Staffel 5 präsentiert die finale Konfrontation zwischen Butcher und Homelander.  „The Boys” ist weiterhin hochgradig politisch und versucht sich an der Satire. Das gelingt in dieser Staffel wieder besser, weil man hemmungslose Blasphemie betreibt. Denn Homelander und seine Schergen wollen ihn als legitimen Nachfolger von Jesus inszenieren, gründen eine eigene Kirche und beenden die Trennung von Kirche und Staat. Homelander soll Gott sein. Währenddessen versuchen Butcher und die Boys (die sich überraschend schnell zusammengerauft haben) „V One”, das ursprüngliche Superhelden-Mittel, in die Hände zu bekommen und parallel einen Virus gegen alle Superhelden zu entwickeln. Den wollen aber nicht alle aus der Gruppe freisetzen, was zu internen Streitigkeiten führt. Generell wechseln in dieser Staffel die Charaktere häufiger die Seiten als ihre Unterwäsche und werden überraschend problemlos bei der Gegenseite aufgenommen. Hinterfragt wird nicht viel, nachgedacht noch weniger, stattdessen hangelt man sich von einer Actionsequenz zur nächsten und streut stets „emotional harte” Gespräche ein. Als Parodie auf Superheldenfilme funktioniert dies hervorragend, etwas Qualität bleibt aber auf der Strecke. Das Tempo bleibt hingegen in der gesamten Staffel hoch. Furz-, Wichse-, Pisse- und Kacke-Momente sind weiterhin in großen Massen vorhanden und bilden zusammen mit den Blutfontänen eine unvergleichliche Symbiose, wodurch man die Serie unter 1000 schnell erkennt. Die schauspielerischen Leistungen sind okay.

Die große Konfrontation ist überraschend konventionell, klein und ereignislos, zudem wird auf die neue „V One”-Kraft kaum eingegangen. Die Actionsequenzen sind nicht mehr zwingend eine Stärke der Serie. Auch das Finale ist seltsam Standard und viele Abschlüsse für Charaktere wirken gewollt und gehetzt. Zudem gibt es kein Verständnis von Zeit und Raum (was vor allem nervt, wenn Charaktere nicht fliegen können). Somit scheitert die Serie letztlich nicht an ihrem Ende, aber sie ist nicht ausgereift – so sind beispielsweise das „Gen V” Spin-off und seine Charaktere auch überraschend egal. Man hat das Gefühl, dass mehr möglich war und man sich für das Finale mehr Zeit hätte nehmen sollen. Mir gefiel der Handlungsstrang rund um die Göttlichkeit allerdings als frisches und mutiges Satireelement sehr gut.

Somit hat die Serie leider keinen glorreichen Abschluss bekommen, sondern einen etwas gehetzten und überraschend konventionellen. Eine Katastrophe ist es aber nicht geworden.  Denn die Serie ist als Parodie auf Superhelden und als extrem politische Satire auf die USA gelungen.

Ob ich auf das Spin-off Prequel „Vought Rising“ aber noch Bock habe, weiß ich aktuell nicht.

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Die Animeserie, die auf dem gleichnamigen noch laufenden Manga basiert, versucht einen ganzen Haufen von aktuellen Themen und Problemen unter einen Hut zu bekommen und übt dabei deutliche Gesellschaftskritik. Sie richtet sich sehr deutlich an Erwachsene. Zunächst erinnert die Handlung fast an eine unbeschwerte High School-Serie. Charlie muss sich an der Schule zurechtfinden, wobei er natürlich der Außenseiter, aber auch auf eine Freundin trifft und zum ersten Mal seine Kräfte demonstriert. Danach versucht sich die Serie kurzzeitig an philosophischen Fragen und verbaut darin auch das Veganismus-Thema. Dann stehen die Terrorgruppe und ein brutal heftiger Terroranschlag, für den man eine Triggerwarnung aussprechen muss (Amoklauf) im Vordergrund. Auch Vorverurteilungen und falsche Gerüchte, die einen Mob zu Gewalt aufrufen, werden thematisiert. Tierrechte, Gesetze und die Frage nach der Rechtslage rund um Charlie werden ebenso verhandelt. In „Darwin’s Incident” steckt damit eine ganze Reihe von Themen, die allerdings mal besser und mal schlechter beleuchtet werden. Manches wirkt oberflächlich, einige Charaktere verkörpern ausschließlich Stereotype, um bestimmte Inhalte in den Mittelpunkt zu rücken. Auch die direkte Verknüpfung von Veganismus und Terrorismus wirkt auf den ersten Blick recht absurd, wird aber gut durch eine Mobmentalität mit gelebten Hexenjagden unterfüttert. Die Serie wirkt in ihren guten Momenten dystopisch und in ihren schlechten unglaubwürdig.

Insgesamt empfand ich die fehlende Vorhersehbarkeit als eine große Stärke von „Darwin’s Incident. Ich hätte zu Beginn niemals erwartet, dass sich alles so entwickelt und so viele Themen angeschnitten werden. Manchmal hätte ich mir mehr Konzentration auf weniger Inhalte gewünscht, wodurch mehr Raum zur Entfaltung möglich gewesen wäre. Aber letztlich muss man das bewerten, was man bekommt und nicht das, was hätte sein können. Dabei kam mir die Logik hinter den Aktionen der Terrororganisation zu kurz. Bis zum Ende habe ich ihren großen Plan nicht vollends nachvollziehen können. Warum sie bestimmte Dinge taten und was sie sich davon genau versprachen, wurde leider nicht wirklich erklärt.

Der Zeichenstil ist hübsch, die Actionsequenzen sind ansehnlich. Das schwankende Erzähltempo ist etwas seltsam. Nach einem recht ruhigen Beginn gibt es die wirklich krassen Folgen (à 25 Minuten) in der Mitte der 13-teiligen 1. Staffel, das Ende trudelt etwas aus und wird zum Cliffhanger für eine neue Bedrohung. Selten hat mich eine Handlungsstrang (Amok) so überrascht, eine solch fiese Inszenierung innerhalb eines Anime hätte ich nicht erwartet und presste mich vor Spannung und Ekel in den Sitz. Die beiden Episoden saßen wie ein tiefer Schlag in die Magengrube. Auch die Actionsequenz in Folge 10 ist überzeugend.

„Darwin’s Incident” ist eine hochpolitische Animeserie, die auch vor knallharten Themen keinesfalls zurückschreckt. Dabei ist sie manchmal allerdings etwas zu oberflächlich und das Erzähltempo wirkt etwas seltsam. Dennoch möchte ich den Mut der Serie loben und sie vorsichtig für Leute empfehlen, die in ihrem Anime mal etwas ganz Anderes sehen wollen. Nicht alles davon glänzt, aber man wird überrascht. Ich bin hooked und freue mich auf weitere Folgen.

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Die Live-Action Netflix Variante profitiert von Manga-Schöpfer Eiichiro Oda, der als „creative consultant” an der Serie beteiligt ist – vielleicht kommt die Serie auch deshalb gut bei Fans an. Die 1. Staffel umfasst die sogenannte Eastblue-Saga des Mangas, verändert dabei allerdings auch etwas. Der schrullige Pirat Monkey D. Ruffy (Iñaki Godoy) schart in einer Fantasiewelt eine Reihe von anderen Piraten um sich, die sich zur Strohhut-Bande formieren um letztlich den „One Piece”, den sagenumwobenen großen Schatz, zu finden, damit Ruffy seinen Traum verwirklichen kann. Doch dies wollen auch viele andere Piraten und somit stellen sich der Gruppe stets neue Gefahren und Gegner in den Weg. Noch zu erwähnen ist, dass One Piece ordentlich in den Fantasybereich hineingleitet, weil verschiedene Figuren Superkräfte haben. So kann beispielsweise Ruffy nach dem Genuss einer bestimmten Frucht seine Gliedmaßen bis in die gefühlte Unendlichkeit verlängern, ansonsten sind viele Figuren begnadete Schwert- oder Faustkämpfer.

