Nach einem Ausflug nach Paris, den ich damals gemieden habe, weil ich nach den schwächeren hinteren Staffeln von „Haus des Geldes” keine Lust mehr auf die Welt hatte, formiert sich die Truppe nun wieder in Spanien. Genauer gesagt wollen sie einen Herzog in Sevilla ausrauben, der sie anheuern will „Die Dame mit dem Hermelin” von Leonardo Da Vinci zu stehlen. Nachdem die 8-teilige Miniserie schnell beginnt und sie ihrem Auftraggeber beweisen, wie gut sie sind, wird sich in der Mitte extrem viel Zeit für unzählige unspannende Romanzen genommen. Erst die letzte Folge bringt endlich den lang erwarteten Raub und natürlich den Cameo-Auftritt, der nicht fehlen darf.

Ich war nach der Ansicht enttäuscht. Ich habe das Gefühl, dass die Macher nicht ganz verstanden haben, was „Haus des Geldes” so gut gemacht hat. Natürlich gehörte auch damals die übertriebene Theatralik und komische Lovestories dazu, aber im Kern stand in den ersten beiden Staffeln ein wirklich spannender, groß und großartig geplanter Raubüberfall im Mittelpunkt. Es kamen Vibes auf wie bei „Inside Man” oder der „Ocean’s„-Reihe, die mit einer überdrehten Art und einer stylischen Inszenierung gekonnt verknüpft wurden. Doch diesen Fokus verloren schon die späteren Staffeln der Hauptserie aus den Augen und dieses zweite Spin-off ist leider mehr „GZSZ” als „Der Clou”. Wen interessiert die zwölfte Heirat Berlins? Wen interessiert die seltsame Dreiecksbeziehung, die nur beknackt wirkt? Wen interessiert es, wieso sich die jungen Liebenden auseinandergelebt haben? Und warum sind alle Räuber so verdammt unprofessionell und können ihre unendliche Wollust nicht mal kurz zurückstellen, um unendliche Millionen zu scheffeln? Es ist frustrierend, wie dämlich Charaktere sind, die angeblich Elite-Diebe sein sollen. 

Was ist gut? Ganz klar: Die Heistsequenzen. Wenn sich die Miniserie auf den ursprünglichen Kern der Reihe besinnt, kann sie immer noch glänzen. Der Raub der Dame ist schön inszeniert, die anfängliche Infiltration gelingt auch. Die Feuergeschichte am Ende ist hingegen völlig überinszeniert. Ich habe mich leider relativ viel gelangweilt und durch den Kitsch durchquälen müssen. Dennoch ist die Produktion gut und auch die stylische Inszenierung ist weiterhin gegeben.

Zusammenfassend ist das zweite Spin-off vermutlich etwas für Fans des ersten und der hinteren „Haus des Geldes”-Staffeln, die kein Problem mit dem hohen Telenovela-Anteil haben. Für mich ist es leider nichts mehr und ich bin mit dem Universum erstmal fertig. Schade.

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Alles beginnt mit einer Idee, die es auch in eine romantische Komödie aus den 2000ern hätte schaffen können. In ihrem ersten Studienjahr an der Uni schmachtet Hannah (Ella Bright) einen Typen in einer Band an, der aber keine Augen für sie zu haben scheint. Eishockeyspieler Garrett (Belmont Cameli) braucht Nachhilfe und nähert sich deshalb Hannah an. Die beiden schließen einen Deal ab. Eine Fake-Beziehung um den Musiktypen eifersüchtig zu machen und damit sich Garrett Noten verbessern, so dass er weiter Eishockey spielen darf. Wenig überraschend entwickeln sich daraus aber natürlich echte Gefühle. Neben dieser zentralen Romanze liefert das große Ensemble noch weitere Liebesbeziehungen, Freundschaften und zahlreiche familiäre Probleme. Denn nach dem locker leichten Beginn sind für später Triggerwarnungen angebracht. Es geht um Gewalt gegen Frauen und eine Vergewaltigung. 

Das Genre ist klar: Romanze mit jungen Erwachsenen. Doch auch Elemente des Sportfilms durch die Eishockey-Sequenzen und des Musikfilms, durch die vielen Songs und den Auftritt am Ende, werden dem Mix hinzugefügt. Auch das Coming-of-Age Drama kommt nie zu kurz. Viele Charaktere müssen sich noch selbst finden, auch wenn sie einen Ticken älter als in den klassischen High School Serien sind. Die Produktion ist gut, die Darsteller sind in Ordnung, aber nie besser als solide und schauspielern manchmal arg klischeehaft. Seltsam ist die Freizügigkeit zu Beginn, die im Verlauf der Serie wieder einkassiert wird. Das Erzähltempo ist relativ hoch, Langeweile kommt nur selten auf – nur, wenn sich in wenig relevanten Nebenhandlungssträngen verfangen wird. Komisch ist, dass die 8-teilige 1. Staffel mitten in der Handlung aufhört, aber es gibt noch mindestens vier weitere Bücher, die man verfilmen kann.

Doch wie gefiel mir letztlich dieses kitschige Werk, das mit zahlreichen Stereotypen und Klischees arbeitet? Positiv ist, dass die Serie jederzeit weiß, dass sie Kitsch ist und offen mit ihren formelhaften Schablonen kokettiert. Obwohl vieles recht konstruiert und absurd wirkt, ist die Serie sympathischer und authentischer als viele Romcoms vergangener Tage. Komplett echt wirkt das alles nicht, aber die Figuren sind nicht naiv, sondern selbstreflektiert und brechen den Kitsch durch originelle Kommentare stets auf. Man ist sich den Stärken und Schwächen des Genres bewusst und versucht sich auf das Gute zu konzentrieren. Ich empfinde es als durchaus mutig, auch schwierigere Themen nahtlos in eine solche Handlung einzufügen und auch hier und da eine gesellschaftskritische oder beobachtende Szene einzustreuen. Zeitweise liegt der Fokus so sehr auf Sex, dass man der Serie eine Erotikkomponente kaum absprechen kann. Der Vorwurf des „Soft Porn” geht aber zu weit, auch weil die Serie dafür zu zahm ist – außer für die Leute, bei denen der Anblick eines Sextoys schon Schnappatmung auslöst.

„Off Campus” ist genau das, was es sein möchte. Und offenbar gab es für diese Romanze in Buchform ein großes Publikum. Mir gefiel die Serie besser als Standard-Romanzen, aber sicherlich nicht so gut wie Genreprimus „Normal People”. Fairerweise muss man sagen, dass es sich dabei nicht um mein favorisiertes Genre handelt. Deshalb war ich überwiegend nur einigermaßen unterhalten, aber auch neugierig, wie die Zukunft des Genres und solche Adaptionen aussehen können. Junge Erwachsene, speziell die Buchleser, können damit ihren Spaß haben, ich bin gespannt, ob die Serie darüber hinaus ein größeres Publikum findet.

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Im Zentrum steht die persönliche Assistentin Simone (Milly Alcock), die für Michaela (Julianne Moore) und Milliardär Peter Kett (Kevin Bacon) arbeitet. Michaela widmet sich vor allem wohltätigen Zwecken und die beiden beschäftigen einen ganzen Haufen von Mitarbeitenden. Nebenbei hat Simone auch noch eine Affäre mit einem reichen Nachbarn. Ihr Leben scheint perfekt, doch dann holt sie die Vergangenheit in Form ihrer wütenden Schwester Devon (Meghann Fahy) ein, die sie auf der Arbeit überrascht und von ihrer kleinen Schwester verlangt sich auch um den demenzkranken Vater (Bill Camp) zu kümmern. Infolgedessen kommt es zu einem Culture Clash, denn die bodenständige Devon kommt mit der gekünstelten Welt der Superreichen und ihrer Attitüde überhaupt nicht zurecht und eckt bewusst überall an. Immer wieder steht die sehr finstere Familiengeschichte der DeWitt-Schwestern im Mittelpunkt.

