Die erste Kampagne der Critical Role Gruppe wurde als „The Legend of Vox Machina” verfilmt, die ich allerdings noch nicht gesehen habe. „The Mighty Nein” spielt rund 20 Jahre nach den vorherigen Ereignissen, man muss den Vorgänger aber nicht gesehen haben, um diese Abenteuer- und Actionanimationsserie genießen zu können. Die Serie ist extrem blutig, brutal und durch die zahlreichen Rassen, Fraktionen und Magie-Superkräfte sehr komplex. 

Die 8-teilige erste Staffel nimmt sich zu Beginn viel Zeit für die Exposition. Die sechs Hauptcharaktere, die später zur „Mighty Nein” werden, bekommen alle ihre Vorgeschichte, während parallel der große Krieg droht. Denn der Supermagier des Imperiums stiehlt mit Hilfe eines Kryn das heilige Artefakt der Kryn, in dem sich alle Seelen der Verstorbenen sammeln, wodurch sie wiedergeboren werden können. Doch das Artefakt kann offenbar noch viel mehr – zum Beispiel als Superwaffe dienen. Einige der Helden stecken in diesem Konflikt allerdings mal mehr und mal weniger mit drin. Nach einem folgenreichen Treffen auf einem Jahrmarkt mitsamt großem Kampf gegen eine Riesenkröte, rauft sich die Gruppe zusammen, um am Ende der ersten Staffel das Artefakt zu stehlen.

„The Mighty Nein” versucht an keiner Stelle seine Ursprünge als Pen & Paper Abenteuer zu verschleiern. Zwar wird natürlich nicht gewürfelt, aber dadurch wirkt alles wie ein Videospiel. Teilweise stehen typische Quests an der Tagesordnung und die Charaktere sind alle sehr überspitzt und häufig humoristisch. Die Animation ist hochwertig, die Actionsequenzen sehen gut aus und auch der visuelle Stil mit einigen starken Bildern kann überzeugen. Das Erzähltempo ist anfangs zwar gemächlicher, doch Langeweile kommt dennoch nie auf. Dennoch ist die Geschichte immer dann besser, wenn die Gruppe zusammen einen Plan verfolgen muss. Somit kommt es in der Mitte zum Highlight der 1. Staffel, ich war am Ende leicht davon enttäuscht, dass die Geschichte mittendrin aufhört. Naiverweise war ich davon ausgegangen, dass man eine Kampagne auch in einer Staffel erzählen kann, aber die Vorgängerserie soll 5 Staffeln bekommen.

Die Animationsserie mit kleinen Deutsch-Anleihen ist nicht nur etwas für Dungeons & Dragons oder Pen & Paper Fans, sondern generell für Fans von Fantasyserien. Denn die dargestellte Welt ist vielseitig, komplex und interessant. Mir fiel es zwar schwer alles zu verstehen, weil einiges nur angedeutet und anderes zufällig wirkt, aber das ist letztlich keine große Schwäche. Dennoch ist manchmal weniger mehr, was primär in der letzten Episode verdeutlicht wird, als viele neue Kräfte bekommen, die man noch nicht verstehen kann. Ob man die derbe Ausdrucksweise, die Gewalt und den Humor mag, ist sehr subjektiv.

„The Mighty Nein” kann man großflächig für Fans von Fantasy- und/oder Animationsserien empfehlen. Die Serie hat eine eigene Identität, bietet eine spannende Welt und ist hübsch animiert.

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„Tales from ‘85” hat von Beginn an mehrere Probleme. Zunächst fehlen die arrivierten Sprecher, weil Netflix ihre Stimmen für das Training von KI verwenden wollte und sie das (zurecht) strikt ablehnten. Doch natürlich fanden sich andere, die diese Aufgabe (eher schwach) erledigen. Zudem hat die Serie klassische Prequel-Probleme: Wir wissen genau, dass den Figuren nichts passieren kann, was jeder Actionsequenz die Spannung nimmt und die bedrohliche Inszenierung fehl am Platz wirken lässt. Schwierig ist in diesem Zusammenhang die neue Figur Nikki, die so wirkt, als sei sie „Vi” aus „Arcane” mindestens nachempfunden (eher eine billige Kopie). Auch der Animationsstil ist polarisierend. Die Figuren sehen sehr so aus wie in den Telltale Games (z.B. „The Walking Dead”), was man entweder mag oder nicht. Nach Betrachtung der ganzen Serie mag ich den Stil weiterhin nicht besonders, die Animationen sehen aber durchweg gut aus, auch wenn sie kein überragendes Niveau wie in „Arcane” erreichen. Was mir sauer aufstieß, war, dass man Eleven im Vergleich zur Hauptserie de facto kaum wiedererkennt. Sie ist stärker als je zuvor und je danach, besonders, weil sie dauerhaft ihre Kräfte wirken kann und keine (oder kaum) Erholungspausen braucht. Das wirkt etwas seltsam, wie auch die Begründung dafür, dass es überhaupt Monster in Hawkins gibt, nachdem Eleven das Tor doch eigentlich geschlossen hatte. Das bringt uns kurz zum Inhalt.

Forscher haben doch irgendwas von der anderen Seite in der echten Welt behalten und damit Experimente gemacht. Die gerieten natürlich außer Kontrolle und erschufen Wesen, die es davor und danach nicht mehr gab. Die Truppe rund um die jüngeren Kids (ohne die Erwachsenen und weitgehend auch ohne Nancy, Steve & Co) rennt zu Beginn vor allem davor weg, ehe sie in der Mitte versuchen die Viecher zu verstehen. Dabei bringen sie sich ständig dumm in Gefahr, die aber eigentlich gar keine Gefahr ist – die bereits genannten Prequel-Probleme. Letztlich müssen sie die Monster natürlich besiegen. Das Erzähltempo ist recht hoch, speziell in den ersten Folgen gibt es ständig Verfolgungsjagden und Actionsequenzen ohne jede Fallhöhe.

Was macht die Serie denn gut? Die Animation ist gut, die Musikauswahl ist stimmig, die Gruppendynamik funktioniert zumindest einigermaßen. Die Action ist vernünftig inszeniert. Mir gefielen die Szenen ohne Monster allgemein besser als der Rest. Wenn sich die Gruppe einen Plan zurechtlegt und diesen fernab von bösartigen Kreaturen ausführt, gefällt mir die Serie am besten. Aus meiner Sicht hätte die Aufklärung eines Mordfalls ohne Übernatürliches oder Ähnliches der Serie besser gestanden. So will „Tales of ‘85” irgendwie dasselbe, wie die Hauptserie erzählen, nur eben animiert – und aus meiner Sicht schlechter auf fast allen Ebenen (die Animation ist besser als so manches CGI).

Für wen ist es was? „Tales of ‘85” kann für alle funktionieren, die gar nicht genug von „Stranger Things” bekommen können und einfach sehen wollen, wie die Gruppe interagiert und sich erneut Monstern gegenübergestellt – zu passender Musik und mit Superheldenkräften von Eleven in höherer Frequenz als je zuvor. Zudem darf einen der Sprecherwechsel nicht stören. In diesem Fall funktioniert die Serie.

Wer sich mehr von der Serie versprochen hat, wird enttäuscht. Für mich häuften sich die Hindernisse zu sehr, um wirklich Spaß zu haben. Das größte Problem sind die anderen Stimmen und die steten Actionsequenzen ohne jegliche Gravitas, die bei mir eher Langeweile erzeugten. Wirklich schlecht ist das alles nicht, aber irgendwie wirkt es seelenlos, beliebig und mit der heißen Nadel zusammengestrickt. Schade. Ich bin gespannt, ob es noch mehr Spin-Offs geben wird.

