wayward” zu wenig daraus. Am Ende sehe ich vor allem das ungenutzte Potenzial. Das Finale funktioniert nicht als Auffangbecken mit großem „Ah-Effekt“, bei dem es endlich „Klick“ macht. Stattdessen trudelt die Geschichte eher unbefriedigend aus. Schade, da war mehr drin.

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In nur 6 Episoden und einer Gesamtlaufzeit von knapp unter 150 Minuten erzählt „Takopi’s Original Sin” eine etwas wirre Story voller Gegensätze. Als Protagonist dient das titelgebende Alien, das vom „Happy Planet” stammt und dessen Aufgabe es ist, Glückseligkeit zu verbreiten. Takopi ist sehr naiv und versteht die Menschenwelt gar nicht, so dass ihm anfangs das Konzept von Mobbing, Depressionen und Traurigkeit völlig fremd erscheint. Mithilfe seiner Glücklichkeits-Gadgets versucht er im Jahr 2016 der 9-jährigen Shizuka zu helfen. Sie wird allerdings in der Schule brutal gemobbt, weil ihre Mutter eine Escortdame ist. Nach einem folgenschweren Fehler nutzt Takopi seine Zeitreisekamera und versucht in mehreren Zeitschleifen den Lauf der Geschichte zu verändern. Doch durch seine Versuche, Shizuka glücklich zu machen, gerät das pinke Oktopus-artige Wesen in immer größere Schwierigkeiten.

Die Miniserie zieht einem die Schuhe aus und reißt einem das Herz heraus. Der Kontrast des glücklichen Aliens mit den realen Problemen von Kindern, die durch Mobbing, häusliche Gewalt und versagende, missbräuchliche Eltern gezeichnet sind, funktioniert hervorragend. Das Alien vom Happy Planet kann anfangs gar nicht verstehen, warum Menschen so handeln würden, wie sie es tun. Doch nachdem es Gewalt aus erster Hand erlebt hat, beginnt es zu verstehen und wird in die bedrückende, hoffnungslose Atmosphäre selbst hineingezogen – so wie der Zuschauer selbst. Die Zeitreise- und Zeitschleifen-Thematik fügt der Miniserie zudem das gewisse Etwas hinzu. Man muss allerdings aufmerksam sein, um alles zu verstehen, gerade beim Ausflug ins Jahr 2022. Mein einziges Manko ist der letzte Twist, den ich als etwas abrupt (und zu einfach) empfand. Man hätte dem Handlungsstrang gerne mehr Zeit widmen können. Der letzte Monolog Takopis ist hingegen enorm bitter, pointiert und emotional zerstörend. Was für eine Wucht diese kleine Miniserie doch in sich trägt: Unfassbar.

„Takopi’s Original Sin” basiert auf einem Web-Manga und ist eine depressive Animeserie, die radikal fies und bitterböse realistisch ist. Dabei werden stets Kinder zu Opfern ihrer Umgebung und speziell ihrer Eltern. Das ist ultimativ harter Tobak und deshalb schwer zu empfehlen. Wer aber von Serien gern herausgefordert wird und wen die extreme Schere zwischen süßer Optik und harten Themen nicht stört, der wird von dieser Miniserie emotional mitgerissen. Die Serie ist ein Erlebnis und eine melancholische, düstere Meisterleistung, die sehr sehenswert ist.

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Die 17-jährige Annie (Ella Rubin) lebt in New York und erhält zu Beginn die Todesnachricht und einen Brief ihres entfremdeten Großvaters: Offenbar hat er ihr und ihrem Zwillingsbruder eine paradiesische Insel in Kanada hinterlassen. Gegen den Willen ihres Vaters entscheidet sie vor Ort mehr über ihre Adoptivmutter zu erfahren, die starb, als sie zwei Jahre alt war. Dort trifft sie nicht nur auf nette Gleichaltrige und gleich zwei Love Interests, von denen klischeetypisch einer reich sowie schnöselig und der andere hard-working, arm und grundsympathisch ist, sondern auch auf ein anderes Mädchen (Amélie Hoeferle) im Haus ihres Adoptivopas, das behauptet dort zu leben. Sie wird zur zweiten Hauptfigur, die ebenfalls arg an ihren schwierigen Familienverhältnissen zu knabbern hat und zudem versucht, die Wirrungen des Erwachsenwerdens zu manövrieren.

In den insgesamt 8 Folgen der 1. Staffel halten sich die Liebesbeziehungen und Familiengeheimnisse in etwa die Waage. Während im Lovebereich mit allzu typischen Dreiecksbeziehungen, naiven Coming-of-Age-Entscheidungen und „best friend to lovers” Geschichten vor hübscher Kulisse sehr ausgetretene Pfade beschritten werden, hielten mich die Familiengeheimnisse bei der Stange. Die Twists sind zwar teilweise nicht allzu glaubwürdig, aber dadurch wird eine gewisse Spannung hochgehalten, die die anderen Handlungsstränge nicht bieten. Ein Faustpfand von „Sterling Point” ist das gute Darstellerensemble. Viele der Charaktere sind trotz ihrer Fehler im Kern grundsympathisch, zudem besteht zwischen vielen Darstellern eine sichtbare Chemie, so dass auch typische Versatzstücke gut funktionieren und man damit emotional connecten kann. Das ist der Verdienst der Darsteller und eines Dialogbuchs, das am Puls der Zeit ist, authentische Figuren schafft und nicht steif oder kitschig wirkt. Nicht mal die Besetzung von Jeffrey Dean Morgan („The Walking Dead„) misslingt. Er ist gut.

Leider spart das Drehbuch einige Fauxpas nicht aus, speziell wenn es auf allzu ausgetretenen Pfaden wandelt. Warum die Hauptiguren alle minderjährig sein müssen, wenn man sich dennoch für (recht harmlose) „Spice”-Szenen (also Sex) entscheidet und man Darsteller besetzt, die 8-10 Jahre älter sind, weiß nur die Branche. Ich verstehe auch nicht, warum man Szenen so konzipiert, dass irgendwer sagt: “Hey, ich muss dir was Wichtiges erzählen, jetzt gleich, warte kommt gleich” und dann kommt der Zwischenruf, der die Weiterführung dieser Storyline zwei Folgen aufschiebt. Zudem ist es doch sehr langweilig, wenn sich zwei Figuren „keine Geheimnisse” versprechen, dann genau das nicht eingehalten wird (was komplett zu erwarten war) und man das in Windeseile wieder vergibt. Generell haben viele (dumme) Aktionen nur sehr kurzzeitig Konsequenzen. Positiv ist hingegen, dass die Charaktere ständig über ihre Probleme reden und sich selbst hinterfragen können, wodurch viele Konflikte im Keim erstickt werden. Einige Charakterentscheidungen sind dennoch leider nur mit „sind halt junge, unerfahrene Menschen” erklärt werden, was ich immer recht einfach finde. Auch die überschlaue 12-jährige ist ein sehr angestaubtes Stilmittel. Aber das klingt negativer als es sein soll und wird mehr zur Kritik an einem ganzen Genre und seine Tropes. „Sterling Point” bleibt nämlich durchgehend charmant, so dass viele dieser Makel nicht allzu sehr ins Gewicht fallen.

Die Serie ist gut produziert und stimmig inszeniert. Manchmal sorgen musikalisch passend untermalte Montagen für den richtigen Vibe oder man nutzt längere Kameraeinstellungen, um den Darstellern Raum zu geben. Das kanadische Setting sieht authentisch aus und sorgt mit dem vielen Wasser für Urlaubsflair. Ein paar Comedy-Momente fügen sich passend ins Gesamtbild ein. Das Erzähltempo ist durch die steten Wendungen im Familien-, Freunde- und Beziehungsbereich ebenfalls gut. Das Ende hat mich überrascht, auch wenn eine darauf hinführende Drehbuchentscheidung fadenscheinig wirkt und es schon sehr komisch wirkt. Aber es ist natürlich ein guter Grundstein für eine 2. Staffel.