Das Erzähltempo der 5-teiligen Miniserie ist gut, die Inszenierung ist überwiegend gelungen und auch das starke Ensemble kann auf ganzer Linie überzeugen. Einige Szenen wirken etwas zu absurd und gestellt (das Hinterherlaufen am Strand), so dass sich die Serie zeitweise wie Slapstick anfühlt. Einige Figuren wirkten wie eindimensionale Stereotype. Zudem muss die Story in Teilen arg gebogen werden, um noch zu funktionieren. Dass Devon nach diesem Auftakt „eine zweite Chance” erhält, ist beispielsweise schon Quatsch und danach spielt äußerst häufig der unwahrscheinliche Zufall eine zu große Rolle. Dennoch war ich über weite Strecken gut unterhalten und mochte den Zynismus.

„Sirens” ist nicht der große Wurf geworden, aber dennoch eine durchaus gelungene, wenn auch etwas zu oberflächliche und sprunghafte Dramaserie mit bizarren Charakteren. Freunde von „White Lotus” können einen Blick hinein wagen, müssen allerdings Abstriche bei der Handlung machen. Zudem fügt die Serie dem Thema Arm und Reich wenig Neues hinzu und aus der interessanten Schwesternbeziehung entwickelt sich zu wenig. Somit bleibt eine überwiegend unterhaltsame Serie mit Makeln.

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Zum Review von Staffel 1.

Obwohl „Beef” nur als Miniserie geplant war, sorgte der Erfolg für eine 2. Staffel der Netflixserie. Glücklicherweise ist der Creator Lee Sung Jin erneut federführend und auch häufiger auf dem Regiestuhl dabei, so dass die Qualität hochgehalten wird. Die Symbiose zwischen dem US-amerikanischen Rache- und Rivalitäten-Drama und dem koreanischen K-Drama gelingt sehr gut. Dafür sorgt vor allem der unfassbar gute Cast. Die Hauptrollen spielen Carey Mulligan und Oscar Isaac als älteres Pärchen, die bereits in einem meiner Lieblinge „Drive” eine toxische Beziehung darstellen, und Cailee Spaeny mit Charles Melton als jüngeres Pärchen, die versuchen ihren Arbeitgeber zu erpressen. Auf koreanischer Seite überzeugt Youn Yuh-jung als Milliardärin und besonders freute ich mich über die kurzen Auftritte von Song Kang-ho („Parasite”, „Memories of Murder”). Allein für die schauspielerischen Leistungen, die alle etwas overacten und ziemlich egoistische Arschlöcher verkörpern, die gerne das Gesetz zum eigenen Vorteil brechen, lohnt sich die 2. Staffel. Alle sind im „White Lotus”-Modus. Doch natürlich muss auch der Inhalt passen.

Die Handlung ist diesmal komplizierter gestaltet. Weg von den Kleinigkeiten eines Streits auf der Straße bei dem man sich anhupt, hin zu waschechter Erpressung. Das jüngere Pärchen filmt eines Abends einen gewalttätig aussehenden Ehestreit zwischen dem Leiter des Country Clubs und seiner Frau, die nach außen hin die perfekte Ehe führen. Ashley (Spaeny) wittert sofort ihre Chance. Eigentlich ist sie eine Kellnerin ohne College-Abschluss, doch nun kann sich durch Erpressung zur Sekretärin von Josh (Isaac) aufsteigen, zudem versucht sie ihren Freund auch im Country Club unterzubringen. Denn sie haben Geldsorgen und sie hat einen starken Kinderwunsch, der in einer herrlich absurden und für sich stehenden 4. Folge stark porträtiert wird. Das ältere Pärchen möchte sich das natürlich nicht gefallen lassen und sucht nach Möglichkeiten Ashley auffliegen zu lassen. Doch nicht nur ihre Streitigkeiten untereinander, sondern auch die Milliardärin, die den Club kauft, sorgen dafür, dass sich die Geschichte ganz anders entwickelt. Denn ab der Hälfte geht es primär um die Vertuschung eines Mordes, um Geldwäsche und wer zum Strohmann des großen Finanzbetrugs wird und dafür büßen muss. Alles gipfelt in einer recht absurden letzten Folge in Seoul, mit einer brillanten Kampfsequenz in der Mitte, in der sich alle Figuren zwischen Moral, Liebe und dem Geld für ihre eigene Zukunft entscheiden müssen. 

Der etwas ernsthaftere Ansatz mit einer Erpressung im Country Club und dem vermeintlichen Kampf zwischen Arm und Reich wird von der noch reicheren koreanischen Milliardärin schön satirisch beendet. Im Angesicht der Superreichen, die sich alles erlauben können, kämpfen am Boden alle mit ähnlichen Mitteln, egal ob sie Schulden haben oder ein Haus besitzen. Wenn auf einmal Attentäter auf einen angesetzt werden können oder man dazu gezwungen wird Finanzbetrug zu begehen, gleicht sich alles in der Mitte an und wird mit Füßen getreten. Diese Erkenntnis ist zwar nicht neu, wird aber hervorragend herausgestellt. Einige haben mit dem Ende ihre Probleme, auch ich war damit auf menschlicher Ebene natürlich nicht einverstanden und ich empfand es auch nicht zu 100% nachvollziehbar. Dennoch illustriert das Ende perfekt auf satirischer Ebene, wer eben gewinnt. Spoiler: Es ist nicht die Moral.

Die Produktion der Serie ist ausgesprochen hochwertig, die Drehorte werden schön miteinander verknüpft. Die Inszenierung bildet gemeinsam mit einer gelungenen musikalischen Untermalung eine schöne Verbindung und zeigt einige kreative Einfälle. Das Erzähltempo der Serie ist gelungen, ich mochte den Einstieg und hatte nur in der 5. und 6. Episode das Gefühl, dass die 8-teilige Staffel kurz durchhängt. Danach kulminiert alles in einem verrückten Finale, das man in Folge 1 so sicherlich nicht kommen sah. Die absurden Racheaktionen stehen nicht mehr so im Fokus, aber ab und an blitzt das Skurrile, das Bizarre weiterhin durch, was zu unterhaltsamen Momenten führt. Dennoch ist Staffel 2 keine Comedy mehr, sondern ein klares Drama mit Thrillerelementen. 

Die zweite Staffel von „Beef” bleibt dem Grundkonzept treu, geht aber eigene Wege. Mir gefiel die Weiterentwicklung in Richtung „White Lotus”, andere werden vielleicht etwas den Vibe und die Essenz der ersten Staffel vermissen. Ich möchte die 2. Staffel für alle Fans von Dramen, Rivalitäten und Gesellschaftssatire mit einem Hang zur Absurdität empfehlen. Da es sich um eine Anthologie-Serie handelt, muss man die 1. Staffel nicht gesehen haben.

