Staffel 5 präsentiert die finale Konfrontation zwischen Butcher und Homelander.  „The Boys” ist weiterhin hochgradig politisch und versucht sich an der Satire. Das gelingt in dieser Staffel wieder besser, weil man hemmungslose Blasphemie betreibt. Denn Homelander und seine Schergen wollen ihn als legitimen Nachfolger von Jesus inszenieren, gründen eine eigene Kirche und beenden die Trennung von Kirche und Staat. Homelander soll Gott sein. Währenddessen versuchen Butcher und die Boys (die sich überraschend schnell zusammengerauft haben) „V One”, das ursprüngliche Superhelden-Mittel, in die Hände zu bekommen und parallel einen Virus gegen alle Superhelden zu entwickeln. Den wollen aber nicht alle aus der Gruppe freisetzen, was zu internen Streitigkeiten führt. Generell wechseln in dieser Staffel die Charaktere häufiger die Seiten als ihre Unterwäsche und werden überraschend problemlos bei der Gegenseite aufgenommen. Hinterfragt wird nicht viel, nachgedacht noch weniger, stattdessen hangelt man sich von einer Actionsequenz zur nächsten und streut stets „emotional harte” Gespräche ein. Als Parodie auf Superheldenfilme funktioniert dies hervorragend, etwas Qualität bleibt aber auf der Strecke. Das Tempo bleibt hingegen in der gesamten Staffel hoch. Furz-, Wichse-, Pisse- und Kacke-Momente sind weiterhin in großen Massen vorhanden und bilden zusammen mit den Blutfontänen eine unvergleichliche Symbiose, wodurch man die Serie unter 1000 schnell erkennt. Die schauspielerischen Leistungen sind okay.

Die große Konfrontation ist überraschend konventionell, klein und ereignislos, zudem wird auf die neue „V One”-Kraft kaum eingegangen. Die Actionsequenzen sind nicht mehr zwingend eine Stärke der Serie. Auch das Finale ist seltsam Standard und viele Abschlüsse für Charaktere wirken gewollt und gehetzt. Zudem gibt es kein Verständnis von Zeit und Raum (was vor allem nervt, wenn Charaktere nicht fliegen können). Somit scheitert die Serie letztlich nicht an ihrem Ende, aber sie ist nicht ausgereift – so sind beispielsweise das „Gen V” Spin-off und seine Charaktere auch überraschend egal. Man hat das Gefühl, dass mehr möglich war und man sich für das Finale mehr Zeit hätte nehmen sollen. Mir gefiel der Handlungsstrang rund um die Göttlichkeit allerdings als frisches und mutiges Satireelement sehr gut.

Somit hat die Serie leider keinen glorreichen Abschluss bekommen, sondern einen etwas gehetzten und überraschend konventionellen. Eine Katastrophe ist es aber nicht geworden.  Denn die Serie ist als Parodie auf Superhelden und als extrem politische Satire auf die USA gelungen.

Ob ich auf das Spin-off Prequel „Vought Rising“ aber noch Bock habe, weiß ich aktuell nicht.

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Nach einem Ausflug nach Paris, den ich damals gemieden habe, weil ich nach den schwächeren hinteren Staffeln von „Haus des Geldes” keine Lust mehr auf die Welt hatte, formiert sich die Truppe nun wieder in Spanien. Genauer gesagt wollen sie einen Herzog in Sevilla ausrauben, der sie anheuern will „Die Dame mit dem Hermelin” von Leonardo Da Vinci zu stehlen. Nachdem die 8-teilige Miniserie schnell beginnt und sie ihrem Auftraggeber beweisen, wie gut sie sind, wird sich in der Mitte extrem viel Zeit für unzählige unspannende Romanzen genommen. Erst die letzte Folge bringt endlich den lang erwarteten Raub und natürlich den Cameo-Auftritt, der nicht fehlen darf.

Ich war nach der Ansicht enttäuscht. Ich habe das Gefühl, dass die Macher nicht ganz verstanden haben, was „Haus des Geldes” so gut gemacht hat. Natürlich gehörte auch damals die übertriebene Theatralik und komische Lovestories dazu, aber im Kern stand in den ersten beiden Staffeln ein wirklich spannender, groß und großartig geplanter Raubüberfall im Mittelpunkt. Es kamen Vibes auf wie bei „Inside Man” oder der „Ocean’s„-Reihe, die mit einer überdrehten Art und einer stylischen Inszenierung gekonnt verknüpft wurden. Doch diesen Fokus verloren schon die späteren Staffeln der Hauptserie aus den Augen und dieses zweite Spin-off ist leider mehr „GZSZ” als „Der Clou”. Wen interessiert die zwölfte Heirat Berlins? Wen interessiert die seltsame Dreiecksbeziehung, die nur beknackt wirkt? Wen interessiert es, wieso sich die jungen Liebenden auseinandergelebt haben? Und warum sind alle Räuber so verdammt unprofessionell und können ihre unendliche Wollust nicht mal kurz zurückstellen, um unendliche Millionen zu scheffeln? Es ist frustrierend, wie dämlich Charaktere sind, die angeblich Elite-Diebe sein sollen. 

Was ist gut? Ganz klar: Die Heistsequenzen. Wenn sich die Miniserie auf den ursprünglichen Kern der Reihe besinnt, kann sie immer noch glänzen. Der Raub der Dame ist schön inszeniert, die anfängliche Infiltration gelingt auch. Die Feuergeschichte am Ende ist hingegen völlig überinszeniert. Ich habe mich leider relativ viel gelangweilt und durch den Kitsch durchquälen müssen. Dennoch ist die Produktion gut und auch die stylische Inszenierung ist weiterhin gegeben.

Zusammenfassend ist das zweite Spin-off vermutlich etwas für Fans des ersten und der hinteren „Haus des Geldes”-Staffeln, die kein Problem mit dem hohen Telenovela-Anteil haben. Für mich ist es leider nichts mehr und ich bin mit dem Universum erstmal fertig. Schade.

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Die Live-Action Netflix Variante profitiert von Manga-Schöpfer Eiichiro Oda, der als „creative consultant” an der Serie beteiligt ist – vielleicht kommt die Serie auch deshalb gut bei Fans an. Die 1. Staffel umfasst die sogenannte Eastblue-Saga des Mangas, verändert dabei allerdings auch etwas. Der schrullige Pirat Monkey D. Ruffy (Iñaki Godoy) schart in einer Fantasiewelt eine Reihe von anderen Piraten um sich, die sich zur Strohhut-Bande formieren um letztlich den „One Piece”, den sagenumwobenen großen Schatz, zu finden, damit Ruffy seinen Traum verwirklichen kann. Doch dies wollen auch viele andere Piraten und somit stellen sich der Gruppe stets neue Gefahren und Gegner in den Weg. Noch zu erwähnen ist, dass One Piece ordentlich in den Fantasybereich hineingleitet, weil verschiedene Figuren Superkräfte haben. So kann beispielsweise Ruffy nach dem Genuss einer bestimmten Frucht seine Gliedmaßen bis in die gefühlte Unendlichkeit verlängern, ansonsten sind viele Figuren begnadete Schwert- oder Faustkämpfer.

In der deutschen Synchronisation setzt man clevererweise auf Altbewährtes, ein Großteil der Anime-Stimmen vertont auch in der Netflix-Variante ihre Figuren, vor allem Ruffy funktioniert sehr gut und schafft eine gewisse Vertrautheit. Generell fängt die Serie den Vibe des Animes mit seiner Mischung aus Comedy und Kampfsequenzen gut ein und bleibt dem Ausgangsmaterial wohl relativ treu. Hervorzuheben sind die vielen schön gebauten Sets, nicht alles wird hier mit CGI gelöst, die Produktion der Serie ist ziemlich gut. Auch deswegen passt dieser wilde Mix aus Abenteuer, Fantasy und Comedy überraschend gut. Die Kampfchoreographien sind überwiegend ganz gut, der Humor ist quatschig dämlich, die Figuren bekommen mit ihren Origin-Stories eine ordentliche Tiefe, die visuellen Effekte sind meistens hübsch anzusehen. Das Ensemble spielt ihre Charaktere überwiegend gut, für meinen Geschmack sind viele der Figuren „komplett drüber“, so dass ich mich schon wieder in einem Anime wähnte. Das bedient nicht zwingend meine Interessen, aber es führt dazu, dass Fans von Manga & Anime sich schnell zuhause fühlen. 