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Die Animeserie, die auf dem gleichnamigen noch laufenden Manga basiert, versucht einen ganzen Haufen von aktuellen Themen und Problemen unter einen Hut zu bekommen und übt dabei deutliche Gesellschaftskritik. Sie richtet sich sehr deutlich an Erwachsene. Zunächst erinnert die Handlung fast an eine unbeschwerte High School-Serie. Charlie muss sich an der Schule zurechtfinden, wobei er natürlich der Außenseiter, aber auch auf eine Freundin trifft und zum ersten Mal seine Kräfte demonstriert. Danach versucht sich die Serie kurzzeitig an philosophischen Fragen und verbaut darin auch das Veganismus-Thema. Dann stehen die Terrorgruppe und ein brutal heftiger Terroranschlag, für den man eine Triggerwarnung aussprechen muss (Amoklauf) im Vordergrund. Auch Vorverurteilungen und falsche Gerüchte, die einen Mob zu Gewalt aufrufen, werden thematisiert. Tierrechte, Gesetze und die Frage nach der Rechtslage rund um Charlie werden ebenso verhandelt. In „Darwin’s Incident” steckt damit eine ganze Reihe von Themen, die allerdings mal besser und mal schlechter beleuchtet werden. Manches wirkt oberflächlich, einige Charaktere verkörpern ausschließlich Stereotype, um bestimmte Inhalte in den Mittelpunkt zu rücken. Auch die direkte Verknüpfung von Veganismus und Terrorismus wirkt auf den ersten Blick recht absurd, wird aber gut durch eine Mobmentalität mit gelebten Hexenjagden unterfüttert. Die Serie wirkt in ihren guten Momenten dystopisch und in ihren schlechten unglaubwürdig.

Insgesamt empfand ich die fehlende Vorhersehbarkeit als eine große Stärke von „Darwin’s Incident. Ich hätte zu Beginn niemals erwartet, dass sich alles so entwickelt und so viele Themen angeschnitten werden. Manchmal hätte ich mir mehr Konzentration auf weniger Inhalte gewünscht, wodurch mehr Raum zur Entfaltung möglich gewesen wäre. Aber letztlich muss man das bewerten, was man bekommt und nicht das, was hätte sein können. Dabei kam mir die Logik hinter den Aktionen der Terrororganisation zu kurz. Bis zum Ende habe ich ihren großen Plan nicht vollends nachvollziehen können. Warum sie bestimmte Dinge taten und was sie sich davon genau versprachen, wurde leider nicht wirklich erklärt.

Der Zeichenstil ist hübsch, die Actionsequenzen sind ansehnlich. Das schwankende Erzähltempo ist etwas seltsam. Nach einem recht ruhigen Beginn gibt es die wirklich krassen Folgen (à 25 Minuten) in der Mitte der 13-teiligen 1. Staffel, das Ende trudelt etwas aus und wird zum Cliffhanger für eine neue Bedrohung. Selten hat mich eine Handlungsstrang (Amok) so überrascht, eine solch fiese Inszenierung innerhalb eines Anime hätte ich nicht erwartet und presste mich vor Spannung und Ekel in den Sitz. Die beiden Episoden saßen wie ein tiefer Schlag in die Magengrube. Auch die Actionsequenz in Folge 10 ist überzeugend.

„Darwin’s Incident” ist eine hochpolitische Animeserie, die auch vor knallharten Themen keinesfalls zurückschreckt. Dabei ist sie manchmal allerdings etwas zu oberflächlich und das Erzähltempo wirkt etwas seltsam. Dennoch möchte ich den Mut der Serie loben und sie vorsichtig für Leute empfehlen, die in ihrem Anime mal etwas ganz Anderes sehen wollen. Nicht alles davon glänzt, aber man wird überrascht. Ich bin hooked und freue mich auf weitere Folgen.

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Die Designerin Tsukiko Sagi konnte vor Jahren einen Überraschungshit mit ihrer Hund-ähnlichen gezeichneten Figur namens Maromi landen, die eine Ikone wurde und zu der viel Merchandise gekauft wird (quasi wie Pikachu). Nun wird sie von ihrem Arbeitgeber unter Druck gesetzt endlich eine Nachfolgefigur zu erschaffen, die bestenfalls noch erfolgreicher ist. Die junge Frau befindet sich allerdings in einem kreativen Loch. Doch damit nicht genug: Eines Abends wird sie verfolgt und ein Jugendlicher mit goldenen Rollerblades und einem ebenso goldenen Baseballschläger (Shōnen Bat) schlägt ihr auf den Kopf, sie muss ins Krankenhaus. Dort wird sie von Polizisten befragt, einer glaubt ihr allerdings nicht. In den folgenden Episoden wechselt die Erzählperspektive immer zu einer anderen Figur: Mal ein Boulevardjournalist, mal ein Junge, der verdächtigt wird der Täter zu sein, mal eine Frau mit gespaltener Persönlichkeit. Doch alle haben eines gemeinsam: Am Ende werden sie von Shōnen Bat attackiert. Die Polizei geht von einem Serientäter aus. Doch steckt vielleicht noch mehr dahinter?

Spätestens ab Folge 5 der 13-teiligen Animeserie mit einer Laufzeit von 25 Minuten pro Episode dreht die Handlung sehr ab, da der Hauptverdächtige die Realität mit einem Videospiel verwechselt, was auch visuell dargestellt wird. Auch danach gönnt sich die Geschichte einige Abzweigungen, sowohl das Genre als auch teilweise der ganze Zeichenstil werden gewechselt. Es ist ein Erlebnis. In der Mitte gibt es einige Folgen, die sich recht weit von der Haupthandlung entfernen und stattdessen als Gesellschaftskritik des Regisseurs angesehen werden können. In einer Folge tratschen einige Personen sensationsgeil miteinander und tauschen die schlimmsten Schauergeschichten aus, eine andere Episode kümmert sich (auf der Metaebene) um das Innenleben der Produktion eines Anime – die Unfähigkeit und der Druck stehen im Vordergrund, die hervorragende, sehr absurde 8. Folge beschäftigt sich mit drei Leuten, die sich online zum gemeinsamen Selbstmord verabreden… Das ist verrückt, das lässt die Haupthandlung komplett auf der Stelle treten, aber es gelingen einige sehr schöne Beobachtungen. Erst am Ende findet die Haupthandlung zurück und entschlüsselt relativ viel von dem Gesehenen, große Fragen bleiben kaum zurück. Ich würde empfehlen auch die „After Credits”-Szene der letzten Folge anzusehen, um einen guten Durchblick zu bekommen.

Insgesamt ist „Paranoia Agent” eine wunderbar kreative Animeserie, der Regisseur scheint absolut freie Hand gehabt zu haben und konnte genau seine Themen erzählen, wie er wollte. Dass dabei der rote Faden etwas auf der Strecke bleibt: Geschenkt. Denn sowohl inhaltlich als auch visuell weiß die Serie zu überzeugen. Die psychologischen Themen, die Gesellschaftskritik, die verschiedenen Zeichenstile, der Kampf, die Auflösung, die Zeit danach: Das ist alles sehr gut und pointiert umgesetzt. Die Serie regt inhaltlich zum Nachdenken an und unterhält visuell. Eine gute Kombination. Dennoch ist nicht alles Gold, was wie ein Baseballschläger glänzt. Die ersten Folgen wirken etwas repetitiv, die Mitte scheint gestreckt durch ihre Abkehr von der Haupthandlung, einige Episoden und Ideen fühlen sich „zu weit draußen” an. Doch wenn man am Ball bleibt und sich in diese Welt hineinziehen lässt, dann wird man belohnt und bemerkt die Makel kaum.

„Paranoia Agent” ist eine Miniserie wie keine andere und hebt sich deutlich vom Einheitsbrei ab. Allein das macht sie sehenswert, zudem ist sie sowohl thematisch als auch visuell überzeugend – wenn auch etwas sperrig. Das Interesse und auch die Fähigkeit schwierige Themen so zu präsentieren, rechne ich Satoshi Kon hoch an. Wer ohnehin Fan der Werke des kreativen Regisseurs ist, kann bedenkenlos zusehen, ansonsten würde ich für den Einstieg in sein Schaffen eher „Perfect Blue” empfehlen. Aber danach kann man zu „Paranoia Agent” irgendwann zurückkehren. Es lohnt sich.

