Mira (Jessica Chastain) und Jonathan (Oscar Isaac) nehmen an einem Interview für eine Studie zu erfolgreichen Ehen teil. Schon hier geraten tiefe, verborgen geglaubte Spannungen an die Oberfläche. Auch eine anschließende Dinnerparty mit einem befreundeten Ehepaar, das eine offene Beziehung führt, lässt die gegensätzlichen Ansichten des Paares schmerzhaft deutlich werden. Ab Folge 2 besteht die 5-teilige Miniserie fast nur noch aus Zwiegesprächen zwischen den beiden Eheleuten zu verschiedenen Zeitpunkten ihrer Beziehung. Es geht um Liebe, Affären, eine mögliche Trennung, neue Partnerschaften, Kinder und die Unfähigkeit loszulassen. Da sich das Geschehen fast nur in den Räumen eines einzigen Hauses abspielt und die Regie abseits von wenigen interessanten Kameraeinstellungen inszenatorisch minimalistisch bleibt, liegt die gesamte Kraft in den Worten. Im Vergleich zum Original wird inhaltlich zwar wenig Neues erzählt, doch zeitweise gelingt den Gesprächen eine überraschende emotionale Intensität. Manchmal hängt man dem Hauptdarsteller-Duo regelrecht an den Lippen, speziell in der wunderbar fiesen und erkenntnisreichen 4. Episode.

Die finale Episode enttäuschte mich im direkten Vergleich leider etwas, da sich die dort gezeigte Entwicklung der Charaktere nicht mehr so organisch anfühlt wie in den vorherigen Folgen. Auch der stilistische Einstieg mit den „Behind the Scenes“-Aufnahmen der Schauspieler am Set wirkt leicht prätentiös. Darüber hinaus ist die Regie allerdings stimmig und auch das Zusammenspiel mit dem Soundtrack gelingt. Das Erzähltempo ist hingegen etwas entschleunigt, was an der Kammerspiel-Identität der Miniserie liegt. Außer Dialogen gibt es nichts und das sollte man vor dem Ansehen auch wissen. Das ist sperrig. Wenn man sich aber darauf einlässt, bekommt man eine Miniserie mit starken Darstellern und tollen Dialogen geliefert. 

„Scenes from a Marriage” ist ein intimes, schmerzhaftes und darstellerisch brillantes Kammerspiel für alle, die charakterfokussierte Dramen zu schätzen wissen. Die Miniserie ist vor allem wegen der beiden Hauptdarsteller sehenswert. Ob es das Remake wirklich gebraucht hätte, bleibt aber eine andere Frage.

The post Scenes from a Marriage – Kammerspiel über den Niedergang einer Ehe. Review Miniserie first appeared on Are you series?.

In den 50er Jahren treffen sich Hawk (Matt Bomer) und Tim (Jonathan Bailey), die beide für die US-amerikanische Regierung arbeiten. Schnell entbrennt eine leidenschaftliche Liebe, die allerdings extrem kompliziert ist, weil offen Homosexuelle von der Gesellschaft geächtet werden. Das intensiviert sich in der McCarthy-Ära, als vom gleichnamigen Senator eine Verdächtigungswelle („Red Scare”) gegen angebliche Kommunisten innerhalb des Regierungsapparats losgetreten wurde. Diese weitete sich kurz darauf auch auf Schwule und Lesben aus („Lavender Scare”), weil man glaubte, dass diese aufgrund ihrer sexuellen Orientierung einfach erpressbar wären. Dieser historische Kontext erklärt, warum Hawk und Tim ihre Liebe nicht ausleben können, sondern sich immer verstecken müssen – speziell, wenn sie weiterhin Karriere machen wollen. Somit driften die beiden häufig auseinander. Hawk denkt daran, sich offen mit einer Frau zu verheiraten und eine Familie zu gründen, Tim hat große Probleme mit seiner Religiosität, die er nicht so recht mit seiner sexuellen Orientierung in Einklang bringen kann. Doch ohne den jeweils anderen können die beiden auch nicht.

Die ersten 5 Episoden fokussieren sich noch sehr auf die 50er Jahre, zwischen den folgenden 3 Folgen finden größere Zeitsprünge statt. Die ganze Zeit über gibt es eine Rahmenhandlung, die im Jahr 1986 spielt, in der Hawk verzweifelt versucht, Kontakt zu einem an Aids erkrankten Tim herzustellen. Aufgrund dieser Konstruktion nimmt die Geschichte speziell im letzten Drittel deutlich an Fahrt auf, in den ersten 5 Folgen gibt es ein paar Längen und Redundanzen. Dennoch fällt das kaum ins Gewicht einer Geschichte, die nicht nur oberflächlich von den ganzen Diskriminierungen der Schwulen- und auch der Schwarzen-Community in einem Nebenhandlungsstrang (durch Jelani Alladin getragen) erzählt. Sei es von der steten Angst entdeckt zu werden, den intimen Befragungen und pseudowissenschaftlichen Tests von Ärzten, die jemanden der Homosexualität „überführen” sollten oder ekelhaften Elektroschocktherapien zur „Heilung”. Dabei kommt auch die Rolle von Lucy (Allison Williams) nicht zu kurz, die unbewusst als Scheinfrau für Hawk agiert. Was macht es mit einer Frau und einer Familie, wenn der Vater und Ehemann eine Lüge lebt? 

Sehr positiv ist, dass die beiden Hauptrollen an offen queere Darsteller vergeben wurden. Das spürt man auch in der Chemie der beiden Hauptfiguren zueinander, die beiden spielen ausgesprochen überzeugend. Diese Authentizität merkt man auch an den doch recht expliziten Sexszenen, viel Dirty Talk und ein paar ausgelebten Fetischen/Kinks, die heterosexuelle Darsteller vielleicht nicht so ausgespielt hätten. Die Produktion ist darüber hinaus absolut solide. Inszenatorisch gibt es keine herausragend kreativen Kniffe, einzig die ständigen Zeitsprünge brechen das Klassische etwas auf. Die Kostüme sind gut, speziell die 50er Jahre wirken sehr authentisch. Die Alterungsmasken sehen okay, aber nicht großartig aus. 

„Fellow Travelers” ist über weite Strecken ein Politthriller, bei dem es um die stets reale Gefahr geht, dass die beiden Hauptcharaktere auffliegen könnten. Dennoch steht die Liebesgeschichte mit zahlreichen romantischen Szenen, viel Sex und typischen Höhen und Tiefen im Mittelpunkt. Durch die historische Einbettung und den diskriminierenden Kontext trägt die Serie naturgemäß ein anderes Gewicht als eine schwule Lovestory, die heutzutage spielt. Genau das gefiel mir ausgesprochen gut. Die Romanze selbst gewinnt hingegen keine Originalitätspreise, aber durch die Chemie der beiden Figuren wirkt sie authentisch. Zudem sind die Figuren keine durchweg positiven, sondern glänzen mit innerer Zerrissenheit und komischen Angewöhnheiten. Ich bin weiterhin kein ausgewiesener Fan des Genres (egal ob homo- oder heterosexuell), aber in „Fellow Travelers” werden Politik, Geschichte und Liebe kunstvoll miteinander verwoben.

Ich weiß nicht, ob „Fellow Travelers” vielleicht sogar die beste Serie über eine schwule Liebe ist, dafür habe ich zu wenige Vergleichsserien gesehen. Für mich landet das Romanzen-Epos aber aufgrund der historischen Tiefe in meinen persönlichen Top 5 der Serienromanzen (egal ob queer oder straight). Fans von „Heartstopper” oder „Heated Rivalry” können vielleicht auch mal einen Blick hineinwagen, obwohl der historische Kontext für einen gänzlich anderen Vibe und eine andere Schwere sorgt. Ansonsten ist „Fellow Travelers” etwas für Freunde von historischen Politthrillern.