„Sterling Point” ist für Fans von Romanzen und Booktok-Stories absolut empfehlenswert. Die Familiendrama-Komponente sorgt für eine eigene Identität, aber man findet auch reichlich bekannte Versatzstücke des Genres. Mir gefiel die Serie noch etwas besser als der Young Adult Hit „Off Campus” aus diesem Jahr. Dennoch kommt sie aufgrund der angesprochenen Makel nicht an Genrekönige aus Korea oder „Normal People” heran. Im New-Adult-Bereich funktioniert die Serie aber gut.

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Im Zentrum der 6-teiligen französischen Miniserie, die überwiegend authentisch in Kasachstan gedreht wurde, steht die französische Astronautin Anna (Céline Sallette), die mit einer Gruppe von Astronauten vom russisch verwalteten Kosmodrom Baikonur starten soll. Doch aufgrund einer Panikattacke startet nicht sie, sondern ihr amerikanischer Kollege (Lex Shrapnel), mit dem sie eine kurze, aber intensive Affäre hatte. Der US-Astronaut sorgt beim Andocken dann später für den katastrophalen Unfall. Schnell wird sich innerhalb der Verwaltung gegenseitig beschuldigt, wer für den Vorfall verantwortlich war. War es Sabotage? Vielleicht von den Amerikanern? Oder doch von den Russen? Parallel entfaltet sich eine Handlung in der kasachischen Steppe. Ein Kommissar (Daniyar Alshinov) findet eine Leiche, deren Kopf abgetrennt wurde. Nach einiger Zeit stellt sich heraus, dass es sich bei der Leiche um den amerikanischen Astronauten handelt. Doch wie kann dieser gleichermaßen auf der Erde und im Weltall sein? 

Die Serie ist überraschend konsequent und durchaus brutal. Großartig ist das unverbrauchte Setting. Kasachstan sieht man in Serien schließlich selten und es gelingen einige wunderbare Kamerashots und Bilder von Orten, die man so nicht kennt. Generell ist die Produktion auf einem hohen Niveau. Die Weltraumkomponenten sehen gut aus, die Schauplätze sind super, man bekommt ein Gefühl für die Kasachen. Die Darsteller sind solide. Was die Serie erheblich ausbremst, ist ihre Langsamkeit. Zudem werden einige Geheimnisse etwas zu früh gelüftet. So schaut man eher den Figuren beim Rätseln über die Verschwörung zu als, dass man selbst rätseln muss. Denn als Zuschauer wird man schnell ins Bild gesetzt. Immerhin bleibt das große Weltraumgeheimnis, das irgendwann recht plakativ mit Schrödingers Katze erklärt wird, als das letzte große Mysterium. 

„Infiniti” hat viele gute Seiten. Vor allem im visuellen Bereich, der Grundidee, dem Setting und der Konsequenz. Leider erschwert das sehr langsame Erzähltempo den Sehgenuss. Speziell in der Mitte tritt man extrem auf der Stelle. Außerdem helfen die zahlreichen Zeitsprünge mit teils redundantem Inhalt nicht dabei das Tempo hochzuhalten. Zudem kann sich die eigentlich spannende Verschwörung nicht ganz entfalten, weil man als Zuschauer zu früh zu viel weiß. Dennoch hat Infiniti auch seine guten Momente und speziell die letzte Folge bietet viel für Sci-Fi-Fans. Ob sich der Zeitaufwand lohnt, muss am Ende jeder selbst entscheiden. Ich fand es ganz interessant, aber das Potential wird nicht ausgeschöpft.

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Die Antwort ist ein „Ja”, allerdings mit Einschränkungen. Denn „Teach You a Lesson” schafft es durch seine versierte Machart hervorragend den Blick auf die zahlreichen Probleme in Koreas Schulsystem zu werfen. Doch die Lösung dafür ist extrem zweifelhaft: Denn auf Gewalt wird mit Gewalt reagiert, die neu zusammengestellte „Eingreiftruppe” aus Ex-Militärs „erteilt Lektionen”. Doch von vorne:

„Teach You a Lesson” bietet in jeder Folge einen neuen Problemfall an einer Schule und fühlt sich deshalb sehr formelhaft an. Allerdings gibt es auch eine übergeordnete Handlung, die sich stark an Rache orientiert. Kern einer jeden Folge ist Missstände an einer Schule aufzuzeigen. Im ersten Teil der jeweiligen Episode werden diese teils äußerst brutal ausgespielt und mit melancholischer Musik unterlegt, so dass einem die Fälle durchaus an die Nieren gehen können – vor allem, weil einige davon leider in der Realität beheimatet sind. Es geht um brutales Mobbing unter Schülern, so dass sie Selbstmord begehen. Gehänselte Schüler werden zu „Runnern” für Drogenhändler. Andere werden ausgenutzt und anderweitig gemobbt, die Täter schaffen aber eine Täter-Opfer-Umkehr, indem sie das aktuelle Mobbing-Meldesystem Koreas ad absurdum führen. Generell stürzt sich die Serie auf die zahlreichen institutionellen Probleme, die sie im koreanischen Schulsystem ausgemacht hat. Speziell positioniert sich die Serie überwiegend als Advokat für die Lehrer, die kaum noch Rechte oder Möglichkeiten haben. In einer Folge hat zwar selbst ein Lehrer Dreck am Stecken, im Allgemeinen geht es aber eher darum, dass diese selbst terrorisiert werden. Von Schülern und von Eltern. In jeder Folge wird ein neues Problem zunächst ausgiebig in den rund einstündigen Episoden präsentiert. Im zweiten Teil der jeweiligen Folge tritt dann die Eingreiftruppe auf den Plan und rächt sich stellvertretend an den Unruhestiftern. Wird gemobbt, dann wird zurück gemobbt. Wird terrorisiert, dann wird zurück terrorisiert. Wird geschlagen, dann wird zurückgeschlagen. Stellvertretende Selbstjustiz (aber legitimiert), wenn man so möchte und logisch eingebettet in eine koreanische Filmlandschaft, die Rachegeschichten liebt.

Diese „Auge um Auge”-Idee kann man noch irgendwo in Ordnung finden, wenn eine Mutter, die zuvor eine Lehrerin mit ständigen Nachrichten und Anweisungen zu allen Uhrzeiten terrorisiert hat und fast in Selbstmord trieb, dem nun spielerisch selbst ausgesetzt wird, um ihr die Augen zu öffnen. Wenn allerdings die Schüler blutig geschlagen und von dem „Lehrpersonal” erniedrigt werden, tritt das den guten Geschmack mit Füßen. Deshalb muss sich die Serie den Vorwurf der autoritären Fantasie gefallen lassen. Die Rachesequenzen sind zwar stilistisch überhöht und comichaft dargestellt, wodurch sie sich der Realität in gewisser Weise entziehen. Doch das reißt die Serie selbst ein, indem sie die Eingreiftruppe in die realistisch wirkende politische Landschaft Koreas integriert. Immer wieder gibt es Schlagabtäusche auf politischer Ebene, es geht darum, ob die Eingreiftruppe politisch legitimiert werden soll oder nicht. Dieser Spagat ist deshalb schwierig und gelingt nicht wirklich. Was aber gelingt, ist es Aufmerksamkeit zu schaffen. Und vielleicht gelingt das durch diesen überharten, überinszenierten und verrückten „Lösungsansatz” besser, als wenn man nach echten Lösungen suchen würde. Das wäre zwar pädagogisch sinnvoller, aber ohne die Action-, Comedy- und Racheelemente würden die Serie viel weniger Menschen sehen. Mein wohlwollender Blick ist deshalb, dass die Serie großartig auf Missstände hinweist und damit ein breites Publikum erreicht. Teil der Lösung sollten die dargestellten Methoden keinesfalls sein, aber vielleicht können durch die Empörung die institutionellen Probleme des Schulsystems in der koreanischen Politik besser beleuchtet werden. Manchmal muss man schockieren, damit man gehört wird. Die Serie kann man als klaren Auftrag an die Politik verstehen, selbst vernünftige Methoden zu entwickeln.