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„Attack on Titan” ist eine überraschend vielschichtige Serie, die zahlreiche Themen angeht und gekonnt in 4 Staffeln und 89 Episoden beleuchtet. Dabei gibt es auch immer wieder passende Vergleiche mit der realen Welt. Doch von vorne: Hundert Jahre vor dem Einsetzen der Haupthandlung tauchten plötzlich riesige Titanen (Gestalten in Menschengewand in Übergröße) auf und griffen die Menschheit an, um sie zu fressen. Daher haben sich die Menschen hinter mehrere hohe Stadtmauern ins Landesinnere zurückgezogen. Die Titanen können diese Mauern anfangs nicht überwinden. Deshalb wiegt sich die Menschheit, die wie eine Nation von einer Monarchie geführt wird und zeitweise an eine Militärdiktatur erinnert, in Sicherheit – bis das Unvorstellbare geschieht. Eines Tages bricht ein ganz besonderer Titan, der im Gegensatz zu seinen Kollegen intelligent zu sein scheint, durch die Mauer und öffnet sie, schnell sterben unzählige Menschen. 

Unsere Hauptfiguren Eren Yeager, Mikasa Ackerman und Armin Arlert sind während der Katastrophe noch Kinder und werden von dem Titanenangriff traumatisiert. Dennoch entflammt vor allem in Eren der Wunsch Rache an den Titanen zu nehmen. Die folgenden 5 Jahre werden temporeich und kurz erzählt, die Gruppe wird zu Rekruten, militärisch ausgebildet (vor allem im 3D-Manöver, der seilartigen Kampftechnik gegen die Titanen, wie Spiderman) und soll sich am Ende entscheiden, ob sie der Militärpolizei im Inneren (sicherer Job, meiste Macht), der Mauergarnison (Verteidigung) oder dem Aufklärungstrupp (ultra gefährlich, Operationen außerhalb der Mauer) anschließt. Doch das ist nur das Setup für so viele unvorhergesehene Dinge, die bereits in der ersten Staffel geschehen und die ich nicht spoilern will. Nur so viel: „Attack on Titan” tritt nicht auf der Stelle, sondern schafft permanent neue Realitäten und überrascht durch zahlreiche Twists. Sei es im menscheninternen Kampf – bei denen auch die Themen Religion, Angst, Flüchtlinge, Ausgrenzung, Hungersnot oder die Macht der Wirtschaft/Händler im Vordergrund stehen – oder in den zahlreichen Schlachten gegen die Titanen. Die Titanen werden immer absurder und die mysteriöse Entstehungsgeschichte der Titanen nimmt einen großen Platz ein. Manchmal überschlagen sich die Ereignisse und man muss einige neue Realitäten einfach akzeptieren und gedanklich der immer verrückter werdenden Geschichte folgen. Ich hätte in Staffel 1 niemals geglaubt, dass sich die Handlung am Ende in solche Sphären begibt.

Die Geschichte rund um viele Charaktere mit deutschen Namen braucht ein paar Episoden, um richtig Fahrt aufzunehmen, präsentiert dann aber bereits früh tiefgreifende Twists. Die Serie hat fast keine „Fillerepisoden”, stattdessen geht es stets vorwärts, häufig actionreich. Das Pacing ist eine der größten Stärken, denn trotz einer so großen Anzahl von Episoden wird es nie langweilig und viele Nebengeschichten werden im weiteren Verlauf der Handlung wieder relevant. Das Charakterensemble wird stetig spielend leicht erweitert, auch die neuen Charaktere sind zumeist interessant und helfen dabei die Welt noch glaubwürdiger und greifbarer werden zu lassen. Visuell ist die Serie meistens stark, ziemlich brutal, teilweise sehr emotional und pathetisch. Die Inszenierung ist auf einem sehr hohen Niveau, die Serie wird gleichzeitig wie ein gutes Charakterdrama und eine Actionserie präsentiert, zudem kann die Serie sich visuell austoben im Vergleich zu Realserien. Auch die Konsequenz der Serie ist beeindruckend. Innerhalb der ersten 10 Folgen sterben 250.000 Menschen (20% der Bevölkerung), man sieht den Tod zahlreicher Figuren, die Opferzahlen werden im Verlauf nicht geringer. „Attack on Titan” ist nichts für schwache Nerven oder Zartbesaitete, zeitweise gibt es berechtigte Triggerwarnungen vor den Episoden.

Staffel 1 trifft den düsteren, bitteren Ton gekonnt und überzeugt durch Actionmomente und das starke Worldbuilding. Staffel 2 widmet sich vollends einem dynamischen, spannenden Kampf, Staffel 3 brilliert vor allem in der 2. Hälfte mit grandiosen Momenten – sowohl in den Schlachtszenen, als auch in den alles verändernden neuen Erkenntnissen. Die abschließende 4. Staffel kann durch ihren Mut des Perspektivwechsels punkten, ist deutlich verworrener, aufgrund ihrer zahlreichen verschiedenen Zeitebenen, und wird immer abstruser sowie paradoxer. Sie fordert die Zuschauer heraus, erschüttert ihr bisheriges Verständnis dieser Welt und der Charaktere. Das alles gipfelt in einer 2,5 stündigen Doppelfolge (The Final Chapters). Dieser Abschluss wird mit hoher Wahrscheinlichkeit niemanden zu 100% glücklich zurücklassen, es ist aber dennoch ein sehr passendes, polarisierendes und finsteres Ende. Ich bin immer noch beeindruckt von dem Mut, die Welt vollständig auf den Kopf zu stellen und ein solches Ende abzuliefern. 

Letztlich ist „Attack on Titan” ein echtes Epos und ein wahres Meisterwerk mit bitterer, aber sehr pointierter, stimmiger Aussage. Doch ist sie auch die beste Anime-Serie überhaupt? Ich kann sie nur voll empfehlen und vor allem, wenn man wunderbare Anime-Action liebt, gerne mitdenkt, die Themen verkraftet, ständige Twists mag oder eine spannende Welt entdecken und eine einzigartige, ambivalente Geschichte erleben möchte.

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Die Serie verzichtet auf große Exposition und im Verlauf auf viele Erklärungen, stattdessen entdeckt man die Welt gemeinsam mit drei Teams Überlebender, die nach dem Absturz ihres Weltraumfrachters auf einem fremden Planeten stranden. Die Schiffbrüchigen wollen zurück zum Frachter gelangen, um darin den Rest der Crew im Kryoschlaf aufzuwecken und final von diesem Planeten zu fliehen. Inhaltlich gewinnt die Serie oberflächlich keine Preise, stattdessen fühlt sich die Handlung eher wie ein Videogame an: Die Charaktere müssen von A nach B, lernen dabei die Welt kennen und müssen verschiedene, immer absurder und verrückter werdende Hindernisse überspringen. Die offensichtlichsten Referenzpunkte sind unter anderem die Videospiele „Sable” und „No Man’s Sky”, die beide die Exploration unbekannter Planeten in den Mittelpunkt stellen, auch der Film „Annihilation” teilt sich Plotpunkte mit „Scavengers Reign”. Doch zu dieser Erkundung, dem kindlichen Entdeckergeist, kommt auch ein wunderbarer, ideenreicher, bunter Animationsstil, der etwas an „Pantheon” erinnert. Die Serie ist hochkreativ und man muss aufmerksam zusehen, um alles zu verstehen, weil einiges auch nur über die visuelle Ebene erzählt wird.

Die Erzählung wechselt häufig zwischen den verschiedenen Teams mit Azi und ihrem Robotergefährten Levi, Sam und Ursula sowie dem isolierten und von Unzufriedenheit, Reue und Hass zerfressenen Kamen, der schnell auf das wohl ungewöhnlichste Lebewesen des Planeten trifft, dass sich von seiner Trauer zu ernähren scheint. Dabei springt die Handlung zwischen Gegenwart und Vergangenheit, um in Rückblenden etwas mehr von dem Leben auf der Demeter und den Ursachen des Absturzes zu ergründen. Die drei verschiedenen Gruppen sorgen auch für unterschiedliche Inhalte. Bei Azi und Levi geht es viel um klassische Roboter-Themen, die Frage nach dem Bewusstsein, nach Fehlprogrammierungen, nach dem eigenen Denken. Das wird im Finale von der Verschmelzung zwischen Roboter und Natur überragend auf die Spitze getrieben. Sam und Ursula müssen die schlimmsten und verrücktesten Organismen des Planeten überwinden, so gibt es beispielsweise eine Klonpflanze mit eigenem Kult und Ursula verliert sich als Botanikerin häufiger in ihrer Faszination für diesen fremden Planeten, in dem so viele Lebewesen miteinander interagieren.