In der deutschen Synchronisation setzt man clevererweise auf Altbewährtes, ein Großteil der Anime-Stimmen vertont auch in der Netflix-Variante ihre Figuren, vor allem Ruffy funktioniert sehr gut und schafft eine gewisse Vertrautheit. Generell fängt die Serie den Vibe des Animes mit seiner Mischung aus Comedy und Kampfsequenzen gut ein und bleibt dem Ausgangsmaterial wohl relativ treu. Hervorzuheben sind die vielen schön gebauten Sets, nicht alles wird hier mit CGI gelöst, die Produktion der Serie ist ziemlich gut. Auch deswegen passt dieser wilde Mix aus Abenteuer, Fantasy und Comedy überraschend gut. Die Kampfchoreographien sind überwiegend ganz gut, der Humor ist quatschig dämlich, die Figuren bekommen mit ihren Origin-Stories eine ordentliche Tiefe, die visuellen Effekte sind meistens hübsch anzusehen. Das Ensemble spielt ihre Charaktere überwiegend gut, für meinen Geschmack sind viele der Figuren „komplett drüber“, so dass ich mich schon wieder in einem Anime wähnte. Das bedient nicht zwingend meine Interessen, aber es führt dazu, dass Fans von Manga & Anime sich schnell zuhause fühlen. 

Die 2. Staffel der Action-Abenteuer Serie mit vielen Kampfszenen und dem eigenartigen Anime-Humor knüpft nahtlos an Stärken und Schwächen der 1. Staffel an. Inhaltlich begibt sich die Strohhutbande auf die Grand Line und muss sich dort einigen Herausforderungen stellen, meist auf verschiedenen Inseln. Dabei treffen die Helden beispielsweise auf einen riesigen Wal, Riesen oder auch Dinosaurier. Doch auch die Barockfirma mit ihren zahlreichen Schergen, die teils abenteuerliche Superheldenkräfte haben, ist ihnen stets auf den Fersen. Großer Bösewicht der Staffel ist Wapol. Ich bin weiterhin Fan von der offensichtlichen Liebe für das Vorbild, das ist schließlich nicht bei allen Adaptionen der Fall. Die meisten Kampfsequenzen sehen ganz gut aus und wirken aufwändig, wenngleich es manchmal ein paar zu viele Schnitte gibt, um fehlende Kampfskills der Schauspieler zu kaschieren. Generell sind die Darsteller weiterhin maximal solide und viele overacten hemmungslos, so dass man sich im Anime wähnt. Mir fiel es manchmal schwer Charaktere ernst zu nehmen, wie den Typen der explosive Popel wirft oder Smoker, der stets zwei Zigarren im Mund hat. Das funktioniert für mich im Anime besser als in einer Realserie, aber aus dieser Absurdität kann man auch einen gewissen Unterhaltungswert ziehen. So absurd wie One Piece ist kaum eine Realserie. Auch die Requisiten und Kulissen erkennt man manchmal etwas zu deutlich, wodurch sich die Serie manchmal eher wie ein Fanprojekt als wie eine Millionenproduktion anfühlt. Jedoch stimmt – wie auch bei den meisten Fanprojekten – die Leidenschaft und die Freude am Projekt, das Herz sitzt sicherlich am rechten Fleck. Somit bleibt ein ähnliches Fazit wie für die 1. Staffel. Fans des Anime finden es super, alle anderen werden es aufgrund des ganzen Wahnwitzes etwas schwerer haben. Dennoch ist die Adaption weiterhin gelungen.

Somit ist die Netflix-Adaption eine schöne, bunte, drollige Serie für jeden, der einem Crew-Abenteuer mit vielen Kämpfen und jeder Menge Comedy nicht abgeneigt ist. Fans von Anime und Manga werden die Serie tendenziell sogar noch etwas besser finden. Ich bin gespannt, wie viele Staffeln die Netflix Serie letztlich umfassen wird, die 3. soll bereits 2027 folgen.

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Ein starker Riz Ahmed trägt die Serie auf seinen Schultern, ein paar gute Gastauftritte amüsieren. Nach dem gescheiterten Versuch beim Casting, hat seine Figur Shah nur noch eine verzweifelte Idee relevant zu bleiben. Er liefert sich den Paparazzi aus, um so Gerüchte zu erzeugen, dass er der nächste James Bond werden könnte. Zunächst genießt er die Anerkennung, aber schnell wird er von ablehnenden Online-Kommentaren eingeholt und ein Schweinekopf wird durch das Fenster seiner Familie als Drohung geworfen. Diese plötzliche Popularität zwingt ihn dazu sich mit seiner eigenen Identität als Sohn pakistanischer Einwanderer zu befassen. Dabei bemerkt er, dass er sich auf Wunsch wie ein Chamäleon verändert und für beide Seiten ein Bindeglied ist, ohne sich irgendwo zuhause zu fühlen. Eine große Eid Mubarak-Feier, ein Trip mit der Exfreundin und eine mutmaßliche Entführung sollen ihm dabei helfen sich selbst zu finden.

Der aufgedrückte „Comedy”-Stempel ist für die Serie nicht zuträglich. Denn stattdessen handelt es sich um ein klassisches Drama, das als Meta-Satire funktioniert. Die Idee das Bond-Casting so prominent in einer Handlung zu verwenden, ist brillant. Leider ist der Culture Clash und die Frage nach der Identität zu Beginn etwas arg klassisch gehalten und fügt kaum Neues hinzu. Auch die Buddy-Comedy konnte für mich nicht so recht greifen. Außerdem ist Shah speziell anfangs wirklich keine sympathische Figur, was den Einstieg erschwert. Ich konnte mit der zweiten Hälfte, die immer absurder wurde, besser connecten. Eine starke Plansequenz leitet in Episode 4 eine Roadmovie-Nacht ein, in der eine alte Liebe verhandelt wird. Folge 5 ist wie ein Actionfilm inszeniert. Natürlich ist auch vorher in Folge 3 der Bollywood-Exkurs großartig, aber die Nebenhandlung von Online Hatern und Entschuldigungsvideos empfand ich als zu oberflächlich.

Die nur 6-teilige, insgesamt nicht mal dreistündige, Miniserie „Bait” verhandelt die Frage nach der eigenen Identität durchaus gekonnt, bot mir darin aber zu wenig Neues. Doch die Reise durch die verschiedenen Genres, die stark inszeniert und von einer gekonnten Kameraarbeit begleitet ist, holte mich besser ab. Insofern ist „Bait” nicht der große Wurf geworden, aber in seiner Meta-Satire durchaus gelungen. Am besten kann man sich bei einer solchen Kürze aber an einem oder zwei Abenden selbst eine Meinung dazu bilden.

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Für Rhiannon (Ella Purnell, ganz gut, „Fallout”), die von ihrem Boss „Sweetpea” genannt wird, kommt es knüppeldick. Die Anfang 20-jährige Frau wird auf der Arbeit ignoriert und nur zum Teekochen verdonnert, obwohl sie Ansprüche hegt „Junior-Reporterin” zu werden, sie lebt und pflegt ihren kranken Vater, auch romantisch läuft bei ihr wenig. Sie wünscht sich nicht mehr als Aufmerksamkeit und gesehen zu werden. Zu ihrer generellen Unzufriedenheit kommen komödiantisch schnell einige Schicksalsschläge, die das Fass zum Überlaufen bringen. Zunächst verstirbt ihr geliebter Vater, dann am selben Tag auch noch ihr Hund und zusätzlich droht ihre Schwester ihr damit ihr Haus zu verkaufen – doch das Schlimmste kommt erst nach – an ihren High School Mobberin Julia (Nicôle Lecky). Für Rhiannon ist das alles zu viel, so dass ihr eines Abends nach einer Konfrontation mit Julia die Nerven durchbrennen. Kurzerhand sticht sie einen Zufallspassanten ab, der ihr quer kam. Dadurch verändert sich ihr ganzes Leben, denn sie erhält auf einmal Selbstvertrauen! So läuft es schlagartig im Job und auch in den Romanzen besser. Doch kann sie jemand aufhalten?