Fernab dieser politischen Dimensionen, die wir „aus dem Elfenbeinturm” in Deutschland distanziert betrachten können (obwohl wir natürlich auch Probleme mit Gewalt an Schulen, Mobbing oder der Frage, wie man mordende strafunmündige Kinder belangt, zu tun haben), stellt sich noch die Frage, wie unterhaltsam die Serie ist. In diesem Bereich kann man kaum meckern. Die Klaviatur eines ausgefeilten Genremix wird gekonnt gespielt. Die Inszenierung ist stark, Produktion und Darsteller sind gut, der Aufwand einer jeden Folge mit neuem Cast und neuer Geschichte ist bemerkenswert. Die Racheformel funktioniert und bedient Selbstjustiz-Gelüste, die Comedy fügt sich überraschend gut ein. Mir war es etwas zu formelhaft und mir stießen einige deutliche Stereotype, mit denen die Serie zuhauf arbeitet, manchmal auf. In der Einzelbetrachtung der 10 Folgen gefiel mir der Fokus auf die Eltern, wie sie Lehrer und ihre eigenen Kinder unter Druck setzen, generell besser als der gewaltreiche Mobbingfokus unter den Schülern, da diese Themen noch nicht so oft besprochen wurden und auch in Deutschland ein Schlaglicht verdient haben.

„Teach You a Lesson” ist aus verschiedenen Gründen sehenswert. Erstens, weil es ein unterhaltsamer Genremix ist, zweitens, weil es deutlich auf Missstände hinweist und drittens, weil es polarisiert und diskussionswürdig ist. Ich verstehe aber jeden, der die Serie als „autoritären Müll” ablehnt. Mit meiner wohlwollenden Lesart hatte ich Spaß mit der Serie und wurde das ein oder andere Mal auch emotional erwischt. Obwohl mir das Formelhafte weniger zusagen und die Gewaltrache mir stellenweise zu weit ging, mochte ich die mutige, verrückte Idee eines Genremix an einer Schule.

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In den 1960er sind unzählige Atombomben auf die USA (und vermutlich die ganze Welt) gefallen und haben Infrastruktur und Menschenleben weitgehend ausgelöscht, alles in eine atomare Wüste verwandelt. „Glücklicherweise” hatte Vault Tech vorgesorgt und riesige Bunker, die Vaults, gebaut, in die die Reichen fliehen konnten. Nun sind 200 Jahre vergangen und die Bewohner der Vaults führen vernünftige, ruhige Leben, immer mit dem zeitlich unklaren Ziel, in der Zukunft die Oberfläche neu zu bevölkern. Eines Tages soll es zu einer Hochzeit kommen, doch die Lage eskaliert und fördert nach den starken ersten beiden Episoden eine ganze neue Welt zu Tage. Bei der Erkundung folgen wir einigen Hauptfiguren. Vor allem der ehemalige Vaultbewohnerin Lucy (Ella Purnell), die nun die – doch nicht so leere – Oberfläche entdeckt, aber auch Knappe Maximus (Aaron Moten), der einer Bruderschaft angehört, die riesige Mech-Waffen von vor der Apokalypse besitzt und damit die Welt vermeintlich sicherer macht. 

Darüber hinaus gibt es einen Ghoul: Bitte was? Ja, ein ehemaliger Filmstar der 60er, der durch seine Frau im Dunstkreis Vault Techs verkehrte und einige Infos über die damalige Ursache der Apokalypse mitbekam, vor allem aber ordentlich Strahlung abbekam, was man an seinem Äußeren gut erkennen hat. Er hat seine ganz eigene Agenda in dieser apokalyptischen Welt und ist ein 1A Westernheld Charakter, wie „Der Mann in Schwarz“ in „Westworld„. Angereichert werden die Handlungsstränge der Hauptcharaktere von einer Ministoryline, die sich aufklärend in den Vaults abspielt.

Die Welt von Fallout ist der Star. Die vielen verschiedenen Fraktionen, wie es zu den Vaults kam, was in den Vaults Seltsames, Mysteriöses passiert und wie wessen Agenda aussieht, stehen im Mittelpunkt, der somit auch Mystery-Elemente beinhaltet. Die Handlung ist lange Zeit eine Art MacGuffin. Alle jagen einem Wissenschaftler hinterher, der sich wohl etwas extrem Wichtiges in den Kopf spritzte, worauf nun alle Fraktionen geiern, weil es bei der Erfüllung der eigenen Ziele enorm helfen würde. Das ist weder besonders originell noch ausgefeilt, aber es reicht vollkommen aus, um die Handlung voranzutreiben, die Figuren die Welt entdecken zu lassen (Roadtrip) und zu einigen Showdowns zusammenzubringen. Eingeträufelt wird bei Fallout eine gehörige Portion Absurdität und Comedy (die mal zündet, mal eher nicht). Der Look der Serie ist überwiegend überzeugend, die Special Effects können sich zumeist gut sehen lassen, die Flashbacks sind stimmig eingesetzt. Die letzte Episode der ersten Staffel beantwortet einige aufgeworfene Fragen sehr gut, während sie genügend weitere Fragen stellt, um es spannend zu halten. Die Darsteller sind nicht überragend, aber in Ordnung, ich habe mich vor allem gefreut, Kyle MacLachlan und Michael Cristofer in Nebenrollen zu sehen. 

Staffel 2 schließt nahtlos an die 1. Staffel an. Das gilt für die Handlung, aber auch die Stärken und Schwächen. Weiterhin ist die dargestellte Welt das Faustpfand der Serie. Die zahlreichen verschiedenen Kulissen und Settings sind wunderbar ausgearbeitet, die unterschiedlichen Fraktionen geben der Welt eine Tiefe und lassen sie authentisch wirken. Diesmal steht New Vegas (und mutmaßlich einiges aus dem Spiel) im Mittelpunkt der Handlung. Erneut beleuchtet eine Zeitebene in der Vergangenheit die Frage, wie es zu dieser Katastrophe überhaupt kommen konnte und erneut gibt es viele verschiedene Figuren mit eigenen Handlungssträngen. Manchmal artet das etwas aus, weil einige Charaktere wenig zur großen Handlung beitragen und sich wie Ballast anfühlen (der Bruder). Von den zahlreichen Szenenwechseln, die mit häufigen Schwarzblenden einhergehen, hätte ich mir weniger und stattdessen mehr Stringenz gewünscht. Die gibt es allerdings in der Haupthandlung. Die Geschichte ist diesmal deutlicher umrissen, die Hauptfiguren haben klarere Ziele, die sie verfolgen. Das funktioniert bei Lucy und dem Ghoul gut, bei Marcus wird es etwas chaotischer. Generell gefiel mir speziell die Vergangenheit sehr gut, weil es dort um die Beantwortung von Fragen geht. Ansonsten wird nämlich wieder viel nur angedeutet. Somit wird zwar die Spannung hochgehalten, aber ich bekomme auch leichte „Endlos-Serie“-Vibes. Zusammenfassend kann die 2. Staffel das Niveau der ersten komplett halten. Die Hauptgeschichte ist etwas besser, die Welt ist weiterhin wunderbar umgesetzt, die Comedyfarbe ist dieselbe, die Spezialeffekte sind auf einem guten Niveau, nur das Pacing ist vielleicht etwas schwächer. Wer die 1. Staffel mochte, kann auch mit der zweiten viel Spaß haben. Kritiker wird auch die 2. Staffel nicht umstimmen könne.

Mit unbekümmertem Vibe und Comedy-Elementen in großer Apokalypse, ist die Serie bisher einfach gut umsetzt. Sie ist zwar nirgends überragend (wobei vielleicht beim sehr stimmigen Soundtrack), aber überall gut und letztlich unterhaltsam. „Fallout” ist die leichtfüßige Variante im Vergleich zu „Silo” und spielt mehr außerhalb.