Die Produktion der Serie ist sehr gut, der Soundtrack ist stimmig, visuell ist die Serie stark und auch das Pacing ist innerhalb der 12 Folgen à 25 Minuten nie zu langsam, weil an den richtigen Stellen Showdowns eingebaut werden. Man kann in „Scavengers Reign” die Liebe zum Detail an vielen Ecken spüren, beispielsweise in den Referenzen zu „Alien”, „2001” oder vielen weiteren Genreklassikern. Zudem ist die Geschichte vielseitig zu interpretieren, wenn man denn möchte. Kamens Figur und der Planet selbst könnten beispielsweise als Metapher für die Menschheitsgeschichte stehen, aber die Serie unterhält auch ohne große tiefgreifende Interpretation. Denn man kann sich auch einfach von der Geschichte mitreißen lassen und mit kindlicher Freude die neu entdeckten Lebewesen bestaunen. Im Kleinen passieren immer wieder unvorhersehbare Aktionen, die große Storyline ist hingegen etwas vorgeschrieben. Dennoch genießen die Figuren keinen übernatürlichen Schutz und „Scavengers Reign” freut sich auch darüber, manche Charaktere hinter sich zu lassen und neue einzuführen.

Leider ist die Serie, vor allem in Deutschland, kaum bekannt. Sie gibt es aktuell nur in einer englischen Synchronfassung und leider konnten weder HBO Max noch Netflix davon überzeugt werden, der Geschichte eine 2. Staffel zu spendieren. Das ist ultimativ bitter, weil dieses Universum mit der Kreativität der Schöpfer noch deutlich mehr zu bieten hat und die Vorzeichen sehr gut standen. Leider muss man wohl feststellen, dass Science Fiction Freunde in vielerlei Hinsicht doch den bekannten Einheitsbrei sehen wollen, statt sich auf eine einzigartige, kreative, entdeckungsfreudige und spannende neue Welt und neue Gesetze einzulassen. Schade, denn eigentlich ist die Handlung der Serie nicht so nischig, wie sie gemacht wird. 

Somit bleibt eine starke, mutige, manchmal schmerzhafte und etwas blutige Sci-Fi-Serie, deren Welt man mit großer Neugier entdecken kann. Auch wenn die übergeordnete Story mehr Mittel zum Zweck ist, sind die kleinen Geschichten überaus stimmig – und auch das Ende kann punkten. Wenn man die Gelegenheit hat, dann sollte man sich den Geheimtipp „Scavengers Reign” nicht entgehen lassen. Geht mit offenem Geist an die Serie und lasst euch von der Welt verzaubern.

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In 10 Folgen, die jeweils nur etwa 10 Minuten lang sind, werden lustige und wirre Kurzgeschichten erzählt, die zahlreiche Parodien auf Märchen oder alte Disneyfilme darstellen und diese mit einem skurrilen, modernen Humor mischen, was zu ganz seltsamen Momenten führt. Im Zentrum stehen die Halbbrüder Wirt (sieht aus wie ein Zwerg) und Greg (hat eine Teekanne umgekehrt auf dem Kopf), die sich nachts im Wald einer Fantasywelt verirren. Sie wollen den Weg nach Hause finden und fragen nach Hilfe bei der Navigation. Dabei stolpern sie von einer absurden Begegnung in die Nächste, unterschiedliche (sprechende) Tierkameraden schließen sich ihnen an, immer wieder geraten sie in bedrohliche Situationen rund um Geister, Skelett-Kürbisse und die Bestie des Waldes. Doch was steckt dahinter und finden die beiden einen Ausweg aus dem finsteren Wald?

Die einzelnen Folgen wirken recht fragmentiert und wie Kurzgeschichten, das Erzähltempo der jeweiligen Episode ist allerdings sehr hoch. Was innerhalb der nur 10 Minuten alles passiert, würde bei anderen Serien auf einen deutlich längeren Zeitraum gestreckt. Doch es gibt auch eine übergeordnete Handlung, die in Episode 9 die Serie auf eine höhere Stufe hebt und ihr einen gewissen tieferen Sinn gibt. Ohnehin ist die Miniserie, deren Ton anfänglich sehr sarkastisch ist und die nie um einen Slapstick-Gag verlegen ist, am Ende überraschend ernst. Doch der Weg dahin ist mit zahlreichen Comedymomenten und Gesangseinlagen gepflastert, die teilweise extrem weit draußen, manchmal nur wirr und seltsam wirken – Das Pferd ist ein Beispiel, das Froschkonzert ein anderes. Ein Freund dieser Gesangseinlagen bin ich leider nicht, wenn sie nicht konsequent verulkt werden oder einen emotionalen Wert haben. Visuell ist die Miniserie überzeugend, das Tempo ist überwiegend gut, in der Mitte tritt man mit seiner Haupthandlung etwas auf der Stelle, das Ende ist stark.

Zusammenfassend lohnt sich „Hinter der Gartenmauer” als eine ganz verquere Genre-Mischung, die man so noch nicht gesehen hat. Es erinnerte mich teilweise an den hochgradig absurden Animationsfilm „Das große Rennen von Belleville”. Die Gartenmauer erhielt damals einen Emmy und gilt heutzutage in den USA als Herbst-Kultserie. Ob man die Serie mag, dürfte sehr subjektiv sein. Mich hat sie nicht ganz abgeholt, ich respektiere sie mehr für ihr unbestreitbares Gesamtkunstwerk, sie wird aber keine meiner Favoriten werden. Für Personen, denen meine Beschreibung der Miniserie bislang zusagte, verbirgt sich hinter der Gartenmauer aber vielleicht tatsächlich ein Geheimtipp.

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Rund 50 Jahre nach dem großen Sieg über den Dämonenkönig trifft sich die vierköpfige Heldentruppe, die damals den großen Sieg erringen konnte, zur Jubiläumsfeier ihres großen Sieges. Frieren ist eine Elfe und überrascht, wie sehr ihre drei (menschlichen) Gefährten gealtert sind, kurz darauf stirbt auch der Anführer Himmel. Die bereits über 1000 Jahre alte und sozial etwas unbeholfene Elfin mit einem sehr anderen Zeitverständnis beschließt daraufhin, die Menschen besser kennenzulernen. Dies führt sie etwa 20 nach der Beerdigung Himmels (die Zeit seit der Beerdigung ist nun die Zeitrechnung für die Serie) zu ihrem Kollegen Heiter, der ein magisch begabter Waisenkind in Magie unterrichtet, fortan wird Frieren die Meisterin für ihre Schülerin Fern. Gemeinsam beschreiten die beiden neue Abenteuer, schnell gesellt sich der Kämpfer Stark zu ihrer Gruppe, später kommt auch kurzfristig ein Kleriker namens Sein hinzu. Frieren erinnert sich währenddessen in zahlreichen Rückblenden an die Zeit vor fast 80 Jahren zurück, als sie mit ihrer ersten Heldentruppe die Lande bereiste und versteht einige damalige Verhaltensweisen erst im Nachhinein.

Fortan erzählt die Geschichte von relativ kleinen Quests, mal muss dort einem Dorf geholfen werden, mal einer Familie, dabei wird die unglaubliche Macht von Frieren deutlich, wenn sie auch als sehr stark geltende Dämonen spielend leicht besiegen kann. Denn Dämonen suchen weiterhin die Welt heim, trotz des Todes des Dämonenkönigs. Ansonsten plätschert die Geschichte anteilig ohne große Höhepunkte dahin, weil die Kämpfe nicht animetypisch gestreckt werden, sondern teilweise fast Randnotizen sind. Somit steht mehr die Figurenentwicklung im Zentrum, manchmal hat man sogar das Gefühl man hätte sich in einen „Slice of Life”-Anime verirrt, weil es nur um relative Banalitäten, wie das Kaufen eines Armreifs geht. Das große Ziel fehlt. Häufig denkt man sich: Das ist ja ganz nett, aber irgendwie unterläuft es in seiner Ruhe und langsamen Erzählweise die Erwartungen an einen Fantasy-Anime, in dem Magier gegen Dämonen kämpfen. Es ist mehr ein Feel Good Anime, bei dem man Figuren begleitet, die man möglicherweise schnell liebgewonnen hat und mit ihnen Zeit verbringen möchte.