Die Geschichte wird danach noch immer wirrer und weniger glaubwürdig, man muss „Sweetpea” als „High-concept-Thriller” verstehen, um weiterhin mit der schwarzhumorigen, absurden Handlung Spaß zu haben. Spätestens mit der Wendung nach Julias Entführung, wird die Geschichte völlig absurd und überdreht, was mir leider nicht mehr so gefallen hat. Auch das typische Love-Triangle konnte mich weniger begeistern, doch das Hocharbeiten bei der Zeitung, die zwanghafte Suche nach Makeln der Ermordeten um sie öffentlich zu diskreditieren und eine gewisses Leuchten in den Augen von Rhiannon, nachdem sie gemordet hat, konnten mich positiv stimmen. Der Ergründung ihrer Psyche und warum sie sich durch brutale, blutige Morde endlich lebendig fühlt, hätte man für mich noch etwas mehr auserzählen dürfen. Die Darsteller sind alle recht zweckmäßig, Ella Purnell ist klar die beste Schauspielerin in dieser Serie voller karikaturesker Figuren. Die Comedy zieht sich vor allem aus den absurden Situationen.

Die erste Staffel endet nach 6 Folgen á etwa 40 Minuten mit einem Cliffhanger, insgesamt gibt es aktuell (2025) bereits 5 Bücher in der „Sweetpea”-Reihe, somit stehen der Serie theoretisch noch zahlreiche Türen offen – sollte sie denn gut genug ankommen. Ich möchte die Serie als leichte, recht unterhaltsame, etwas groteske Young-Adult-Comedy-Thriller-Kost durchaus empfehlen, allerdings kann „Sweetpea” auf keiner Ebene wirklich brillieren.

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Groß war meine Verwunderung, als ich zum ersten Mal „Ein guter Mensch” bei Amazon Prime sah. Auf dem Thumbnail sah ich einen älteren Mann, der eine Leiche im Kofferraum verstaut. Dies packte meine Aufmerksamkeit, sodass ich daraufhin die überraschende IMDb-Bewertung überprüfte: Eine türkische Serie mit einer Bewertung über 9/10? Das wäre eine der besten Serien überhaupt. Kann das stimmen? Zumindest für die erste zwölfteilige Staffel ist diese Bewertung vollkommen verdient. Das sah nicht nur ich so, sondern auch alle weiteren Personen in meinem Umfeld, die die Serie nach meiner Empfehlung schauten und sie alle sehr lobten.

Der 65-jährige recht einsame, etwas seltsame Agâh Beyoglu (Haluk Bilginer, emmywürdig) lebt zurückgezogen in einer Mietwohnung in Istanbul, vor seiner Rente war er Angestellter beim Gericht. Eines Tages ändert sich sein ruhiges Leben durch eine Diagnose beim Arzt: Alzheimer, zunächst noch im Frühstadium. Dieser Schock verleitet „Agâh Be” dazu seine letzten Ziele im Leben umzusetzen, die er bislang aufgeschoben hatte. Doch diese haben nichts mit einer letzten großen Reise, dem Schreiben eines Buches oder Enkelkindern zu tun, sondern… mit Mord und Rache. In seinem Heimatort wurde vor vielen Jahren ein schlimmes Verbrechen begangen, er möchte die damaligen Täter zur Rechenschaft ziehen – was sich als nicht einfach herausstellt, da er bereits viel vergisst und damit nicht zwingend der perfekte Killer ist. Überraschenderweise gibt es neben dem zweifelhaften Helden der Geschichte noch eine weitere Hauptfigur, Nevra Elmas (Cansu Dere), eine Polizistin, die Agâh Be langsam auf die Spur kommt. Doch sie hat selbst mit großen Widerständen innerhalb ihrer Behörde zu kämpfen, da sie die einzige weibliche Kommissarin in der Istanbuler Mordkommission ist. Einige ihrer Kollegen geben gerne misogyne Kommentare ab, viele der Herren trauen ihr nichts zu und blicken aufgrund ihres modernen Lebensstils auf sie herab. Doch Nevra erkennt als einzige die Verbindungen zwischen den Morden und dem Verschwinden mehrerer Leute und kommt der Lösung des Falls näher, während Agâh Bes Gedächtnis mehr nachlässt, er wahnsinniger wird und irgendwann in einem wundervollen Hasenkostüm durch die Gegend rennt, das wiederum die Jugend begeistert – Donnie Darko lässt grüßen.

Aus dieser Ausgangssituation entwickelt sich eine hochgradig groteske, absurde, immer größer werdende Geschichte, die man erst nach ein paar Folgen wirklich verstehen und greifen kann. Die Vielzahl an Figuren und ihre im europäischen Kulturkreis nicht allzu geläufigen Namen erschwerten mir anfangs alle Verbindungen zu verstehen, aber im Laufe der wunderbar erzählten und inszenierten Geschichte fällt das immer weniger ins Gewicht, vor allem wenn mehr von der Vergangenheit erzählt wird.

„Ein guter Mensch” ist ein fein komponiertes Werk mit hohem Produktionsaufwand, sehr passender Musik und hoher visueller Kreativität. Auf den ersten Blick könnte man die Serie kaum von hochwertigen US-Serien unterscheiden, dennoch fühlt sich „Sahsiyet”, frisch an, weil die Geschichte in der Türkei spielt und das Setting somit ein anderes ist. Dies ist ein wichtiges Alleinstellungsmerkmal einer Serie, die auch durch ihre Ausgangssituation bereits eine eigene Identität entwickelt. Doch die Türkei-Komponente mit einer Gesellschaft und zahlreichen Konflikten zwischen Tradition und Moderne, Religion und Atheismus, Mann und Frau sowie moralische Fragen werten die Serie gekonnt auf. 

Die Regie, Kamera und Produktion der Serie kann auf ganzer Linie überzeugen. Die kreativen Ideen der Kameraeinstellungen und -fahrten, die starke Symbolik und die zahlreichen visuell großartig wirkenden Absurditäten, wie das Hasenkostüm, ließen mich innerlich jubeln. Ich fühlte mich verstärkt an „Mr. Robot” erinnert, aus meiner Sicht kann es kaum ein besseres Kompliment geben. Die Inszenierung und die Drehbücher bilden eine gekonnte Symbiose, Regisseur Onur Saylak beweist ein feines Gespür für Timings. Teilweise vermischt sich Slapstick-Humor gekonnt mit Gewalt, daraufhin gibt es großes Drama mit viel Emotionalität, dann dominieren Verschwörungs-Thriller-Themen, dann Familienprobleme, dann die kaltblütige Rache und dann grüßt wieder der Alzheimer. Doch dies ist keine wirre Aneinanderreihung von Themen, sondern ein hervorragender Krimi-Thriller mit Dramaelementen. Diese verrückte Melange spielt die Klaviatur der verschiedenen Genres überwiegend überzeugend und weiß inhaltlich darüber hinaus stets zu überraschen. „Ein guter Mensch” ist relativ dialoglastig, glücklicherweise sind die Dialoge allerdings gut ins Deutsche übersetzt. Schauspielerisch ist Haluk Bilginer eine Wucht, ganz große Klasse, das restliche Ensemble hat nicht seine Qualität, ihre Rollen verkörpern die Darsteller allerdings dennoch glaubwürdig und mit genügend Tiefe.

Mein einziger kleiner Kritikpunkt ist, dass es den ein oder anderen Handlungsstrang am Ende vielleicht nicht gebraucht hätte und man die 1. Staffel leicht hätte straffen können, aber das ist zu vernachlässigen. Denn die Folgen sind nie langweilig, die Macher verstehen es in hoher Frequenz Höhepunkte und krasse oder absurde Momente zu präsentieren. Somit ist das Pacing gut und „Ein guter Mensch” bleibt über die volle Laufzeit der ersten Staffel sehr unterhaltsam. Auch das Ende der Staffel ist rund, die letzten beiden Episoden sind geradezu brillant und damit steht der uneingeschränkten Empfehlung nichts mehr im Wege. 