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Die nur 8-teilige Serie mit Folgen zwischen 20 und 30 Minuten ist deutlich weniger bunt, klischeebeladen und fröhlich als viele High School Vergleichsserien. Dadurch wirkt „High School” deutlich realistischer, allerdings auch etwas depressiver. Die Serie basiert auf dem gleichnamigen Buch der beiden Schwestern. Zu Beginn kommen Tegan (Railey Gilliland) und Sara (Seazynn Gilliland) an eine neue Schule und suchen dort Anschluss. Gegenseitigen Halt können oder wollen sie sich seit Kurzem nicht mehr geben, weil sie sich auseinandergelebt haben und immer häufiger streiten. Die Schwestern geraten in unterschiedliche Freundeskreise, wobei besonders Sara arg darunter leidet, dass ihre lesbische Beziehung zu Phoebe (Olivia Rouyre) geheim bleiben muss und auf sehr steinigen Wegen gebaut ist. Ein wiederkehrendes Thema ist, dass sich ständig jemand wie das fünfte Rad am Wagen fühlt – egal, ob in Freundschafts- oder Liebesfragen. Im Verlauf werden unterschiedliche Freundschaften geschlossen, während es immer wieder Probleme mit ihrer Mutter (Cobie Smulders, „How I Met Your Mother”) gibt, die sie gerne mal belügen. Ab der Mitte finden die Schwestern durch die Musik zueinander.

Ein gelungener Kniff ist die Erzählweise aus verschiedenen Perspektiven, wodurch einige Figuren eine größere Tiefe bekommen. Zudem sieht man so einige Szenen zweimal und bemerkt, wie sie teilweise anders erzählt werden, weil die Wahrnehmung der Charaktere immer ihren Blickwinkel prägt. Ein gerne gewähltes Stilmittel, was ich beispielsweise in „The Affair” schon gerne mochte, aber auch hier exzellent funktioniert. Generell ist die Inszenierung sehr gut, die Musik wird schön mit dem Inhalt verwoben und einige Kameraeinstellungen sind sehr gelungen. Das mit weitgehend unbekannten Gesichtern gespickte Darstellerinnenensemble ist ganz großartig und sorgt für eine hohe Authentizität der Geschichte. 

Das Erzähltempo ist zwar nicht das höchste, aber dennoch wird die Handlung nie langweilig. Schön finde ich, dass sich Zeit genommen wird, den Charakteren ihren Raum für Entwicklung zu geben. Als etwas zu ausgeprägt und stellenweise konstruiert, empfand ich die Eifersuchts-Thematik. Das ist allzu bekannt bei Liebschaften und aufgrund der unausgesprochenen Zwischentöne manchmal schwer zu erkennen, ob man auf Freundschaften eifersüchtig ist oder verliebt ist. Nur weil jemand eine andere Person umarmt, muss man z.B. nicht von einer Party fliehen. Zudem empfand ich das offene Ende als etwas enttäuschend. Doch es passt auch zu einer Serie, die stets leicht depressiv wirkt und entgegen klassischer Verläufe von High School Filmen und Serien konstruiert ist. Vielleicht ist das wahre Leben eben einfach so. 

Zusammenfassend möchte ich „High School” absolut empfehlen. Ich hätte mich am Ende über eine Folgestaffel gefreut, was vermutlich das beste Kompliment ist. Fans von Coming-of-Age Dramen kommen auf ihre Kosten, das gut gespielte Zwillingsduo ist ein Extrabonus. Auch wenn die Serie das Rad nicht neu erfindet, gelingt eine dichte, glaubwürdige Atmosphäre. Gemeinsam mit der Musik führt das gerade in der zweiten Hälfte zu einem starken Gesamtwerk. Ein kleiner Geheimtipp, weil die Serie leider fast niemand kennt.

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Im Zentrum der Serie stehen vier Personen. Nate, ein Barbesitzer mit einer gehörlosen Tochter (Bonus dafür, dass die Schauspielerin wirklich gehörlos ist), der mit seiner Frau eigentlich in Trennung lebt, dessen Leben aber durch eine Krebsdiagnose auf den Kopf gestellt wird. Kris, eine höher gestellte Managerin in einem Plattenlabel, die aber gefeuert wird, weil sie mit der heutigen Musikwelt und Emporkömmlingen über Social Media nichts anfangne kann und hofft den Geheimtipp in Bars zu finden (als ob sie 70 wäre, aber sie ist tatsächlich 40). Walter, ein Witwer, der mit der Trauer umzugehen versucht und dessen Freunde ihm mal mehr und mal weniger behilflich sind. Und Aria, eine junge Frau, die unbedingt schwanger werden will, aber auch noch super musikalisch talentiert ist – die erste Verbindung dürfte damit schon klar sein. Darüber hinaus gibt es noch einige andere Charaktere, die für kleine Handlungsstränge verantwortlich sind. So geht es einmal darum, ob die Liebe auch einen Umzug in eine andere Stadt übersteht oder darum, wie schwer es ist mit jemand anderem zusammenzuleben. Auch ein neunmalkluges neunjähriges, sympathisches Kind darf nicht fehlen. Die Serie zeigt den Alltag der Charaktere.

Alles ist Standard, alles ist mit zu viel Weichzeichner (besonders die Flashbacks) bedeckt, ein New York Gefühl kommt am Drehort Toronto nie auf, stattdessen fokussiert sich das Geschehen auf weninge Indoor-Lokalitäten und wirkt dadurch fast wie eine Sitcom. Die Handlungsstränge hat man alle so oder so ähnlich schon mal gesehen, die Schauspieler sind in Ordnung. Auffällig ist, wie einfach Konflikte aus dem Weg geschafft werden und man danach wieder miteinander umgeht, als sei das nicht mal passiert – Verrat inklusive. Auch dass einige Figuren maximal 1-2 Szenen über etwas traurig sein dürfen und danach so auftreten als sei nie etwas passiert, ist anstrengend und lässt für mich keine größere Verbindung zu den Charakteren zu. Weil sie sich nicht echt anfühlen. Ansonsten schwelen Probleme auch gerne mal, weil man es nicht schafft eine Textnachricht aus London zu schreiben und lieber die anderen raten lässt. Alles ist arg konstruiert und so gebastelt, dass es sich teilweise eher wie Science Fiction anfühlt. Als spiele „Ripple” in einer Parallelwelt. Das beste Beispiel dafür war das unfassbar quatschige Gespräch „Therapiegespräch” mit der Kundenservice-Mitarbeiterin des Internetanbieters. Ich spreche normalerweise nur mit KIs oder Menschen aus Asien, aber hier wird auch diese Gelegenheit zum zuckersüßen Gespräch, dass eine Figur über ihre Fehlgeburt hinwegtröstet. Es ist absurd. Auch dass der 70-jährige Witwer direkt nach dem Tod seiner Frau von seinen tollen Friends ein Datingprofil erstellt bekommt, finde ich unangebracht. Dass er sofort 20 Matches hat nur beknackt.

Natürlich kann man jetzt korrekterweise fragen: Hey, was erwartest du eigentlich? „Ripple” soll einfach seicht sein, positiv sein, keine zu große Fallhöhe haben und etwas, was sich wie eine warme Decke um einen legt, wenn man es nebenbei schaut. Daran ist erstmal nicht viel auszusetzen und „Ripple” funktionierte anfangs für mich auch noch auf diesem Niveau. Doch mit der Zeit störte mich der nicht betriebene Aufwand – die weichgezeichneten Flashbacks mit Charakteren, die bis auf eine andere Perücke gleich aussehen, obwohl sie halb so alt sein sollen, die fehlende Varianz an Locations und ständigen Wasserrohrbrüche, die die Handlung vorantreiben sollen. Irgendwann fand ich das alles einfach nicht mehr glaubwürdig. Hier werden nicht Menschen präsentiert, die von ihren neuen Freunden in schwierigen Zeiten aufgefangen werden und sich gegenseitig unterstützen, hier werden nur geschriebene Figuren gezeigt, denen ich hier Handeln schnell nicht mehr abkaufen kann. Weiterhin nicht hilfreich sind die steten Zeitsprünge, weil ohne mit der Wimper zu zucken Tage oder Wochen vergehen.