Die 2. Staffel der Action-Abenteuer Serie mit vielen Kampfszenen und dem eigenartigen Anime-Humor knüpft nahtlos an Stärken und Schwächen der 1. Staffel an. Inhaltlich begibt sich die Strohhutbande auf die Grand Line und muss sich dort einigen Herausforderungen stellen, meist auf verschiedenen Inseln. Dabei treffen die Helden beispielsweise auf einen riesigen Wal, Riesen oder auch Dinosaurier. Doch auch die Barockfirma mit ihren zahlreichen Schergen, die teils abenteuerliche Superheldenkräfte haben, ist ihnen stets auf den Fersen. Großer Bösewicht der Staffel ist Wapol. Ich bin weiterhin Fan von der offensichtlichen Liebe für das Vorbild, das ist schließlich nicht bei allen Adaptionen der Fall. Die meisten Kampfsequenzen sehen ganz gut aus und wirken aufwändig, wenngleich es manchmal ein paar zu viele Schnitte gibt, um fehlende Kampfskills der Schauspieler zu kaschieren. Generell sind die Darsteller weiterhin maximal solide und viele overacten hemmungslos, so dass man sich im Anime wähnt. Mir fiel es manchmal schwer Charaktere ernst zu nehmen, wie den Typen der explosive Popel wirft oder Smoker, der stets zwei Zigarren im Mund hat. Das funktioniert für mich im Anime besser als in einer Realserie, aber aus dieser Absurdität kann man auch einen gewissen Unterhaltungswert ziehen. So absurd wie One Piece ist kaum eine Realserie. Auch die Requisiten und Kulissen erkennt man manchmal etwas zu deutlich, wodurch sich die Serie manchmal eher wie ein Fanprojekt als wie eine Millionenproduktion anfühlt. Jedoch stimmt – wie auch bei den meisten Fanprojekten – die Leidenschaft und die Freude am Projekt, das Herz sitzt sicherlich am rechten Fleck. Somit bleibt ein ähnliches Fazit wie für die 1. Staffel. Fans des Anime finden es super, alle anderen werden es aufgrund des ganzen Wahnwitzes etwas schwerer haben. Dennoch ist die Adaption weiterhin gelungen.

Somit ist die Netflix-Adaption eine schöne, bunte, drollige Serie für jeden, der einem Crew-Abenteuer mit vielen Kämpfen und jeder Menge Comedy nicht abgeneigt ist. Fans von Anime und Manga werden die Serie tendenziell sogar noch etwas besser finden. Ich bin gespannt, wie viele Staffeln die Netflix Serie letztlich umfassen wird, die 3. soll bereits 2027 folgen.

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Die erste Folge beginnt interessant, allerdings eher in Sketch Form. Die junge Kim (Maisie Williams, „Game of Thrones”, positiver Fixpunkt der Serie) kommt in einen Imbiss in England und scheint keinen Plan von der Welt und deren Funktionsweise zu haben („fish out of water”). So wird sie schnell vom Besitzer abgezockt, als sie ihr ganzes Geld zückt. Weil sie das Unrecht später erkennt, brät sie ihm eins über. Danach wankt sie in einem Pub hinein, wo sie die Brüder Nicky (Mawaan Rizwan) und Jay (Taheen Modak) trifft. Die beiden sind sehr peinlich und wirken pubertär. Nicky fühlt sich zu Kim hingezogen und bemerkt, dass sie eine To-do-Liste in ein altes Buch geschrieben hat und die Asche ihres Vaters herumträgt. Eine spannende Figur! Woher kommt Kim? Ist sie ein Alien? Was hat es mit dem Titel auf sich? Gibt es eine Apokalypse? Das deutet Kim zumindest an, als sie mit den beiden Jungs spricht, ihre Mutter ist vom bevorstehenden Atomkrieg überzeugt und hat ihr das eingeimpft.

Leider entscheidet sich die Serie in keine dieser möglicherweise spannenden Sci-Fi oder Apokalypse-Richtungen zu gehen. Stattdessen ist Kim nur die Tochter der Prepperin Tina (Sian Clifford, „Fleabag”), die mit ihrer Tochter einsam im Wald lebt, ihr vom Weltuntergang erzählt und sie im Survival-Training schult. Das alles hat natürlich interessante Gründe aus der Vergangenheit und schnell wird es aus der mysteriösen Serie eine klassische Rache- und „Gangster wollen mich ermorden”-Geschichte mit viel Klamauk und Blut. Es wirkt, als hätten die Macher „Utopia” gut gefunden, diese Klasse erreichen sie aber nie.

Der Anfang zog mich durchaus in seinen Bann, nachdem das Mysterium aber schnell und für mich recht unspannend aufgelöst wurde, konnte ich keinen rechten Zugang mehr zu der nur 6-teiligen Serie mit Folgen à 25 Minuten finden. Das Erzähltempo und die Actionsequenzen sind durchaus in Ordnung, aber speziell die Figuren der beiden Brüder sind wirklich so weit draußen und „cringe”, dass es manchmal schmerzt. Zudem wirkt die Handlung etwas wie ein Abhaken bestimmter Punkte auf einer Liste, die es eben in diesem Genre braucht. Die ein oder andere Sequenz ist dennoch cool inszeniert oder gut beobachtet, aber das war mir leider am Ende zu wenig.

Comedyfans können bei „Two Weeks to Live” mal reinschauen. Wer allerdings mehr als Klamauk-Comedy gemischt mit einem Gangsterdrama und einer peinlich-naiven Lovestory erwartet, wird wohl enttäuscht. Ganz offensichtlich wollten die Macher eine 2. Staffel, die es aber wohl nie geben wird. Verständlich.

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„Unfamiliar” ist bereits ungewöhnlich, weil deutsche Agenten im Mittelpunkt stehen. Der BND mit echten Agenten im Außeneinsatz! Während CIA, MI6, KGB/FSB und andere Geheimdienste stets fähige Agenten hervorbringen, ist die deutsche Variante doch seltener Gast auf den Bildschirmen. Das Ehepaar Schäfer, Meret (Susanne Wolff) und Simon (Felix Kramer), haben ihre Agenten-Tätigkeit beim BND 16 Jahre zuvor aufgegeben, weil in Belarus etwas gehörig schief ging und sie sich fortan um ihre Tochter kümmern wollten. Doch natürlich holt sie die Vergangenheit ein und der Mann der designierten russischen Botschafterin in Deutschland (Samuel Finzi) möchte sie nun aufspüren und ermorden lassen. Dafür engagiert er auch noch Auftragskiller Jonas (Andreas Pietschmann), der natürlich auch noch irgendwie persönlich in die Sache verwickelt ist. Das alles führt zu einem Katz-und-Maus-Spiel, bei dem jeder jeden töten möchte. 

Wie logisch und realistisch alles ist, kann jeder von Beginn an für sich entscheiden. Das Setting der BND-Agenten in Berlin wirkt erstmal seltsam, genauso wie die russische Botschaftergeschichte ohne den russischen Angriffskrieg auf die Ukraine zu erwähnen. Das deutsche Setting fühlt man nur selten, was vielleicht auch darin begründet liegt, dass der Schöpfer und Hauptautor der Serie Brite ist. Die Produktion der Serie ist allerdings gelungen, die Inszenierung ist meist gut, die Actionsequenzen haben Tempo, auch wenn sie manchmal etwas arg zerschnitten wirken. Dennoch gibt es immer wieder einige gute Ideen und auch der Spannungsaufbau der Geschichte gelingt. Die Darsteller sind überwiegend solide.