The post Fellow Travelers – Die beste schwule Lovestory? first appeared on Are you series?.

Die 17-jährige Annie (Ella Rubin) lebt in New York und erhält zu Beginn die Todesnachricht und einen Brief ihres entfremdeten Großvaters: Offenbar hat er ihr und ihrem Zwillingsbruder eine paradiesische Insel in Kanada hinterlassen. Gegen den Willen ihres Vaters entscheidet sie vor Ort mehr über ihre Adoptivmutter zu erfahren, die starb, als sie zwei Jahre alt war. Dort trifft sie nicht nur auf nette Gleichaltrige und gleich zwei Love Interests, von denen klischeetypisch einer reich sowie schnöselig und der andere hard-working, arm und grundsympathisch ist, sondern auch auf ein anderes Mädchen (Amélie Hoeferle) im Haus ihres Adoptivopas, das behauptet dort zu leben. Sie wird zur zweiten Hauptfigur, die ebenfalls arg an ihren schwierigen Familienverhältnissen zu knabbern hat und zudem versucht, die Wirrungen des Erwachsenwerdens zu manövrieren.

In den insgesamt 8 Folgen der 1. Staffel halten sich die Liebesbeziehungen und Familiengeheimnisse in etwa die Waage. Während im Lovebereich mit allzu typischen Dreiecksbeziehungen, naiven Coming-of-Age-Entscheidungen und „best friend to lovers” Geschichten vor hübscher Kulisse sehr ausgetretene Pfade beschritten werden, hielten mich die Familiengeheimnisse bei der Stange. Die Twists sind zwar teilweise nicht allzu glaubwürdig, aber dadurch wird eine gewisse Spannung hochgehalten, die die anderen Handlungsstränge nicht bieten. Ein Faustpfand von „Sterling Point” ist das gute Darstellerensemble. Viele der Charaktere sind trotz ihrer Fehler im Kern grundsympathisch, zudem besteht zwischen vielen Darstellern eine sichtbare Chemie, so dass auch typische Versatzstücke gut funktionieren und man damit emotional connecten kann. Das ist der Verdienst der Darsteller und eines Dialogbuchs, das am Puls der Zeit ist, authentische Figuren schafft und nicht steif oder kitschig wirkt. Nicht mal die Besetzung von Jeffrey Dean Morgan („The Walking Dead„) misslingt. Er ist gut.

Leider spart das Drehbuch einige Fauxpas nicht aus, speziell wenn es auf allzu ausgetretenen Pfaden wandelt. Warum die Hauptiguren alle minderjährig sein müssen, wenn man sich dennoch für (recht harmlose) „Spice”-Szenen (also Sex) entscheidet und man Darsteller besetzt, die 8-10 Jahre älter sind, weiß nur die Branche. Ich verstehe auch nicht, warum man Szenen so konzipiert, dass irgendwer sagt: “Hey, ich muss dir was Wichtiges erzählen, jetzt gleich, warte kommt gleich” und dann kommt der Zwischenruf, der die Weiterführung dieser Storyline zwei Folgen aufschiebt. Zudem ist es doch sehr langweilig, wenn sich zwei Figuren „keine Geheimnisse” versprechen, dann genau das nicht eingehalten wird (was komplett zu erwarten war) und man das in Windeseile wieder vergibt. Generell haben viele (dumme) Aktionen nur sehr kurzzeitig Konsequenzen. Positiv ist hingegen, dass die Charaktere ständig über ihre Probleme reden und sich selbst hinterfragen können, wodurch viele Konflikte im Keim erstickt werden. Einige Charakterentscheidungen sind dennoch leider nur mit „sind halt junge, unerfahrene Menschen” erklärt werden, was ich immer recht einfach finde. Auch die überschlaue 12-jährige ist ein sehr angestaubtes Stilmittel. Aber das klingt negativer als es sein soll und wird mehr zur Kritik an einem ganzen Genre und seine Tropes. „Sterling Point” bleibt nämlich durchgehend charmant, so dass viele dieser Makel nicht allzu sehr ins Gewicht fallen.

Die Serie ist gut produziert und stimmig inszeniert. Manchmal sorgen musikalisch passend untermalte Montagen für den richtigen Vibe oder man nutzt längere Kameraeinstellungen, um den Darstellern Raum zu geben. Das kanadische Setting sieht authentisch aus und sorgt mit dem vielen Wasser für Urlaubsflair. Ein paar Comedy-Momente fügen sich passend ins Gesamtbild ein. Das Erzähltempo ist durch die steten Wendungen im Familien-, Freunde- und Beziehungsbereich ebenfalls gut. Das Ende hat mich überrascht, auch wenn eine darauf hinführende Drehbuchentscheidung fadenscheinig wirkt und es schon sehr komisch wirkt. Aber es ist natürlich ein guter Grundstein für eine 2. Staffel.

„Sterling Point” ist für Fans von Romanzen und Booktok-Stories absolut empfehlenswert. Die Familiendrama-Komponente sorgt für eine eigene Identität, aber man findet auch reichlich bekannte Versatzstücke des Genres. Mir gefiel die Serie noch etwas besser als der Young Adult Hit „Off Campus” aus diesem Jahr. Dennoch kommt sie aufgrund der angesprochenen Makel nicht an Genrekönige aus Korea oder „Normal People” heran. Im New-Adult-Bereich funktioniert die Serie aber gut.

The post Sterling Point – Romanzen treffen auf Familiengeheimnisse. Review Staffel 1 first appeared on Are you series?.

„1923” schließt grob an „1883” an und wurde erneut von Taylor Sheridan geschrieben und erschaffen. Nach der blutigen Reise der Vorgängerserie sind die Duttons nun in Montana angekommen, wo sie viel Land und eine große Viehherde besitzen und bewirtschaften. Doch die Probleme folgen ihnen erneut. Eine Dürre führt dazu, dass es kaum noch Land zum Grasen gibt, so dass es zu Konflikten mit anderen lokalen Farmern kommt (Jerome Flynn, „Game of Thrones”). Doch damit nicht genug. Es gibt auch noch einen superbösen britischen Geschäftsmann (Timothy Dalton, gut), der mit seinen reichen Freunden am Tisch alle paar Folgen die Welt unter sich aufteilt (oder so) und das Dutton-Land für seine touristischen Projekte braucht. Zu dieser spannenden Hauptstory gesellt sich eine Lovestory rund um Spencer Dutton und seine künftige Ehefrau Alex, die nach Montana kommen sollen, um Krieg zu führen. Außerdem gibt es eine große Storyline rund um eine amerikanische Ureinwohnerin (Aminah Nieves), die von Nonnen und einem Priester in einem christlichen Umerziehungsheim schikaniert wird. Generell fand ich diese Geschichte durchaus spannend und natürlich ist es löblich, dass die Schicksale amerikanischer Ureinwohner nicht unter den Tisch fallen. Mit der Hauptstory zu tun, hat es allerdings exakt gar nichts, was befremdlich wirkt, da zwei Erzählstränge nebeneinander herlaufen, ohne sich zu verbinden. Warum auch immer wird auch viel Zeit für die sadistischen Neigungen des Geschäftsmanns verwendet, die er mit Prostituierten auslebt.