Auf einem oberflächlichen Niveau kann man „Ripple” als seichtes Ensemble-Drama durchaus empfehlen. Wenn man aber etwas in die Tiefe geht und normale Serienmaßstäbe daran ansetzt, gibt es zu viele Fallstricke, um die Serie anzupreisen. Ich fand sie noch ok, aber eher für Hallmark als für Netflix.

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Die 8-teilige Horrorminiserie hat mich seit langem mal wieder völlig kalt erwischt und positiv überrascht. Dabei musste ich mich kurz überwinden sie anzuschauen, weil ich kein Fan von (Jumpscare-)Horror bin und mich die ewig gleichen Bilder aus den dunklen Wäldern und den im Haus versteckten Horrorgestalten eher langweilen. Doch auf das, was mich dann erwartete, war ich nicht vorbereitet. Und Jumpscares gibt es glücklicherweise nicht viele, sie werden eher pointiert eingesetzt.

Die Geschichte beginnt mit Rachel (Camila Morrone, The Night Manager”), die ihren Freund Nicky (Adam DiMarco, „The White Lotus”) in einer Woche in der gruseligen Winterhütte seiner Familie irgendwo im Nirgendwo heiraten möchte. Bereits auf der Fahrt dahin erleben die beiden kleine Albträume und speziell Rachel hat das Gefühl in großer Gefahr zu sein. Leider lässt das nicht nach, nachdem sie Nickys Familie trifft. Denn diese ist komisch, mag sie nicht und wirkt fast wie aus einem Resident Evil Teil. Zudem wirken sie zum Teil arg überzeichnet (Portia). Nachdem man in Folge 2 nur „LAUF” rufen möchte und sich fragt, was die gute Rachel noch da hält, stellt die Handlung danach alles auf den Kopf und verlässt allzu eingetretene Pfade. Ein gelungener Kunstgriff, um die Serie spannend zu halten, mit dem allerdings viele offenbar ein Problem hatten. Das Erzähltempo ist in der Mitte der Serie vielleicht ein wenig zu zäh, aber dennoch gelingt eine enthüllungsreiche, visuell hammerharte 4. Folge, eine großartige Dinnerparty in Episode 5 und eine überragende Plansequenz in der 7. Folge. Das Ende liefert visuell komplett ab und führt die Geschichte zu einem passenden Ende.

Visuell, inszenatorisch und musikalisch wurde ich in eine Welt hineingezogen, die schnell ihre eigene Identität entwickelt. Dabei hilft eine hypnotische Topleistung von Hauptdarstellerin Camila Morrone, die in vielen langen Plansequenzen gemeinsam mit dem anderen Cast zeigen kann, was sie schauspielerisch drauf hat. Zudem habe ich mich natürlich über Ted Levine („Monk”) und Zlatko Buric („Copenhagen Cowboy”) gefreut. Jede der Regisseurin beweist ein feines Gespür für Symbolik und ausdrucksstarke Bilder, die mit einer stets dynamischen Kamera stilsicher eingefangen werden. Die Musik ist treibend, erinnerte mich an Raffertie von „The Substance” und untermalt die Atmosphäre gekonnt.

Weil meine Rezeption und die Mainstream Meinung auseinanderdriften, versuche ich mich an einer Erklärung dafür: Online liest man viel davon, dass es zu viele lose Enden gibt und man angeblich unnötig auf falsche Fährten geführt wird. Ich kann diese Auffassung nur sehr bedingt teilen. Denn das meiste ergibt Sinn, man muss ihn nur finden und verstehen. Die Serie arbeitet mit viel Symbolik, Metaphern und Vergleichen. Fast alles kann man auf Rachels Situation beziehen, wenn man ein wenig darüber nachdenkt oder aufmerksam zuhört. Hinzu kommt, dass die Handlung häufig nur Dinge andeutet (die Kiste in Folge 1 z.B.), was Zuschauern sauer aufstößt. Aber ich möchte ein Plädoyer für vage Andeutungen halten und gegen den Hang zum Hörspiel, den heutige Produktion gerne mal haben, damit man sie problemlos am second screen verfolgen kann. Man muss nicht alles auserzählen, man muss nicht alles für die Zuschauer buchstabieren. Manchmal reicht es völlig mit dem Finger auf etwas zu zeigen, was man interpretieren kann. Vielleicht bin ich da aber auch anders gestrickt, weil ich David Lynch Filme mag, die 2000 mal mehr andeuten und interpretiert werden wollen, als diese Miniserie. Ich verstehe aber, dass Anspielungen im heutigen Horrorgenre seltener vorkommen und sich deswegen für einige fehl am Platz anfühlen. Leider. Außerdem wird sich über angeblich ziellose Dialoge beschwert. Auch das kann ich nicht teilen. Viele der Dialoge zeigen sehr gut, wie sehr Rachel sich für ihren künftigen Ehemann und dessen Familie verbiegen muss, wie sehr sie darunter leidet und dass sie dennoch das Gefühl hat es tun zu müssen. Für manche mag dieser feministische Ansatz in einer Horrorserie wohl auch fehl am Platze sein, ich empfand es als erfrischend und möchte die Miniserie in dieser Hinsicht mit dem – aus meiner Sicht gelungenen – „Men” von Alex Garland vergleichen. 

Natürlich fand ich auch nicht alles überragend. Teilweise ist es mir etwas zu klischeehaft und ich hätte die Familie des Bräutigam etwas weniger absurd gestaltet. Dazu kommt, dass ich nicht zwingend „Team Flüche” bin und dass die Mitte leicht langatmig gerät. Doch das ist alles absolut verschmerzbar und es bleibt bei kleineren Makeln. Denn letztlich war ich gefesselt und seit langem nicht mehr so daran interessiert eine Serie schnell weiterzuschauen. „Something very bad is going to happen” zog mich in ihren Bann. Executive Producer sind übrigens die Duffer Brothers, die Serie ist trotzdem nicht zwingend etwas für Fans von „Stranger Things”. 

Die Miniserie wird von populären Websites wie IMDb viel zu negativ bewertet. Fans von psychologischem Horror oder auch feministischem Horror, wie „The Substance” kommen voll auf ihre Kosten, ansonsten sind auch Dramafans, die eine durchdachte Inszenierung schätzen, jederzeit willkommen. Doch vorsichtig, manchmal gruselt man sich und es wird blutig. Dennoch möchte ich den Geheimtipp breitflächig empfehlen. „Something very bad is going to happen” mag einen herausfordern, aber es lohnt sich. Traut euch (ob auch am Altar dürft ihr dann entscheiden). Und hört auf keinen Fall schon nach Folge 2 auf!

