Am 13. September 1987 stahlen zwei Schrottsammler ein metallenes Gerät aus einer stillgelegten Klinik. Kurze Zeit später verkaufen sie es weiter an einen Händler, der es weiter öffnet und dabei ein im Dunkeln leuchtendes Pulver freisetzt. Weil er keine Ahnung davon hat, aber fasziniert ist, verteilt er es an Bekannte und Freunde. Tage später werden die Leute in der Umgebung krank. Durch einige glückliche Zufälle wird Radioaktivität vermutet und das Protokoll eingeleitet. Die ersten Episoden fokussieren sich auf den Ausbruch des radioaktiven Materials, wie es zur Verbreitung kommen konnte und wie man die radioaktiv verseuchten Stellen ermittelt. Dabei kämpfen die Wissenschaftler gegen Politiker, die am liebsten alles vertuschen würden und auch gegen die Kontaminierten selbst, die es sehr schwer haben die eigene Situation zu verstehen. Im Verlauf wechselt die Handlung mehr zu den Doktoren, die versuchen Kontaminierte zu retten, und behandelt die Fragen nach Verantwortlichkeiten und nach einem Endlager für den radioaktiven Müll.

Die Ensemble-Serie ist hochwertig produziert und relativ klassisch inszeniert. Die Darsteller sind gut und bringen der Zuschauerschaft die Geschichte mit einer passenden Emotionalität näher. Das Erzähltempo ist anfangs höher, später wird ein größerer Zeitraum erzählt und die Handlung fächert sich etwas auf. Ich empfand den Anfang als stark, der Ausbruch wird besser erzählt als die Zeit danach. Manchmal liegt mir der Fokus etwas zu sehr auf den persönlichen Problemen einiger weniger Personen. So ist beispielsweise die Beziehung zwischen dem jungen Physiker und seiner Freundin wenig relevant, nimmt aber einen großen Stellenwert ein. Einige Szenen sind zudem etwas zu deutlich auf Emotionalität hin gebaut und mit der passenden traurigen Musik unterlegt, was die Serie gar nicht nötig hätte. Viele Figuren sind mir zu sehr nach dem „Malen nach Zahlen”-Prinzip angelegt.

„Nuklearer Notfall” ist zwar ein falscher Titel, aber dennoch eine gute 5-teilige Miniserie. Wer noch nichts von dem realen Unfall wusste, kann sich hier weiterbilden und erhält gleichermaßen eine unterhaltsame, schockierende und bittere Serie. Besonders grotesk wirkt der sorglose Umgang der Bürger ein Jahr nach Chernobyl, das Kompetenzgeschacher und die rückgratlosen Politiker sind hingegen wenig überraschend. Auch das fehlende Verständnis in der Bevölkerung für die Wissenschaft wird gut transportiert. Natürlich kommt die Miniserie nicht an den Genrekönig „Chernobyl” heran, aber dennoch ist die Serie sehenswert und empfehlenswert für Fans von Dokudramen.

The post Nuklearer Notfall – Dokudrama über den größten radiologischen Unfall weltweit. Review Miniserie first appeared on Are you series?.

Zum Review von Staffel 1.

Obwohl „Beef” nur als Miniserie geplant war, sorgte der Erfolg für eine 2. Staffel der Netflixserie. Glücklicherweise ist der Creator Lee Sung Jin erneut federführend und auch häufiger auf dem Regiestuhl dabei, so dass die Qualität hochgehalten wird. Die Symbiose zwischen dem US-amerikanischen Rache- und Rivalitäten-Drama und dem koreanischen K-Drama gelingt sehr gut. Dafür sorgt vor allem der unfassbar gute Cast. Die Hauptrollen spielen Carey Mulligan und Oscar Isaac als älteres Pärchen, die bereits in einem meiner Lieblinge „Drive” eine toxische Beziehung darstellen, und Cailee Spaeny mit Charles Melton als jüngeres Pärchen, die versuchen ihren Arbeitgeber zu erpressen. Auf koreanischer Seite überzeugt Youn Yuh-jung als Milliardärin und besonders freute ich mich über die kurzen Auftritte von Song Kang-ho („Parasite”, „Memories of Murder”). Allein für die schauspielerischen Leistungen, die alle etwas overacten und ziemlich egoistische Arschlöcher verkörpern, die gerne das Gesetz zum eigenen Vorteil brechen, lohnt sich die 2. Staffel. Alle sind im „White Lotus”-Modus. Doch natürlich muss auch der Inhalt passen.