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Staffel 5 präsentiert die finale Konfrontation zwischen Butcher und Homelander.  „The Boys” ist weiterhin hochgradig politisch und versucht sich an der Satire. Das gelingt in dieser Staffel wieder besser, weil man hemmungslose Blasphemie betreibt. Denn Homelander und seine Schergen wollen ihn als legitimen Nachfolger von Jesus inszenieren, gründen eine eigene Kirche und beenden die Trennung von Kirche und Staat. Homelander soll Gott sein. Währenddessen versuchen Butcher und die Boys (die sich überraschend schnell zusammengerauft haben) „V One”, das ursprüngliche Superhelden-Mittel, in die Hände zu bekommen und parallel einen Virus gegen alle Superhelden zu entwickeln. Den wollen aber nicht alle aus der Gruppe freisetzen, was zu internen Streitigkeiten führt. Generell wechseln in dieser Staffel die Charaktere häufiger die Seiten als ihre Unterwäsche und werden überraschend problemlos bei der Gegenseite aufgenommen. Hinterfragt wird nicht viel, nachgedacht noch weniger, stattdessen hangelt man sich von einer Actionsequenz zur nächsten und streut stets „emotional harte” Gespräche ein. Als Parodie auf Superheldenfilme funktioniert dies hervorragend, etwas Qualität bleibt aber auf der Strecke. Das Tempo bleibt hingegen in der gesamten Staffel hoch. Furz-, Wichse-, Pisse- und Kacke-Momente sind weiterhin in großen Massen vorhanden und bilden zusammen mit den Blutfontänen eine unvergleichliche Symbiose, wodurch man die Serie unter 1000 schnell erkennt. Die schauspielerischen Leistungen sind okay.

Die große Konfrontation ist überraschend konventionell, klein und ereignislos, zudem wird auf die neue „V One”-Kraft kaum eingegangen. Die Actionsequenzen sind nicht mehr zwingend eine Stärke der Serie. Auch das Finale ist seltsam Standard und viele Abschlüsse für Charaktere wirken gewollt und gehetzt. Zudem gibt es kein Verständnis von Zeit und Raum (was vor allem nervt, wenn Charaktere nicht fliegen können). Somit scheitert die Serie letztlich nicht an ihrem Ende, aber sie ist nicht ausgereift – so sind beispielsweise das „Gen V” Spin-off und seine Charaktere auch überraschend egal. Man hat das Gefühl, dass mehr möglich war und man sich für das Finale mehr Zeit hätte nehmen sollen. Mir gefiel der Handlungsstrang rund um die Göttlichkeit allerdings als frisches und mutiges Satireelement sehr gut.

Somit hat die Serie leider keinen glorreichen Abschluss bekommen, sondern einen etwas gehetzten und überraschend konventionellen. Eine Katastrophe ist es aber nicht geworden.  Denn die Serie ist als Parodie auf Superhelden und als extrem politische Satire auf die USA gelungen.

Ob ich auf das Spin-off Prequel „Vought Rising“ aber noch Bock habe, weiß ich aktuell nicht.

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Die Animeserie, die auf dem gleichnamigen noch laufenden Manga basiert, versucht einen ganzen Haufen von aktuellen Themen und Problemen unter einen Hut zu bekommen und übt dabei deutliche Gesellschaftskritik. Sie richtet sich sehr deutlich an Erwachsene. Zunächst erinnert die Handlung fast an eine unbeschwerte High School-Serie. Charlie muss sich an der Schule zurechtfinden, wobei er natürlich der Außenseiter, aber auch auf eine Freundin trifft und zum ersten Mal seine Kräfte demonstriert. Danach versucht sich die Serie kurzzeitig an philosophischen Fragen und verbaut darin auch das Veganismus-Thema. Dann stehen die Terrorgruppe und ein brutal heftiger Terroranschlag, für den man eine Triggerwarnung aussprechen muss (Amoklauf) im Vordergrund. Auch Vorverurteilungen und falsche Gerüchte, die einen Mob zu Gewalt aufrufen, werden thematisiert. Tierrechte, Gesetze und die Frage nach der Rechtslage rund um Charlie werden ebenso verhandelt. In „Darwin’s Incident” steckt damit eine ganze Reihe von Themen, die allerdings mal besser und mal schlechter beleuchtet werden. Manches wirkt oberflächlich, einige Charaktere verkörpern ausschließlich Stereotype, um bestimmte Inhalte in den Mittelpunkt zu rücken. Auch die direkte Verknüpfung von Veganismus und Terrorismus wirkt auf den ersten Blick recht absurd, wird aber gut durch eine Mobmentalität mit gelebten Hexenjagden unterfüttert. Die Serie wirkt in ihren guten Momenten dystopisch und in ihren schlechten unglaubwürdig.

Insgesamt empfand ich die fehlende Vorhersehbarkeit als eine große Stärke von „Darwin’s Incident. Ich hätte zu Beginn niemals erwartet, dass sich alles so entwickelt und so viele Themen angeschnitten werden. Manchmal hätte ich mir mehr Konzentration auf weniger Inhalte gewünscht, wodurch mehr Raum zur Entfaltung möglich gewesen wäre. Aber letztlich muss man das bewerten, was man bekommt und nicht das, was hätte sein können. Dabei kam mir die Logik hinter den Aktionen der Terrororganisation zu kurz. Bis zum Ende habe ich ihren großen Plan nicht vollends nachvollziehen können. Warum sie bestimmte Dinge taten und was sie sich davon genau versprachen, wurde leider nicht wirklich erklärt.

Der Zeichenstil ist hübsch, die Actionsequenzen sind ansehnlich. Das schwankende Erzähltempo ist etwas seltsam. Nach einem recht ruhigen Beginn gibt es die wirklich krassen Folgen (à 25 Minuten) in der Mitte der 13-teiligen 1. Staffel, das Ende trudelt etwas aus und wird zum Cliffhanger für eine neue Bedrohung. Selten hat mich eine Handlungsstrang (Amok) so überrascht, eine solch fiese Inszenierung innerhalb eines Anime hätte ich nicht erwartet und presste mich vor Spannung und Ekel in den Sitz. Die beiden Episoden saßen wie ein tiefer Schlag in die Magengrube. Auch die Actionsequenz in Folge 10 ist überzeugend.

„Darwin’s Incident” ist eine hochpolitische Animeserie, die auch vor knallharten Themen keinesfalls zurückschreckt. Dabei ist sie manchmal allerdings etwas zu oberflächlich und das Erzähltempo wirkt etwas seltsam. Dennoch möchte ich den Mut der Serie loben und sie vorsichtig für Leute empfehlen, die in ihrem Anime mal etwas ganz Anderes sehen wollen. Nicht alles davon glänzt, aber man wird überrascht. Ich bin hooked und freue mich auf weitere Folgen.

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Die Live-Action Netflix Variante profitiert von Manga-Schöpfer Eiichiro Oda, der als „creative consultant” an der Serie beteiligt ist – vielleicht kommt die Serie auch deshalb gut bei Fans an. Die 1. Staffel umfasst die sogenannte Eastblue-Saga des Mangas, verändert dabei allerdings auch etwas. Der schrullige Pirat Monkey D. Ruffy (Iñaki Godoy) schart in einer Fantasiewelt eine Reihe von anderen Piraten um sich, die sich zur Strohhut-Bande formieren um letztlich den „One Piece”, den sagenumwobenen großen Schatz, zu finden, damit Ruffy seinen Traum verwirklichen kann. Doch dies wollen auch viele andere Piraten und somit stellen sich der Gruppe stets neue Gefahren und Gegner in den Weg. Noch zu erwähnen ist, dass One Piece ordentlich in den Fantasybereich hineingleitet, weil verschiedene Figuren Superkräfte haben. So kann beispielsweise Ruffy nach dem Genuss einer bestimmten Frucht seine Gliedmaßen bis in die gefühlte Unendlichkeit verlängern, ansonsten sind viele Figuren begnadete Schwert- oder Faustkämpfer.

In der deutschen Synchronisation setzt man clevererweise auf Altbewährtes, ein Großteil der Anime-Stimmen vertont auch in der Netflix-Variante ihre Figuren, vor allem Ruffy funktioniert sehr gut und schafft eine gewisse Vertrautheit. Generell fängt die Serie den Vibe des Animes mit seiner Mischung aus Comedy und Kampfsequenzen gut ein und bleibt dem Ausgangsmaterial wohl relativ treu. Hervorzuheben sind die vielen schön gebauten Sets, nicht alles wird hier mit CGI gelöst, die Produktion der Serie ist ziemlich gut. Auch deswegen passt dieser wilde Mix aus Abenteuer, Fantasy und Comedy überraschend gut. Die Kampfchoreographien sind überwiegend ganz gut, der Humor ist quatschig dämlich, die Figuren bekommen mit ihren Origin-Stories eine ordentliche Tiefe, die visuellen Effekte sind meistens hübsch anzusehen. Das Ensemble spielt ihre Charaktere überwiegend gut, für meinen Geschmack sind viele der Figuren „komplett drüber“, so dass ich mich schon wieder in einem Anime wähnte. Das bedient nicht zwingend meine Interessen, aber es führt dazu, dass Fans von Manga & Anime sich schnell zuhause fühlen. 