Mir persönlich war diese seltsame Erzählweise etwas zu langsam. Dennoch gibt es großartige Folgen, wie Episode 9 und 10, bei denen es zu Konfrontationen mit stärkeren Dämonen kommt. Ab Folge 18 von 28 in der ersten Staffel, verändert sich die Handlung deutlich. Die Truppe tritt nun bei einem Magierturnier an um den Rang als Magier 1. Klasse zu erhalten. Ab diesem Zeitpunkt werden eine ganze Reihe von neuen Charakteren eingeführt und etabliert, der Anime wird deutlich größer. Das nimmt ihm etwas die Wohlfühlthematik, das Kleine, das Ruhige und Familiäre der vorherigen Gruppe, führt aber zu deutlich mehr Kämpfen und Actionsequenzen. Damit verliert die Serie etwas ihr Alleinstellungsmerkmal, aber dennoch ist die Magierprüfung letztlich interessant, spannend und actionreich, wobei die 3. Prüfung erneut herrlich antiklimaktisch ist. „Frieren” weiß eben, wie man Erwartungen bricht und wandelt deshalb manchmal auch auf den Spuren einer Parodie.

Die Serie ist gut produziert, hat einige Comedyelemente, die mal besser und mal schlechter funktionieren und sieht gut aus. Mich hat sie aufgrund ihrer langsamen Erzählweise ohne große Höhepunkte nicht ganz erreicht, die dargestellte Fantasywelt finde ich allerdings spannend. Die Serie, die auf einem noch laufenden Manga basiert, bekommt mindestens noch eine 2. Staffel, ich hoffe es wird keine Endlosserie.

„Frieren” ist eine ungewöhnliche Fantasy-Animeserie, bei der man zu Beginn schnell bemerken wird, ob sie etwas für einen ist. Für Fans von viel Action und Kämpfen dürfte sie weniger funktionieren, aber auch sie können einen Blick in diese seltsame, entschleunigte Serie werfen, die bewusst mit Genrekonventionen bricht.

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Im Zentrum der Animationsserie für Erwachsene steht Alma (Rosa Salazar), die seit ihrem 9. Lebensjahr ein Cochlea-Implantat trägt und deren Familiengeschichte ordentlich Tragik aufweist. Ihre Großmutter litt an Schizophrenie, ihr Vater – der an Zeitreisen forschte – starb, als sie noch klein war. In der Gegenwart gerät Alma nach der Verlobungsfeier ihrer Schwester in einen Autounfall und landet im Koma. Als sie im Krankenhaus aufwacht, kann sie auf einmal ihren toten Vater (Bob Odenkirk) sehen, der ihr beibringt, wie man die Zeitachse verschiebt. Er bittet sie darum, die Umstände seines Todes herauszufinden, in dem Alma an den folgenschweren Abend zurück reist. Währenddessen steht Alma auch vor der Herausforderung den Kontakt zum echten Leben nicht zu verlieren. Ihre Schwester heiratet, sie und ihr Freund erleben eine schwierige Phase.

Die nur 8 Episoden pro Staffel sind mit etwa 20 Minuten recht kurz und führen zu einem guten Pacing für die Serie. Der Hauptgrund für das Anschauen der Serie bleibt aber der visuelle Stil. Die ganzen Familien- und Beziehungsgeschichten mit den dazugehörigen, allzu bekannten, teils nervigen Charakteren konnten mich leider nicht überzeugen, auch zündete der Humor bei mir nicht so ganz. Doch die Science Fiction Handlung und die Ermittlungen rund um den Tod des Vaters sind interessant.

„Undone” kann durch seine Animation und die Hauptgeschichte punkten, alles Weitere konnte mich leider nicht vollends überzeugen, sodass der Funke letztlich nicht übersprang. Dennoch möchte ich die Serie für ihren Mut loben, visuell eigene Wege zu gehen und auch inhaltlich die Zeitreise mit einer Dramedy zu verbinden.

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Der Oberschüler Yuji Itadori ist ungewöhnlich stark, aber ansonsten recht normal. Er kümmert sich in seiner Freizeit um seinen kranken Opa und frequentiert den Okkultismus-Club seiner Schule, in dem die Gruppe ein sogenanntes Fluchobjekt untersucht. Eines Tages wird Megumi, ein Schüler der örtlichen Jujutsu-Schule der Magie, damit beauftragt das Fluchobjekt zur Akademie zu bringen, weil von ihm Gefahr ausgehen könnte. Doch der Fluch manifestiert sich und bildet eine spezielle Kampfzone, die außerhalb der normalen Realität zu liegen scheint. Innerhalb der Zone entscheidet sich Yuji – der gerade noch seinem sterbenden Großvater versprach Menschen zu helfen – in Megumis Kampf gegen den Dämon einzugreifen. Doch da er keine übermäßigen Kräfte besitzt, fällt ihm nur eines ein: Kurzerhand verspeist Yuji den Finger aus dem Inneren des Fluch-Amuletts und wird dadurch superstark. Doch leider wohnt nun der Dämonenkönig Sukuna in ihm und übernimmt manchmal die Kontrolle über seinen Körper… 

Bald darauf wird Yuji vollständig in den Bann der Kaisen-Akademie gezogen. Dabei entwickelt sich aus der relativ kleinen, absurden Dämonenfluchgeschichte eine weitaus größere Haupthandlung rund um das Wirken der Jujutsu-Akademien und der zahlreichen Studenten der Akademie. Die Studenten erhalten unterschiedliche Ränge und sind begnadete Kämpfer, die mit einer eigenen Fluchkraft gegen die bösen Flüche kämpfen, von denen es wiederum einige gibt. An dieser Stelle wurden für mich die „Dragon Ball” Parallelen deutlich, die mit „Battle Royale” (speziell „Panem”) gemischt wirken. Denn es handelt sich um Kämpfer von verschiedenen Schulen, die in einem Turnier gegeneinander antreten und ihre unterschiedlichen Superkräfte präsentieren, während alles beobachtet wird, aber auch wahre Dämonengefahren lauern.

Die Story ist absurd, aber nicht so wichtig. Man wird sofort in diese groteske Welt hineingesogen. Denn das Pacing der Serie ist zu Beginn sehr temporeich, ständig gibt es Actionsequenzen, ständig wird sich geprügelt. Die interessante Handlung rund um Flüche und Dämonen tritt nach den ersten 7 Folgen Feuerwerk etwas auf die Bremse und entscheidet sich stattdessen den Fokus und sein Charakterensemble zu erweitern. Ab diesem Zeitpunkt wird „Jujutsu Kaisen” klassischer. Das ist nach dem großartigen Start etwas enttäuschend, weil es dann auch Fillerfolgen gibt und sich einiges nach (unnötig) aufgeblasener Handlung anfühlt. Alles in allem ist das große Turnier der verschiedenen Schulen ein großes Durcheinander, dass allerdings weiterhin einige Highlightfolgen in seinen insgesamt 24 Episoden der 1. Staffel zu bieten hat.

Zusammenfassend ist „Jujutsu Kaisen” ein Fantasy-Action-Abenteuer-Spektakel, das von vielen unterschiedlichen Animes inspiriert scheint und eine gewisse Person Wahnsinn ausstrahlt. Klingt diese Mischung sehr seltsam? Vielleicht, aber letztlich ist die Serie in ihrer ersten Staffel überwiegend unterhaltsam, stark inszeniert und gut animiert (gezeichnet). Somit möchte ich die Serie vorsichtig empfehlen, zumindest wenn man mit Dämonen, Action oder Dragon Ball etwas anfangen kann.