„1923” ist schwer zu bewerten. Ein stimmungsvoller, atmosphärisch dichter Anfang bringt schnell den Krieg auf die Tageskarte und macht Lust auf mehr. Doch dann wird deutlich, dass der Krieg erst heiß werden wird, wenn Spencer zur Familie dazustößt. Leider verbringt er aber seine Zeit als Abenteurer in Afrika und auf Schiffen, wobei er sich verliebt und die beiden ein bisschen Titanic nachspielen. Das ist ungeheuer schmalzig, generell verfallen einige Dialoge dem Kitsch und viel dieser Geschichte plätschert und pilchert so vor sich hin. Somit wartet man von Folge 5 der ersten Staffel bis zur finalen 7. Folge der zweiten Staffel darauf, dass es endlich zum unvermeidlichen Showdown kommt. Diese Herangehensweise bläht die Episoden dazwischen extrem auf, speziell, weil sich immer wieder redundanten Handlungssträngen gewidmet wird, die für die Hauptgeschichte irrelevant sind oder nichts Neues zu erzählen haben. Generell werden ständig Frauen gequält, was historisch vermutlich absolut korrekt ist, aber in der Häufigkeit befremdlich wirkt. Zwar bekommen einige Frauen ihre Rache, aber leider auch nicht alle und ab und an kann nur der heldenhafte Mann in glänzender Rüstung den Tag retten.

In Sachen Produktion und Inszenierung kann man „1923” kaum etwas vorwerfen. Die Kulissen sind hochwertig, die Bilder der riesigen, weiten Landschaften sind atemberaubend schön. Die Darstellerriege ist sehr gut, auch weit über die beiden Hauptdarsteller hinaus. Die Musik bedient sich vieler Streicher und beherrscht die allzu typische Klaviatur des Kitschkinos. 

Fans von „Yellowstone” und „1883” kommen auch bei „1923” auf ihre Kosten, die Reihe sortiert sich nahtlos in das bekannte Universum ein. Zudem ist die Serie etwas für Fans von Romanzen. Ich werde mit dem „Yellowstone”-Franchise weiterhin nicht so richtig warm und habe kein Interesse mehr an weiteren Spin-offs. Das heißt aber keinesfalls, dass die Serie schlecht ist. Ich mochte den Anfang und das Ende gerne, mir war die Mitte allerdings zu lang.

The post 1923 – Yellowstone Spin-off zwischen Krieg und Lovestory. Review ganze Serie first appeared on Are you series?.

Whitney (Emma Stone) und Asher (Nathan Fielder, gleichzeitig Regisseur) sind seit rund einem Jahr verheiratet und arbeiten mit Ashers altem Freund, Mobber und heutigen Regisseur Dougie (Benny Safdie, Co-Schöpfer) an einer Reality-TV Show. Darin wollen sie eine ärmere Nachbarschaft umweltfreundlich umbauen, Passivhäuser liegen ihnen dabei am meisten am Herzen. Allerdings ist ihnen auch sehr wichtig, dass sie die lokale Community bestmöglich unterstützen – zumindest vor den Kameras. Denn bei einer gestellten Szene verschenkt Asher 100 Dollar an ein junges Mädchen, die er allerdings direkt danach wieder haben und gegen ein 20 Dollar Geschenk eintauschen will. Als Konsequenz verflucht ihn das Mädchen. Fortan drehen sich sein Leben und seine Beziehung zu Whitney nach und nach zum Schlechten und er fragt sich mehr, ob es diesen Fluch tatsächlich gibt.

Die 10-teilige Miniserie nimmt sich viel Zeit für das Parodieren und Sezieren von Reality-TV Shows. Dabei steht im Fokus, wie gestellt und falsch das alles ist. Zudem gibt es einen Haufen von unsympathischen und stereotypen Figuren und Handlungen, die übertrieben dargestellt sind, woraus sich eine gewisse Comedy entwickelt. Zudem ist der Fremdscham ein großes Thema. Gerade Asher greift permanent daneben und wird von allen Seiten gedemütigt – auch sein kleiner Penis ist beispielsweise sehr schnell Thema. Mir dauerte das, speziell in der Mitte, alles etwas zu lang. Nach einem interessanten Beginn sind die Fronten, Standpunkte und Charakterzüge früh dargelegt, die Handlung verliert sich dann etwas in belanglosen, teils anstrengenden Nebensträngen. Das Erzähltempo ist durchweg ziemlich langsam, 8 Episoden hätten sicherlich auch ausgereicht. Die Produktion ist sehr wertig, die Inszenierung gut. Neben den drei bereits genannten Darstellern erweitert Barkhad Abdi das Starensemble, alle spielen überzeugend.

Das Highlight der Serie, die lange Zeit dahin plätschert und nur halbwegs interessante Themen behandelt (und diese teils zu lang), ist definitiv die letzte Episode. Wenn der Fokus auf der Ehe und dem wahren Charakter Whitneys liegt, zeigt die Miniserie ihre größten Stärken. Im Finale wird das metaphorisch und völlig überhöht auf die Spitze getrieben. Aber das ist sehr unterhaltsam und visuell spannend umgesetzt.

„The Curse” ist eine ganz eigene Serie, die permanent mit der Frage der Ernsthaftigkeit des Fluchs spielt, dabei aber dem Genre des Beziehungsdramas mit Dramedy-Elementen treu bleibt. Fans von Satire, Parodien, Genremixen und neuen, frischen Ideen können mal einen Blick in diese mutige Serie wagen. Ganz einfach ist es allerdings nicht „The Curse” großartig und durchweg unterhaltsam zu finden.

The post The Curse – Reality-TV Satire trifft Beziehungs-Dramedy. Review Miniserie first appeared on Are you series?.

Silvester 2014: Ana (Iria del Río) feiert ihren 30. Geburtstag, fühlt sich in ihrem Leben aber nicht so recht angekommen. Ihr Job als Barkeeperin gibt ihr nicht viel, ihre Freundinnen schenken ihr einen großen roten Koffer, da sie in Kürze für ein Jahr nach Kanada auswandern will. Mehr zufällig trifft sie auf den Arzt Oscar (Francesco Carril), der ebenso ziellos wirkt. Sofort besteht eine Chemie zwischen den beiden und bei dem Titel kann man sich schon denken, wohin die Reise führt. Nach einer intensiven ersten Begegnung steckt zunächst noch Oscar in einer anderen Beziehung, kurz darauf werden die beiden aber zu einem Paar. Nach einer folgenschweren Berlin-Episode verschlägt es die Figuren auch nach Frankreich. Dabei wird die Stimmung immer melancholischer und trauriger, vor allem, als auch noch ein Baby in der Verlosung auftaucht. Aber vielleicht gibt es doch noch Hoffnung auf eine gemeinsame Zukunft?

Die Idee der Serie ist clever. Statt alle Aspekte der Beziehung der beiden haarklein (in Zeitraffern) zu erzählen, wirft die 10-teilige Miniserie stattdessen jedes Jahr das Schlaglicht auf eine der beiden Hauptfiguren an Silvester. Was innerhalb des jeweiligen vergangenen Jahres passiert ist, erfährt man mehr beiläufig durch die zahlreichen Gespräche, die von den Figuren geführt werden. So setzt sich nach und nach ein glaubhaftes Mosaik zusammen. Genauso clever ist die Machart, die teilweise ans Theater erinnert und eine hohe Intensität und Authentizität verleiht. Denn häufig gibt es lange Sequenzen ohne Schnitt. Die Figuren interagieren kammerspielartig miteinander und dass die Handlung auf ein großes Ereignis zusteuert. Beispielsweise wird beim immer unangenehmer werdenden Gespräch unter Freunden voll draufgehalten oder auch bei einem extrem fiesen und heftigen Streit. Die Charaktere können nicht fliehen und genauso kann man als Zuseher seinen Blick nicht abwenden. Ob alle Dialoge vorgeschrieben oder doch improvisiert waren, ist letztlich völlig egal, denn die Wirkung stimmt: Die Geschichte wirkt real. Ich glaubte das Erzählte und war irgendwann einer Sogwirkung verfallen. In solchen Momenten merkt man, dass Schöpfer Rodrigo Sorogoyen (diesmal mit Sara Cano und Paula Fabra) eigentlich aus dem Spannungskino, dem Thrillerbereich (Antidisturbios) kommt. Denn die Inszenierung erinnert in ihrer Intensität manchmal genau daran: Ein Liebesdrama als fesselnder Thriller inszeniert.