Die 2. Staffel der Action-Abenteuer Serie mit vielen Kampfszenen und dem eigenartigen Anime-Humor knüpft nahtlos an Stärken und Schwächen der 1. Staffel an. Inhaltlich begibt sich die Strohhutbande auf die Grand Line und muss sich dort einigen Herausforderungen stellen, meist auf verschiedenen Inseln. Dabei treffen die Helden beispielsweise auf einen riesigen Wal, Riesen oder auch Dinosaurier. Doch auch die Barockfirma mit ihren zahlreichen Schergen, die teils abenteuerliche Superheldenkräfte haben, ist ihnen stets auf den Fersen. Großer Bösewicht der Staffel ist Wapol. Ich bin weiterhin Fan von der offensichtlichen Liebe für das Vorbild, das ist schließlich nicht bei allen Adaptionen der Fall. Die meisten Kampfsequenzen sehen ganz gut aus und wirken aufwändig, wenngleich es manchmal ein paar zu viele Schnitte gibt, um fehlende Kampfskills der Schauspieler zu kaschieren. Generell sind die Darsteller weiterhin maximal solide und viele overacten hemmungslos, so dass man sich im Anime wähnt. Mir fiel es manchmal schwer Charaktere ernst zu nehmen, wie den Typen der explosive Popel wirft oder Smoker, der stets zwei Zigarren im Mund hat. Das funktioniert für mich im Anime besser als in einer Realserie, aber aus dieser Absurdität kann man auch einen gewissen Unterhaltungswert ziehen. So absurd wie One Piece ist kaum eine Realserie. Auch die Requisiten und Kulissen erkennt man manchmal etwas zu deutlich, wodurch sich die Serie manchmal eher wie ein Fanprojekt als wie eine Millionenproduktion anfühlt. Jedoch stimmt – wie auch bei den meisten Fanprojekten – die Leidenschaft und die Freude am Projekt, das Herz sitzt sicherlich am rechten Fleck. Somit bleibt ein ähnliches Fazit wie für die 1. Staffel. Fans des Anime finden es super, alle anderen werden es aufgrund des ganzen Wahnwitzes etwas schwerer haben. Dennoch ist die Adaption weiterhin gelungen.

Somit ist die Netflix-Adaption eine schöne, bunte, drollige Serie für jeden, der einem Crew-Abenteuer mit vielen Kämpfen und jeder Menge Comedy nicht abgeneigt ist. Fans von Anime und Manga werden die Serie tendenziell sogar noch etwas besser finden. Ich bin gespannt, wie viele Staffeln die Netflix Serie letztlich umfassen wird, die 3. soll bereits 2027 folgen.

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Ein starker Riz Ahmed trägt die Serie auf seinen Schultern, ein paar gute Gastauftritte amüsieren. Nach dem gescheiterten Versuch beim Casting, hat seine Figur Shah nur noch eine verzweifelte Idee relevant zu bleiben. Er liefert sich den Paparazzi aus, um so Gerüchte zu erzeugen, dass er der nächste James Bond werden könnte. Zunächst genießt er die Anerkennung, aber schnell wird er von ablehnenden Online-Kommentaren eingeholt und ein Schweinekopf wird durch das Fenster seiner Familie als Drohung geworfen. Diese plötzliche Popularität zwingt ihn dazu sich mit seiner eigenen Identität als Sohn pakistanischer Einwanderer zu befassen. Dabei bemerkt er, dass er sich auf Wunsch wie ein Chamäleon verändert und für beide Seiten ein Bindeglied ist, ohne sich irgendwo zuhause zu fühlen. Eine große Eid Mubarak-Feier, ein Trip mit der Exfreundin und eine mutmaßliche Entführung sollen ihm dabei helfen sich selbst zu finden.

Der aufgedrückte „Comedy”-Stempel ist für die Serie nicht zuträglich. Denn stattdessen handelt es sich um ein klassisches Drama, das als Meta-Satire funktioniert. Die Idee das Bond-Casting so prominent in einer Handlung zu verwenden, ist brillant. Leider ist der Culture Clash und die Frage nach der Identität zu Beginn etwas arg klassisch gehalten und fügt kaum Neues hinzu. Auch die Buddy-Comedy konnte für mich nicht so recht greifen. Außerdem ist Shah speziell anfangs wirklich keine sympathische Figur, was den Einstieg erschwert. Ich konnte mit der zweiten Hälfte, die immer absurder wurde, besser connecten. Eine starke Plansequenz leitet in Episode 4 eine Roadmovie-Nacht ein, in der eine alte Liebe verhandelt wird. Folge 5 ist wie ein Actionfilm inszeniert. Natürlich ist auch vorher in Folge 3 der Bollywood-Exkurs großartig, aber die Nebenhandlung von Online Hatern und Entschuldigungsvideos empfand ich als zu oberflächlich.

Die nur 6-teilige, insgesamt nicht mal dreistündige, Miniserie „Bait” verhandelt die Frage nach der eigenen Identität durchaus gekonnt, bot mir darin aber zu wenig Neues. Doch die Reise durch die verschiedenen Genres, die stark inszeniert und von einer gekonnten Kameraarbeit begleitet ist, holte mich besser ab. Insofern ist „Bait” nicht der große Wurf geworden, aber in seiner Meta-Satire durchaus gelungen. Am besten kann man sich bei einer solchen Kürze aber an einem oder zwei Abenden selbst eine Meinung dazu bilden.

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Für Rhiannon (Ella Purnell, ganz gut, „Fallout”), die von ihrem Boss „Sweetpea” genannt wird, kommt es knüppeldick. Die Anfang 20-jährige Frau wird auf der Arbeit ignoriert und nur zum Teekochen verdonnert, obwohl sie Ansprüche hegt „Junior-Reporterin” zu werden, sie lebt und pflegt ihren kranken Vater, auch romantisch läuft bei ihr wenig. Sie wünscht sich nicht mehr als Aufmerksamkeit und gesehen zu werden. Zu ihrer generellen Unzufriedenheit kommen komödiantisch schnell einige Schicksalsschläge, die das Fass zum Überlaufen bringen. Zunächst verstirbt ihr geliebter Vater, dann am selben Tag auch noch ihr Hund und zusätzlich droht ihre Schwester ihr damit ihr Haus zu verkaufen – doch das Schlimmste kommt erst nach – an ihren High School Mobberin Julia (Nicôle Lecky). Für Rhiannon ist das alles zu viel, so dass ihr eines Abends nach einer Konfrontation mit Julia die Nerven durchbrennen. Kurzerhand sticht sie einen Zufallspassanten ab, der ihr quer kam. Dadurch verändert sich ihr ganzes Leben, denn sie erhält auf einmal Selbstvertrauen! So läuft es schlagartig im Job und auch in den Romanzen besser. Doch kann sie jemand aufhalten?

Die Geschichte wird danach noch immer wirrer und weniger glaubwürdig, man muss „Sweetpea” als „High-concept-Thriller” verstehen, um weiterhin mit der schwarzhumorigen, absurden Handlung Spaß zu haben. Spätestens mit der Wendung nach Julias Entführung, wird die Geschichte völlig absurd und überdreht, was mir leider nicht mehr so gefallen hat. Auch das typische Love-Triangle konnte mich weniger begeistern, doch das Hocharbeiten bei der Zeitung, die zwanghafte Suche nach Makeln der Ermordeten um sie öffentlich zu diskreditieren und eine gewisses Leuchten in den Augen von Rhiannon, nachdem sie gemordet hat, konnten mich positiv stimmen. Der Ergründung ihrer Psyche und warum sie sich durch brutale, blutige Morde endlich lebendig fühlt, hätte man für mich noch etwas mehr auserzählen dürfen. Die Darsteller sind alle recht zweckmäßig, Ella Purnell ist klar die beste Schauspielerin in dieser Serie voller karikaturesker Figuren. Die Comedy zieht sich vor allem aus den absurden Situationen.