Nach einem interessanten Beginn nimmt sich die 6-teilige 1. Staffel in der Mitte eine kleine Pause, in der sich das Ehepaar lieber mit Fragen rund um ihre Tochter, Geheimnisse und Affären herumschlägt, statt aktiv dafür zu sorgen, dass sie ihrem Killer auf die Spur kommen. Ab und an muss man ein oder auch beide Augen zudrücken, um die Logik nicht zu sehr zu hinterfragen (Schusslinien, der ganze Marrakesch Subplot, Aneurysma-Kram, wem vertraut wird, die fast völlige Abstinenz der Polizei trotz Ballereien), oder sich die Ohren zuhalten, wenn ein bisschen cringe geredet wird: „Sie ist eine Macherin!”. Aber das fällt letztlich nicht allzu negativ ins Gewicht.

„Unfamiliar” ist eine gut produzierte, deutsche Agentenserie, die weder an das internationale Vorbild „The Americans” noch an das deutsche Vergleichswerk „Deutschland 83/86/89” heranreicht. Wenn man die Drehbuchmakel ausblenden kann, erwartet einen eine schöne Mischung aus Familiendrama und Agentenserie, die weitgehend unterhaltsam ist. Der große Wurf ist es allerdings nicht geworden. Ob man das Cliffhanger-Ende mag, das sehr offen mit einer Folgestaffel kokettiert, dürfte subjektiv sein.

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Zu Beginn möchte ich auf das Review der 1. Staffel, bzw. die Gesamtübersicht verweisen. In diesem Beitrag beschäftige ich mich ausführlicher mit Staffel 2. Für Fans des Agententhrillers lohnen sich beide Staffeln.

Jonathan Pine (Tom Hiddleston) arbeitet immer noch beim MI6 als Leiter eines Teams der „Night Owls“, einer reinen Überwachungsgruppe. Doch recht schnell holt ihn die Vergangenheit wieder ein, die ihn ohnehin nie losließ. Er träumt weiterhin von damals und seinem großen Feind Richard Roper (Hugh Laurie), der allerdings von seiner Kollegin Angela Burr (Olivia Colman) als tot identifiziert wurde. Bei einer Operation in London entdeckt er einen alten Mitarbeiter seines großen Gegenspielers, die Verfolgung der Zielperson führt ihn zum Sohn seines Ex-Rivalen nach Kolumbien. Pine möchte sich in den Waffenhändlerring des Zöglings einschleusen, wofür ihm nach einigen Fehlern in Folge 1 nur ein kleines Team zur Verfügung steht. In Kolumbien lauern größere Verschwörungen, Twists und Enthüllungen rund um den britischen Geheimdienst und die Vergangenheit an jeder Ecke.

Die Fortsetzung gelingt mit Staffel 2. Dieselbe Agenten-Atmosphäre, die von viel Spannung und Risikofreude der Hauptfigur geprägt ist, stellt sich bereits früh wieder ein. Das Erzähltempo zieht spätestens zum Ende der 3. Folge spürbar an, doch auch zuvor gelingt ein guter Spannungsaufbau rund um einen liebgewonnenen Spion, der stets Gefahr läuft, enttarnt zu werden. Danach dominieren teils exquisite Konfrontationen, Gespräche und die Action. Einige Charaktere schwenken vielleicht etwas zu schnell um, manchmal muss der Zufall zu sehr aushelfen und das Ende ist ultimativ etwas unbefriedigend, weil der Konflikt zwar gut zugespitzt, aber doch mit Blick auf eine (dann hoffentlich finale) 3. Staffel vertagt wird.

Man könnte kritisieren, dass die Serie sich in vielen Aspekten selbst kopiert. Die neuerliche Infiltration folgt den bekannten Spuren mit einem etwas verrückten und über Grenzen gehenden Sohn des Ex-Rivalen (Diego Calva) und einer Femme Fatale (Camila Morrone), die irgendwie als Doppelagentin fungiert. Das ist vielleicht etwas einfallslos, aber es funktioniert weiterhin. Danach könnte man sich die Frage stellen, wie logisch und vernünftig die Handlung voranschreitet, ultimativ hilft diese Entscheidung der Serie aber stark, ich bekam Gänsehaut und war fortan (ab Folge 4) sehr gespannt und verfolgte das Geschehen gebannt.

Zusammenfassend ist Staffel 2 von „The Night Manager“ eine gelungene Fortsetzung, die sich nicht neu erfindet, sondern stattdessen das Altbekannte neu zusammenstellt und weiterführt. Das Niveau in Sachen Produktion, Inszenierung und Locations ist weiterhin sehr hoch, die Darsteller sind erneut stark (auch wenn Olivia Colman leider nur selten zu sehen ist). Ich bin gespannt, wie Staffel 3 die Trilogie beendet und möchte die 2. Staffel aller Fans der 1. empfehlen. Fans von Agenten/Spionage-Plots, schön aufgebauten Rivalitäten und James Bond, die die Serie noch nicht kennen, können sofort beide Staffeln nachholen und werden vermutlich nicht enttäuscht werden.

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Eine Triggerwarnung gibt es für die typischen Kriegsthemen: Es gibt Blut, viele Leichen und fiese Sprüche. Die Serie ist manchmal schwer anzusehen, vor allem aufgrund des Verhaltens der Soldaten, aber auch aufgrund einiger verstörender Bilder. Die teure Miniserie, der man ansieht, dass sie tatsächlich in einem Irak-ähnlichen Terrain gedreht wurde, stammt aus der Feder von Ed Burns und David Simon, den „The Wire”-Machern. Deshalb spürt man die Liebe zum Detail und das atmosphärisch dichte, aber eher langsamere Erzähltempo führt dazu, dass man sich irgendwann fast selbst wie ein Teil der Truppe fühlt. Wäre diese doch bloß nicht so schwer erträglich… Testosterongeschwängerte Typen, die es gar nicht erwarten können in den Krieg zu ziehen, schief Popmusik der 2000er singen, ständig über Masturbation sinnieren und sich untereinander permanent streiten. Das ist zwar alles (wohl) authentisch, aber auch anstrengend. Die Schauspieler sind allerdings alle sehr gut, das Highlight ist sicherlich Alexander Skarsgård, aber der ganze Cast ist glaubwürdig und sorgt für eine gelungene Immersion. 

Die Frage ist nur, ob man so gerne hineingezogen wird. Denn mir fiel es schwer mitanzusehen, dass der Krieg hier so wahnsinnig positiv aufgefasst wird, diese Soldaten wirklich fürs Töten leben. „Generation Kill” ist kein „Band of Brothers” oder Filme über den Vietnamkrieg, wo ein aufkommender Kriegs-Enthusiasmus zu Kriegsbeginn sich später in Verzweiflung verwandelt. Stattdessen wurde der Krieg eben schnell „gewonnen”, die Jungs können gar nicht genug von Feuergefechten kriegen und fühlen sich stets übergangen oder fehl am Platz, wenn sie keine Menschen erschießen dürfen. Häufig werden auf dem Papier unsinnige Entscheidungen von Vorgesetzten getroffen, um sich Orden oder Anerkennung für Beförderungen und die eigene Karriere zu verdienen, statt die Sicherheit der eigenen Soldaten und das Verhindern von zivilen Opfern an oberste Stelle zu stellen. Während andere Werke gut den „Antikriegsfilm” repräsentieren, gelingt das in „Generation Kill” nicht über den Großteil der Figuren, sondern primär über die Bilder und die häufigen Entscheidungen der US-Armee Zivilisten wegzubomben, weil man sich nicht auf die Aufklärung verlässt oder es Kommunikationsprobleme gibt. Dennoch geht es danach schnell weiter, die Autorität hat schließlich gesprochen und dem ist Folge zu leisten – die Szenen, wo dem bewusst widersprochen/sich widersetzt wird, waren für mich die stärksten.