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Im Zentrum der insgesamt 18-teiligen, abgeschlossenen Serie, die in 2 Staffeln in etwa 40 minütigen Episoden auf Netflix veröffentlicht wurde, stehen zunächst die beiden Schwestern Vi und Powder, die Waisenkinder sind und sich mit Diebstählen über Wasser halten. Die beiden leben bei ihrem Ziehvater Vander in der Unterwelt der riesigen Stadt Piltover. Das Setting der Serie ist diese Stadt, die streng in Ober- (reich) und Unterstadt (arm) getrennt ist, wodurch natürlich Konflikte vorprogrammiert sind. Die Oberstadt gilt als „Stadt des Fortschritts” und zieht viele der schlausten Köpfe der Welt an, weil in ihr die „Hextech” (wodurch man Magie nutzen kann) erfunden wurde. Doch während in der Oberstadt die Reichen, Schlauen und Schönen relativ unbehelligt leben können und von einem Rat geführt werden, gilt die Unterstadt als gesetzlos. Verschiedene „Gangs” und ihre charakterstarken Anführer kämpfen um die Vorherrschaft, mal mit roher Gewalt, mal durch Manipulation zum Einflussgewinn. Die Oberstadt – in der mit Intrigen und Korruption die Politik beeinflusst wird – hält sich zunächst aus diesen „niederen” Problemen überwiegend heraus, was sich allerdings später ändern soll. Die Handlung folgt im weiteren Handlungsverlauf einer ganzen Reihe von spannenden, unterschiedlichen Charakteren aus Ober-und Unterstadt mit ihren eigenen interessanten Hintergrundgeschichten. Über ihre Schultern blickend, erleben die Zuschauer diese bunte, garstige und authentisch wirkende Welt.

Die größte Stärke der Serie ist die unfassbar gute Animation, ihr Look. Hier sieht einfach jede Szene hervorragend aus. Die Serie ist aufwändig produziert, wenn man bunte, visuell vollgepackte Animationsserien vielleicht noch nicht so häufig gesehen hat (gerne „Into the Spiderverse” schauen), dann mag einem der Stil anfangs etwas „zu viel” sein. Darüber sollte man allerdings schnell hinwegkommen, denn ansonsten verbaut man sich eine großartige Serie, die sich thematisch deutlich an Erwachsene richtet. Der starke Look hilft aufgrund seines hohen Detailgrads auch dem Worldbuilding und den vielschichtigen Charakteren. Besonders fällt dies allerdings bei den zahlreichen Actionsequenzen auf, vor allem bei den stark inszenierten Kampfszenen (mit viel Zeitlupe) auf, die einen umhauen können. Die Serie legt ein hohes Tempo an den Tag und weiß an den richtigen Stellen für emotionale oder visuelle Höhepunkte zu sorgen – zumindest nach den ersten beiden expositionsreichen Episoden. Dennoch bleibt auch Zeit für die Welt und die Weiterentwicklung der verschiedenen Charaktere, Fraktionen, Meinungen und Bewegungen. Ab und an gehen mir einige Dinge zwar etwas zu schnell, die Charaktere sind sehr wankelmütig und ändern ihre Meinung manchmal zu einfach (Beispiel sinngemäß: Jetzt habe ich hier endlich etwas Macht, jetzt wird das mit der Korruption aufhören. – Aber dir könnte die Korruption auch helfen. – Lang lebe die Korruption!). Einige Dialoge sind vielleicht auch nicht ganz perfekt, aber die allgemeine Storyline kann durchgehend überzeugen.

Staffel 1: Interessant an „Arcane” ist, dass die ersten beiden Episoden die schwächsten der ganzen Serie sind. Hier wird sich noch sehr auf die stehlende Jugendgruppe rund um Vi und Powder fokussiert, man bekommt einige Kinderabenteuer-Vibes. Doch ab Folge 3 eskaliert ein Konflikt unfassbar großartig und bitter, wodurch sich alles für die Stadt ändert, da köchelnde Spannungen explodieren. Dies wird von einem Zeitsprung untermauert, ab dem das Tempo deutlich anzieht und man sich in der Folge in actionreichen, visuell wundervollen Sequenzen, emotionalen Dialogen und einer überraschend stimmigen Welt verlieren kann. Man sollte der Serie demnach mindestens 3 Folgen Zeit geben, bevor man darüber urteilt. 

Auch musikalisch kann die Serie punkten. Zu den zahlreichen Popsongs gesellen sich auch der energetische Titelsong der Imagine Dragons und das Highlight der Serie: Als Creditsong der 1. Staffel gibt es einen extra dafür produzierten Song von Sting, der mich völlig gebrochen und emotional zurückließ. Bis heute sorgt „What could have been” immer noch für Gänsehaut, wenn ich nur daran denke.

Staffel 2: Überraschenderweise setzt die 2. Staffel visuell nochmal einen drauf, der Look und die Kreativität des Designs sind einfach überragend. Die Animation ist immer noch hervorragend und immer wieder gibt es zahlreiche kreative, visuell-ungewöhnliche Einfälle – einige Szenen sind gezeichnet, einige schwarz/weiß, mal wird ein Wasserfarben-Look ausprobiert. Diese Bandbreite ist wundervoll anzusehen, da ist so viel los, dass es mich zeitweise an die „Across the Spiderverse” erinnerte, aber „Arcane” wirkt aus meiner Sicht nie überfrachtet. Die Inszenierung gelingt und bietet einen gewissen temporeichen Flow. Sequenzen mit Popsongs in Montagen, die auch gerne längere Zeitabstände zeigen, gleiten frei über in die nächste überzeugende Actionsequenz und in die nächste emotionale Szene, die Charakterentwicklungen vorantreibt. Das ist inhaltlich und in Sachen Pacing überzeugend. 

Ich hätte am Ende der 1. Staffel oder auch zu Beginn der 2. Staffel nie das Ende vorhersehen können, in „Arcane” passiert wirklich viel. Ich weiß nicht, ob ich jeden Handlungsstrang genauso gebraucht hätte. Die schwarze Rose habe ich bis zum Ende nicht wirklich verstanden, die erneute Vander-Story funktioniert für mich nur anteilig, die Propheten-Story fühlte ich erst spät. Aber das fällt letztlich kaum ins Gewicht, wobei ich mir manchmal mehr Fokus auf die starke Vi/Jinx Geschichte gewünscht hätte. Doch in der Abschlussfolge der ganzen Serie laufen die Handlungsstränge ganz hervorragend zusammen und bieten ein fantastisches Ende. Für mich wirkte es manchmal etwas zu gehetzt und zu komprimiert, die Hexkerne und das Arcane selbst hätte ich gerne besser verstanden. Aber die Schlagzahl, in der krasse Szenen abgeliefert werden, ist schier unfassbar. Folge 3, Folge 5, Folge 6,und die abschließende Folge 9 bieten so viele imposante Momente, sowohl fürs Auge als auch fürs Herz.

Insgesamt ist „Arcane” eine großartige, actionreiche, visuell wunderbare Animationsserie mit überzeugenden Charakteren, die man gesehen haben sollte. Manchmal wirkt die Serie erzählerisch und visuell vielleicht etwas überladen oder gehetzt, aber letztlich ist das kaum relevant, wenn ein solch krönender Abschluss gelingt, der auch emotional wirken kann. Staffel 2 ist zwar das Ende von „Arcane”, aber nur der Beginn eines LOL-Cinematic Universe – zumindest ist das der Wunsch. Ich weiß nicht, ob es auch meiner ist, aber gegen mehr Serien auf diesem Topniveau würde ich mich sicherlich auch nicht wehren.

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Die Handlung der insgesamt 24 Episoden à 25 Minuten spielt im Jahr 2045. Mehrere Dutzend Kinder leben in einem abgeschiedenen Waisenhaus mit viel Auslauf und Grünflächen und ihrer „Mama“, der Heimleiterin. Ab und an werden Kinder adoptiert und zum großen Tor geführt, dem einzigen Ein- und Ausgang des Geländes, das von hohen Mauern umgeben ist. Doch eines Tages folgen zwei der Kinder verbotenerweise der Heimleiterin und dem adoptierten Kind und entdecken dabei etwas Grauenvolles, zunächst kaum Vorstellbares. Wer eine nette Animeserie erwartet, die herzerwärmend, wie „Anne with an E” von Waisenkinder erzählt, der wird schnell eines Besseren (oder eher eines Böseren) belehrt. 