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Manon (Alba Gaïa Bellugi) lebt zuhause mit ihren beiden Geschwistern und ihrer Mutter. Eines Abends schießt sich die Mutter völlig auf sie ein und beschimpft sie, auch weil Manon – wie immer im Stress – mit beiden Händen die Nudeln voller Soße isst. Der Streit eskaliert und Manon kommt in eine triste Erziehungsanstalt, weil die Richterin ihr diese letzte Chance gewähren möchte. Dort verlangt der Leiter von seinen Mitarbeitern Dienst nach Vorschrift, hat auch kein Problem damit die Mädchen abzuschreiben und stets mit dem Gefängnis zu drohen. Die Mädchen rebellieren ständig, haben eine sehr kurze Zündschnur und so kommt es zu zahlreichen Streitereien unter den Teenagerinnen und auch mit den Erwachsenen. Speziell eine Lehrerin schafft es aber einen gewissen Zugang zu den Mädchen über das Theater zu finden, es gibt ein paar Helfer. Neben dem schwierigen Zusammenleben im Erziehungsheim muss Manon auch ihre viel zu aufdringliche, manipulative Mutter managen, die ein ganz seltsamer Charakter ist.

Die zweite Staffel knüpft relativ organisch an die erste an und fokussiert sich mehr auf typische Probleme von jungen Erwachsenen. Das Setting ist nicht mehr ganz so spannend und einzigartig wie in Staffel 1, stattdessen werden eher klassische Probleme verhandelt. Dennoch ist das emotional intensiv, weil man das Gefühl hat die Hauptfigur aufgrund der 1. Staffel schon gut zu kennen. Speziell im hinteren Teil saß ich kopfschüttelnd vor dem TV, weil ich das alles nicht für Manon wollte.

Die beiden „Manon” Miniserien, die jeweils 3 Folgen à etwa 1h enthalten, sind beide sehr intensive Jugenddramen, die eine aggressive, zutiefst traurige, aber auch sympathische Manon in den Mittelpunkt stellen, die permanent mit sich selbst und der Welt hadert. Dabei gelingen einige herzzerreißende Szenen, aber auch einige triumphale. Dem Mädchen mit ausgeprägtem Gerechtigkeitsbedürfnis fehlt vor allem die echte Liebe von Elternfiguren, ihre Mutter ist eine Katastrophe. Das Erzähltempo ist hoch, die Atmosphäre ist dicht, die Inszenierung ist klassisch, die Produktion ist solide, die Darsteller sind gut. Die erste Miniserie ist einen Tick besser, weil das Setting weniger verbraucht ist.

Zusammenfassend möchte ich beide „Manon” Teile empfehlen. Natürlich handelt es sich um keine leichte Kost, sondern um intensive Coming-of-Age Dramen, die einen emotional angreifen können. Die französischen Serien haben zwar kleinere Makel, sind aber überwiegend sehenswert und kleine Geheimtipps. Wer intensive, bittere Jugend-Dramen mag, wird bei „Manon” nicht enttäuscht – obwohl die Serien manchmal noch etwas tiefer gehen oder böser sein dürften.

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„Vladimir” basiert auf dem gleichnamigen Buch der Autorin Julia May Jonas, die auch in diese 8-teilige, insgesamt rund 4-stündige Miniserie involviert war. Im Zentrum der Handlung steht M (Rachel Weisz), eine Professorin, die in einen Shitstorm gelangt, weil ihr Ehemann und Professor-Kollege (John Slattery, schön ihn mal wieder zu sehen, „Mad Men”) in seiner Laufbahn ständig Affären mit seinen Studentinnen hatte. Diese Affären werden nun untersucht, weil man heutzutage das Machtgefälle mehr berücksichtigt und sich fragt, ob diese Affären wirklich einvernehmlich waren. Die vordergründig feministische M muss sich nun für eine Seite entscheiden (sehr ähnlich zum aktuellen „After the Hunt”), doch das ist für sie weniger relevant, weil sie stattdessen ihre Augen auf den neuen jungen Kollegen Vladimir (Leo Woodall) wirft. Sie ergeht sich in Sex-Träumen mit ihm und versucht ihm fast peinlich näher zu kommen. In der Mitte der Handlung probiert sie auch über eine Freundschaft mit seiner aktuellen Freundin an ihn heranzukommen. Ob Vladimir diese Anschmachtungsversuche erwidert oder nicht, bleibt lange die Frage und kulminiert in einer recht absurden finalen Folge.

Was mich am meisten ansprach, ist die Machart. Hauptfigur M bricht die 4. Wand und spricht direkt mit den Zuschauern. Man versucht die Buchherkunft nicht zu verschleiern. Auch die Produktion ist solide und die Darsteller sind in Ordnung. Doch letztlich ist das für mich inhaltlich nicht weit von „50 Shades of Grey” entfernt. Soft-Erotik in Buch- und Miniserien-Form, nicht als Romantasy getarnt, sondern im Uni und #Metoo-Milieu. Ab und an fühlt man sich auch an „You“ erinnert. Doch letztlich geiert eine ältere Frau einfach auf den Junior Professor und erregt sich an seinem Körper und seinem Intellekt. Über die volle Laufzeit ändert sich daran wenig. Die finale Folge hätte das Potential gehabt, dem Ganzen eine sehr interessante Wendung zu geben, entscheidet sich aber leider anders, so dass mich das Ende auch nicht überzeugen konnte.

Zusammenfassend ist „Vladimir” ein bisschen Soft-Erotik mit wenig überzeugender Nebenstory. Wer genau das gerne sieht, der schaut zu, alle anderen können sich diese Netflix-Miniserie sparen.

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Die Voraussetzungen für die zunächst 8-teilige Serie waren eigentlich großartig und auch der Stil, der„Peaky Blinders” auszeichnet, findet sich in der Serie wieder. Visuell ist „House of Guinness” nichts vorzuwerfen, es gibt einige spannende inszenatorische Ideen und Kniffe und auch die Schauspieler sind überwiegend okay bis gut. Nach einem expositionshaltigen Beginn driftet die Handlung allerdings nach einer ganz guten 3. Folge völlig in die Schmonzette ab. Wen kann man heiraten? Muss es jemand von der Liste sein? Aus welchen Gründen wird geheiratet? Wie vertuscht man die Homosexualität? Darf die Frau dann auch einen anderen Mann nebenher haben? Was, wenn sich Gefühle und mehr entwickeln? Und wie viel hat die eigentlich zukunftsgewandte Frau am Ende zu sagen? Dann lauert unter allem nach der theoretisch interessante Handlungsstrang der irischen Unabhängigkeit, der allerdings lange auch nur dafür da zu sein scheint eine weitere Liebschaft groß aufzubauen und auszuerzählen… Alles dreht sich nur um die Kids und wie sie ihr Liebesleben gestalten, während sie sich gerne mal streiten. Somit wird die Serie spätestens ab Folge 4 zum Groschenroman und findet erst mit dem Wahlkampf in der letzten Episode wieder an einen interessanten Punkt, nur um dann schwach auf einem Cliffhanger zu enden.

„House of Guinness” ist visuell und inszenatorisch überzeugend, doch die Handlung erreicht leider nur selten ein hohes Niveau. Eines meiner Highlights war der interessante Storystrang rund um die USA und die Expansion dort. Doch leider fällt dieser zu kurz aus, dennoch freute ich mich Jack Gleeson (König Joffrey, „Game of Thrones”) mal wieder zu sehen. Er kann es immer noch, wie man in der Szene sieht, wo er jemanden einschüchtert. 

Vielleicht wurde „House of Guinness” ein Opfer meiner falschen Erwartungen. Ich hätte mir definitiv weniger Liebe und mehr Action, mehr Rivalitäten, mehr irischen Unabhängigkeitskampf und mehr Unternehmensleitung gewünscht. So wirkt die Story arg eingefahren und es fehlt Tiefe. Auf der positiven Seite fokussiert sich die Handlung vollends auf ihre Charaktere, die man zumindest teilweise durchaus mögen kann. Mir war es letztlich zu wenig und ich vermute, dass auch reine Schmonzetten-Fans nicht ganz auf ihre Kosten kommen werden. 