Staffel 2 erschien bereits 5 Jahre nach der 1. Staffel und man merkt sofort, dass sie ursprünglich nicht geplant war. Zum einen, weil das vorherige Ende wirklich grandios passend war, zum anderen, weil ein mysteriöses Alzheimermedikament Agâh Be auf einmal wieder zurück ins Leben holt. Doch damit nicht genug: Nun will sich der Bruder eines seiner vorherigen Opfer an ihm und seine Familie rächen, denn er hatte mafiöse Verbindung und kommt eigens dafür zurück in die Türkei. Nach dem recht zweifelhaften Setup verstrickt sich die Handlung in der ersten Hälfte in einem Roadtrip-Familiendrama mit vielen Comedymomenten und einer recht wirren Erzählstruktur, bei der man wenig von den Hauptthemen greifen kann (passend zu Agâhs Gedächtnis). Erst ab der starken 6. Folge nimmt die 2. Staffel Fahrt auf, wird deutlich ernster und stringenter, so dass sie sogar teilweise an das Niveau der 1. Staffel heranreichen kann. Klassische Mafiathemen gewinnen Überhand, doch auch der Kriminalfall rund um die 17 Ermordeten und ihre Überreste kann überzeugen. Zudem werden einige lose Fäden der 1. Staffel aufgenommen und verbunden, um ein letztlich gelungenes, aber auch polarisierendes Serienende zu formen. Regie, Kamera, visuelle Spielereien, die Lichtstimmung, der Soundtrack, der Aufwand, die Sets: Alles ist weiterhin großartig. Doch die Handlung erreicht nie den Höhen der 1. Staffel. Dennoch ist die 2. Staffel weit von einer Katastrophe entfernt und für Fans des Rächers im Hundekostüm immer noch sehenswert. Doch gebraucht hätte es die 2. Staffel nicht, sie sorgt leider dafür, dass die Serie in der Gesamtbewertung aus meinen Top 5 heraus purzelt.

„Ein guter Mensch” ist überraschend anders, frisch und sehr unterhaltsam. Wer auf der Suche nach einem Geheimtipp ist, der sollte sich die beste türkische Serie überhaupt ansehen! Man kann allerdings auch nach Staffel 1 mit dem krönenden Abschluss aufhören, da man das Beste gesehen hat.

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In 10 Folgen, die jeweils nur etwa 10 Minuten lang sind, werden lustige und wirre Kurzgeschichten erzählt, die zahlreiche Parodien auf Märchen oder alte Disneyfilme darstellen und diese mit einem skurrilen, modernen Humor mischen, was zu ganz seltsamen Momenten führt. Im Zentrum stehen die Halbbrüder Wirt (sieht aus wie ein Zwerg) und Greg (hat eine Teekanne umgekehrt auf dem Kopf), die sich nachts im Wald einer Fantasywelt verirren. Sie wollen den Weg nach Hause finden und fragen nach Hilfe bei der Navigation. Dabei stolpern sie von einer absurden Begegnung in die Nächste, unterschiedliche (sprechende) Tierkameraden schließen sich ihnen an, immer wieder geraten sie in bedrohliche Situationen rund um Geister, Skelett-Kürbisse und die Bestie des Waldes. Doch was steckt dahinter und finden die beiden einen Ausweg aus dem finsteren Wald?

Die einzelnen Folgen wirken recht fragmentiert und wie Kurzgeschichten, das Erzähltempo der jeweiligen Episode ist allerdings sehr hoch. Was innerhalb der nur 10 Minuten alles passiert, würde bei anderen Serien auf einen deutlich längeren Zeitraum gestreckt. Doch es gibt auch eine übergeordnete Handlung, die in Episode 9 die Serie auf eine höhere Stufe hebt und ihr einen gewissen tieferen Sinn gibt. Ohnehin ist die Miniserie, deren Ton anfänglich sehr sarkastisch ist und die nie um einen Slapstick-Gag verlegen ist, am Ende überraschend ernst. Doch der Weg dahin ist mit zahlreichen Comedymomenten und Gesangseinlagen gepflastert, die teilweise extrem weit draußen, manchmal nur wirr und seltsam wirken – Das Pferd ist ein Beispiel, das Froschkonzert ein anderes. Ein Freund dieser Gesangseinlagen bin ich leider nicht, wenn sie nicht konsequent verulkt werden oder einen emotionalen Wert haben. Visuell ist die Miniserie überzeugend, das Tempo ist überwiegend gut, in der Mitte tritt man mit seiner Haupthandlung etwas auf der Stelle, das Ende ist stark.

Zusammenfassend lohnt sich „Hinter der Gartenmauer” als eine ganz verquere Genre-Mischung, die man so noch nicht gesehen hat. Es erinnerte mich teilweise an den hochgradig absurden Animationsfilm „Das große Rennen von Belleville”. Die Gartenmauer erhielt damals einen Emmy und gilt heutzutage in den USA als Herbst-Kultserie. Ob man die Serie mag, dürfte sehr subjektiv sein. Mich hat sie nicht ganz abgeholt, ich respektiere sie mehr für ihr unbestreitbares Gesamtkunstwerk, sie wird aber keine meiner Favoriten werden. Für Personen, denen meine Beschreibung der Miniserie bislang zusagte, verbirgt sich hinter der Gartenmauer aber vielleicht tatsächlich ein Geheimtipp.

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„The Leftovers” wusste mich zu begeistern und ich schätze sie als zeitlos genug ein, um auch heute noch neue Fans zu finden. Die Serie ist etwas sperrig, zu Beginn etwas langatmig, recht pseudo-philosophisch und enthält viele Metaphern und Symbolik, diese Themen erschließen sich aber aus der Hauptgeschichte und wirken nicht aufgesetzt. Die erste Staffel und der Auftakt sind leider die schwächsten Elemente der Serie, deswegen würde ich empfehlen, die erste Staffel komplett durchzuschauen, bevor man frühzeitig aufgibt. Gerade die letzten beiden Folgen wissen bereits zu brillieren und können hoffentlich eine Sogwirkung erzeugen. Staffel 2 ist in Teilen wirklich fantastisch, Staffel 3 sehr gut, man muss sich durch Staffel 1 vielleicht zu Beginn etwas durchkämpfen. Aber es lohnt sich!

„The Leftovers” hat eine sehr spannende Mystery-Prämisse: Auf einmal verschwinden 2% der Weltbevölkerung einfach so, von einem auf den anderen Moment. Niemand weiß wohin, niemand weiß warum. 3 Jahre nach diesem weltumspannenden, seltsamen Ereignis setzt die Haupthandlung ein. Dabei geht es zunächst nur in Ansätzen darum, wohin die Menschen verschwunden sein könnten. Sind sie tot? Wurden sie wegteleportiert und leben woanders? Diese Fragen bleiben im Hintergrund, stattdessen geht es mehr darum, wie die Verbliebenen 98% damit umgehen. Wie ändert sich eine Welt, eine Gesellschaft und ihre Glaubens- und Moralvorstellungen, wenn so etwas Undenkbares passiert?

Im Zentrum der Serie steht Polizist Kevin Garvey (Justin Theroux), der psychische Probleme hat und zunächst versucht ein möglichst normales Leben zu führen. In seiner Familie verschwand auf den ersten Blick niemand, auf den zweiten Blick allerdings das ungeborene Kind seiner Frau aus ihrem Bauch heraus, wovon Kevin aufgrund einer Ehekrise nichts weiß. Er lebt mit seiner zurückgezogenen Tochter Jill (Margaret Qualley in einer ihrer frühen Rollen) zusammen, die beiden verbindet ebenfalls ein schwieriges Verhältnis. Ein weiterer Hauptcharakter ist Nora Durst (Carrie Coon), die ihre ganze Familie, ihren Mann und ihre zwei Kinder, beim damaligen Ereignis verlor und damit den Hauptpreis der Tombola zum Thema mathematische Wahrscheinlichkeit gewonnen hat. Sie arbeitet für eine Behörde des plötzlichen Verschwindens, die den Ursachen des Verschwindens auf die Spur kommen will, indem sie durch Befragungen der Hinterbliebenen Muster sucht.

Grundsätzlich ist The Leftovers eine Ensemble-Serie. Es gibt eine ganze Reihe von Hauptcharakteren und Nebencharakteren, die teils fast ganze Einzel-Episoden erhalten. Im besten Fall fühlt sich diese Erzählweise wie ein perfektes Mosaik an (wie Staffel 2), zum Teil wirkt sie unzusammenhängend und etwas frustrierend, wenn man eigentlich ein anderen Handlung folgen wollte. Es ist aber positiv hervorzuheben, wie viel Zeit sich für die Charaktere genommen wird, was später dabei hilft, deren Entscheidungen besser nachvollziehen zu können. In den verschiedenen Handlungssträngen geht es wahnsinnig viel um Trauer, den erschütterten Glauben und um Erklärungsansätze für dieses absurde Ereignis. Es gibt Sekten, es gibt die Ablehnung der Sekten, Jesus-Vergleiche häufen sich im Laufe der Serie. Als Zuschauer wird man häufig damit konfrontiert, ob man der jeweiligen Person und ihrer Sekte nun Glauben schenken darf. Denn in einer Welt, in der 2% der Menschheit einfach verschwindet, ist die Frage, wie sinnvoll eine Sekte ist, natürlich schwieriger zu beantworten, als in unserer realen Gegenwart.