Staffel 1: Hinter der süßen Fassade mit zahlreichen liebenswerten Kindern, die Spaß haben und denen es an nichts (außer Eltern) fehlt, lauert ein knallharter Anime mit emotional brutalen, traurigen Szenen und Kindern in Extremsituationen. Direkt am Ende der 1. Folge (rund 22 Minuten pro Folge) lauert aber der Punkt, an dem man weiß, ob die Serie etwas für einen ist. Denn diesen Twist muss man erstmal verdauen und akzeptieren, falls nicht, wird man keinen Gefallen an der Serie finden. Ich werde ihn nicht verraten, man sollte sich den Twist vorher nicht anlesen: Doch wer dranbleibt, der wird belohnt. Die liebenswürdigen Kinder, die Gruppendynamik, das Abenteuer, die Dystopie, der Nervenkitzel, das Mitleiden: Das ist eine starke Melange. Insgesamt bietet „The Promised Neverland” eine hervorragende 1. Staffel. Die Zusammenarbeit der Kinder, die cleveren Ideen, das Worldbuilding, die Antagonisten, die Erzählweise mit bewussten Auslassungen, die Intrigen, die gesponnen werden und die immer wieder neuen Twists machen die Staffel gerade in ihrer zweiten Hälfte zu einem spannungsgeladenen Ritt. Außerdem kommt eine starke Emotionalität hinzu, die gerade im hinteren Teil wirklich sehr gekonnt ausgespielt wird, die Handlung kann einen voll mitreißen. Über allem schwebt die Frage von Vertrauen und die ewige Wahl zwischen Sicherheit und Freiheit. Doch was ist die Wahrheit dieser Fantasy-Welt? „The Promised Neverland” bietet vielleicht eine der besten und überraschendsten 1. Staffeln eines Animes, danach kann man die Serie allerdings auch beenden, wenn es bis dahin sehr gut fand. Denn die 2. Staffel bedient sich ganz anderer Genren, expandiert deutlich und hetzt sich viel zu schnell durch die Welt.

Die 2. Staffel knüpft nahtlos an das starke Ende der 1. Staffel an und beantwortet sofort die größte Frage der 1. Staffel. Sicherlich nicht zur Zufriedenheit aller, aber zunächst herrscht weiter ein hoffnungsloser, düsterer Ton, der auch bereits die 1. Staffel dominierte. Die vormals recht komprimierte, kleine, intime Geschichte wird nun weltumspannend riesig. In ihrer Größe, den Charakteren, den Twists & Intrigen und der Inszenierung erinnert sie dabei mehr an japanische Rollenspiele aus dem Videospiel-Bereich, trifft aber meist die richtigen Töne. Gleichermaßen muss man bei der Hauptgeschichte einiges einfach akzeptieren, wenn man die Serie weiterhin folgen möchte. Es gibt verschiedene Welten, zahlreiche Gruppierungen mit den unterschiedlichsten Hintergründen und Motiven, seltsame Charakterhandlungen, und Kommissar Zufall oder Schicksal (wie in JRPGs üblich) steuert die Handlung des Öfteren. Dennoch ist “The Promised Neverland” auch in Staffel 2 eine gelungene Parabel auf unsere Gesellschaft, denn trotz aller offensichtlichen Unterschiede, handelt es sich letztlich um eine wenig subtile Metapher auf unsere Gesellschaft und wie wir miteinander umgehen. Sie ist damit gleichzeitig ein flammender Appell an die Naivität, das bedingungslose Weiterkämpfen, den Optimismus und den Glauben die Welt verändern zu können, entgegen aller Widerstände. Ein Blickwinkel, der mir gerade heutzutage deutlich schwerer fällt, der allerdings dennoch funktioniert.

Staffel 2 wirkt im Vergleich zur ausladenden ruhigen 1. Staffel sehr gehetzt. Es vergeht viel Zeit während einzelner Folgen, gerade die letzte Folge setzt dem Ganzen die Krone auf, weil sich in den letzten 5 Minuten noch eine weitere Staffel verbirgt, die man im Schnelldurchlauf erzählt bekommt. Das ist sehr schade, weil massiv die Manga-Story (rund 50 Kapitel in 20 Bänden) eingekürzt wurde, vermutlich war kein Geld oder Vertrieb mehr für eine 3. Staffel vorhanden. 

Wen ein eigentlich schönes, aber unfassbar gehetztes Ende sehr stört, der sollte einen Bogen um „The Promised Neverland” machen, aber für mich bleibt die Serie ein Geheimtipp. Staffel 2 ist zwar ganz anders als Staffel 1, sie decken unterschiedliche Genres ab, aber man fiebert dennoch gerne mit den Charakteren mit und begleitet sie auf ihrem schwierigen, abenteuerlichen Weg. Dabei möchte ich nicht verhehlen, dass Staffel 1 deutlich besser ist, ich finde die 2. Staffel allerdings nicht so katastrophal, wie sie online gemacht wird – bis auf das sehr enttäuschende Ende, was ich allerdings niemandem so richtig vorwerfen möchte.

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„Steins;Gate” war eine der frühen, erwachsenen Animeserien, die mich komplett umhauen konnte. Nachdem ich in der ersten Hälfte die Faszination für die 24 oder 25-teilige Serie noch nicht wirklich greifen konnte, nimmt sie danach eine so dramatische Wendung, sowohl erzählerisch als auch tonal, dass ich vom Sog der Melancholie, den spannenden Charakteren und der durchdachten Hauptgeschichte mitgerissen wurde. Welche Fässer später geöffnet werden, ist atemberaubend mit anzusehen, im letzten Drittel war ich vollends in den Bann eines Animes gezogen, der sicherlich polarisieren kann. Die Serie basiert auf einem Videospiel, einem Adventure, das im Jahre 2009 veröffentlicht wurde, an die Nachfolgerserie „Steins;Gate 0”, die auf einer Visual Novel basiert, habe ich mich bisher noch nicht herangetraut.

Doch worum geht es? Der als leicht verrückt geltende Wissenschaftler Rintarō Okabe erfindet eine Form von Zeitreise-Gerät, genauer eine Möglichkeit Textnachrichten in die Vergangenheit zu senden. Er schart eine kleine Gruppe von Wissenschaftlern und Helfern um sich herum, um dieses Phänomen weiter zu untersuchen, darunter auch die talentierte, schlaue Wissenschaftlerin Kurisu. Doch weil die Gruppe stets sanft die Gegenwart verändert, wirkt Rintarō Okabe mehr und mehr wahnsinnig, weil seine eigene Realität ständig wechselt und Figurenkonstellationen anders sind. Darüber hinaus ist eine mysteriöse Organisation namens SERN den Wissenschaftlern auf den Versen und bedroht sie. Das ist nur der Beginn einer Geschichte, die im weiteren Verlauf extrem dramatisch und anteilig depressiv wird, aber mit einem starken Abschluss punkten kann.

Zu Beginn ist die Serie eher auf Comedy ausgelegt, was teils funktioniert, teils leicht nervig ist. Das liegt daran, dass die Charaktere gewöhnungsbedürftig sind und die Streitereien untereinander sich häufig im Kreis drehen und wiederholen. Die Hauptgeschichte rund um die Kommunikation mit der Vergangenheit und ihre Auswirkungen ist aber durchweg interessant. Ab der Mitte der Serie (Folge 12) ändert sich alles. Das Genre wechselt auf Drama und die Serie bekommt eine ganz andere Schwere, die auch aufgrund der vorherigen breiten Charakter-Exposition sehr gut funktioniert. Ab diesem Zeitpunkt kann „Steins;Gate” komplett überzeugen, die Psychothriller-Komponente wird mit einem verzweifelten Versuch der Zeitmanipulation gekonnt verbunden, während Gegner unseren Helden auf den Versen sind. 