Das alles möchte ich der Serie allerdings ausdrücklich nicht ankreiden. Sie ist durch den „embedded” Reporter authentisch und dadurch besonders glaubwürdig. Generell habe ich andere Anforderungen der „Unterhaltung” an Werke über Kriege als an andere Filme. Doch hier wuchs mit zunehmender Zeit meine Distanz zu den Figuren, weil ich kaum jemanden sympathisch fand. Dennoch ist die Miniserie eine hervorragende Illustration einer Generation von Soldaten, die nicht mehr von Vietnam und anderen Misserfolgen geprägt ist, sondern von Blutdurst und dem Hang, sich einen Namen zu machen. Dieser Wechsel in der Gedankenwelt wird großartig dargestellt.

„Generation Kill” gelingt damit letztlich genau das, was die Miniserie erreichen möchte. Die Handlung ist eine authentische Nacherzählung einer Invasion, die möglichst nah an den Soldaten bleibt und eine gewisse Weitsicht (z.B. ob man als Befreier oder Besatzer wahrgenommen wird, ob es Massenvernichtungswaffen gibt) immer nur kurz andeutet. Stattdessen werden schnell die nächsten Probleme innerhalb der Truppe verhandelt oder es werden neue (unsinnige) Befehle erteilt, die sich ständig ändern, weil die Führung recht planlos wirkt. Zusammenfassend kann man „Generation Kill” wenig vorwerfen, ich war aber nie so beeindruckt wie von „Band of Brothers”. Vermutlich auch, weil ich bei einem Kriegsfilm die „leidende Komponente” etwas direkter benötige, um voll involviert zu sein.

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„Attack on Titan” ist eine überraschend vielschichtige Serie, die zahlreiche Themen angeht und gekonnt in 4 Staffeln und 89 Episoden beleuchtet. Dabei gibt es auch immer wieder passende Vergleiche mit der realen Welt. Doch von vorne: Hundert Jahre vor dem Einsetzen der Haupthandlung tauchten plötzlich riesige Titanen (Gestalten in Menschengewand in Übergröße) auf und griffen die Menschheit an, um sie zu fressen. Daher haben sich die Menschen hinter mehrere hohe Stadtmauern ins Landesinnere zurückgezogen. Die Titanen können diese Mauern anfangs nicht überwinden. Deshalb wiegt sich die Menschheit, die wie eine Nation von einer Monarchie geführt wird und zeitweise an eine Militärdiktatur erinnert, in Sicherheit – bis das Unvorstellbare geschieht. Eines Tages bricht ein ganz besonderer Titan, der im Gegensatz zu seinen Kollegen intelligent zu sein scheint, durch die Mauer und öffnet sie, schnell sterben unzählige Menschen. 

Unsere Hauptfiguren Eren Yeager, Mikasa Ackerman und Armin Arlert sind während der Katastrophe noch Kinder und werden von dem Titanenangriff traumatisiert. Dennoch entflammt vor allem in Eren der Wunsch Rache an den Titanen zu nehmen. Die folgenden 5 Jahre werden temporeich und kurz erzählt, die Gruppe wird zu Rekruten, militärisch ausgebildet (vor allem im 3D-Manöver, der seilartigen Kampftechnik gegen die Titanen, wie Spiderman) und soll sich am Ende entscheiden, ob sie der Militärpolizei im Inneren (sicherer Job, meiste Macht), der Mauergarnison (Verteidigung) oder dem Aufklärungstrupp (ultra gefährlich, Operationen außerhalb der Mauer) anschließt. Doch das ist nur das Setup für so viele unvorhergesehene Dinge, die bereits in der ersten Staffel geschehen und die ich nicht spoilern will. Nur so viel: „Attack on Titan” tritt nicht auf der Stelle, sondern schafft permanent neue Realitäten und überrascht durch zahlreiche Twists. Sei es im menscheninternen Kampf – bei denen auch die Themen Religion, Angst, Flüchtlinge, Ausgrenzung, Hungersnot oder die Macht der Wirtschaft/Händler im Vordergrund stehen – oder in den zahlreichen Schlachten gegen die Titanen. Die Titanen werden immer absurder und die mysteriöse Entstehungsgeschichte der Titanen nimmt einen großen Platz ein. Manchmal überschlagen sich die Ereignisse und man muss einige neue Realitäten einfach akzeptieren und gedanklich der immer verrückter werdenden Geschichte folgen. Ich hätte in Staffel 1 niemals geglaubt, dass sich die Handlung am Ende in solche Sphären begibt.

Die Geschichte rund um viele Charaktere mit deutschen Namen braucht ein paar Episoden, um richtig Fahrt aufzunehmen, präsentiert dann aber bereits früh tiefgreifende Twists. Die Serie hat fast keine „Fillerepisoden”, stattdessen geht es stets vorwärts, häufig actionreich. Das Pacing ist eine der größten Stärken, denn trotz einer so großen Anzahl von Episoden wird es nie langweilig und viele Nebengeschichten werden im weiteren Verlauf der Handlung wieder relevant. Das Charakterensemble wird stetig spielend leicht erweitert, auch die neuen Charaktere sind zumeist interessant und helfen dabei die Welt noch glaubwürdiger und greifbarer werden zu lassen. Visuell ist die Serie meistens stark, ziemlich brutal, teilweise sehr emotional und pathetisch. Die Inszenierung ist auf einem sehr hohen Niveau, die Serie wird gleichzeitig wie ein gutes Charakterdrama und eine Actionserie präsentiert, zudem kann die Serie sich visuell austoben im Vergleich zu Realserien. Auch die Konsequenz der Serie ist beeindruckend. Innerhalb der ersten 10 Folgen sterben 250.000 Menschen (20% der Bevölkerung), man sieht den Tod zahlreicher Figuren, die Opferzahlen werden im Verlauf nicht geringer. „Attack on Titan” ist nichts für schwache Nerven oder Zartbesaitete, zeitweise gibt es berechtigte Triggerwarnungen vor den Episoden.

Staffel 1 trifft den düsteren, bitteren Ton gekonnt und überzeugt durch Actionmomente und das starke Worldbuilding. Staffel 2 widmet sich vollends einem dynamischen, spannenden Kampf, Staffel 3 brilliert vor allem in der 2. Hälfte mit grandiosen Momenten – sowohl in den Schlachtszenen, als auch in den alles verändernden neuen Erkenntnissen. Die abschließende 4. Staffel kann durch ihren Mut des Perspektivwechsels punkten, ist deutlich verworrener, aufgrund ihrer zahlreichen verschiedenen Zeitebenen, und wird immer abstruser sowie paradoxer. Sie fordert die Zuschauer heraus, erschüttert ihr bisheriges Verständnis dieser Welt und der Charaktere. Das alles gipfelt in einer 2,5 stündigen Doppelfolge (The Final Chapters). Dieser Abschluss wird mit hoher Wahrscheinlichkeit niemanden zu 100% glücklich zurücklassen, es ist aber dennoch ein sehr passendes, polarisierendes und finsteres Ende. Ich bin immer noch beeindruckt von dem Mut, die Welt vollständig auf den Kopf zu stellen und ein solches Ende abzuliefern. 

Letztlich ist „Attack on Titan” ein echtes Epos und ein wahres Meisterwerk mit bitterer, aber sehr pointierter, stimmiger Aussage. Doch ist sie auch die beste Anime-Serie überhaupt? Ich kann sie nur voll empfehlen und vor allem, wenn man wunderbare Anime-Action liebt, gerne mitdenkt, die Themen verkraftet, ständige Twists mag oder eine spannende Welt entdecken und eine einzigartige, ambivalente Geschichte erleben möchte.