Eine Antwort, was wirklich passiert ist und welcher Erklärungsansatz der richtige ist, bekommt der Zuseher natürlich lange nicht. Es liegt immer an uns, wie weit wir den Gedankenkonstrukten der Charaktere folgen möchten, gerade wenn einige Theorien doch sehr verrückt und wirr wirken. Die Produktion der Serie ist auf einem hohen Niveau, gerade in den hinteren Staffeln sind die Machart, Regie und der Mut, das Genre zu wechseln, wirklich beeindruckend. Darüber hinaus möchte ich speziell die emotionale Musik erwähnen. Der Soundtrack ist super und der Max Richter Score untermalt die Szenen mit einer fantastischen Melancholie. Kurz möchte ich noch mittels Brennglas die verschiedenen Staffeln einschätzen:

In Staffel 1 sind mir das eher beliebige Highschool-Thema und die weißgekleidete Sekte, deren Anziehung mir unklar bleibt, noch etwas ein Dorn im Auge. Zu Beginn fehlt es darüber hinaus leider etwas an Tempo. Die Weitererzählung der Geschichte wirkt in Teilen etwas  hölzern. Dennoch ist die erste Staffel natürlich wichtig als Exposition für die folgenden Staffeln und sie nimmt am Ende richtig Fahrt auf.

Staffel 2 ist für mich die beste. Das Pacing ist nun besser, das neue Setting hilft der Serie deutlich spürbar. Dazu kommt eine gelungene Krimigeschichte, die Serie hat nun ihren Platz gefunden und weiß, was sie erzählen möchte. Und das ist hochgradig absurd, die zweite Staffel der Serie fordert den Zuschauer heraus und bietet einige denkwürdige unfassbare Momente. Ich konnte den ganzen WTF-Momenten  aber meist in der internen Logik der Serie folgen (bis auf eine Ausnahme). Vor allem die International Assassin (2.8) ist absolut großartig.

Staffel 3 gilt für viele als die beste Staffel. Auch durch nun nur noch 8 Episoden statt der vorherigen 10 Episoden pro Staffel ist das Pacing ähnlich gut wie in Staffel 2. Der Beginn gefiel mir sehr gut, danach fremdelte ich ein wenig mit dem neuen Setting und den teils sehr verrückten Ideen, die vom Vater und Nora-Handlungsstrang ausgingen. In einer solchen absurden Serie kann es natürlich immer den Kipppunkt geben, an dem man sagt: Jetzt bin ich raus! Dieser Punkt wurde bei mir nicht ganz erreicht, ich konnte mich dann doch in das Becken der Skurrilität hineinfallen lassen. Die große Frage ist natürlich: Gelingt der Abschluss, was wahrlich nicht leicht ist, bei einer solch absurden Serie? Ich finde schon, das etwas kitschige und für Interpretationen offene Ende wusste durchaus zu überzeugen. 

„The Leftovers” ist in Deutschland immer noch als Geheimtipp zu verstehen, den ich jedem empfehlen möchte. Man muss leider Staffel 1 etwas Zeit geben, aber Staffel 2 und 3 überzeugen mit hochgradig absurden, aber auch sehr unterhaltsamen Episoden und Antworten auf die zu Beginn gestellten Fragen.

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Die (weitgehende) Anthologie-Serie „Fargo” ist in ihrer Gesamtheit schwer einzuschätzen und zu bewerten. Zunächst weil in jeder Staffel ein Großteil des Casts sowie die Story ausgetauscht werden, wodurch es naturgemäß zu starken qualitativen Schwankungen kommt. Außerdem ist die Genre-Einteilung schwierig. Meist geht es bei „Fargo“ um Morde, kriminelle Organisationen, aber auch klassische Polizeiarbeit, allerdings eben mit der Fargo-Note. Zumindest zu Beginn noch im Schnee, aber vor allem mit viel Satire,Gesellschaftskritik und teilweise krudem (Slapstick)-Humor, ergeben sich hieraus spannende Fälle, rund um hochinteressante, teils groteske Charaktere. 

Zusammenfassend bieten die Staffeln stets eine absurde, dialog-getriebene Handlung mit seltsamen, interessanten, teils dümmlichen, aber nachvollziehbaren Charakteren, die eine gewisse Komik mitbringen. Dazu ist der deutsche Untertitel des Films „Blutiger Schnee” auch hier fortwährend Programm und wird mit einer überraschenden Konsequenz untermalt. Dieses sehr positive Gesamtbild gilt für die ersten beiden Staffeln, danach wird es etwas komplizierter, weil die Serie sich arg von ihren Wurzeln entfernt. Jede Staffel kann allerdings mit einem starken Schauspieler-Ensemble punkten.

In Staffel 1 stolpert der introvertierte und häufig gemobbte Lester Nygaard (Martin Freeman) in ein Zusammentreffen mit Auftragskiller Lorne Malvo (Billy Bob Thornton), der ihn fragt, ob er seinen Highschool Mobber ermorden soll. Weil Lester das nicht eindeutig verneint, bringt Malvo den Job zu Ende und nun ist nicht nur die Polizei den beiden auf der Spur, sondern auch ein Gangster-Syndikat aus Fargo, da der Ermordete Mitglied dessen war. Eine herrliche Groteske mit überzeugenden Schauspielern bis hinein in die Nebenrollen. Billy Bob sorgt für großen Spaß und viele Tote.

Staffel 2 beginnt mit einem folgenschweren, tödlichen Autounfall, den das Ehepaar Blumquist (Kirsten Dunst und Jesse Plemons) zu vertuschen versucht. Blöderweise war der Getötete ein Sohn eines Fargo-Verbrecher-Syndikats. Erneut ist auch die Polizei auf den Versen, doch im Laufe der Staffel rückt ein Gangkrieg zwischen zwei rivalisierenden Banden immer weiter in den Vordergrund, der in einem fulminanten Finale gipfelt. Gilt gemeinhin als die beste Staffel.

Staffel 3 ist eigentlich die Evan McGregor Show, der in einer Doppelrolle aufspielt und dessen Figur Ray Stussy eigentlich nur seinen Bruder beklauen möchte, dabei allerdings zufälligerweise in einem Doppelmord hineingerät. Die Show wird im kalten Minnesota des Jahres 2010 allerdings von V.M. Varga (David Thewlis) gestohlen, der wiederum die Verbindung in die Gangster-Unterwelt bedeutet. Nicht mehr so stark, wie die vorherigen beiden Staffeln, aber immer noch weitgehend unterhaltsam, wenn auch mit mehr spürbaren Längen und weniger interessanten Charakteren als die beiden Vorgänger.

Staffel 4 war leider wenig. Ich muss gestehen, dass ich sie nicht ganz durchgehalten habe, weil das Erzähltempo wirklich quälend langatmig war. Anfang und Ende komplett geschaut, in der Mitte ein bisschen geskipped. Die Verlegung in Kansas City der 1950er mit zwei rivalisierenden Gangsterbanden hat zwar eine interessante Ausgangssituation zu bieten: Um für Frieden zu sorgen, tauschen 2 Gangsterfamilien jeweils einen Sohn aus, der bei der anderen Familie lebt und integriert wird. Doch daraus wird zu wenig gemacht und die Geschichte kommt in der Mitte überhaupt nicht vom Fleck. Ich würde empfehlen Staffel 4 auszusparen und stattdessen direkt von Staffel 3 zur 5. Staffel zu springen.