In der Mitte hängt die Geschichte minimal durch und ab und an wird etwas zu stark mit Stereotypen oder Zufällen gearbeitet. Ob man den Verlauf der Handlung mag, ist subjektiv. Aber das sind letztlich nur kleine Kritikpunkte. Denn „Ana und Oscar” ist eine realistisch anmutende Liebesdrama-Serie, der es sogar exzellent gelingt, mit dem Aussehen seiner Charaktere die 10 Jahre authentisch abzubilden. Dazu sind die Darsteller großartig. Zunächst wird große Sympathie transportiert, aber im Verlauf gibt es auch für die Zuschauerschaft mehr Zweifel am Charakter der Figuren. Das spanische Setting sorgt zudem für eine gelungene Abwechslung, ebenso ist eine Liebesgeschichte zwischen zwei Figuren von ihrem 30. bis zu ihrem 40. Lebensjahr erfrischend in einem Meer von Teenie oder Young Adult-Geschichten.

Ich möchte „Ana und Oscar” breitflächig empfehlen. Fans von „Normal People” sollten auf jeden Fall einschalten, genauso Dramafans. Auch Fans von klassischen Liebesgeschichten oder Booktok-Stories sollten auf ihre Kosten kommen. Denn „Ana und Oscar” ist besser als vieles davon und kann vielleicht die Tür zu einem anderen Blickwinkel auf Liebesgeschichten (auf dem Bildschirm) öffnen. Die Serie ist leider ziemlich unbekannt und damit ein echter Geheimtipp!

The post Ana und Oscar – Authentisches Liebesdrama zwischen 30 und 40. Review Miniserie first appeared on Are you series?.

Nach einem Ausflug nach Paris, den ich damals gemieden habe, weil ich nach den schwächeren hinteren Staffeln von „Haus des Geldes” keine Lust mehr auf die Welt hatte, formiert sich die Truppe nun wieder in Spanien. Genauer gesagt wollen sie einen Herzog in Sevilla ausrauben, der sie anheuern will „Die Dame mit dem Hermelin” von Leonardo Da Vinci zu stehlen. Nachdem die 8-teilige Miniserie schnell beginnt und sie ihrem Auftraggeber beweisen, wie gut sie sind, wird sich in der Mitte extrem viel Zeit für unzählige unspannende Romanzen genommen. Erst die letzte Folge bringt endlich den lang erwarteten Raub und natürlich den Cameo-Auftritt, der nicht fehlen darf.

Ich war nach der Ansicht enttäuscht. Ich habe das Gefühl, dass die Macher nicht ganz verstanden haben, was „Haus des Geldes” so gut gemacht hat. Natürlich gehörte auch damals die übertriebene Theatralik und komische Lovestories dazu, aber im Kern stand in den ersten beiden Staffeln ein wirklich spannender, groß und großartig geplanter Raubüberfall im Mittelpunkt. Es kamen Vibes auf wie bei „Inside Man” oder der „Ocean’s„-Reihe, die mit einer überdrehten Art und einer stylischen Inszenierung gekonnt verknüpft wurden. Doch diesen Fokus verloren schon die späteren Staffeln der Hauptserie aus den Augen und dieses zweite Spin-off ist leider mehr „GZSZ” als „Der Clou”. Wen interessiert die zwölfte Heirat Berlins? Wen interessiert die seltsame Dreiecksbeziehung, die nur beknackt wirkt? Wen interessiert es, wieso sich die jungen Liebenden auseinandergelebt haben? Und warum sind alle Räuber so verdammt unprofessionell und können ihre unendliche Wollust nicht mal kurz zurückstellen, um unendliche Millionen zu scheffeln? Es ist frustrierend, wie dämlich Charaktere sind, die angeblich Elite-Diebe sein sollen. 

Was ist gut? Ganz klar: Die Heistsequenzen. Wenn sich die Miniserie auf den ursprünglichen Kern der Reihe besinnt, kann sie immer noch glänzen. Der Raub der Dame ist schön inszeniert, die anfängliche Infiltration gelingt auch. Die Feuergeschichte am Ende ist hingegen völlig überinszeniert. Ich habe mich leider relativ viel gelangweilt und durch den Kitsch durchquälen müssen. Dennoch ist die Produktion gut und auch die stylische Inszenierung ist weiterhin gegeben.

Zusammenfassend ist das zweite Spin-off vermutlich etwas für Fans des ersten und der hinteren „Haus des Geldes”-Staffeln, die kein Problem mit dem hohen Telenovela-Anteil haben. Für mich ist es leider nichts mehr und ich bin mit dem Universum erstmal fertig. Schade.

The post Berlin und die Dame mit dem Hermelin – Haus des Geldes Spin-off. Review first appeared on Are you series?.

Alles beginnt mit einer Idee, die es auch in eine romantische Komödie aus den 2000ern hätte schaffen können. In ihrem ersten Studienjahr an der Uni schmachtet Hannah (Ella Bright) einen Typen in einer Band an, der aber keine Augen für sie zu haben scheint. Eishockeyspieler Garrett (Belmont Cameli) braucht Nachhilfe und nähert sich deshalb Hannah an. Die beiden schließen einen Deal ab. Eine Fake-Beziehung um den Musiktypen eifersüchtig zu machen und damit sich Garrett Noten verbessern, so dass er weiter Eishockey spielen darf. Wenig überraschend entwickeln sich daraus aber natürlich echte Gefühle. Neben dieser zentralen Romanze liefert das große Ensemble noch weitere Liebesbeziehungen, Freundschaften und zahlreiche familiäre Probleme. Denn nach dem locker leichten Beginn sind für später Triggerwarnungen angebracht. Es geht um Gewalt gegen Frauen und eine Vergewaltigung. 

Das Genre ist klar: Romanze mit jungen Erwachsenen. Doch auch Elemente des Sportfilms durch die Eishockey-Sequenzen und des Musikfilms, durch die vielen Songs und den Auftritt am Ende, werden dem Mix hinzugefügt. Auch das Coming-of-Age Drama kommt nie zu kurz. Viele Charaktere müssen sich noch selbst finden, auch wenn sie einen Ticken älter als in den klassischen High School Serien sind. Die Produktion ist gut, die Darsteller sind in Ordnung, aber nie besser als solide und schauspielern manchmal arg klischeehaft. Seltsam ist die Freizügigkeit zu Beginn, die im Verlauf der Serie wieder einkassiert wird. Das Erzähltempo ist relativ hoch, Langeweile kommt nur selten auf – nur, wenn sich in wenig relevanten Nebenhandlungssträngen verfangen wird. Komisch ist, dass die 8-teilige 1. Staffel mitten in der Handlung aufhört, aber es gibt noch mindestens vier weitere Bücher, die man verfilmen kann.