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Die Serie verdeutlicht zu Beginn, dass sie das Alien-Universum erheblich erweitern möchte, vor allem rund um das Thema der Roboter. Denn neben den bekannten, „milchblutenden” Synths (KIs in androider Form mit Roboterkräften) gibt es auch Cyborgs (augmentierte Menschen) und Hybride – das menschliche Bewusstsein wurde in Synthkörper gepackt. Die Hybride spielen eine große Rolle, da todkranke Kinder als erste von der neuen Hybridtechnologie des aufbegehrenden Top 5 Konzern „Prodigy” rund um das Wunderkind Boy Kavalier (Samuel Blenkin) profitieren sollen. Hauptfigur wird deshalb „Wendy” (Sydney Chandler, gut), die erste Hybride, die nach ihrem noch menschlichen Bruder Joe (Alex Lawther, „The End of the F***ing World”, auch gut) sucht.

Doch Moment mal! Es ist doch „Alien”, oder? Genau, denn Folge 1 schwingt heftig die Nostalgiepeitsche, in dem sie sich erheblich auf die ersten beiden Filme bezieht und eine Crew im All zeigt, mit der – in Episode 1 noch angedeutet und in Episode 5 ausgespielt – der klassische Xenomorph sein Unwesen treibt. Doch dieses Schiff prallt 2120 (2 Jahre vor dem Originalfilm) auf die Erde, was dazu führt, dass sowohl der bekannte Weyland-Yutani Konzern, als auch der neue Prodigy Konzern nach dem Inhalt des Schiffes trachten. Vor allem interessieren sie sich für die Aliens, denn die Crew könnte allen nicht egaler sein. Um den Inhalt für Prodigy zu sichern, werden seltsamerweise die nicht kampferfahrenen Kinder-Hybride ausgesandt, danach stehen die Erforschung der Aliens, die Selbstfindung der Hybride und die Rivalität der beiden Großunternehmen im Fokus.

Bevor ich die Serie einschätze: Kurz zu meiner Vorerfahrung mit dem Franchise, denn ich habe nicht alles gesehen. Ich finde „Alien” und „Aliens” großartig, mag den 2. sogar lieber. Den 3. finde ich auf komische Weise in Ordnung, „Prometheus” konnte ich leider wenig abgewinnen, auch wegen des schwarzen Etwas, „Romulus“ fand ich visuell stark, aber erzählerisch beliebig. Den Rest sah ich nicht, auch die Predator Reihe habe ich ausgespart. Ob ich damit qualifiziert genug bin, die Serie zu bewerten, darf jeder selbst entscheiden. Aus meiner Sicht taugt die Serie für Fans und für bisher Alien-Unbefleckte ähnlich gut – oder eben schlecht.

„Alien Earth” beginnt in seiner Retro-Alien-Geschichte ganz hervorragend, es wirkt fast wie ein verlorener 3. Teil von damals. Doch die visuelle Komponente, sowie das Setdesign setzen sogar einen obendrauf. Denn visuell ist die Serie ein Gaumenschmaus, es gibt zahlreiche Referenzen und Fanservice. Vor allem Folge 5 sticht positiv (aus dem Bauch) hervor, man könnte sie mit der Exposition aus Folge 1 auch als alleinigen Retro-Alien Film vermarkten. Doch leider ist das eben nicht alles. Die Serie ist zwar mit großartigen praktischen Effekten und Sets gesegnet, die wunderbares Oldschool-Feeling aufkommen lassen, doch leider wirkt der Xenomorph manchmal arg wie ein Typ in einem Halloween Kostüm – was den Xenomorph leider etwas entzaubert. Zudem wird die klassische Dramaturgie durch den rasanten Beginn mit unfassbar vielen Xenomorph-Begegnungen (was etwas am Kanon rüttelt) über den Haufen geworfen, denn ab Folge 3 wird es erheblich ruhiger. Doch das ist nicht mal das große Problem, tatsächlich sind die Kinder in Roboterkörpern das, was die Serie erheblich einschränkt. Denn nicht nur die naiven Kinder handeln stets so wie die letzten Deppen – was zwar eine Idee aus der „easy writing”-Hölle, aber immerhin noch logisch ist –, sondern sie infizieren wie Parasiten auch die Hirne (oder Schaltkreise) aller anderen Figuren, die naiv, dämlich und nicht nachvollziehbar handeln. Am auffälligsten ist das beim absoluten Wunderkind, dem schlausten Menschen der Welt, der dieses Intelligenz-Versprechen auf keiner Ebene einlöst und (sehenden Auges) in sein Verderben reitet. Das mit seinem „impulsiven ADHS” am Ende noch so halb zu begründen, reicht dabei nicht.

Für mich persönlich wurde die Erwartungshaltung beim Titel „Alien: Earth” untergraben. Die Zukunft der Erde von 2120 sieht überraschend positiv und grün aus, dass diese Mega-Corporations den Planeten regieren, wird dem Zuschauer nur erzählt, allerdings nicht gezeigt. Die Welt fühlte sich für mich massiv unterentwickelt an. Ein weiteres Problem ist die Frage, mit wem man mitfiebert. Die Kinder in Roboter-Erwachsenenkörper sind leider keine Sympathieträger, das Familiendrama erfindet das Rad auch nicht nicht neu, gefiel mir aber als Plotpunkt immerhin besser. Der Cyborg und Kirshs (Timothy Olyphant)-Storylines fühlen sich letztlich unfertig an, genauso wie die Story selbst. Denn eigentlich trudelt die Handlung auf einen Showdown hin, der am Ende enttäuscht, weil er irgendwie mittendrin aufhört. Ich bin auch kein Fan davon, den Xenomorphen so sehr umzudeuten und den Hybriden (die es offenbar sonst in der Timeline nicht gibt) so viel Macht zu geben.

Was bleibt am Ende? Eine visuelle brachiale Serie von Noah Hawley („Fargo”), die stellenweise auf ganzer Linie überzeugen kann, Spannungsmomente mit Horror und Actionsequenzen gekonnt verbindet und ein wohliges Retro-Alien-Gefühl aufkommen lässt. Doch ein überfrachtetes Drehbuch, das sich im Verlauf zu sehr an der Dummheit und Naivität seiner Figuren entlang hangelt und einige große, polarisierende Entscheidungen trifft, steht dem großen Wurf im Weg. Ich war dennoch lange Zeit noch ziemlich positiv gestimmt, doch das Ende hat für mich leider nicht gezündet, sodass das Pendel am Ende doch noch klar unter die 80 Prozent Marke ausschlägt.

Ich würde „Alien Earth” eher Gelegenheitsfans von „Alien” empfehlen als den kanonliebenden Hardcore Fans – gerade, wenn man „Prometheus” feiert, wird man sich angegriffen fühlen. Doch fernab von jeglichem Fantum beginnt die Serie großartig, baut sich mit ihren kindlichen Hybriden selbst das größte Hindernis und bekommt es trotz der starken Visualität letztlich nicht ganz zusammen. Von einer Katastrophe ist die Serie dennoch weit entfernt, denn es gibt einige Filetstücke.

The post Alien Earth – Retro-Alien-Feeling trifft auf Kinder-KI-Roboter. Review Staffel 1 first appeared on Are you series?.

Heutzutage kann man es sich kaum noch vorstellen: „The Walking Dead” lief zeitgleich mit „Breaking Bad” und „Game of Thrones” und war die einzige Serie, die deren Popularität zum Teil sogar noch übertreffen konnte. Anfangs auch wegen der hohen Qualität, der großen Spannung und den großen Konsequenz auch Hauptcharaktere in den Tod zu treiben – weniger wegen der Darsteller oder besonders schlauer Handlungsstränge. Die Ausstiegspunkte variieren, bei mir war es im Verlauf der immer dümmer werdenden 7. Staffel der Fall. Natürlich gab und gibt es auch noch zahlreiche Spin-offs, von „Fear the Walking Dead” sah ich noch die erste Staffel, die ok war, aber mich nicht dazu bewegte die weiteren 7 Staffeln zu schauen. 