Staffel 5 ist durchaus wieder ein „Return to form”. Die erste Folge ist für mich das Highlight der Staffel. Die Entführungs-Sequenz wird erfrischend inszeniert wird, Hauptfigur Dot (Juno Temple, sehr stark) muss in bester „Kevin Allein zu Haus” Manier immer wieder neue Abwehrideen entwickeln. Jon Hamm als waffenbesessener, erzkonservativer, pseudo-christlicher, rechter, frauenverachtender Spinner: Auch gut. Diesmal gibt es auch seltsamerweise eine übernatürliche Komponente (Sam Spruell), die sich überraschend gut ins Gesamtkonstrukt einfügt. Die Staffel hat ein paar nicht so spannende Folgen in der Mitte, aber Anfang und Ende sind überzeugend. Gutes, wenn auch nicht überragendes, Gesamtende einer spannenden Serie.

Gemeinhin wird die 2. Staffel als die stärkste angesehen, also 2>1>3>5>4. Ich sage 1>2>5>3>4.

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Im Korea des Mittelalters scheint der König an Pocken erkrankt zu sein. In Staffel 1 hat der Kronprinz Lee Chang (Ju Ji-hoon) daran Zweifel, als er eines Tages geheim in den Palast eindringt, bemerkt er nur einen fauligen Geruch und Tiergeräusche. Er entscheidet sich den Arzt des Königs aufzusuchen, um das Mysterium zu verstehen. Doch der Ort von Dr. Lee wurde von einer Seuche befallen, zudem erzählt die Assistentin des Arztes, Seo-bi (Bae Doona, „Stranger”, „The Silent Sea”) dem Kronprinzen von einem Kraut, dass angeblich Tote wiederbeleben kann… Währenddessen spitzt sich die Lage um den König zu und viele Personen scharren mit den Hufen, um das Machtvakuum auszufüllen und die Nachfolge des Machthabers anzutreten.

Die Serie ist großartig inszeniert und fängt schöne Bilder ein. Das Acting kann man als „typisch Koreanisch“ bezeichnen, was für den normalen Seriengucker als „overacted“ wahrgenommen werden kann, aber man gewöhnt sich schnell daran. Gegenüber Vergleichsserien kann „Kingdom” sogar doppelt punkten. Erstens, weil die Zombies etwas anderen Regeln als sonst folgen, zweitens, weil man nicht die ewige Frage stellen kann: Haben die noch nie einen Film gesehen, oder warum kennen sie keine Zombies? Denn es ist das Mittelalter, insofern ist es absolut glaubwürdig, dass die Figuren keine Zombies kennen. Zu Beginn noch etwas ruhig erzählt und ziellos wirkend, nimmt die 1. Staffel ab Folge 3 Fahrt auf, wenn das große Ganze nach und nach erkennbarer wird. Staffel 1 endet mitten in der Handlung.

Staffel 2 ist stringenter in seinem Ablauf, da die Staffel, dank der Geschehnisse der 1. Staffel, mitten in der Action starten darf. Inhaltlich wird die Geschichte nahtlos fortgesetzt und die Ergründung der Ursprünge der Zombies steht mehr im Vordergrund. Die Massenszenen der Zombie-Angriffe sind ein wahrer Hingucker und übertreffen auch viele Szenen aus „The Walking Dead”, weil man ohne (besonders sichtbares) CGI vorgeht und stattdessen mit vielen Statisten arbeitet. Vor allem wenn ich die Action brodelt, ist die Serie sehr ansehnlich. Die Handlung benötigt keine Exposition mehr, die 6 Folgen haben ein tolles Pacing und bieten weiterhin sehr hübsche Bilder. Schauspielerisch ist die Serie nicht überragend und die Comedyversuche bleiben meistens Versuche, aber das stört kaum. So ganz bleibt die Geschichte seiner Logik aus meiner Sicht nicht treu, wenn Leute eigentlich lange tot sein müssten, aber doch noch irgendwo hinkrabbeln können, um wichtige Botschaften zu erteilen. Aber das sind Kleinigkeiten, denn in seiner Kernkompetenz ist „Kingdom” gelungen und fühlt sich frischer an als Vergleichsserien.

Staffel 2 ist sicher besser als 1, grundsätzlich lohnt es sich beide Staffeln in einem Rutsch zu schauen, weil sie nahtlos aneinander anschließen und dieselbe Geschichte erzählen. „Kingdom” ist ein schön inszenierter Genremix, der überraschend gut funktioniert. Es gibt zwar ein paar kleinere Makel, aber als Fan von Zombiefilmen und -serien sollte man sich diese spezielle Variante im koreanischen Historiengewand nicht entgehen lassen.

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Im Zentrum der Serie steht ein Anwalt (Tom Schilling), der mit seinem Leben zwischen Beruf und Familie nicht so klar kommt, überall aneckt und letztlich nirgends so wirklich „präsent” ist. Deswegen besucht er ein Achtsamkeitsseminar (im Wesentlichen eine Therapiesitzung, die ihm Bewältigungsstrategien an die Hand gibt) und ist danach ein neuer Mensch. Doch sein bekanntester Kunde ist ein Banden/Clanchef und der sorgt schnell für Probleme, die Anwalt Björn nun ungewöhnlich löst… nämlich per Mord. Danach versucht er die Fassade, dass der Bandenchef noch lebt, für den Clan, die Polizei, seine Anwaltskanzlei und Co. aufrechtzuerhalten.

Der absurde Plot führt leider nicht zu einer großartigen Serie, allerdings zu einer grundsoliden, die ohne große Highlights überwiegend unterhaltsam bleibt. Ich dachte zuerst es geht in eine Dexter Richtung, aber „Achtsam Morden” ist eine sehr locker, leichte Serie mit ein paar Blut und Gewaltspitzen, die im Kern ein Kriminaldrama mit Bandenrivalitäten (innerhalb, mit anderen Banden und mit der Polizei) ist. Darüber hinaus gibt es aber auch Elemente des Familiendramas, gesprenkelt mit dieser Absurdität und einem Hauptcharakter, der gerne die 4. Wand bricht und zur Zuschauerschaft spricht.

Insgesamt ist die 1. Staffel (weitere werden folgen) sympathisch, allerdings nirgends großartig oder besonders logisch. Denn teilweise fressen die Charaktere hanebüchene Geschichten oder stellen beknackte Forderung, man versteht die Figuren nicht so wirklich. Aber letztlich ist „Achtsam Morden” absolut gefällig und lebt von seinem tollen Hauptdarsteller.

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Die Serie basiert auf den beiden gleichnamigen Videospielen, Teil 1 und Teil 2. Staffel 1 erzählt in insgesamt 9 Episoden die Handlung des gesamten ersten Videogames, das zweite Spiel wird in den Staffeln 2 und 3 erzählt. An der Seite von Neil Druckmann, dem Creative Director und Autor beider Videospiele, wurde als zweiter Showrunner & Drehbuchautor Craig Mazin verpflichtet, den man beispielsweise von der besten Miniserie aller Zeiten „Chernobyl” kennt. Als kleiner Disclaimer: Ich habe beide Videospiele zuvor gespielt und liebe den ersten Teil, den zweiten finde ich schwächer, aber immer noch gut, obwohl er wahnsinnig polarisierte. Um es vorwegzunehmen: Genauso geht es mir auch mit der Adaption, Staffel 1 ist unfassbar rund, eine hervorragende Staffel, die jeder gesehen haben sollte. Staffel 2 hat ihre Schwächen, aber auch weiterhin Stärken. 

Worum geht es? Im Wesentlichen ist das Thema die Zombie-Apokalypse, aber in „The Last of Us” sind es Pilze. Der Cordyceps-Pilz befällt Menschen, sie können nicht mehr klar denken, werden von ihm gesteuert und auf andere Menschen gehetzt. Wenn diese gebissen oder manchmal auch nur besonders tief gekratzt werden und sich Sporen übertragen können, dann werden die Menschen zu Pilzzombies. Die Haupthandlung der Serie startet rund 14 Jahre nach dem Ausbruch der Pilzepidemie, die dystopische Welt ist komplett zerfallen und die Handlung spielt in einem von der Natur überwucherten Amerika. Regierungen gibt es in diesem Sinne nicht mehr, allerdings unterschiedliche Gruppierungen mit verschiedenen Zielen.