Das alles klingt schlechter als die Serie ist, da vor allem die Enttäuschung aus mir spricht. Letztlich ist „House of Guinness” eine Historiendrama-Serie, die Liebschaften und Familiendrama in den Vordergrund stellt und weniger ein gelungenes Zeitportrait liefert als „Peaky Blinders”. Generell erreicht es nur visuell die Klasse des offensichtlichen Vergleichswerks. Dennoch ist „House of Guinness” keine Vollkatastrophe und hat seine Stärken, doch weiterschauen werde ich wohl nicht.

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Johanne (Ida Elise Broch) sitzt mal wieder zuhause zum Dinner bei ihrer Familie mit Mutter, Vater, Geschwistern und Neffen. Platziert wurde sie zwischen den beiden Babys, „weil sie so gut mit Kindern kann”, aber eigentlich lassen sie besonders die Eltern spüren, dass sie ohne Partner eher ein Hintergedanke in der Familie ist. Als sich das Gespräch mal wieder um Johanne und ihr Datingleben dreht, macht sie das, was jede selbstbewusste 30-jährige Frau bei ihren Eltern machen würde: Sie antwortet süffisant, dass sie nächstes Jahr ihren Hund mitbringt, dass sie das nichts angeht und dass sie bitte nicht in der Familie nur über einen möglichen Partner definiert werden möchte! Moment… nein, genau das tut sie eben nicht, auch wenn ich es mir gewünscht hätte. Stattdessen sagt sie, dass sie doch einen neuen Freund habe, obwohl das nicht stimmt. Um die Lüge aufrecht zu erhalten, gilt es für sie vom 1. Dezember bis zum 24. Dezember einen Freund zu finden, den man an Weihnachten der Familie präsentieren kann.

Die Prämisse ist etwas krude, aber daraus erwächst dennoch eine recht charmante Dramedy, in der Johanne auf zahlreiche verrückte Vertreter der männlichen Spezies trifft. Alles sind Stereotypen, alles ist überspitzt, woraus „Weihnachten zu Hause” auch Teile seiner Comedy zieht. Johanne datet also jeden Tag einen anderen Typen, der komplett weird ist, kommt zu spät zur Arbeit, muss sich von jungen Eltern „tolle” Tipps anhören und bemerkt auch noch, dass das Familienleben ihrer Eltern vielleicht gar nicht so gut ist, wie sie dachte. Daraus ergeben sich einige konstruierte, aber ganz spaßige Momente (Weihnachtsfeier). Dennoch hätte ich mir gewünscht, dass auch die anderen Charaktere neben Johanne etwas mehr Tiefe erhalten und sie ihre Ansprachen auch mal an die Familie richtet. Obwohl leichte „Fleabag“ bei mir aufkamen, bleibt „Weihnachten zu Hause” leider ein gutes Stück hinter diesen Möglichkeiten und der Tragik (bewusst) zurück.

Das norwegische Setting, die sympathische Hauptfigur und die Beobachtungen der Gesellschaft (im Hinblick auf Singles Ü30 und Eltern) heben die Serie positiv von Vergleichbarem ab und können einen in Weihnachtsstimmung bringen. Auch wenn die Nebencharaktere allzu karikaturesk, klischeebehaftet und überzeichnet sind und die Prämisse etwas halbgar wirkt, funktioniert „Weihnachten zu Hause” als schöne, kurzweilige, atmosphärische Serie zu Weihnachten.

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Die israelisch-amerikanische Serie, die in ihrer ersten Staffel 8 Folgen lang ist und wohl noch eine Fortsetzung bekommen soll, überzeugt mit ihrer Darstellung der 1970er Jahre. Das Setting eines Kibbuz am See in Nordisrael und auch in München wird gut getroffen. Im Zentrum stehen Uri (Masucci) und seine Familie rund um Frau Anna (Ania Bukstein), Tochter und Sohn, die beide Anfang 20 sind. Uri versucht ein großes Geschäft für Wasserfilter ans Laufen zu bekommen und erhält frühzeitig ein Angebot von Deutschen in Höhe von 30 Millionen DM, womit er die Schulden des gesamten Kibbuz tilgen könnte. Die Tochter der Familie studiert und trifft dort auf einen Forscher aus den USA, den sie auf das spannende Thema des generationsübergreifenden Traumas bei Holocaustüberlebenden bringt. Fortan lebt dieser Forscher im Kibbuz und spricht mit zahlreichen Einwohnern. Dabei wird deutlich, dass Uri und Anna eine traumatische Vergangenheit verbindet und sie sich damals in einem Auffanglager nach Kriegsende noch in Deutschland kennen und lieben lernten. Anna wird durch Forscher von einem Aufklärungsdrang gepackt. Nachdem sie ihre Vergangenheit 25 Jahre lang beiseite schob, möchte sie nun genau wissen, was mit ihrer Familie passiert ist und auch ob Uri als Holocaustüberlebender in Auschwitz noch Verwandte hat. Dabei stößt sie allerdings auf einige Ungereimtheiten. Parallel wird Uri vom Mossad angeheuert, um eine SS-Bande zu unterwandern, die Verbindungen nach Brasilien zu Mengele hat. Dort muss er sich und seine Tarnung in spannungsgeladenen Gesprächen immer wieder auf die Probe stellen.

„The German” ist gut gespielt, Masucci lernte sogar extra hebräisch für die Rolle. Das Setting ist gut, die Inszenierung ist solide, die Grundgeschichte ist spannend und überraschend. Dabei wird allerdings schnell deutlich, dass die Handlung rund um Agenten und Spionage die interessanteste ist, die allerdings nicht den größten Raum einnimmt. Darüber hinaus ist auch Annas Suche und Durchforsten von Archiven mit ihren neuen Erkenntnissen aufregend. Wären diese beiden Handlungsstränge die einzigen relevanten, dann hätte mir die Serie noch besser gefallen. Leider gibt es noch zahlreiche weitere Zutaten für diese Dramaserie, vor allem unnötigerweise unzählige Liebschaften. Dass die Tochter mit dem Forscher anbandelt, der durch die Aufarbeitung des Traumas eine bedeutsame Komponente in die Geschichte einbringt, passt noch gut. Doch was soll der Sohn der Familie? Durch seinen Mist am Anfang wird sein Vater erpresst, danach ist er irrelevant für die Geschichte. Mal ist er traurig, dann wieder nicht, dann geht es an die nächste Freundin, Schuld scheint er kaum zu fühlen. Er ist wirklich ein komplett hassenswerter Charakter, dessen Liebschaften dennoch viel Raum einnehmen. Wenn das generationsübergreifende Trauma an seinem Beispiel gezeigt werden sollte, ist das für mich leider nicht gelungen. Auch viele andere Affären und Verwicklungen hätte es für mich nicht gebraucht. All dies bläht die so spannende Grundgeschichte mit SS-Spionage und dem Nachforschen über die dunkle Vergangenheit leider unnötig auf, wodurch das Tempo immer wieder herausgenommen wird. Schade!