Die erste Staffel endet nach 6 Folgen á etwa 40 Minuten mit einem Cliffhanger, insgesamt gibt es aktuell (2025) bereits 5 Bücher in der „Sweetpea”-Reihe, somit stehen der Serie theoretisch noch zahlreiche Türen offen – sollte sie denn gut genug ankommen. Ich möchte die Serie als leichte, recht unterhaltsame, etwas groteske Young-Adult-Comedy-Thriller-Kost durchaus empfehlen, allerdings kann „Sweetpea” auf keiner Ebene wirklich brillieren.

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Groß war meine Verwunderung, als ich zum ersten Mal „Ein guter Mensch” bei Amazon Prime sah. Auf dem Thumbnail sah ich einen älteren Mann, der eine Leiche im Kofferraum verstaut. Dies packte meine Aufmerksamkeit, sodass ich daraufhin die überraschende IMDb-Bewertung überprüfte: Eine türkische Serie mit einer Bewertung über 9/10? Das wäre eine der besten Serien überhaupt. Kann das stimmen? Zumindest für die erste zwölfteilige Staffel ist diese Bewertung vollkommen verdient. Das sah nicht nur ich so, sondern auch alle weiteren Personen in meinem Umfeld, die die Serie nach meiner Empfehlung schauten und sie alle sehr lobten.

Der 65-jährige recht einsame, etwas seltsame Agâh Beyoglu (Haluk Bilginer, emmywürdig) lebt zurückgezogen in einer Mietwohnung in Istanbul, vor seiner Rente war er Angestellter beim Gericht. Eines Tages ändert sich sein ruhiges Leben durch eine Diagnose beim Arzt: Alzheimer, zunächst noch im Frühstadium. Dieser Schock verleitet „Agâh Be” dazu seine letzten Ziele im Leben umzusetzen, die er bislang aufgeschoben hatte. Doch diese haben nichts mit einer letzten großen Reise, dem Schreiben eines Buches oder Enkelkindern zu tun, sondern… mit Mord und Rache. In seinem Heimatort wurde vor vielen Jahren ein schlimmes Verbrechen begangen, er möchte die damaligen Täter zur Rechenschaft ziehen – was sich als nicht einfach herausstellt, da er bereits viel vergisst und damit nicht zwingend der perfekte Killer ist. Überraschenderweise gibt es neben dem zweifelhaften Helden der Geschichte noch eine weitere Hauptfigur, Nevra Elmas (Cansu Dere), eine Polizistin, die Agâh Be langsam auf die Spur kommt. Doch sie hat selbst mit großen Widerständen innerhalb ihrer Behörde zu kämpfen, da sie die einzige weibliche Kommissarin in der Istanbuler Mordkommission ist. Einige ihrer Kollegen geben gerne misogyne Kommentare ab, viele der Herren trauen ihr nichts zu und blicken aufgrund ihres modernen Lebensstils auf sie herab. Doch Nevra erkennt als einzige die Verbindungen zwischen den Morden und dem Verschwinden mehrerer Leute und kommt der Lösung des Falls näher, während Agâh Bes Gedächtnis mehr nachlässt, er wahnsinniger wird und irgendwann in einem wundervollen Hasenkostüm durch die Gegend rennt, das wiederum die Jugend begeistert – Donnie Darko lässt grüßen.

Aus dieser Ausgangssituation entwickelt sich eine hochgradig groteske, absurde, immer größer werdende Geschichte, die man erst nach ein paar Folgen wirklich verstehen und greifen kann. Die Vielzahl an Figuren und ihre im europäischen Kulturkreis nicht allzu geläufigen Namen erschwerten mir anfangs alle Verbindungen zu verstehen, aber im Laufe der wunderbar erzählten und inszenierten Geschichte fällt das immer weniger ins Gewicht, vor allem wenn mehr von der Vergangenheit erzählt wird.

„Ein guter Mensch” ist ein fein komponiertes Werk mit hohem Produktionsaufwand, sehr passender Musik und hoher visueller Kreativität. Auf den ersten Blick könnte man die Serie kaum von hochwertigen US-Serien unterscheiden, dennoch fühlt sich „Sahsiyet”, frisch an, weil die Geschichte in der Türkei spielt und das Setting somit ein anderes ist. Dies ist ein wichtiges Alleinstellungsmerkmal einer Serie, die auch durch ihre Ausgangssituation bereits eine eigene Identität entwickelt. Doch die Türkei-Komponente mit einer Gesellschaft und zahlreichen Konflikten zwischen Tradition und Moderne, Religion und Atheismus, Mann und Frau sowie moralische Fragen werten die Serie gekonnt auf. 

Die Regie, Kamera und Produktion der Serie kann auf ganzer Linie überzeugen. Die kreativen Ideen der Kameraeinstellungen und -fahrten, die starke Symbolik und die zahlreichen visuell großartig wirkenden Absurditäten, wie das Hasenkostüm, ließen mich innerlich jubeln. Ich fühlte mich verstärkt an „Mr. Robot” erinnert, aus meiner Sicht kann es kaum ein besseres Kompliment geben. Die Inszenierung und die Drehbücher bilden eine gekonnte Symbiose, Regisseur Onur Saylak beweist ein feines Gespür für Timings. Teilweise vermischt sich Slapstick-Humor gekonnt mit Gewalt, daraufhin gibt es großes Drama mit viel Emotionalität, dann dominieren Verschwörungs-Thriller-Themen, dann Familienprobleme, dann die kaltblütige Rache und dann grüßt wieder der Alzheimer. Doch dies ist keine wirre Aneinanderreihung von Themen, sondern ein hervorragender Krimi-Thriller mit Dramaelementen. Diese verrückte Melange spielt die Klaviatur der verschiedenen Genres überwiegend überzeugend und weiß inhaltlich darüber hinaus stets zu überraschen. „Ein guter Mensch” ist relativ dialoglastig, glücklicherweise sind die Dialoge allerdings gut ins Deutsche übersetzt. Schauspielerisch ist Haluk Bilginer eine Wucht, ganz große Klasse, das restliche Ensemble hat nicht seine Qualität, ihre Rollen verkörpern die Darsteller allerdings dennoch glaubwürdig und mit genügend Tiefe.

Mein einziger kleiner Kritikpunkt ist, dass es den ein oder anderen Handlungsstrang am Ende vielleicht nicht gebraucht hätte und man die 1. Staffel leicht hätte straffen können, aber das ist zu vernachlässigen. Denn die Folgen sind nie langweilig, die Macher verstehen es in hoher Frequenz Höhepunkte und krasse oder absurde Momente zu präsentieren. Somit ist das Pacing gut und „Ein guter Mensch” bleibt über die volle Laufzeit der ersten Staffel sehr unterhaltsam. Auch das Ende der Staffel ist rund, die letzten beiden Episoden sind geradezu brillant und damit steht der uneingeschränkten Empfehlung nichts mehr im Wege. 

Staffel 2 erschien bereits 5 Jahre nach der 1. Staffel und man merkt sofort, dass sie ursprünglich nicht geplant war. Zum einen, weil das vorherige Ende wirklich grandios passend war, zum anderen, weil ein mysteriöses Alzheimermedikament Agâh Be auf einmal wieder zurück ins Leben holt. Doch damit nicht genug: Nun will sich der Bruder eines seiner vorherigen Opfer an ihm und seine Familie rächen, denn er hatte mafiöse Verbindung und kommt eigens dafür zurück in die Türkei. Nach dem recht zweifelhaften Setup verstrickt sich die Handlung in der ersten Hälfte in einem Roadtrip-Familiendrama mit vielen Comedymomenten und einer recht wirren Erzählstruktur, bei der man wenig von den Hauptthemen greifen kann (passend zu Agâhs Gedächtnis). Erst ab der starken 6. Folge nimmt die 2. Staffel Fahrt auf, wird deutlich ernster und stringenter, so dass sie sogar teilweise an das Niveau der 1. Staffel heranreichen kann. Klassische Mafiathemen gewinnen Überhand, doch auch der Kriminalfall rund um die 17 Ermordeten und ihre Überreste kann überzeugen. Zudem werden einige lose Fäden der 1. Staffel aufgenommen und verbunden, um ein letztlich gelungenes, aber auch polarisierendes Serienende zu formen. Regie, Kamera, visuelle Spielereien, die Lichtstimmung, der Soundtrack, der Aufwand, die Sets: Alles ist weiterhin großartig. Doch die Handlung erreicht nie den Höhen der 1. Staffel. Dennoch ist die 2. Staffel weit von einer Katastrophe entfernt und für Fans des Rächers im Hundekostüm immer noch sehenswert. Doch gebraucht hätte es die 2. Staffel nicht, sie sorgt leider dafür, dass die Serie in der Gesamtbewertung aus meinen Top 5 heraus purzelt.