Doch wie gefiel mir letztlich dieses kitschige Werk, das mit zahlreichen Stereotypen und Klischees arbeitet? Positiv ist, dass die Serie jederzeit weiß, dass sie Kitsch ist und offen mit ihren formelhaften Schablonen kokettiert. Obwohl vieles recht konstruiert und absurd wirkt, ist die Serie sympathischer und authentischer als viele Romcoms vergangener Tage. Komplett echt wirkt das alles nicht, aber die Figuren sind nicht naiv, sondern selbstreflektiert und brechen den Kitsch durch originelle Kommentare stets auf. Man ist sich den Stärken und Schwächen des Genres bewusst und versucht sich auf das Gute zu konzentrieren. Ich empfinde es als durchaus mutig, auch schwierigere Themen nahtlos in eine solche Handlung einzufügen und auch hier und da eine gesellschaftskritische oder beobachtende Szene einzustreuen. Zeitweise liegt der Fokus so sehr auf Sex, dass man der Serie eine Erotikkomponente kaum absprechen kann. Der Vorwurf des „Soft Porn” geht aber zu weit, auch weil die Serie dafür zu zahm ist – außer für die Leute, bei denen der Anblick eines Sextoys schon Schnappatmung auslöst.

„Off Campus” ist genau das, was es sein möchte. Und offenbar gab es für diese Romanze in Buchform ein großes Publikum. Mir gefiel die Serie besser als Standard-Romanzen, aber sicherlich nicht so gut wie Genreprimus „Normal People”. Fairerweise muss man sagen, dass es sich dabei nicht um mein favorisiertes Genre handelt. Deshalb war ich überwiegend nur einigermaßen unterhalten, aber auch neugierig, wie die Zukunft des Genres und solche Adaptionen aussehen können. Junge Erwachsene, speziell die Buchleser, können damit ihren Spaß haben, ich bin gespannt, ob die Serie darüber hinaus ein größeres Publikum findet.

The post Off Campus – Von Booktok zur Amazon Romanze. Review Staffel 1 first appeared on Are you series?.

Im Zentrum steht die persönliche Assistentin Simone (Milly Alcock), die für Michaela (Julianne Moore) und Milliardär Peter Kett (Kevin Bacon) arbeitet. Michaela widmet sich vor allem wohltätigen Zwecken und die beiden beschäftigen einen ganzen Haufen von Mitarbeitenden. Nebenbei hat Simone auch noch eine Affäre mit einem reichen Nachbarn. Ihr Leben scheint perfekt, doch dann holt sie die Vergangenheit in Form ihrer wütenden Schwester Devon (Meghann Fahy) ein, die sie auf der Arbeit überrascht und von ihrer kleinen Schwester verlangt sich auch um den demenzkranken Vater (Bill Camp) zu kümmern. Infolgedessen kommt es zu einem Culture Clash, denn die bodenständige Devon kommt mit der gekünstelten Welt der Superreichen und ihrer Attitüde überhaupt nicht zurecht und eckt bewusst überall an. Immer wieder steht die sehr finstere Familiengeschichte der DeWitt-Schwestern im Mittelpunkt.

Das Erzähltempo der 5-teiligen Miniserie ist gut, die Inszenierung ist überwiegend gelungen und auch das starke Ensemble kann auf ganzer Linie überzeugen. Einige Szenen wirken etwas zu absurd und gestellt (das Hinterherlaufen am Strand), so dass sich die Serie zeitweise wie Slapstick anfühlt. Einige Figuren wirkten wie eindimensionale Stereotype. Zudem muss die Story in Teilen arg gebogen werden, um noch zu funktionieren. Dass Devon nach diesem Auftakt „eine zweite Chance” erhält, ist beispielsweise schon Quatsch und danach spielt äußerst häufig der unwahrscheinliche Zufall eine zu große Rolle. Dennoch war ich über weite Strecken gut unterhalten und mochte den Zynismus.

„Sirens” ist nicht der große Wurf geworden, aber dennoch eine durchaus gelungene, wenn auch etwas zu oberflächliche und sprunghafte Dramaserie mit bizarren Charakteren. Freunde von „White Lotus” können einen Blick hinein wagen, müssen allerdings Abstriche bei der Handlung machen. Zudem fügt die Serie dem Thema Arm und Reich wenig Neues hinzu und aus der interessanten Schwesternbeziehung entwickelt sich zu wenig. Somit bleibt eine überwiegend unterhaltsame Serie mit Makeln.

The post Sirens – Skurrile Superreiche und ihre Mitarbeiter. Review Miniserie first appeared on Are you series?.

Zum Review von Staffel 1.

Obwohl „Beef” nur als Miniserie geplant war, sorgte der Erfolg für eine 2. Staffel der Netflixserie. Glücklicherweise ist der Creator Lee Sung Jin erneut federführend und auch häufiger auf dem Regiestuhl dabei, so dass die Qualität hochgehalten wird. Die Symbiose zwischen dem US-amerikanischen Rache- und Rivalitäten-Drama und dem koreanischen K-Drama gelingt sehr gut. Dafür sorgt vor allem der unfassbar gute Cast. Die Hauptrollen spielen Carey Mulligan und Oscar Isaac als älteres Pärchen, die bereits in einem meiner Lieblinge „Drive” eine toxische Beziehung darstellen, und Cailee Spaeny mit Charles Melton als jüngeres Pärchen, die versuchen ihren Arbeitgeber zu erpressen. Auf koreanischer Seite überzeugt Youn Yuh-jung als Milliardärin und besonders freute ich mich über die kurzen Auftritte von Song Kang-ho („Parasite”, „Memories of Murder”). Allein für die schauspielerischen Leistungen, die alle etwas overacten und ziemlich egoistische Arschlöcher verkörpern, die gerne das Gesetz zum eigenen Vorteil brechen, lohnt sich die 2. Staffel. Alle sind im „White Lotus”-Modus. Doch natürlich muss auch der Inhalt passen.

Die Handlung ist diesmal komplizierter gestaltet. Weg von den Kleinigkeiten eines Streits auf der Straße bei dem man sich anhupt, hin zu waschechter Erpressung. Das jüngere Pärchen filmt eines Abends einen gewalttätig aussehenden Ehestreit zwischen dem Leiter des Country Clubs und seiner Frau, die nach außen hin die perfekte Ehe führen. Ashley (Spaeny) wittert sofort ihre Chance. Eigentlich ist sie eine Kellnerin ohne College-Abschluss, doch nun kann sich durch Erpressung zur Sekretärin von Josh (Isaac) aufsteigen, zudem versucht sie ihren Freund auch im Country Club unterzubringen. Denn sie haben Geldsorgen und sie hat einen starken Kinderwunsch, der in einer herrlich absurden und für sich stehenden 4. Folge stark porträtiert wird. Das ältere Pärchen möchte sich das natürlich nicht gefallen lassen und sucht nach Möglichkeiten Ashley auffliegen zu lassen. Doch nicht nur ihre Streitigkeiten untereinander, sondern auch die Milliardärin, die den Club kauft, sorgen dafür, dass sich die Geschichte ganz anders entwickelt. Denn ab der Hälfte geht es primär um die Vertuschung eines Mordes, um Geldwäsche und wer zum Strohmann des großen Finanzbetrugs wird und dafür büßen muss. Alles gipfelt in einer recht absurden letzten Folge in Seoul, mit einer brillanten Kampfsequenz in der Mitte, in der sich alle Figuren zwischen Moral, Liebe und dem Geld für ihre eigene Zukunft entscheiden müssen. 

Der etwas ernsthaftere Ansatz mit einer Erpressung im Country Club und dem vermeintlichen Kampf zwischen Arm und Reich wird von der noch reicheren koreanischen Milliardärin schön satirisch beendet. Im Angesicht der Superreichen, die sich alles erlauben können, kämpfen am Boden alle mit ähnlichen Mitteln, egal ob sie Schulden haben oder ein Haus besitzen. Wenn auf einmal Attentäter auf einen angesetzt werden können oder man dazu gezwungen wird Finanzbetrug zu begehen, gleicht sich alles in der Mitte an und wird mit Füßen getreten. Diese Erkenntnis ist zwar nicht neu, wird aber hervorragend herausgestellt. Einige haben mit dem Ende ihre Probleme, auch ich war damit auf menschlicher Ebene natürlich nicht einverstanden und ich empfand es auch nicht zu 100% nachvollziehbar. Dennoch illustriert das Ende perfekt auf satirischer Ebene, wer eben gewinnt. Spoiler: Es ist nicht die Moral.