Falls irgendwer noch nie von „The Walking Dead” gehört haben sollte: Die Serie basiert auf einer bekannten Comic Reihe und bekam noch zahlreiche Videospielableger spendiert, Teile der Telltale Games sind wirklich sehr empfehlenswert. In der TV-Serie fokussiert sich die Geschichte zunächst auf eine Gruppe von Überlebenden um Sheriff Rick Grimes (Andrew Lincoln) im US-Bundesstaat Georgia, die nach dem Ausbruch der Zombie-Apokalypse nach einer sicheren Zuflucht suchen. Dabei stürzen sie von einer brenzligen Situation in die Nächste und bemerken letztlich, dass die wahren Feinde weiterhin die anderen Menschen sind. Im Verlauf der Serie konnte vor allem Norman Reedus Kultstatus erreichen, ich war immer großer Fan von Steven Yeun, dem danach glücklicherweise noch eine große Karriere gelang.

Ich möchte jedem empfehlen die erste Staffel von „The Walking Dead” zu schauen. Das Bild ist für heutige Verhältnisse vielleicht etwas grobkörnig, aber Schöpfer Frank Darabont (Die Verurteilten, The Green Mile) gelang damals eine großartige Pilotfolge, die von einem logischen, spannenden und interessanten Handlungsstrang untermauert wurde, der in einem starken Finale in der Forschungseinrichtung rund um ein Heilmittel gipfelt. Ab der 2. Staffel auf der Farm ging es qualitativ bereits bergab, aber es gibt immer wieder Highlightfolgen, die durchgängig überzeugen können. Außerdem gelingt den Machern meistens eine vernünftige Rivalität zwischen Figuren aufzubauen, starke Antagonisten werden eingeführt. 

Doch irgendwann wiederholt sich alles, alles wird dümmer, weniger nachvollziehbar, die Zombies werden langweilig, die Charakterentscheidungen dämlicher und die Sympathiefiguren verlassen die Serie nach und nach. Für mich war das Ende in Staffel 7 erreicht, Negan hat mich fortgetrieben. Generell bietet die 6-teilige erste Staffel einen guten Schnupperkurs, ob man mehr von „The Walking Dead” sehen möchte. Allerdings erreichten spätere Staffeln nie mehr diese Qualität und darüber hinaus sind 11 Staffeln mit unglaublichen 177 Folgen natürlich auch ein riesiges Zeitinvest.

Ich verzichte auf eine Gesamtbewertung, Staffel 1 bekommt von mir 90%, die 6.&7. Staffel vielleicht noch 60-70%, danach war ich fertig mit der Serie. Insofern wäre ein Gesamtrating kaum seriös.

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Inhaltlich folgt die Handlung dem bekannten Kriegsverlauf, die Figuren basieren auf echten Soldaten, ihre Kommentare in Interviewsituationen leiten die jeweiligen Folgen ein und führen zu einer hohen Authentizität, vor allem, wenn sie von Kameraden erzählen, die den Heimweg nicht erleben durften. Jede Folge fokussiert sich speziell auf einen Charakter, dessen Geschichte in das große Ganze eingearbeitet wird. Ein Faustpfand der Serie ist, dass sich mehr Zeit für ein Psychogramm, eine Darstellung der mentalen Verfassung, der Soldaten genommen wird und der Soldat nicht als simple Kampfmaschine dargestellt wird. Insgesamt gibt es eine ganze Reihe von Haupt- und Nebencharakteren, sodass der Überblick anfangs etwas schwierig ist, das wird nach einigen Folgen jedoch besser. 

Die Bilder ähneln im Wesentlichen denen etablierter Kriegsfilme, aufgrund von Tom Hanks und Steven Spielberg liegt „Der Soldat James Ryan” als Nr.1 Vergleichswerk auf der Hand. Visuell brachial erzählt, schreckt die Inszenierung nicht vor harten Szenen zurück, sondern zeigt die Gräuel des Krieges. Dabei ist die Serie allerdings nicht übermäßig heroisierend, sondern realistischer. Interessant ist, dass auch das Fehlverhalten der Alliierten gezeigt wird, wenn von dieser Seite Kriegsverbrechen begangen werden. Dabei werden natürlich auch die Gewalttaten der Nazis und deutschen Soldaten nicht unter den Tisch gekehrt. Inhaltlich und visuell gelingt der Serie somit ein Rundumblick, der aufgrund der Laufzeit mehr in die Tiefe gehen kann und bei dem jede Folge so hochwertig produziert ist wie ein Film. Das Darstellerensemble setzt sich aus damals noch eher unbekannten Gesichtern zusammen, Damian Lewis („Homeland”) wäre heutzutage der größte Name. Diese Auswahl von frischen Darstellern sorgt für eine höhere Authentizität, weil die Figuren reale Menschen, damalige Soldaten spielen und man darin nicht zu sehr den jeweiligen Schauspieler sehen soll. Einige Dialoge sind sehr stark und bitter geschrieben, die Darsteller sind weitgehend überzeugend.

Nach der ersten Episode, die leichte „Full Metal Jacket”-Vibes versprüht, ist der D-Day das erste Highlight. Danach schreitet der Feldzug der Alliierten weiter voran, die Stimmung ist eher positiv und die großen Highlights bleiben aus. Ab Folge 6 wird es aber extrem bitter, das Tempo zieht deutlich an, die Gefahren werden omnipräsenter und es gilt schwierige Entscheidungen im kalten Winter 1945 zu treffen. Mit dem Wald von Bastogne erreicht die Serie nochmal eine neue Dimension, denn etwas, was sich mit Krieg beschäftigt, ist nur dann wirklich gut, wenn auch flächendeckend gelitten wird. Die Episoden 6 und 7 sind großartig in ihrer Präsentation der Belagerungssituation, der zerstörten Moral aufgrund von toten Kameraden, Führungsversagen und des Winters, die Sequenz mit dem Sanitäter im Kampf ist beispielsweise überragend. Folge 9 ist die Episode, die einen spätestens emotional zerstört, wenn es um die Befreiung eines Konzentrationslagers geht… alleine beim Gedanken daran bekomme ich heute noch Gänsehaut. Die letzte Folge bietet einen gelungenen Abschluss.

Insgesamt ist „Band of Brothers” die absolute Blaupause für Kriegsserien. So sollte es sein. Auch wenn die Serie kaum Neues erzählt, ist das Niveau extrem hoch. Insofern ist die 10-teilige Miniserie klassisch, aber sehr sehenswert, eine essentielle Serie, die man als Serienfan gesehen haben sollte.

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„Das Boot” handelt von einer deutschen U-Boot Besatzung im 2. Weltkrieg, die 1941 Handelsschiffe (Versorgungsschiffe) auf dem Atlantik versenken soll. Das gelang zuvor besser, aber mittlerweile schützten die Alliierten ihre Schiffe mit eigenen Zerstörern, die mit Wasserbomben auch U-Boote attackieren konnten, die Zukunft sieht daher düsterer aus, die Gefahr für die Besatzung wird spürbarer. In Person des Leutnant Werner (Herbert Grönemeyer) kommt zu Beginn ein „Kriegsberichterstatter“ mit an Bord um Propagandabilder und -Geschichten auf- und mitzunehmen. Dabei gerät das U96 in zahlreiche Extremsituationen, die sich zunächst auf Angriffe und Gegenangriffe im Atlantik fokussieren, später auf einen großen Sturm und im letzten Drittel auf eine Durchbruchssituation an der Straße von Gibraltar. Dabei wird das Personal psychisch stark belastet.