„Ein guter Mensch” ist überraschend anders, frisch und sehr unterhaltsam. Wer auf der Suche nach einem Geheimtipp ist, der sollte sich die beste türkische Serie überhaupt ansehen! Man kann allerdings auch nach Staffel 1 mit dem krönenden Abschluss aufhören, da man das Beste gesehen hat.

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In 10 Folgen, die jeweils nur etwa 10 Minuten lang sind, werden lustige und wirre Kurzgeschichten erzählt, die zahlreiche Parodien auf Märchen oder alte Disneyfilme darstellen und diese mit einem skurrilen, modernen Humor mischen, was zu ganz seltsamen Momenten führt. Im Zentrum stehen die Halbbrüder Wirt (sieht aus wie ein Zwerg) und Greg (hat eine Teekanne umgekehrt auf dem Kopf), die sich nachts im Wald einer Fantasywelt verirren. Sie wollen den Weg nach Hause finden und fragen nach Hilfe bei der Navigation. Dabei stolpern sie von einer absurden Begegnung in die Nächste, unterschiedliche (sprechende) Tierkameraden schließen sich ihnen an, immer wieder geraten sie in bedrohliche Situationen rund um Geister, Skelett-Kürbisse und die Bestie des Waldes. Doch was steckt dahinter und finden die beiden einen Ausweg aus dem finsteren Wald?

Die einzelnen Folgen wirken recht fragmentiert und wie Kurzgeschichten, das Erzähltempo der jeweiligen Episode ist allerdings sehr hoch. Was innerhalb der nur 10 Minuten alles passiert, würde bei anderen Serien auf einen deutlich längeren Zeitraum gestreckt. Doch es gibt auch eine übergeordnete Handlung, die in Episode 9 die Serie auf eine höhere Stufe hebt und ihr einen gewissen tieferen Sinn gibt. Ohnehin ist die Miniserie, deren Ton anfänglich sehr sarkastisch ist und die nie um einen Slapstick-Gag verlegen ist, am Ende überraschend ernst. Doch der Weg dahin ist mit zahlreichen Comedymomenten und Gesangseinlagen gepflastert, die teilweise extrem weit draußen, manchmal nur wirr und seltsam wirken – Das Pferd ist ein Beispiel, das Froschkonzert ein anderes. Ein Freund dieser Gesangseinlagen bin ich leider nicht, wenn sie nicht konsequent verulkt werden oder einen emotionalen Wert haben. Visuell ist die Miniserie überzeugend, das Tempo ist überwiegend gut, in der Mitte tritt man mit seiner Haupthandlung etwas auf der Stelle, das Ende ist stark.

Zusammenfassend lohnt sich „Hinter der Gartenmauer” als eine ganz verquere Genre-Mischung, die man so noch nicht gesehen hat. Es erinnerte mich teilweise an den hochgradig absurden Animationsfilm „Das große Rennen von Belleville”. Die Gartenmauer erhielt damals einen Emmy und gilt heutzutage in den USA als Herbst-Kultserie. Ob man die Serie mag, dürfte sehr subjektiv sein. Mich hat sie nicht ganz abgeholt, ich respektiere sie mehr für ihr unbestreitbares Gesamtkunstwerk, sie wird aber keine meiner Favoriten werden. Für Personen, denen meine Beschreibung der Miniserie bislang zusagte, verbirgt sich hinter der Gartenmauer aber vielleicht tatsächlich ein Geheimtipp.

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„The Leftovers” wusste mich zu begeistern und ich schätze sie als zeitlos genug ein, um auch heute noch neue Fans zu finden. Die Serie ist etwas sperrig, zu Beginn etwas langatmig, recht pseudo-philosophisch und enthält viele Metaphern und Symbolik, diese Themen erschließen sich aber aus der Hauptgeschichte und wirken nicht aufgesetzt. Die erste Staffel und der Auftakt sind leider die schwächsten Elemente der Serie, deswegen würde ich empfehlen, die erste Staffel komplett durchzuschauen, bevor man frühzeitig aufgibt. Gerade die letzten beiden Folgen wissen bereits zu brillieren und können hoffentlich eine Sogwirkung erzeugen. Staffel 2 ist in Teilen wirklich fantastisch, Staffel 3 sehr gut, man muss sich durch Staffel 1 vielleicht zu Beginn etwas durchkämpfen. Aber es lohnt sich!

„The Leftovers” hat eine sehr spannende Mystery-Prämisse: Auf einmal verschwinden 2% der Weltbevölkerung einfach so, von einem auf den anderen Moment. Niemand weiß wohin, niemand weiß warum. 3 Jahre nach diesem weltumspannenden, seltsamen Ereignis setzt die Haupthandlung ein. Dabei geht es zunächst nur in Ansätzen darum, wohin die Menschen verschwunden sein könnten. Sind sie tot? Wurden sie wegteleportiert und leben woanders? Diese Fragen bleiben im Hintergrund, stattdessen geht es mehr darum, wie die Verbliebenen 98% damit umgehen. Wie ändert sich eine Welt, eine Gesellschaft und ihre Glaubens- und Moralvorstellungen, wenn so etwas Undenkbares passiert?

Im Zentrum der Serie steht Polizist Kevin Garvey (Justin Theroux), der psychische Probleme hat und zunächst versucht ein möglichst normales Leben zu führen. In seiner Familie verschwand auf den ersten Blick niemand, auf den zweiten Blick allerdings das ungeborene Kind seiner Frau aus ihrem Bauch heraus, wovon Kevin aufgrund einer Ehekrise nichts weiß. Er lebt mit seiner zurückgezogenen Tochter Jill (Margaret Qualley in einer ihrer frühen Rollen) zusammen, die beiden verbindet ebenfalls ein schwieriges Verhältnis. Ein weiterer Hauptcharakter ist Nora Durst (Carrie Coon), die ihre ganze Familie, ihren Mann und ihre zwei Kinder, beim damaligen Ereignis verlor und damit den Hauptpreis der Tombola zum Thema mathematische Wahrscheinlichkeit gewonnen hat. Sie arbeitet für eine Behörde des plötzlichen Verschwindens, die den Ursachen des Verschwindens auf die Spur kommen will, indem sie durch Befragungen der Hinterbliebenen Muster sucht.

Grundsätzlich ist The Leftovers eine Ensemble-Serie. Es gibt eine ganze Reihe von Hauptcharakteren und Nebencharakteren, die teils fast ganze Einzel-Episoden erhalten. Im besten Fall fühlt sich diese Erzählweise wie ein perfektes Mosaik an (wie Staffel 2), zum Teil wirkt sie unzusammenhängend und etwas frustrierend, wenn man eigentlich ein anderen Handlung folgen wollte. Es ist aber positiv hervorzuheben, wie viel Zeit sich für die Charaktere genommen wird, was später dabei hilft, deren Entscheidungen besser nachvollziehen zu können. In den verschiedenen Handlungssträngen geht es wahnsinnig viel um Trauer, den erschütterten Glauben und um Erklärungsansätze für dieses absurde Ereignis. Es gibt Sekten, es gibt die Ablehnung der Sekten, Jesus-Vergleiche häufen sich im Laufe der Serie. Als Zuschauer wird man häufig damit konfrontiert, ob man der jeweiligen Person und ihrer Sekte nun Glauben schenken darf. Denn in einer Welt, in der 2% der Menschheit einfach verschwindet, ist die Frage, wie sinnvoll eine Sekte ist, natürlich schwieriger zu beantworten, als in unserer realen Gegenwart.