Die Produktion der Serie ist ausgesprochen hochwertig, die Drehorte werden schön miteinander verknüpft. Die Inszenierung bildet gemeinsam mit einer gelungenen musikalischen Untermalung eine schöne Verbindung und zeigt einige kreative Einfälle. Das Erzähltempo der Serie ist gelungen, ich mochte den Einstieg und hatte nur in der 5. und 6. Episode das Gefühl, dass die 8-teilige Staffel kurz durchhängt. Danach kulminiert alles in einem verrückten Finale, das man in Folge 1 so sicherlich nicht kommen sah. Die absurden Racheaktionen stehen nicht mehr so im Fokus, aber ab und an blitzt das Skurrile, das Bizarre weiterhin durch, was zu unterhaltsamen Momenten führt. Dennoch ist Staffel 2 keine Comedy mehr, sondern ein klares Drama mit Thrillerelementen. 

Die zweite Staffel von „Beef” bleibt dem Grundkonzept treu, geht aber eigene Wege. Mir gefiel die Weiterentwicklung in Richtung „White Lotus”, andere werden vielleicht etwas den Vibe und die Essenz der ersten Staffel vermissen. Ich möchte die 2. Staffel für alle Fans von Dramen, Rivalitäten und Gesellschaftssatire mit einem Hang zur Absurdität empfehlen. Da es sich um eine Anthologie-Serie handelt, muss man die 1. Staffel nicht gesehen haben.

The post Beef Staffel 2 – Erpressung, Rivalitäten und White Lotus Vibes. Review first appeared on Are you series?.

Die nur 8-teilige Serie mit Folgen zwischen 20 und 30 Minuten ist deutlich weniger bunt, klischeebeladen und fröhlich als viele High School Vergleichsserien. Dadurch wirkt „High School” deutlich realistischer, allerdings auch etwas depressiver. Die Serie basiert auf dem gleichnamigen Buch der beiden Schwestern. Zu Beginn kommen Tegan (Railey Gilliland) und Sara (Seazynn Gilliland) an eine neue Schule und suchen dort Anschluss. Gegenseitigen Halt können oder wollen sie sich seit Kurzem nicht mehr geben, weil sie sich auseinandergelebt haben und immer häufiger streiten. Die Schwestern geraten in unterschiedliche Freundeskreise, wobei besonders Sara arg darunter leidet, dass ihre lesbische Beziehung zu Phoebe (Olivia Rouyre) geheim bleiben muss und auf sehr steinigen Wegen gebaut ist. Ein wiederkehrendes Thema ist, dass sich ständig jemand wie das fünfte Rad am Wagen fühlt – egal, ob in Freundschafts- oder Liebesfragen. Im Verlauf werden unterschiedliche Freundschaften geschlossen, während es immer wieder Probleme mit ihrer Mutter (Cobie Smulders, „How I Met Your Mother”) gibt, die sie gerne mal belügen. Ab der Mitte finden die Schwestern durch die Musik zueinander.

Ein gelungener Kniff ist die Erzählweise aus verschiedenen Perspektiven, wodurch einige Figuren eine größere Tiefe bekommen. Zudem sieht man so einige Szenen zweimal und bemerkt, wie sie teilweise anders erzählt werden, weil die Wahrnehmung der Charaktere immer ihren Blickwinkel prägt. Ein gerne gewähltes Stilmittel, was ich beispielsweise in „The Affair” schon gerne mochte, aber auch hier exzellent funktioniert. Generell ist die Inszenierung sehr gut, die Musik wird schön mit dem Inhalt verwoben und einige Kameraeinstellungen sind sehr gelungen. Das mit weitgehend unbekannten Gesichtern gespickte Darstellerinnenensemble ist ganz großartig und sorgt für eine hohe Authentizität der Geschichte. 

Das Erzähltempo ist zwar nicht das höchste, aber dennoch wird die Handlung nie langweilig. Schön finde ich, dass sich Zeit genommen wird, den Charakteren ihren Raum für Entwicklung zu geben. Als etwas zu ausgeprägt und stellenweise konstruiert, empfand ich die Eifersuchts-Thematik. Das ist allzu bekannt bei Liebschaften und aufgrund der unausgesprochenen Zwischentöne manchmal schwer zu erkennen, ob man auf Freundschaften eifersüchtig ist oder verliebt ist. Nur weil jemand eine andere Person umarmt, muss man z.B. nicht von einer Party fliehen. Zudem empfand ich das offene Ende als etwas enttäuschend. Doch es passt auch zu einer Serie, die stets leicht depressiv wirkt und entgegen klassischer Verläufe von High School Filmen und Serien konstruiert ist. Vielleicht ist das wahre Leben eben einfach so. 

Zusammenfassend möchte ich „High School” absolut empfehlen. Ich hätte mich am Ende über eine Folgestaffel gefreut, was vermutlich das beste Kompliment ist. Fans von Coming-of-Age Dramen kommen auf ihre Kosten, das gut gespielte Zwillingsduo ist ein Extrabonus. Auch wenn die Serie das Rad nicht neu erfindet, gelingt eine dichte, glaubwürdige Atmosphäre. Gemeinsam mit der Musik führt das gerade in der zweiten Hälfte zu einem starken Gesamtwerk. Ein kleiner Geheimtipp, weil die Serie leider fast niemand kennt.

The post High School – Alternative Zwillinge, Freundschaften, Liebe & Musik = Geheimtipp. Review first appeared on Are you series?.

Im Zentrum der Serie stehen vier Personen. Nate, ein Barbesitzer mit einer gehörlosen Tochter (Bonus dafür, dass die Schauspielerin wirklich gehörlos ist), der mit seiner Frau eigentlich in Trennung lebt, dessen Leben aber durch eine Krebsdiagnose auf den Kopf gestellt wird. Kris, eine höher gestellte Managerin in einem Plattenlabel, die aber gefeuert wird, weil sie mit der heutigen Musikwelt und Emporkömmlingen über Social Media nichts anfangne kann und hofft den Geheimtipp in Bars zu finden (als ob sie 70 wäre, aber sie ist tatsächlich 40). Walter, ein Witwer, der mit der Trauer umzugehen versucht und dessen Freunde ihm mal mehr und mal weniger behilflich sind. Und Aria, eine junge Frau, die unbedingt schwanger werden will, aber auch noch super musikalisch talentiert ist – die erste Verbindung dürfte damit schon klar sein. Darüber hinaus gibt es noch einige andere Charaktere, die für kleine Handlungsstränge verantwortlich sind. So geht es einmal darum, ob die Liebe auch einen Umzug in eine andere Stadt übersteht oder darum, wie schwer es ist mit jemand anderem zusammenzuleben. Auch ein neunmalkluges neunjähriges, sympathisches Kind darf nicht fehlen. Die Serie zeigt den Alltag der Charaktere.