Für mich hätten deswegen auch 6 Folgen ausgereicht, die sich auf die genannten wichtigen Themen fokussieren. So war ich leider nicht durchgehend unterhalten, sondern manchmal leider etwas genervt. Doch die Zuspitzung und die Enthüllungen bringen die Serie nach ruhigem Beginn in der Mitte auf eine neue Stufe, die mir sehr gut gefiel. Deswegen ist die Bewertung etwas ambivalent. Das Ende ist polarisierend. Für mich funktioniert es hervorragend als zynisches offenes Ende, aber tatsächlich ist es wohl eher ein Aufgalopp für eine 2. Staffel. An der ich durchaus noch Interesse hätte. 

„The German” ist eine interessante Serie, die geschickt eine Spionagegeschichte mit großem Familiendrama und Traumata vor dem lauernden dunklen Schatten des Holocausts verbindet. Darsteller und Setting sind sehr gut, leider gönnt sich die Geschichte zu viele wenig interessante Nebenhandlungsstränge, die die spannende Haupthandlung verwässern. Dennoch wirkt die Geschichte frisch und unverbraucht, wodurch es eine kleine Empfehlung gibt. Die Serie von 2025 ist noch sehr unbekannt und aktuell ein klarer Geheimtipp.

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Diese Frage wird final in der letzten Folge geklärt, bis dahin zeigt die Geschichte, wie es zum Höhepunkt des Streits kommen konnte. Dabei nutzt die Miniserie den Kunstgriff der Erzählung aus zwei verschiedenen Perspektiven, wie man es beispielsweise aus „The Affair” kennt. Teilweise erzählt die überbehütende Mutter Laura (Robin Wright, auch Regie in einigen Folgen), teilweise die Immobilienmaklerin und soziale Aufsteigerin Cherry (Olivia Cooke). Manchmal werden so dieselben Szenen anders aus den unterschiedlichen Blickwinkeln dargestellt. Dies führt immer wieder zu Abblenden an Höhepunkten, weil die Story bis dahin eben noch aus der anderen Perspektive erzählt werden muss, bis man dann am spannenden Punkt fortfahren kann. Doch welche Geschichte wird hier eigentlich erzählt? 

Eine altbekannte in neuem Anstrich. Lauren lebt mit ihrem Mann und Ende 20er Sohn Daniel (Laurie Davidson) in London, die Familie ist aufgrund des Ehemanns reich und verkehrt in der Oberschicht. Sie verhätschelt ihr Söhnchen komplett, was auf einen Todesfall seiner Schwester in der Vergangenheit zurückgeführt wird. Nun tritt Cherry in das Leben des Sohnes und die beiden verlieben sich sofort und sehr schnell scheinbar unsterblich ineinander. Vor allem die große sexuelle Spannung, die stets ausgelebt wird und leicht in Richtung Soft-Erotik abdriftet, scheint die beiden zu verbinden. Aus der Beobachterperspektive ist es zunächst schwierig zu verstehen, wie Cherry sich in diesen dauergeilen, kaum intelligenten Wuschelkopf eines Muttersöhnchens mit zahlreichen roten Flaggen in der Familie verlieben kann – außer seinem Reichtum, der aber eben von der Familie stammt. Dennoch bleibt diese Chemie weitgehend unklar, weil der Sohn wirklich überhaupt keine Aura außer „Muttersöhnchen” versprüht. Mutter Lauren ist ein kompletter Kontrollfreak, der ihren Sohn nicht teilen und loslassen möchte, ein paar fremdschämige Mutter-Sohn Sequenzen – auch im sexuellen/ödipalen Bereich – gibt es natürlich auch. Nachdem die beiden seltsamen Rivalinnen einen schlechten Start hatten, an dem beide nicht unschuldig sind, deckt Lauren ein paar Lügen auf und schon bald entbrennt ein Kampf der beiden Frauen um das Nesthäkchen, bei dem es schnell nur noch ums Gewinnen geht – wobei ich mich wirklich frage, was der Typ für ein Preis sein soll…

Das Setting wirkt fast wie eine Parallelwelt zu unserer existierenden Welt. Vor allem, weil man viele Charakterentscheidungen nicht versteht, die Figuren weder um die Ecke noch in einer Geraden denken können und weil die Handlung wahnsinnig konstruiert wirkt. „Oh die neue Freundin meines Sohnes wird gleich durch die Tür kommen, lass uns mal lautstark Witze über ihren Namen machen” ist ein frühes Beispiel, doch die Krone aufgesetzt, bekommt die absurde Idee der Mutter etwas Bedeutendes zu vertuschen. Ich möchte das nicht spoilern, aber im Grunde ist der große, durchaus überraschende Plotpoint in der Mitte wirklich komplett quatschig, absurd aufgelöst und in seinen Auswirkungen so erwartbar dumm, dass man sich an den Kopf fassen muss. Das Vorab-Ende ist letztlich nochmal ziemlich doof, das finale Ende auch, aber immerhin gelungen.

Das klingt alles etwas negativer, als es eigentlich ist. Die Produktion der Serie ist solide, die beiden Hauptdarstellerinnen sind ganz gut, es gibt auch einige interessante Bilder und Kameraideen, die Spannungskulisse wird vernünftig aufgebaut (es wäre besser gewesen, wenn man in Folge 1 nicht spoilert), die Eskalationsschraube gekonnt gedreht und auch die Ambivalenz, auf welcher Seite man als Zuschauer stehen möchte, hat mir gut gefallen. Ähnlich wie „You” bricht die Serie teilweise Romanzenklischees auf, weil man sich hier vorstellen kann, dass das Schwiegermonster vielleicht sogar einen Punkt hat und wirklich mehr hinter Cherry steckt. Wie die Frauen sich später gegenseitig attackieren und zerstören wollen, ist amüsant, doch logisch ist es häufig leider nicht (Stichwort Passwörter). Wie oft Kommissar Zufall mitspielen muss, damit sich Figuren zu diesem Zeitpunkt in diesem Moment sehen und diese Szene überhaupt ablaufen kann, ist wirklich verblüffend. Da muss man schon das Romance-Klischee des Schicksals vermuten, anders ist das alles nicht zu erklären (oder eben durch ein faules Drehbuch). 

Letztlich kann man sich bei „Das Gift der Seele” aber auch zurücklehnen, nichts hinterfragen und das sich entfaltende Romanzen-Familiendrama mit Thrillerelementen genießen, stilistisch und auch in ihrem Tempo kann die 6-teilige Miniserie überzeugen. Doch mir fehlt die Substanz und das Verständnis für die Figuren. Auch das Ende konnte mich nicht versöhnen, sondern ließ mich kopfschüttelnd zurück. Schade.

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Der Schauplatz der Liebesgeschichte mit starken Coming-of-Age Elementen, die in 12 etwa halbstündigen Episoden erzählt wird, ist zunächst das heutige Irland. In der Oberstufe der örtlichen Dorfschule verlieben sich die Außenseiterin Marianne (Edgar-Jones), die aus einer wohlhabenden, aber problematischen Familie stammt, und Connell (Mescal), der sportliche und beliebte Typ, dessen Mutter als Putzfrau bei Mariannes Familie arbeitet. Trotz dieser schwierigen Ausgangssituation kommen sich die beiden näher und die Serie betrachtet fortan, wie sich ihre Beziehung durch Höhen und Tiefen im Laufe der Zeit weiterentwickelt. Zunächst in einem Schwerpunkt während ihrer College-Zeit in Dublin, später auch darüber hinaus.