Eine Antwort, was wirklich passiert ist und welcher Erklärungsansatz der richtige ist, bekommt der Zuseher natürlich lange nicht. Es liegt immer an uns, wie weit wir den Gedankenkonstrukten der Charaktere folgen möchten, gerade wenn einige Theorien doch sehr verrückt und wirr wirken. Die Produktion der Serie ist auf einem hohen Niveau, gerade in den hinteren Staffeln sind die Machart, Regie und der Mut, das Genre zu wechseln, wirklich beeindruckend. Darüber hinaus möchte ich speziell die emotionale Musik erwähnen. Der Soundtrack ist super und der Max Richter Score untermalt die Szenen mit einer fantastischen Melancholie. Kurz möchte ich noch mittels Brennglas die verschiedenen Staffeln einschätzen:

In Staffel 1 sind mir das eher beliebige Highschool-Thema und die weißgekleidete Sekte, deren Anziehung mir unklar bleibt, noch etwas ein Dorn im Auge. Zu Beginn fehlt es darüber hinaus leider etwas an Tempo. Die Weitererzählung der Geschichte wirkt in Teilen etwas  hölzern. Dennoch ist die erste Staffel natürlich wichtig als Exposition für die folgenden Staffeln und sie nimmt am Ende richtig Fahrt auf.

Staffel 2 ist für mich die beste. Das Pacing ist nun besser, das neue Setting hilft der Serie deutlich spürbar. Dazu kommt eine gelungene Krimigeschichte, die Serie hat nun ihren Platz gefunden und weiß, was sie erzählen möchte. Und das ist hochgradig absurd, die zweite Staffel der Serie fordert den Zuschauer heraus und bietet einige denkwürdige unfassbare Momente. Ich konnte den ganzen WTF-Momenten  aber meist in der internen Logik der Serie folgen (bis auf eine Ausnahme). Vor allem die International Assassin (2.8) ist absolut großartig.

Staffel 3 gilt für viele als die beste Staffel. Auch durch nun nur noch 8 Episoden statt der vorherigen 10 Episoden pro Staffel ist das Pacing ähnlich gut wie in Staffel 2. Der Beginn gefiel mir sehr gut, danach fremdelte ich ein wenig mit dem neuen Setting und den teils sehr verrückten Ideen, die vom Vater und Nora-Handlungsstrang ausgingen. In einer solchen absurden Serie kann es natürlich immer den Kipppunkt geben, an dem man sagt: Jetzt bin ich raus! Dieser Punkt wurde bei mir nicht ganz erreicht, ich konnte mich dann doch in das Becken der Skurrilität hineinfallen lassen. Die große Frage ist natürlich: Gelingt der Abschluss, was wahrlich nicht leicht ist, bei einer solch absurden Serie? Ich finde schon, das etwas kitschige und für Interpretationen offene Ende wusste durchaus zu überzeugen. 

„The Leftovers” ist in Deutschland immer noch als Geheimtipp zu verstehen, den ich jedem empfehlen möchte. Man muss leider Staffel 1 etwas Zeit geben, aber Staffel 2 und 3 überzeugen mit hochgradig absurden, aber auch sehr unterhaltsamen Episoden und Antworten auf die zu Beginn gestellten Fragen.

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Die (weitgehende) Anthologie-Serie „Fargo” ist in ihrer Gesamtheit schwer einzuschätzen und zu bewerten. Zunächst weil in jeder Staffel ein Großteil des Casts sowie die Story ausgetauscht werden, wodurch es naturgemäß zu starken qualitativen Schwankungen kommt. Außerdem ist die Genre-Einteilung schwierig. Meist geht es bei „Fargo“ um Morde, kriminelle Organisationen, aber auch klassische Polizeiarbeit, allerdings eben mit der Fargo-Note. Zumindest zu Beginn noch im Schnee, aber vor allem mit viel Satire,Gesellschaftskritik und teilweise krudem (Slapstick)-Humor, ergeben sich hieraus spannende Fälle, rund um hochinteressante, teils groteske Charaktere. 

Zusammenfassend bieten die Staffeln stets eine absurde, dialog-getriebene Handlung mit seltsamen, interessanten, teils dümmlichen, aber nachvollziehbaren Charakteren, die eine gewisse Komik mitbringen. Dazu ist der deutsche Untertitel des Films „Blutiger Schnee” auch hier fortwährend Programm und wird mit einer überraschenden Konsequenz untermalt. Dieses sehr positive Gesamtbild gilt für die ersten beiden Staffeln, danach wird es etwas komplizierter, weil die Serie sich arg von ihren Wurzeln entfernt. Jede Staffel kann allerdings mit einem starken Schauspieler-Ensemble punkten.

In Staffel 1 stolpert der introvertierte und häufig gemobbte Lester Nygaard (Martin Freeman) in ein Zusammentreffen mit Auftragskiller Lorne Malvo (Billy Bob Thornton), der ihn fragt, ob er seinen Highschool Mobber ermorden soll. Weil Lester das nicht eindeutig verneint, bringt Malvo den Job zu Ende und nun ist nicht nur die Polizei den beiden auf der Spur, sondern auch ein Gangster-Syndikat aus Fargo, da der Ermordete Mitglied dessen war. Eine herrliche Groteske mit überzeugenden Schauspielern bis hinein in die Nebenrollen. Billy Bob sorgt für großen Spaß und viele Tote.

Staffel 2 beginnt mit einem folgenschweren, tödlichen Autounfall, den das Ehepaar Blumquist (Kirsten Dunst und Jesse Plemons) zu vertuschen versucht. Blöderweise war der Getötete ein Sohn eines Fargo-Verbrecher-Syndikats. Erneut ist auch die Polizei auf den Versen, doch im Laufe der Staffel rückt ein Gangkrieg zwischen zwei rivalisierenden Banden immer weiter in den Vordergrund, der in einem fulminanten Finale gipfelt. Gilt gemeinhin als die beste Staffel.

Staffel 3 ist eigentlich die Evan McGregor Show, der in einer Doppelrolle aufspielt und dessen Figur Ray Stussy eigentlich nur seinen Bruder beklauen möchte, dabei allerdings zufälligerweise in einem Doppelmord hineingerät. Die Show wird im kalten Minnesota des Jahres 2010 allerdings von V.M. Varga (David Thewlis) gestohlen, der wiederum die Verbindung in die Gangster-Unterwelt bedeutet. Nicht mehr so stark, wie die vorherigen beiden Staffeln, aber immer noch weitgehend unterhaltsam, wenn auch mit mehr spürbaren Längen und weniger interessanten Charakteren als die beiden Vorgänger.

Staffel 4 war leider wenig. Ich muss gestehen, dass ich sie nicht ganz durchgehalten habe, weil das Erzähltempo wirklich quälend langatmig war. Anfang und Ende komplett geschaut, in der Mitte ein bisschen geskipped. Die Verlegung in Kansas City der 1950er mit zwei rivalisierenden Gangsterbanden hat zwar eine interessante Ausgangssituation zu bieten: Um für Frieden zu sorgen, tauschen 2 Gangsterfamilien jeweils einen Sohn aus, der bei der anderen Familie lebt und integriert wird. Doch daraus wird zu wenig gemacht und die Geschichte kommt in der Mitte überhaupt nicht vom Fleck. Ich würde empfehlen Staffel 4 auszusparen und stattdessen direkt von Staffel 3 zur 5. Staffel zu springen.

Staffel 5 ist durchaus wieder ein „Return to form”. Die erste Folge ist für mich das Highlight der Staffel. Die Entführungs-Sequenz wird erfrischend inszeniert wird, Hauptfigur Dot (Juno Temple, sehr stark) muss in bester „Kevin Allein zu Haus” Manier immer wieder neue Abwehrideen entwickeln. Jon Hamm als waffenbesessener, erzkonservativer, pseudo-christlicher, rechter, frauenverachtender Spinner: Auch gut. Diesmal gibt es auch seltsamerweise eine übernatürliche Komponente (Sam Spruell), die sich überraschend gut ins Gesamtkonstrukt einfügt. Die Staffel hat ein paar nicht so spannende Folgen in der Mitte, aber Anfang und Ende sind überzeugend. Gutes, wenn auch nicht überragendes, Gesamtende einer spannenden Serie.

Gemeinhin wird die 2. Staffel als die stärkste angesehen, also 2>1>3>5>4. Ich sage 1>2>5>3>4.

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