Die Handlung ist diesmal komplizierter gestaltet. Weg von den Kleinigkeiten eines Streits auf der Straße bei dem man sich anhupt, hin zu waschechter Erpressung. Das jüngere Pärchen filmt eines Abends einen gewalttätig aussehenden Ehestreit zwischen dem Leiter des Country Clubs und seiner Frau, die nach außen hin die perfekte Ehe führen. Ashley (Spaeny) wittert sofort ihre Chance. Eigentlich ist sie eine Kellnerin ohne College-Abschluss, doch nun kann sich durch Erpressung zur Sekretärin von Josh (Isaac) aufsteigen, zudem versucht sie ihren Freund auch im Country Club unterzubringen. Denn sie haben Geldsorgen und sie hat einen starken Kinderwunsch, der in einer herrlich absurden und für sich stehenden 4. Folge stark porträtiert wird. Das ältere Pärchen möchte sich das natürlich nicht gefallen lassen und sucht nach Möglichkeiten Ashley auffliegen zu lassen. Doch nicht nur ihre Streitigkeiten untereinander, sondern auch die Milliardärin, die den Club kauft, sorgen dafür, dass sich die Geschichte ganz anders entwickelt. Denn ab der Hälfte geht es primär um die Vertuschung eines Mordes, um Geldwäsche und wer zum Strohmann des großen Finanzbetrugs wird und dafür büßen muss. Alles gipfelt in einer recht absurden letzten Folge in Seoul, mit einer brillanten Kampfsequenz in der Mitte, in der sich alle Figuren zwischen Moral, Liebe und dem Geld für ihre eigene Zukunft entscheiden müssen. 

Der etwas ernsthaftere Ansatz mit einer Erpressung im Country Club und dem vermeintlichen Kampf zwischen Arm und Reich wird von der noch reicheren koreanischen Milliardärin schön satirisch beendet. Im Angesicht der Superreichen, die sich alles erlauben können, kämpfen am Boden alle mit ähnlichen Mitteln, egal ob sie Schulden haben oder ein Haus besitzen. Wenn auf einmal Attentäter auf einen angesetzt werden können oder man dazu gezwungen wird Finanzbetrug zu begehen, gleicht sich alles in der Mitte an und wird mit Füßen getreten. Diese Erkenntnis ist zwar nicht neu, wird aber hervorragend herausgestellt. Einige haben mit dem Ende ihre Probleme, auch ich war damit auf menschlicher Ebene natürlich nicht einverstanden und ich empfand es auch nicht zu 100% nachvollziehbar. Dennoch illustriert das Ende perfekt auf satirischer Ebene, wer eben gewinnt. Spoiler: Es ist nicht die Moral.

Die Produktion der Serie ist ausgesprochen hochwertig, die Drehorte werden schön miteinander verknüpft. Die Inszenierung bildet gemeinsam mit einer gelungenen musikalischen Untermalung eine schöne Verbindung und zeigt einige kreative Einfälle. Das Erzähltempo der Serie ist gelungen, ich mochte den Einstieg und hatte nur in der 5. und 6. Episode das Gefühl, dass die 8-teilige Staffel kurz durchhängt. Danach kulminiert alles in einem verrückten Finale, das man in Folge 1 so sicherlich nicht kommen sah. Die absurden Racheaktionen stehen nicht mehr so im Fokus, aber ab und an blitzt das Skurrile, das Bizarre weiterhin durch, was zu unterhaltsamen Momenten führt. Dennoch ist Staffel 2 keine Comedy mehr, sondern ein klares Drama mit Thrillerelementen. 

Die zweite Staffel von „Beef” bleibt dem Grundkonzept treu, geht aber eigene Wege. Mir gefiel die Weiterentwicklung in Richtung „White Lotus”, andere werden vielleicht etwas den Vibe und die Essenz der ersten Staffel vermissen. Ich möchte die 2. Staffel für alle Fans von Dramen, Rivalitäten und Gesellschaftssatire mit einem Hang zur Absurdität empfehlen. Da es sich um eine Anthologie-Serie handelt, muss man die 1. Staffel nicht gesehen haben.

The post Beef Staffel 2 – Erpressung, Rivalitäten und White Lotus Vibes. Review first appeared on Are you series?.

Die 8-teilige Miniserie basiert auf dem gleichnamigen Roman. Lisa Nova (Rosa Salazar) hat in Los Angeles ein Gespräch mit einem bekannten Filmproduzenten, der von ihrem verstörenden Horror-Kurzfilm begeistert ist. Darin sieht er etwas Besonderes und möchte eine Langzeitadaption drehen. Doch als Lisa seine sexuellen Avancen ablehnt, entscheidet er sich, ihr den Film wegzunehmen und einen anderen Regisseur zu besetzen. Lisa ist völlig verzweifelt und landet bei einer seltsamen Frau, die verspricht den Betrüger zu bestrafen. Dafür muss Lisa nicht nur Zutaten wie seine Schamhaare beisammen suchen, sondern auch einen Haufen ekelhafter Dinge essen und trinken, die sie auf ganz üble und schaurige schlechte Drogentrips führt. Das ist nur der Anfang einer Story, die immer weiter ins Absurde eskaliert. Irgendwann geht es um Magie, Zombies, wachsende Körperteile, Körperwandler und mehr verrückten Kram. Dabei muss sich Lisa auch mit den Dämonen ihrer Vergangenheit auseinandersetzen.