Alles ist Standard, alles ist mit zu viel Weichzeichner (besonders die Flashbacks) bedeckt, ein New York Gefühl kommt am Drehort Toronto nie auf, stattdessen fokussiert sich das Geschehen auf weninge Indoor-Lokalitäten und wirkt dadurch fast wie eine Sitcom. Die Handlungsstränge hat man alle so oder so ähnlich schon mal gesehen, die Schauspieler sind in Ordnung. Auffällig ist, wie einfach Konflikte aus dem Weg geschafft werden und man danach wieder miteinander umgeht, als sei das nicht mal passiert – Verrat inklusive. Auch dass einige Figuren maximal 1-2 Szenen über etwas traurig sein dürfen und danach so auftreten als sei nie etwas passiert, ist anstrengend und lässt für mich keine größere Verbindung zu den Charakteren zu. Weil sie sich nicht echt anfühlen. Ansonsten schwelen Probleme auch gerne mal, weil man es nicht schafft eine Textnachricht aus London zu schreiben und lieber die anderen raten lässt. Alles ist arg konstruiert und so gebastelt, dass es sich teilweise eher wie Science Fiction anfühlt. Als spiele „Ripple” in einer Parallelwelt. Das beste Beispiel dafür war das unfassbar quatschige Gespräch „Therapiegespräch” mit der Kundenservice-Mitarbeiterin des Internetanbieters. Ich spreche normalerweise nur mit KIs oder Menschen aus Asien, aber hier wird auch diese Gelegenheit zum zuckersüßen Gespräch, dass eine Figur über ihre Fehlgeburt hinwegtröstet. Es ist absurd. Auch dass der 70-jährige Witwer direkt nach dem Tod seiner Frau von seinen tollen Friends ein Datingprofil erstellt bekommt, finde ich unangebracht. Dass er sofort 20 Matches hat nur beknackt.

Natürlich kann man jetzt korrekterweise fragen: Hey, was erwartest du eigentlich? „Ripple” soll einfach seicht sein, positiv sein, keine zu große Fallhöhe haben und etwas, was sich wie eine warme Decke um einen legt, wenn man es nebenbei schaut. Daran ist erstmal nicht viel auszusetzen und „Ripple” funktionierte anfangs für mich auch noch auf diesem Niveau. Doch mit der Zeit störte mich der nicht betriebene Aufwand – die weichgezeichneten Flashbacks mit Charakteren, die bis auf eine andere Perücke gleich aussehen, obwohl sie halb so alt sein sollen, die fehlende Varianz an Locations und ständigen Wasserrohrbrüche, die die Handlung vorantreiben sollen. Irgendwann fand ich das alles einfach nicht mehr glaubwürdig. Hier werden nicht Menschen präsentiert, die von ihren neuen Freunden in schwierigen Zeiten aufgefangen werden und sich gegenseitig unterstützen, hier werden nur geschriebene Figuren gezeigt, denen ich hier Handeln schnell nicht mehr abkaufen kann. Weiterhin nicht hilfreich sind die steten Zeitsprünge, weil ohne mit der Wimper zu zucken Tage oder Wochen vergehen.

Auf einem oberflächlichen Niveau kann man „Ripple” als seichtes Ensemble-Drama durchaus empfehlen. Wenn man aber etwas in die Tiefe geht und normale Serienmaßstäbe daran ansetzt, gibt es zu viele Fallstricke, um die Serie anzupreisen. Ich fand sie noch ok, aber eher für Hallmark als für Netflix.

The post Ripple – Stereotyphaltiges Schmalz-Ensemble-Drama. Review Staffel 1 first appeared on Are you series?.

Die 8-teilige Horrorminiserie hat mich seit langem mal wieder völlig kalt erwischt und positiv überrascht. Dabei musste ich mich kurz überwinden sie anzuschauen, weil ich kein Fan von (Jumpscare-)Horror bin und mich die ewig gleichen Bilder aus den dunklen Wäldern und den im Haus versteckten Horrorgestalten eher langweilen. Doch auf das, was mich dann erwartete, war ich nicht vorbereitet. Und Jumpscares gibt es glücklicherweise nicht viele, sie werden eher pointiert eingesetzt.

Die Geschichte beginnt mit Rachel (Camila Morrone, The Night Manager”), die ihren Freund Nicky (Adam DiMarco, „The White Lotus”) in einer Woche in der gruseligen Winterhütte seiner Familie irgendwo im Nirgendwo heiraten möchte. Bereits auf der Fahrt dahin erleben die beiden kleine Albträume und speziell Rachel hat das Gefühl in großer Gefahr zu sein. Leider lässt das nicht nach, nachdem sie Nickys Familie trifft. Denn diese ist komisch, mag sie nicht und wirkt fast wie aus einem Resident Evil Teil. Zudem wirken sie zum Teil arg überzeichnet (Portia). Nachdem man in Folge 2 nur „LAUF” rufen möchte und sich fragt, was die gute Rachel noch da hält, stellt die Handlung danach alles auf den Kopf und verlässt allzu eingetretene Pfade. Ein gelungener Kunstgriff, um die Serie spannend zu halten, mit dem allerdings viele offenbar ein Problem hatten. Das Erzähltempo ist in der Mitte der Serie vielleicht ein wenig zu zäh, aber dennoch gelingt eine enthüllungsreiche, visuell hammerharte 4. Folge, eine großartige Dinnerparty in Episode 5 und eine überragende Plansequenz in der 7. Folge. Das Ende liefert visuell komplett ab und führt die Geschichte zu einem passenden Ende.

Visuell, inszenatorisch und musikalisch wurde ich in eine Welt hineingezogen, die schnell ihre eigene Identität entwickelt. Dabei hilft eine hypnotische Topleistung von Hauptdarstellerin Camila Morrone, die in vielen langen Plansequenzen gemeinsam mit dem anderen Cast zeigen kann, was sie schauspielerisch drauf hat. Zudem habe ich mich natürlich über Ted Levine („Monk”) und Zlatko Buric („Copenhagen Cowboy”) gefreut. Jede der Regisseurinnen beweist ein feines Gespür für Symbolik und ausdrucksstarke Bilder, die mit einer stets dynamischen Kamera stilsicher eingefangen werden. Die Musik ist treibend, erinnerte mich an Raffertie von „The Substance” und untermalt die Atmosphäre gekonnt.

Weil meine Rezeption und die Mainstream Meinung auseinanderdriften, versuche ich mich an einer Erklärung dafür: Online liest man viel davon, dass es zu viele lose Enden gibt und man angeblich unnötig auf falsche Fährten geführt wird. Ich kann diese Auffassung nur sehr bedingt teilen. Denn das meiste ergibt Sinn, man muss ihn nur finden und verstehen. Die Serie arbeitet mit viel Symbolik, Metaphern und Vergleichen. Fast alles kann man auf Rachels Situation beziehen, wenn man ein wenig darüber nachdenkt oder aufmerksam zuhört. Hinzu kommt, dass die Handlung häufig nur Dinge andeutet (die Kiste in Folge 1 z.B.), was Zuschauern sauer aufstößt. Aber ich möchte ein Plädoyer für vage Andeutungen halten und gegen den Hang zum Hörspiel, den heutige Produktion gerne mal haben, damit man sie problemlos am second screen verfolgen kann. Man muss nicht alles auserzählen, man muss nicht alles für die Zuschauer buchstabieren. Manchmal reicht es völlig mit dem Finger auf etwas zu zeigen, was man interpretieren kann. Vielleicht bin ich da aber auch anders gestrickt, weil ich David Lynch Filme mag, die 2000 mal mehr andeuten und interpretiert werden wollen, als diese Miniserie. Ich verstehe aber, dass Anspielungen im heutigen Horrorgenre seltener vorkommen und sich deswegen für einige fehl am Platz anfühlen. Leider. Außerdem wird sich über angeblich ziellose Dialoge beschwert. Auch das kann ich nicht teilen. Viele der Dialoge zeigen sehr gut, wie sehr Rachel sich für ihren künftigen Ehemann und dessen Familie verbiegen muss, wie sehr sie darunter leidet und dass sie dennoch das Gefühl hat es tun zu müssen. Für manche mag dieser feministische Ansatz in einer Horrorserie wohl auch fehl am Platze sein, ich empfand es als erfrischend und möchte die Miniserie in dieser Hinsicht mit dem – aus meiner Sicht gelungenen – „Men” von Alex Garland vergleichen. 