Das Gesamtwerk „Das Boot” ist eine spannungsgeladene Tour de Force, gerade in den Actionsequenzen packend inszeniert und gut gespielt. Doch die Langversion lässt auch den ruhigen Momente des Wartens auf die Alarmbereitschaft und des tristen Lebens unter Wasser genügend Raum, der die Gesamtatmosphäre stark unterstützt. Für manche mag das Tempo der Miniserie, vor allem nach heutigen Sehgewohnheiten, zu langsam sein, für die bleibt der Director’s Cut. Ich fand es zielführend und stimmig auch die nachdenklichen Sequenzen sehen zu können, die den Charakteren deutlich mehr Raum zur Entfaltung geben. „Das Boot” ist ein produktionstechnisches Meisterwerk. Der 1 zu 1 Nachbau eines U-Boot-Inneren, die dynamische Kameraführung, die stimmige Musik, die großartigen Außenszenen, deren man ihr Alter aufgrund von Miniaturen nicht wirklich ansieht und die überragende Endsequenz können durchweg brillieren. Das ist wirklich großartig, nicht nur für einen deutschen Film, sondern überhaupt.

Auch die Darsteller wirken überwiegend authentisch. Vor allem Jürgen Prochnow als „Der Alte“ ist fantastisch in diesem Film, der so viele Filmkarrieren startete oder zumindest maßgeblich befeuerte. Martin Semmelrogge, Uwe Ochsenknecht, Heinz Hoenig, Jan Fedder, Ralf Richter und noch viele andere bekannte Gesichter sind Teil der Crew, herausstechend gut ist Erwin Leder als Johann. Man könnte kritisieren, dass viele der Figuren nicht sonderlich vielschichtig sind, sondern stattdessen Stereotype darstellen, an denen sich im Film auch nicht viel ändert. Stereotype der Region, aus denen die jeweilige Figur stammt und einen dementsprechenden Dialekt darbietet, was manchmal ans „Overacting” grenzt. Stereotype der uneingeschränkten Unterstützer des Nazi-Regimes. Einzig Prochnows und Grönemeyers Charakteren wird etwas mehr Komplexität und Entwicklung eingeräumt, der Kriegsberichterstatter funktioniert gleichzeitig als Anknüpfungspunkt für die Zuschauer, weil er genauso wie die Zuschauer zum ersten Mal in dieser Situation hineingeworfen wird. Trotz der Klischees wirken die Charaktere sehr greifbar und lassen eine Verbindung zwischen dem Zuschauer und der Crew zu. Das Ende ist absolut stimmig und großartig (in einem Take) inszeniert.

Die Geschichte von U-96 sollte man als den definierenden deutschen Kriegsfilm (neben „Der Untergang”) mit seiner packenden Atmosphäre auf jeden Fall einmal gesehen haben. Nach meiner erstmaligen Sichtung der Miniserie kann ich diese Version sehr empfehlen und sehe ansonsten nur den Director’s Cut als mögliche Alternative, alle anderen Optionen sparen zu viel aus und lassen den Charaktere nicht genügend Raum zum Atmen. Insgesamt ist die „Das Boot” Miniserie von 1985 auch heute noch absolut sehenswert, ein zeitloses Werk.

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Aus fast morbidem Interesse schaute ich mir damals die erste Staffel, die ersten 6 Episoden, dieser seltsamen Melange aus Identitätsdiebstahl, ganz viel Hacker-Unfug, Familienvatergedöns und Terrorismuskram an, bei der auch der BND als Kulisse dient. Unter vielen Dronenshots begraben liegt ein Quatsch monumentalen Ausmaßes, der allerdings nicht mal wirklich gut zum Hate-Watch taugt, weil er einfach nur mies, aber dabei leider weder besonders amüsant noch spaßig ist. Entschuldigung, was schreibe ich hier? 

Ich wurde natürlich keinesfalls enttäuscht, sondern war fantastisch unterhalten. Denn die Serie ist weltklasse von Minute 0 bis Minute 0, so dass sie zu einem absoluten „Must See”-Titel nicht nur in Deutschland, sondern auch auf den Faröer Inseln gehört. Die Inbrunst und die Grazie, mit der Matthias Schweighöfer hier spielt, habe ich davor und danach nie wieder sehen dürfen. Er wird nur noch von einer top motivierten und unglaublich authentischen Karoline Herfurth übertroffen. Dazu kommt ein herausragendes Drehbuch, was keine Logiklöcher aufkommen lässt, dabei immer vollkommen clever und am Puls der Zeit ist. 

Wenn Sie dieses Jahr nur eine Serie schauen wollen, dann ist es diese. Ich habe aber leider bisher nur die erste Staffel gesehen, ich war noch nicht bereit für eine zweite Staffel voller Brillanz, für solche Meisterwerke muss man natürlich in einer ganz bestimmten Stimmung sein. Das Rating stellt noch eine kleine Rechenaufgabe dar, man kann es vielleicht durch 3 teilen.

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Im Korea des Mittelalters scheint der König an Pocken erkrankt zu sein. In Staffel 1 hat der Kronprinz Lee Chang (Ju Ji-hoon) daran Zweifel, als er eines Tages geheim in den Palast eindringt, bemerkt er nur einen fauligen Geruch und Tiergeräusche. Er entscheidet sich den Arzt des Königs aufzusuchen, um das Mysterium zu verstehen. Doch der Ort von Dr. Lee wurde von einer Seuche befallen, zudem erzählt die Assistentin des Arztes, Seo-bi (Bae Doona, „Stranger”, „The Silent Sea”) dem Kronprinzen von einem Kraut, dass angeblich Tote wiederbeleben kann… Währenddessen spitzt sich die Lage um den König zu und viele Personen scharren mit den Hufen, um das Machtvakuum auszufüllen und die Nachfolge des Machthabers anzutreten.

Die Serie ist großartig inszeniert und fängt schöne Bilder ein. Das Acting kann man als „typisch Koreanisch“ bezeichnen, was für den normalen Seriengucker als „overacted“ wahrgenommen werden kann, aber man gewöhnt sich schnell daran. Gegenüber Vergleichsserien kann „Kingdom” sogar doppelt punkten. Erstens, weil die Zombies etwas anderen Regeln als sonst folgen, zweitens, weil man nicht die ewige Frage stellen kann: Haben die noch nie einen Film gesehen, oder warum kennen sie keine Zombies? Denn es ist das Mittelalter, insofern ist es absolut glaubwürdig, dass die Figuren keine Zombies kennen. Zu Beginn noch etwas ruhig erzählt und ziellos wirkend, nimmt die 1. Staffel ab Folge 3 Fahrt auf, wenn das große Ganze nach und nach erkennbarer wird. Staffel 1 endet mitten in der Handlung.

Staffel 2 ist stringenter in seinem Ablauf, da die Staffel, dank der Geschehnisse der 1. Staffel, mitten in der Action starten darf. Inhaltlich wird die Geschichte nahtlos fortgesetzt und die Ergründung der Ursprünge der Zombies steht mehr im Vordergrund. Die Massenszenen der Zombie-Angriffe sind ein wahrer Hingucker und übertreffen auch viele Szenen aus „The Walking Dead”, weil man ohne (besonders sichtbares) CGI vorgeht und stattdessen mit vielen Statisten arbeitet. Vor allem wenn ich die Action brodelt, ist die Serie sehr ansehnlich. Die Handlung benötigt keine Exposition mehr, die 6 Folgen haben ein tolles Pacing und bieten weiterhin sehr hübsche Bilder. Schauspielerisch ist die Serie nicht überragend und die Comedyversuche bleiben meistens Versuche, aber das stört kaum. So ganz bleibt die Geschichte seiner Logik aus meiner Sicht nicht treu, wenn Leute eigentlich lange tot sein müssten, aber doch noch irgendwo hinkrabbeln können, um wichtige Botschaften zu erteilen. Aber das sind Kleinigkeiten, denn in seiner Kernkompetenz ist „Kingdom” gelungen und fühlt sich frischer an als Vergleichsserien.

Staffel 2 ist sicher besser als 1, grundsätzlich lohnt es sich beide Staffeln in einem Rutsch zu schauen, weil sie nahtlos aneinander anschließen und dieselbe Geschichte erzählen. „Kingdom” ist ein schön inszenierter Genremix, der überraschend gut funktioniert. Es gibt zwar ein paar kleinere Makel, aber als Fan von Zombiefilmen und -serien sollte man sich diese spezielle Variante im koreanischen Historiengewand nicht entgehen lassen.