Insgesamt ist „Steins;Gate” eine tolle und durchdachte Serie mit sehr vielen cleveren Überlegungen und schwierigen, harten, konsequenten Entscheidungen, die getroffen werden. Zahlreiche eigene, frische Ideen treffen auf die klassischen Versatzstücke des Zeitreise-Genres und führen zu einer unverwechselbaren Melange. Wenn die schwächeren, langatmigeren ersten 12 Folgen nicht wären, würde meine Bewertung noch besser ausfallen. Deswegen mein Tipp: Dranbleiben, vertraut mir und dem Web, ab Episode 12 wird es großartig.

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„Haikyuu!!” umfasst aktuell 4 Staffeln mit insgesamt 89 Episoden, nur die 3. Staffel ist mit 10 Folgen ungewöhnlich kurz. Natürlich gibt es auch zahlreiche Filme, insgesamt 4, ich sah bisher noch keinen davon, aber angeblich sind diese nur Zusammenfassungen der einzelnen Handlungsstränge der Staffeln und bieten darüber hinaus keine oder nur kaum neue Sequenzen. Daher bleibe ich vollumfänglich bei der Serie, die neben dem Lesen des Mangas aktuell die umfangreichste und vielleicht beste Möglichkeit ist, um in den Genuss des mitreißenden Volleyball-Animes zu kommen.

Die Hauptfigur der Serie ist Hinata, der Profi-Volleyballspieler werden möchte. Doch auf diesem Weg muss er schon zu Anfang mehrere Probleme bewältigen: Das größte Problem für Hinata ist, dass er sehr klein ist, er dadurch in seinen körperlichen Voraussetzungen in einem Sport mit vielen großen Menschen unterlegen ist. Zudem gibt es anfangs an seiner Mittelschule nur ein Volleyball-Team der Mädchen. Doch Hinata baut an seiner Mittelschule ein Team auf, weiß dabei sportlich zu begeistern und so entstehen bereits erste Rivalitäten, vor allem mit Kageyama von einer anderen Mittelschule. Als es Zeit wird sich für eine Oberschule zu entscheiden, wählt Hinata die Karasuno-Oberschule aus, die für ihr Volleyball-Team bekannt ist. Dabei trifft er auf Kageyama und zahlreiche andere Talente, die Hinata anfangs eher belächeln. Zunächst muss sich aus einem Haufen von Einzelspielern mit unterschiedlichen Rivalitäten ein Team formen, im weiteren Verlauf tritt die Karasuno-Oberschule gegen verschiedene andere Oberschulen bei unterschiedlichen Turnieren an.  

Über die diversen Rivalitäten, zunächst mit seinem Intimfeind und Freund Kageyama, entwickeln sich im Verlauf zahlreiche Figuren zu ernsthaften Charakteren mit ihren eigenen Geschichten, so dass zwar immer noch Hinata die Hauptfigur ist, aber das ganze Team im Vordergrund steht. Die Underdog-Geschichte, eine einst bekannte und erfolgreiche Oberschule nach langer Durststrecke wieder zu altem Glanz zu führen, ist nicht neu, funktioniert aber sehr gut als Rahmenhandlung. Die größte Stärke der Serie sind ihre Sportsequenzen. Sei es beim Training, in denen Schläge perfektioniert werden, oder wenn es im Spiel um die wichtigen Punkte geht und auch mal ein Punkt gefühlte 5 Minuten dauert, da die inneren Monologe der Charaktere viel Raum einnehmen. Dennoch wird die Spannung hochgehalten, die heroischen Szenen laden zum Mitfiebern ein. Die Animationen und die Qualität der Zeichnungen sind dabei auf einem hohen Niveau, die Dynamik des Sports wird gut eingefangen, wie auch die Emotionen der Charaktere.

Zusammenfassend bietet „Haikyuu!!” zwar ganz klassische Geschichten, durch die mitreißende Inszenierung und die interessanten Charaktere, schafft die Serie allerdings etwas Überraschendes: Sie macht den Volleyballsport interessanter und spannender als er überhaupt ist. Ein kleiner Makel ist die Darstellung der weiblichen Figuren, die zu häufig nur zu seltsamen Schwerenöter-Humoreinlagen der Herren genutzt werden. Das grundsätzliche Tempo der Serie ist gut, wobei es Teile einer Staffel gibt, die eher im langsameren Bereich des Training, des Exposition und des Aufgalopps zu verorten sind. Doch diese münden dann in den großartigen Spielen gegen andere Gegner, die mit das Beste sind, was ich je im Sportanime gesehen habe – auch gerne mal über mehrere Folgen verteilt. In diesen Episoden werden wahre Feuerwerke abgebrannt.

Insgesamt ist der Volleyball-Anime in vielen Bereichen sehr gelungen. Das Feel Good-Feeling wird gut vermittelt, man kann mitfiebern und den Aufstieg eines Teams beobachten, das zahlreiche Stolpersteine überspringen muss. „Haikyuu!!” erfindet das Rad nicht neu, perfektioniert aber die klassischen Versatzstücke von Sportanimes. Auch wenn man mit Volleyball nichts anfangen kann, aber ein Herz für Sportfilme oder -Animes hat, sollte man dem kleinen Geheimtipp eine Chance geben.

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„One-Punch Man” basiert auf einer Mangareihe, die bereits seit 2009 veröffentlicht wird und spielt in einer Fantasywelt, in der es diverse Monster und Superhelden gibt. Doch Saitama leidet sehr darunter, dass er einfach keinen würdigen Gegner findet. Nach einem Schlag ist jeder Gegner besiegt. Er ist daher etwas depressiv und möchte endlich eine wahre Herausforderung finden und darüber hinaus auch von den Massen geliebt werden. Aber beides stellt sich als sehr schwierig heraus, was an seiner sehr speziellen Art, seiner Glatze und auch an seinem Kostüm liegt. Da trifft es sich gut, dass der Cyborg Genos auf Saitama trifft, ihn um Hilfe bittet und zu seinem Schüler werden möchte, wie man es aus zahlreichen Animes kennt. Doch auch die Herausforderungen des Cyborgs kann Saitama schnell meistern, die beiden suchen stattdessen in der Hero Association nach Anerkennung, wodurch sie zahlreiche andere Superhelden kennenlernen.

Die Serie ist eine Meta- oder Parodie-Serie zu so vielen Animes und dem Superhelden-Genre im Allgemeinen und deren typischen Handlungssträngen. Anfangs trifft Saitama in fast jeder Folge auf den neuen großen Bösewicht, der ganze Städte vernichtet und große Reden schwingen will. Doch während bei „Dragon Ball Z” ein Kampf über 13 Folgen hinweg erzählt und die Motivation der einzelnen Kämpfer 8-mal wiederholt wird, sagt Saitama nach einer einminütigen Rede des Bösewichts wahlweise „Bla bla bla“, „mach mal schneller, das kann sich ja keiner merken“ oder Ähnliches. Dann gibt es aufs Maul und Saitama ist wieder depressiv, da ihm niemand das Wasser reichen konnte.

Die Serie ist sehr schnell getaktet, das hohe Tempo führt zu einer unterhaltsamen Serie, mit hübsch anzusehenden Kämpfen – die allerdings ultimativ antiklimaktisch sind. Die Episoden wirken manchmal etwas fragmentiert, die übergeordnete Haupthandlung ist zunächst kaum zu erkennen und bewegt sich im Hintergrund. Stattdessen regiert die Absurdität eines glatzköpfigen Superhelden, der viel zu stark für diese Welt ist und mit allen Action-Fantasy-Anime Klischees bewusst bricht. „One-Punch Man” funktioniert sicherlich besser für Leute, die tiefer in den Anime- oder Superhelden-Bereich eingetaucht sind und die alle möglichen Anspielungen verstehen. Auch ich hatte bereits meinen Spaß mit der Serie, hatte allerdings nach Staffel 1 auch das Gefühl alles gesehen zu haben. Vielleicht werde ich Staffel 2 (und mehr) nachholen, bisher sah ich nur die sehr unterhaltsamen, quatschigen und teilweise lustigen 12 Episoden à 25 Minuten der 1. Staffel.

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