Natürlich fand ich auch nicht alles überragend. Teilweise ist es mir etwas zu klischeehaft und ich hätte die Familie des Bräutigam etwas weniger absurd gestaltet. Dazu kommt, dass ich nicht zwingend „Team Flüche” bin und dass die Mitte leicht langatmig gerät. Doch das ist alles absolut verschmerzbar und es bleibt bei kleineren Makeln. Denn letztlich war ich gefesselt und seit langem nicht mehr so daran interessiert eine Serie schnell weiterzuschauen. „Something very bad is going to happen” zog mich in ihren Bann. Executive Producer sind übrigens die Duffer Brothers, die Serie ist trotzdem nicht zwingend etwas für Fans von „Stranger Things”. 

Die Miniserie wird von populären Websites wie IMDb viel zu negativ bewertet. Fans von psychologischem Horror oder auch feministischem Horror, wie „The Substance” kommen voll auf ihre Kosten, ansonsten sind auch Dramafans, die eine durchdachte Inszenierung schätzen, jederzeit willkommen. Doch vorsichtig, manchmal gruselt man sich und es wird blutig. Dennoch möchte ich den Geheimtipp breitflächig empfehlen. „Something very bad is going to happen” mag einen herausfordern, aber es lohnt sich. Traut euch (ob auch am Altar dürft ihr dann entscheiden). Und hört auf keinen Fall schon nach Folge 2 auf!

The post Something very bad is going to happen – Blutiger Psychohorror & Geheimtipp! Review Miniserie first appeared on Are you series?.

Manon (Alba Gaïa Bellugi) lebt zuhause mit ihren beiden Geschwistern und ihrer Mutter. Eines Abends schießt sich die Mutter völlig auf sie ein und beschimpft sie, auch weil Manon – wie immer im Stress – mit beiden Händen die Nudeln voller Soße isst. Der Streit eskaliert und Manon kommt in eine triste Erziehungsanstalt, weil die Richterin ihr diese letzte Chance gewähren möchte. Dort verlangt der Leiter von seinen Mitarbeitern Dienst nach Vorschrift, hat auch kein Problem damit die Mädchen abzuschreiben und stets mit dem Gefängnis zu drohen. Die Mädchen rebellieren ständig, haben eine sehr kurze Zündschnur und so kommt es zu zahlreichen Streitereien unter den Teenagerinnen und auch mit den Erwachsenen. Speziell eine Lehrerin schafft es aber einen gewissen Zugang zu den Mädchen über das Theater zu finden, es gibt ein paar Helfer. Neben dem schwierigen Zusammenleben im Erziehungsheim muss Manon auch ihre viel zu aufdringliche, manipulative Mutter managen, die ein ganz seltsamer Charakter ist.

Die zweite Staffel knüpft relativ organisch an die erste an und fokussiert sich mehr auf typische Probleme von jungen Erwachsenen. Das Setting ist nicht mehr ganz so spannend und einzigartig wie in Staffel 1, stattdessen werden eher klassische Probleme verhandelt. Dennoch ist das emotional intensiv, weil man das Gefühl hat die Hauptfigur aufgrund der 1. Staffel schon gut zu kennen. Speziell im hinteren Teil saß ich kopfschüttelnd vor dem TV, weil ich das alles nicht für Manon wollte.

Die beiden „Manon” Miniserien, die jeweils 3 Folgen à etwa 1h enthalten, sind beide sehr intensive Jugenddramen, die eine aggressive, zutiefst traurige, aber auch sympathische Manon in den Mittelpunkt stellen, die permanent mit sich selbst und der Welt hadert. Dabei gelingen einige herzzerreißende Szenen, aber auch einige triumphale. Dem Mädchen mit ausgeprägtem Gerechtigkeitsbedürfnis fehlt vor allem die echte Liebe von Elternfiguren, ihre Mutter ist eine Katastrophe. Das Erzähltempo ist hoch, die Atmosphäre ist dicht, die Inszenierung ist klassisch, die Produktion ist solide, die Darsteller sind gut. Die erste Miniserie ist einen Tick besser, weil das Setting weniger verbraucht ist.

Zusammenfassend möchte ich beide „Manon” Teile empfehlen. Natürlich handelt es sich um keine leichte Kost, sondern um intensive Coming-of-Age Dramen, die einen emotional angreifen können. Die französischen Serien haben zwar kleinere Makel, sind aber überwiegend sehenswert und kleine Geheimtipps. Wer intensive, bittere Jugend-Dramen mag, wird bei „Manon” nicht enttäuscht – obwohl die Serien manchmal noch etwas tiefer gehen oder böser sein dürften.

The post Dreimal Manon & Manon, 20 Jahre – Intensives Jugenddrama. Review first appeared on Are you series?.

„Vladimir” basiert auf dem gleichnamigen Buch der Autorin Julia May Jonas, die auch in diese 8-teilige, insgesamt rund 4-stündige Miniserie involviert war. Im Zentrum der Handlung steht M (Rachel Weisz), eine Professorin, die in einen Shitstorm gelangt, weil ihr Ehemann und Professor-Kollege (John Slattery, schön ihn mal wieder zu sehen, „Mad Men”) in seiner Laufbahn ständig Affären mit seinen Studentinnen hatte. Diese Affären werden nun untersucht, weil man heutzutage das Machtgefälle mehr berücksichtigt und sich fragt, ob diese Affären wirklich einvernehmlich waren. Die vordergründig feministische M muss sich nun für eine Seite entscheiden (sehr ähnlich zum aktuellen „After the Hunt”), doch das ist für sie weniger relevant, weil sie stattdessen ihre Augen auf den neuen jungen Kollegen Vladimir (Leo Woodall) wirft. Sie ergeht sich in Sex-Träumen mit ihm und versucht ihm fast peinlich näher zu kommen. In der Mitte der Handlung probiert sie auch über eine Freundschaft mit seiner aktuellen Freundin an ihn heranzukommen. Ob Vladimir diese Anschmachtungsversuche erwidert oder nicht, bleibt lange die Frage und kulminiert in einer recht absurden finalen Folge.

Was mich am meisten ansprach, ist die Machart. Hauptfigur M bricht die 4. Wand und spricht direkt mit den Zuschauern. Man versucht die Buchherkunft nicht zu verschleiern. Auch die Produktion ist solide und die Darsteller sind in Ordnung. Doch letztlich ist das für mich inhaltlich nicht weit von „50 Shades of Grey” entfernt. Soft-Erotik in Buch- und Miniserien-Form, nicht als Romantasy getarnt, sondern im Uni und #Metoo-Milieu. Ab und an fühlt man sich auch an „You“ erinnert. Doch letztlich geiert eine ältere Frau einfach auf den Junior Professor und erregt sich an seinem Körper und seinem Intellekt. Über die volle Laufzeit ändert sich daran wenig. Die finale Folge hätte das Potential gehabt, dem Ganzen eine sehr interessante Wendung zu geben, entscheidet sich aber leider anders, so dass mich das Ende auch nicht überzeugen konnte.

Zusammenfassend ist „Vladimir” ein bisschen Soft-Erotik mit wenig überzeugender Nebenstory. Wer genau das gerne sieht, der schaut zu, alle anderen können sich diese Netflix-Miniserie sparen.

The post Vladimir – Wohin führt die Obsession für den jüngeren Kollegen? Review Miniserie first appeared on Are you series?.