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Die Serie basiert auf den beiden gleichnamigen Videospielen, Teil 1 und Teil 2. Staffel 1 erzählt in insgesamt 9 Episoden die Handlung des gesamten ersten Videogames, das zweite Spiel wird in den Staffeln 2 und 3 erzählt. An der Seite von Neil Druckmann, dem Creative Director und Autor beider Videospiele, wurde als zweiter Showrunner & Drehbuchautor Craig Mazin verpflichtet, den man beispielsweise von der besten Miniserie aller Zeiten „Chernobyl” kennt. Als kleiner Disclaimer: Ich habe beide Videospiele zuvor gespielt und liebe den ersten Teil, den zweiten finde ich schwächer, aber immer noch gut, obwohl er wahnsinnig polarisierte. Um es vorwegzunehmen: Genauso geht es mir auch mit der Adaption, Staffel 1 ist unfassbar rund, eine hervorragende Staffel, die jeder gesehen haben sollte. Staffel 2 hat ihre Schwächen, aber auch weiterhin Stärken. 

Worum geht es? Im Wesentlichen ist das Thema die Zombie-Apokalypse, aber in „The Last of Us” sind es Pilze. Der Cordyceps-Pilz befällt Menschen, sie können nicht mehr klar denken, werden von ihm gesteuert und auf andere Menschen gehetzt. Wenn diese gebissen oder manchmal auch nur besonders tief gekratzt werden und sich Sporen übertragen können, dann werden die Menschen zu Pilzzombies. Die Haupthandlung der Serie startet rund 14 Jahre nach dem Ausbruch der Pilzepidemie, die dystopische Welt ist komplett zerfallen und die Handlung spielt in einem von der Natur überwucherten Amerika. Regierungen gibt es in diesem Sinne nicht mehr, allerdings unterschiedliche Gruppierungen mit verschiedenen Zielen.

Staffel 1: Die Fireflies beauftragen den Schwarzmarkthändler und Schmuggler Joel (Pedro Pascal) die 14-jährige Ellie (Bella Ramsey) aus einer Quarantänezone zu einem Krankenhaus der Fireflies quer durchs ganze Land zu eskortieren. Denn Ellie scheint immun zu sein und die Fireflies hoffen mit Ellies Hilfe ein Heilmittel für die Epidemie herstellen zu können. Nach einem durchwachsenen Beginn beginnen die beiden eine Vater-Tochter-ähnliche Beziehung zu entwickeln, dabei müssen sie gemeinsam zahlreiche Gefahren von Pilzgegnern und menschlichen Widersachern überstehen.

Die erste Folge der Serie ist überragend. Die ersten 30 Minuten des ersten Videospiels waren damals mit das Beste, was es jemals gab, die Pilotfolge steht dem in wenig nach. Die Emotionalität, das Chaos, der Ausbruch: Das ist perfekt umgesetzt. Nach diesem hervorragenden Einstieg kann auch die Mitte überzeugen und die letzte Folge ist überragend. Das ist „Last of Us I”, das ist besser als alles, was „The Walking Dead” je geschafft hat (sogar besser als die 1. starke Staffel „Walking Dead”). Auch wenn man mit Zombies nichts am Hut hat, sollte man die erste Staffel schauen, weil einem ansonsten eine absolute Top Serie entgeht. Pedro Pascal und Bella Ramsay sind superb als Joel und Ellie, die Nebencharaktere alle mindestens solide. Visuell ist die Serie auf einem guten Niveau, man sieht ihr die hohen Produktionskosten durchaus an, obwohl der Weitblick nicht immer großartig aussieht. Generell kann ich alle beruhigen, die zu viel Angst vor Zombies haben oder zu schreckhaft sind: Mit Horror hat die Serie nichts zu tun, die Zombies sind mehr im Hintergrund als im Spiel, der Mensch ist die Bedrohung.

Bei Staffel 2 konnte man bereits vor der Ausstrahlung ahnen, dass sie schlechtere Karten beim Publikum haben wird. Ohne zu tief in die Videospiel-Debatte einzusteigen, musste der 2. Teil damals großes „Review Bombing” ertragen. Einige traurige-wütende Menschen wetterten kindisch gegen die „Woke”-Agenda des Spiels, weil es auch um Homosexualität und andere liberale Themen geht. Doch das soll nicht darüber hinwegtäuschen, dass das 2. Spiel auch zurecht schlechter aufgefasst wurde. Das liegt vor allem an einer polarisierenden, folgenschweren Entscheidung zu Beginn. Doch genug der Vorworte und hinein ins Geschehen: Die Handlung spielt rund vier Jahre nach den Geschehnissen des ersten Teils. Aus Spoilergründen werde ich inhaltlich nicht in die Tiefe gehen, jedoch beginnen Spiel 2 und Staffel 2 erstmal relativ ruhig, bis in Folge 2 der Scheidepunkt ansteht. Diese Episode ist ganz großartig, wunderbar inszeniert auf allen Ebenen, jedoch werden inhaltlich damit viele Zuschauer Probleme haben. Doch alles geschieht wie im Ausgangsmaterial.

Danach fokussiert sich die nur 7-teilige 2. Staffel noch etwas stärker als die vorherige Staffel auf das zwischenmenschliche Drama. Den Beziehungen untereinander und Dialogen wird deutlich mehr Zeit eingeräumt als im Spiel, die Bedrohungen durch die Pilzzombies wird erheblich zurückgeschraubt. Insgesamt sind diese lediglich in zwei Episoden als größere Horden zu sehen und sind ansonsten thematisch vollkommen irrelevant. Auch einige der bekannten Locations aus dem Spiel werden etwas zu schnell abgefrühstückt, beides ist etwas schade. Der starke Drama-Fokus ist überhaupt nicht falsch, nur leider wirkt der Rest anteilig etwas zu gehetzt, die Actionsequenzen zu kurz, die Bedrohung durch die Zombiepilze spürt man fast gar nicht mehr. Dennoch empfinde ich einige Sequenzen weiterhin als sehr gelungen und sehr schön umgesetzt. Das Pacing der Staffel ist schwächer, aber noch in Ordnung, man hätte vielleicht die neue Hauptfigur der 2. Staffel besser etablieren und die Erzählperspektiven besser miteinander verbinden können. Doch auch das Spiel trennt die Sichtweisen so auf, man wollte dem wohl treu bleiben, dieser Schnitt im Spiel wird in der Serie für den Cliffhanger zu Staffel 3 genutzt. Ich befürchte allerdings, dass die Zuschauer an Abby, die von Kaitlyn Dever stark gespielt wird, wenig Interesse haben werden. Im Spiel musste man sich damit anfreunden, hatte schon viel Zeit investiert und beginnt den finsteren Fokus der 2. Staffel langsam zu verstehen. Ich weiß nicht, ob das als passiver Konsum einer Serie so gut funktionieren wird, wie in einem immersiveren Videospiel.

„The Last of Us” Staffel 2 polarisiert inhaltlich genauso wie das zweite Videospiel. Jedoch ist die Umsetzung leider etwas schlechter gelungen als bei Staffel und Videospiel 1. Ich habe dennoch großes Interesse, wie die restliche Geschichte noch umgesetzt wird und hoffe auf Besserung. Die 2. Staffel ist nicht so schlecht, wie diverse Teile des Webs behaupten. Sie ist nicht mehr überragend großartig, sondern nur noch gut. Dennoch bleibe ich dabei, dass sich jeder – egal mit welcher Genrepräferenz – Staffel 1 anschauen sollte (93%). Ob man dann weiterschaut, bleibt jedem selbst überlassen, aus meiner Sicht bleibt es sehenswert, allerdings mit Abstrichen.

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