Ich möchte nicht behaupten, dass „Normal People” das Genre-Rad neu erfindet. Natürlich gibt es einige klassische Elemente, die man von vielen anderen Serien und Filmen mit einer Lovestory im Mittelpunkt kennt, aber „Normal People” ist ungleich intensiver und wirkt realistischer. Die vielleicht größte Stärke der Serie ist, dass Szenen nicht vorschnell beendet werden, wie es sonst so häufig passiert. Oft wirkt dieses Genre wie ein Abhaken einer Checkliste: Erster Kuss, erster Sex, Streit, Versöhnung, Trennung oder Heirat. Hier wird sich mehr Zeit für alles genommen, wodurch die Figuren deutlich nahbarer wirken.

In dieser Miniserie werden die Themen anders erzählt. Mit einer Kamera, die in den erotischen Szenen nah bei den Gesichtern der Protagonisten bleibt, und die – noch viel wichtiger – bei den zahlreichen Dialogen die Emotionen gekonnt einfängt. Tatsächlich reden und diskutieren die beiden Protagonisten für das Genre überraschend viel miteinander, entschuldigen sich vielleicht für vergangenes Verhalten und erklären ihre Beweggründe. Doch während der großen Emotionen funktioniert auch in dieser Serie realistisch die Kommunikation nicht immer, so dass einige Gespräche erst mit einem Abstand von einigen Jahren geführt werden. Natürlich wirkt die Haupthandlung von „Normal People” in gewissem Maße konstruiert, wenn sie eine Beziehung mit Höhen und Tiefen über Zeiten von Distanz und Nähe erzählt. Teilweise kann man in den Szenen das Verhalten der beiden Protagonisten nicht so recht nachvollziehen, aber später können die Charaktere selbst das auch nicht mehr, was sehr erfrischend ist. Figuren, die sich und ihr Handeln hinterfragen können und daraus glaubwürdig lernen, gibt es leider nicht allzu häufig. Stark abgerundet wird die Serie durch eine clevere Erzählweise, die nach dem Beginn mit Marianne als Hauptfigur, aus deren Blickwinkel primär erzählt wird, später ohne Mühe auf Connell und später wieder zurück wechselt. 

Ich bin kein bekennender Fan des Romanzen-Genres, aber „Normal People” überraschte mich damals sehr positiv. Auch wenn das Pacing nicht durchgehend hervorragend ist und es in der Mitte Episoden gibt, in denen weniger passiert, weiß die Serie mit einem interessanten und mutigen Ende zu punkten. Die drei finalen Folgen sind allesamt ganz großartig. Wegen all der bereits genannten Stärken ist „Normal People” seiner Konkurrenz überlegen und meine Nr.1 Empfehlung im Bereich der Liebesgeschichten. Nur ein paar koreanische Vertreter wie “Twenty Five Twenty One” kamen im Laufe der Zeit in die Nähe der Qualität von „Normal People”, ganz erreichen konnte sie allerdings bisher aus meiner Sicht niemand.

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Die teilweise hochemotionale Geschichte beginnt im Jahr 2021, als die Tochter der späteren Hauptfigur Na Hee-do (Kim Tae-ri) entscheidet mit dem Ballet aufzuhören und bei ihrer Großmutter einkehrt. Dort findet sie die Tagebücher ihrer Mutter, wodurch die Handlung ins Jahr 1998 springt und die Haupthandlung einsetzt. Aufgrund der sogenannten Asienkrise – eine große Finanzkrise – schließt das Fechtteam an Na Hee-dos Schule, sie wechselt deswegen auf eine andere Schule, an der auch die nationale Goldmedaillengewinnerin Ko Yu-rim (Kim Ji-yeon) trainiert. Sie ist das Idol von Na Hee-do, deren Leidenschaft vor allem dem Fechten gilt. Doch Yu-rim ist eine distanzierte Person, die ihr zunächst die kalte Schulter zeigt, womit die emotionale und nahbare Hee-do ihre Schwierigkeiten hat. Daraus entwickelt sich eine sportliche und persönliche Rivalität. Doch natürlich fehlt auch noch das Love Interest Baek Yi-jin (Nam Joo-hyuk), dessen ehemals reiche Familie nun verarmt ist, der Yu-rim schon länger kennt und Reporter werden möchte. Um diese drei Hauptpersonen entwickelt sich eine Geschichte rund um Rivalitäten, Freundschaften und Liebe, die zahlreiche klassische Coming-of-Age Themen beinhaltet.

Die Serie umfasst insgesamt 16 Episoden, die jeweils zwischen 70-90 Minuten lang sind. Mutmaßlich hätten auch 16 einstündige Folgen oder 10 neunzig-minütige Episoden ausgereicht, um die interessante Geschichte zu erzählen, ich empfand „Twenty Five Twenty One” aber nicht so langatmig, wie die Vergleichsserie „Crash Landing on You”. Der Beginn ist temporeich, die sich zuspitzende Rivalität interessant, die Entwicklung der Freundschaften und die dargestellte Zeit wirken authentisch. Ankerpunkt der Serie ist (für mich) der Sportteil, der mir sehr gut gefallen hat. Vor allem, wenn sich die Handlung zu Wettkämpfen verschiebt, was immer mehr Raum einnimmt, sobald Hee-do später auch im Nationalteam kämpft, gelingen wunderbare Sportfilm-Momente.

Der Sport hebt die Serie oberflächlich von klassischen Liebesdramen ab, allerdings geht die Liebesgeschichte auch eigene Wege. Durch den Kunstgriff der Erzählung aus 2021 kann man bereits zu Beginn erahnen, dass es mit einem vollkommenen und unbeschwerten Happy End schwer werden könnte. Ich schätze es sehr, dass die Handlung nicht vor konsequenten, schwierigen Entscheidungen zurückschreckt – auch wenn diese für Genrefans unpopulär sind. Die Serie fühlt sich vor allem dem Drama verpflichtet. Eine (kleine) Hürde ist das Overacting, das relativ typisch für koreanische Romanzen ist, aufgrund der noch recht jungen Figuren und der hochemotionalen Hee-do hier allerdings besonders stark wirkt – vor allem in den Romantic Comedy Segmenten, die auch mit einer Menge Slapstick garniert werden. Die Comedy zündete für mich leider nicht vollumfänglich. Wenn man diese kleinen Makel aber beiseite schieben kann und sich auf diese andere Kultur einlässt, dann kann „Twenty Five Twenty One” sogar begeistern. Denn die Serie bietet ein ausgefleischtes Drama mit guten Charakteren und starken Prinzipien, gelungener Gesellschaftskritik und einer hochwertigen Produktion, die mit ihrer Musik weiß, wann sie auf die Tränendrüse drücken kann.

Für mich ist „Twenty One Twenty Five” die zweitbeste Romanzen-Serie überhaupt – nach „Normal People”. Das liegt daran, dass ich die Fechtgeschichte sehr mochte und die Liebesgeschichte sich nicht so klassisch und klischeehaft entwickelt. Die Figuren sind sympathisch und nachvollziehbar, ich konnte mit ihnen mitfühlen und habe einige starke Szenen, in denen sich die Serie aktiv gegen Klischees wehrt, genossen. Dabei ist vor allem die letzte Folge zu nennen, die deswegen schlechter bewertet ist, als viele andere Episoden. Ich fand den Abschluss allerdings mutig und glaubwürdig.

Als Fan von Romantic Comedys, sollte man für „Twenty Five Twenty One” den Blick über den Tellerrand wagen, denn hier werden dem Genre spannende neue Facetten hinzugefügt. Die Serie gibt es auf Netflix deutsch synchronisiert, das gefühlte Overacting könnte etwas anfänglich stören, sollte aber letztlich keine Hürde darstellen. Ein Geheimtipp!

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