Staffel 1: Die Fireflies beauftragen den Schwarzmarkthändler und Schmuggler Joel (Pedro Pascal) die 14-jährige Ellie (Bella Ramsey) aus einer Quarantänezone zu einem Krankenhaus der Fireflies quer durchs ganze Land zu eskortieren. Denn Ellie scheint immun zu sein und die Fireflies hoffen mit Ellies Hilfe ein Heilmittel für die Epidemie herstellen zu können. Nach einem durchwachsenen Beginn beginnen die beiden eine Vater-Tochter-ähnliche Beziehung zu entwickeln, dabei müssen sie gemeinsam zahlreiche Gefahren von Pilzgegnern und menschlichen Widersachern überstehen.

Die erste Folge der Serie ist überragend. Die ersten 30 Minuten des ersten Videospiels waren damals mit das Beste, was es jemals gab, die Pilotfolge steht dem in wenig nach. Die Emotionalität, das Chaos, der Ausbruch: Das ist perfekt umgesetzt. Nach diesem hervorragenden Einstieg kann auch die Mitte überzeugen und die letzte Folge ist überragend. Das ist „Last of Us I”, das ist besser als alles, was „The Walking Dead” je geschafft hat (sogar besser als die 1. starke Staffel „Walking Dead”). Auch wenn man mit Zombies nichts am Hut hat, sollte man die erste Staffel schauen, weil einem ansonsten eine absolute Top Serie entgeht. Pedro Pascal und Bella Ramsay sind superb als Joel und Ellie, die Nebencharaktere alle mindestens solide. Visuell ist die Serie auf einem guten Niveau, man sieht ihr die hohen Produktionskosten durchaus an, obwohl der Weitblick nicht immer großartig aussieht. Generell kann ich alle beruhigen, die zu viel Angst vor Zombies haben oder zu schreckhaft sind: Mit Horror hat die Serie nichts zu tun, die Zombies sind mehr im Hintergrund als im Spiel, der Mensch ist die Bedrohung.

Bei Staffel 2 konnte man bereits vor der Ausstrahlung ahnen, dass sie schlechtere Karten beim Publikum haben wird. Ohne zu tief in die Videospiel-Debatte einzusteigen, musste der 2. Teil damals großes „Review Bombing” ertragen. Einige traurige-wütende Menschen wetterten kindisch gegen die „Woke”-Agenda des Spiels, weil es auch um Homosexualität und andere liberale Themen geht. Doch das soll nicht darüber hinwegtäuschen, dass das 2. Spiel auch zurecht schlechter aufgefasst wurde. Das liegt vor allem an einer polarisierenden, folgenschweren Entscheidung zu Beginn. Doch genug der Vorworte und hinein ins Geschehen: Die Handlung spielt rund vier Jahre nach den Geschehnissen des ersten Teils. Aus Spoilergründen werde ich inhaltlich nicht in die Tiefe gehen, jedoch beginnen Spiel 2 und Staffel 2 erstmal relativ ruhig, bis in Folge 2 der Scheidepunkt ansteht. Diese Episode ist ganz großartig, wunderbar inszeniert auf allen Ebenen, jedoch werden inhaltlich damit viele Zuschauer Probleme haben. Doch alles geschieht wie im Ausgangsmaterial.

Danach fokussiert sich die nur 7-teilige 2. Staffel noch etwas stärker als die vorherige Staffel auf das zwischenmenschliche Drama. Den Beziehungen untereinander und Dialogen wird deutlich mehr Zeit eingeräumt als im Spiel, die Bedrohungen durch die Pilzzombies wird erheblich zurückgeschraubt. Insgesamt sind diese lediglich in zwei Episoden als größere Horden zu sehen und sind ansonsten thematisch vollkommen irrelevant. Auch einige der bekannten Locations aus dem Spiel werden etwas zu schnell abgefrühstückt, beides ist etwas schade. Der starke Drama-Fokus ist überhaupt nicht falsch, nur leider wirkt der Rest anteilig etwas zu gehetzt, die Actionsequenzen zu kurz, die Bedrohung durch die Zombiepilze spürt man fast gar nicht mehr. Dennoch empfinde ich einige Sequenzen weiterhin als sehr gelungen und sehr schön umgesetzt. Das Pacing der Staffel ist schwächer, aber noch in Ordnung, man hätte vielleicht die neue Hauptfigur der 2. Staffel besser etablieren und die Erzählperspektiven besser miteinander verbinden können. Doch auch das Spiel trennt die Sichtweisen so auf, man wollte dem wohl treu bleiben, dieser Schnitt im Spiel wird in der Serie für den Cliffhanger zu Staffel 3 genutzt. Ich befürchte allerdings, dass die Zuschauer an Abby, die von Kaitlyn Dever stark gespielt wird, wenig Interesse haben werden. Im Spiel musste man sich damit anfreunden, hatte schon viel Zeit investiert und beginnt den finsteren Fokus der 2. Staffel langsam zu verstehen. Ich weiß nicht, ob das als passiver Konsum einer Serie so gut funktionieren wird, wie in einem immersiveren Videospiel.

„The Last of Us” Staffel 2 polarisiert inhaltlich genauso wie das zweite Videospiel. Jedoch ist die Umsetzung leider etwas schlechter gelungen als bei Staffel und Videospiel 1. Ich habe dennoch großes Interesse, wie die restliche Geschichte noch umgesetzt wird und hoffe auf Besserung. Die 2. Staffel ist nicht so schlecht, wie diverse Teile des Webs behaupten. Sie ist nicht mehr überragend großartig, sondern nur noch gut. Dennoch bleibe ich dabei, dass sich jeder – egal mit welcher Genrepräferenz – Staffel 1 anschauen sollte (93%). Ob man dann weiterschaut, bleibt jedem selbst überlassen, aus meiner Sicht bleibt es sehenswert, allerdings mit Abstrichen.

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Im Zentrum der Animationsserie für Erwachsene steht Alma (Rosa Salazar), die seit ihrem 9. Lebensjahr ein Cochlea-Implantat trägt und deren Familiengeschichte ordentlich Tragik aufweist. Ihre Großmutter litt an Schizophrenie, ihr Vater – der an Zeitreisen forschte – starb, als sie noch klein war. In der Gegenwart gerät Alma nach der Verlobungsfeier ihrer Schwester in einen Autounfall und landet im Koma. Als sie im Krankenhaus aufwacht, kann sie auf einmal ihren toten Vater (Bob Odenkirk) sehen, der ihr beibringt, wie man die Zeitachse verschiebt. Er bittet sie darum, die Umstände seines Todes herauszufinden, in dem Alma an den folgenschweren Abend zurück reist. Währenddessen steht Alma auch vor der Herausforderung den Kontakt zum echten Leben nicht zu verlieren. Ihre Schwester heiratet, sie und ihr Freund erleben eine schwierige Phase.

Die nur 8 Episoden pro Staffel sind mit etwa 20 Minuten recht kurz und führen zu einem guten Pacing für die Serie. Der Hauptgrund für das Anschauen der Serie bleibt aber der visuelle Stil. Die ganzen Familien- und Beziehungsgeschichten mit den dazugehörigen, allzu bekannten, teils nervigen Charakteren konnten mich leider nicht überzeugen, auch zündete der Humor bei mir nicht so ganz. Doch die Science Fiction Handlung und die Ermittlungen rund um den Tod des Vaters sind interessant.

„Undone” kann durch seine Animation und die Hauptgeschichte punkten, alles Weitere konnte mich leider nicht vollends überzeugen, sodass der Funke letztlich nicht übersprang. Dennoch möchte ich die Serie für ihren Mut loben, visuell eigene Wege zu gehen und auch inhaltlich die Zeitreise mit einer Dramedy zu verbinden.

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Man kann „Ted Lasso” ankreiden, dass gerade in Staffel 1 noch sehr wenig Ahnung von Fußball durchscheint und die Spielszenen dadurch allesamt schwach aussehen (was glücklicherweise später besser wird), man kann ihr manchmal etwas zu viel Blödel-Humor vorwerfen (Dani Royas, der am Anfang wie ein Pokémon nur seinen eigenen Namen sagt), man kann ihr viel Kitsch und Klischees unterstellen. Aber ist das wirklich so relevant? Denn im Kern erzählt „Ted Lasso” eine tolle Underdog-Sportgeschichte mit Höhen und Tiefen, aber noch mehr die Geschichte einer Mannschaft, die mitsamt Trainerteam und Eigentümerin zusammenwächst – sich Freunde finden, Vertrauen herrscht, man sich aufeinander verlassen kann, sich beisteht und gemeinsam Hindernisse überwindet. Diese interessanten und emotionalen Verbindungen sorgen dafür, dass man sich als Zuschauer irgendwann wie ein Teil des Teams fühlt, man mitfiebert und sich einfach wohlfühlt. Dabei ist „Ted Lasso” kein reines Feelgood-Drama, viele Charaktere haben immer wieder große Pakete zu schleppen und sind emotional am Boden. Gerade für Ted sind einige Entwicklungen fies, um ihn herum verbessert sich viel, während er den Depressionen näher kommt. Auch diese Thematiken moderiert die Serie allerdings gekonnt. Nach kürzerer Eingewöhnungszeit bietet „Ted Lasso” somit starke Dramedy-Unterhaltung, die vor allem abseits des Platzes zu überzeugen weiß. Die genaue Einzelkritik der Staffeln fällt diesmal kürzer aus und streift nur die wichtigsten Punkte, weil man die Serie gut als Ganzes betrachten kann.

Staffel 1 hat genannte Fußball-authentische Probleme und wirkt noch recht amerikanisch mit Spielzügen und Co. Die Exposition der Figuren gelingt, die Chemie der Darsteller untereinander hilft beim Sehvergnügen. Ansonsten finde ich sie ziemlich rund mit der Entwicklung von Rebecca (Hannah Waddingham), Nate (Nick Mohammed) und dem Teamgefüge selbst.

Staffel 2 verliert sich zu Beginn sehr in seinem Therapeuten-Thematik und tritt etwas auf der Stelle, weil zunächst alte Probleme weiter beleuchtet und bearbeitet werden, statt Neues in Angriff zu nehmen. Somit stagniert die Handlung über einen größeren Zeitraum etwas. Die Fußball-Authentizitäts-Probleme sind weiterhin präsent und die Episoden außerhalb des Fußballs können diesmal nicht so sehr überzeugen wie zuvor. Deswegen ist Staffel 2 die schwächste Staffel.

Staffel 3 brilliert. Offenbar hatten zumindest einige Schauspieler/Kicker ein paar Fußballstunden, die Spielszenen sind immer noch gestellt, aber zumindest wissen die Jungs jetzt, wie man schießt und passt. Der Handlungsstrang rund um Zava (Maximilian Osinski) ist offenbar sehr von Zlatan Ibrahimovic inspiriert, nicht zwingend notwendig und letztlich der schwächere Teil einer Staffel, die gerade ab der Amsterdam-Folge (Episode 6) groß aufspielt. Diese wird nicht nur dafür genutzt, die Entwicklung vieler Charaktere im Umfeld voranzutreiben, sondern auch für etwas Fußballwissen. Ted kommt zum „Totalen Fußball“, der Ajax Schule der 70er Jahre, was den Startschuss für mehr und bessere Spielszenen in der zweiten Hälfte bedeutet – sehr zu meinem Vergnügen. Letztlich fügt sich in der zweiten Hälfte der Staffel alles gut zusammen (Ausnahme: Folge 8) und brilliert auf den letzten Metern, die beiden abschließenden Episoden sind phänomenal und emotional. Das bringt die Serie zu einem sehr runden, passenden, melancholischen und schönen Ende. Dachte man zumindest damals. Doch nun lauert eine 4. Staffel am Horizont, die scheinbar doch noch folgen soll. Mit der Champions League hätte man theoretisch Möglichkeiten für viele teure Dreharbeiten quer in Europa, aber eigentlich ist die Story auserzählt. Den gelungenen Abschluss hätte man auch so stehen lassen können.

Letztlich hatte ich anfangs meine Zweifel (durch mein Fußballinteresse), aber wenn man versteht, dass der Premier League Fußball nur der Hintergrund für ein feines Comedy Drama mit emotionalen Spitzen und breitem Wohlfühl-Ensemble ist, dann funktioniert „Ted Lasso“ sehr gut. Auch die zahlreichen Anspielungen auf Filme und Popkultur haben mich abgeholt. Insgesamt ist „Ted Lasso” sogar noch mehr etwas für wenig Interessierte an Fußball, aber auch Fußballkenner sollten sich nach etwas Eingewöhnungszeit mit der Serie anfreunden können.

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Denn in den 1960er sind unzählige Atombomben auf die USA (und vermutlich die ganze Welt) gefallen und haben Infrastruktur und Menschenleben weitgehend ausgelöscht, alles in eine atomare Wüste verwandelt. „Glücklicherweise” hatte Vault Tech vorgesorgt und riesige Bunker, die Vaults, gebaut, in die die Reichen fliehen konnten. Nun sind 200 Jahre vergangen und die Bewohner der Vaults führen vernünftige, ruhige Leben, immer mit dem zeitlich unklaren Ziel, in der Zukunft die Oberfläche neu zu bevölkern. Eines Tages soll es zu einer Hochzeit kommen, doch die Lage eskaliert und fördert nach den starken ersten beiden Episoden eine ganze neue Welt zu Tage. Bei der Erkundung folgen wir einigen Hauptfiguren. Vor allem der ehemalige Vaultbewohnerin Lucy (Ella Purnell), die nun die – doch nicht so leere – Oberfläche entdeckt, aber auch Knappe Maximus (Aaron Moten), der einer Bruderschaft angehört, die riesige Mech-Waffen von vor der Apokalypse besitzt und damit die Welt vermeintlich sicherer macht. 

Darüber hinaus gibt es einen Ghoul: Bitte was? Ja, ein ehemaliger Filmstar der 60er, der durch seine Frau im Dunstkreis Vault Techs verkehrte und einige Infos über die damalige Ursache der Apokalypse mitbekam, vor allem aber ordentlich Strahlung abbekam, was man an seinem Äußeren gut erkennen hat. Er hat seine ganz eigene Agenda in dieser apokalyptischen Welt und ist ein 1A Westernheld Charakter, wie „Der Mann in Schwarz“ in „Westworld„. Angereichert werden die Handlungsstränge der Hauptcharaktere von einer Ministoryline, die sich aufklärend in den Vaults abspielt.

Die Welt von Fallout ist der Star. Die vielen verschiedenen Fraktionen, wie es zu den Vaults kam, was in den Vaults Seltsames, Mysteriöses passiert und wie wessen Agenda aussieht, stehen im Mittelpunkt, der somit auch Mystery-Elemente beinhaltet. Die Handlung ist lange Zeit eine Art MacGuffin. Alle jagen einem Wissenschaftler hinterher, der sich wohl etwas extrem Wichtiges in den Kopf spritzte, worauf nun alle Fraktionen geiern, weil es bei der Erfüllung der eigenen Ziele enorm helfen würde. Das ist weder besonders originell noch ausgefeilt, aber es reicht vollkommen aus, um die Handlung voranzutreiben, die Figuren die Welt entdecken zu lassen (Roadtrip) und zu einigen Showdowns zusammenzubringen. Eingeträufelt wird bei Fallout eine gehörige Portion Absurdität und Comedy (die mal zündet, mal eher nicht). Der Look der Serie ist überwiegend überzeugend, die Special Effects können sich zumeist gut sehen lassen, die Flashbacks sind stimmig eingesetzt. Die letzte Episode der ersten Staffel beantwortet einige aufgeworfene Fragen sehr gut, während sie genügend weitere Fragen stellt, um es spannend zu halten. Die Darsteller sind nicht überragend, aber in Ordnung, ich habe mich vor allem gefreut, Kyle MacLachlan und Michael Cristofer in Nebenrollen zu sehen. 

Letztlich ist die erste Staffel der Videospielverfilmung gelungen. Mit unbekümmertem Vibe, Comedy-Elementen in großer Apokalypse, ist die Serie bisher einfach gut umsetzt. Sie ist zwar nirgends überragend (wobei vielleicht beim sehr stimmigen Soundtrack), aber überall gut und letztlich unterhaltsam. „Fallout” ist die leichtfüßige Variante im Vergleich zu „Silo” und spielt mehr außerhalb. Ich bin gespannt, ob die folgenden Staffeln das Niveau halten können.

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