Visuell und inszenatorisch ist „Brand New Cherry Flavor” eine Wucht. Die Kulissen & Requisiten sind großartig, die Lichtstimmung ist faszinierend, die Kameraeinstellungen sind kreativ, die digitalen und physischen Horror- und Splattereffekte können überzeugen – besonders das „Wackelmonster” gefiel mir sehr gut. Auch der Einsatz von Popmusik ist sehr gelungen. Das Erzähltempo ist durchaus hoch, es passiert viel innerhalb der Episoden und man muss sehr viel akzeptieren, um nicht den Spaß an der Story zu verlieren. Mir war das an einigen Stellen einfach zu blöd, was mich immer wieder herausriss. Ständig wird man mit neuen Realitäten aus dem Reich der Magie konfrontiert. Etwas weniger Absurdität (looking at you „Sexszene” in Episode 4) würde helfen, um kein zu großes Kopfschütteln hervorzurufen und damit eine Distanz aufzubauen. Zudem hilft nicht, dass die Schauspieler zum Teil hemmungslos overacten. Rosa Salazar ist zwar zu Beginn stark, aber wenn sie eine Verfluchung oder eine Vergiftung spielen muss, dann ist das nicht mehr so überzeugend. Dennoch bleibt sie die stärkste Darstellerin in einem Ensemble, das häufiger (unfreiwillig?) komische Momente heraufbeschwört. Die Zombies sind dabei am schlimmsten. Später gibt es auch offensichtlich gewollte Comedymomente und zahlreiche Ekelszenen, die mich nicht für sich gewinnen konnten.

Zusammenfassend ist es schwer „Brand New Cherry Flavor” etwas vorzuwerfen. Denn inszenatorisch gelingt sie auf allen Ebenen und ist vermutlich genau das Werk geworden, was sich die Macher vorstellten. Letztlich scheiden sich die Geister am Inhalt. Manchen wird diese fluchhaltige Horrorgeschichte mit Magie, Zombies, Blutschwüren und Monstern zu quatschig sein, bei anderen könnte diese ungeahnte Melange voll ins Schwarze treffen. Ich gehöre leider zur ersten Gruppe. Mir gefiel der Start, als es sich um eine Rachegeschichte handelte, bei der nicht klar war, ob es Flüche gibt oder nicht, deutlich besser als das Übernatürliche danach. Aber das ist Geschmackssache.

Deshalb ist die Miniserie für alle empfehlenswert, die im übernatürlichen Horrorbereich eine frische, absurde und eigenartige Geschichte sehen wollen. Alle anderen wird die Geschichte wohl ab einem gewissen Punkt nicht mehr mitreißen können. Allgemeintauglich ist die Serie sicher nicht, aber in der Nische kann sie gut funktionieren. Für mich tat sie es aber leider nicht. Auch, weil ich das Ende nicht mochte.

The post Brand New Cherry Flavor – Rache, Flüche, Magie und Horror. Review Miniserie first appeared on Are you series?.

Die Live-Action Netflix Variante profitiert von Manga-Schöpfer Eiichiro Oda, der als „creative consultant” an der Serie beteiligt ist – vielleicht kommt die Serie auch deshalb gut bei Fans an. Die 1. Staffel umfasst die sogenannte Eastblue-Saga des Mangas, verändert dabei allerdings auch etwas. Der schrullige Pirat Monkey D. Ruffy (Iñaki Godoy) schart in einer Fantasiewelt eine Reihe von anderen Piraten um sich, die sich zur Strohhut-Bande formieren um letztlich den „One Piece”, den sagenumwobenen großen Schatz, zu finden, damit Ruffy seinen Traum verwirklichen kann. Doch dies wollen auch viele andere Piraten und somit stellen sich der Gruppe stets neue Gefahren und Gegner in den Weg. Noch zu erwähnen ist, dass One Piece ordentlich in den Fantasybereich hineingleitet, weil verschiedene Figuren Superkräfte haben. So kann beispielsweise Ruffy nach dem Genuss einer bestimmten Frucht seine Gliedmaßen bis in die gefühlte Unendlichkeit verlängern, ansonsten sind viele Figuren begnadete Schwert- oder Faustkämpfer.

In der deutschen Synchronisation setzt man clevererweise auf Altbewährtes, ein Großteil der Anime-Stimmen vertont auch in der Netflix-Variante ihre Figuren, vor allem Ruffy funktioniert sehr gut und schafft eine gewisse Vertrautheit. Generell fängt die Serie den Vibe des Animes mit seiner Mischung aus Comedy und Kampfsequenzen gut ein und bleibt dem Ausgangsmaterial wohl relativ treu. Hervorzuheben sind die vielen schön gebauten Sets, nicht alles wird hier mit CGI gelöst, die Produktion der Serie ist ziemlich gut. Auch deswegen passt dieser wilde Mix aus Abenteuer, Fantasy und Comedy überraschend gut. Die Kampfchoreographien sind überwiegend ganz gut, der Humor ist quatschig dämlich, die Figuren bekommen mit ihren Origin-Stories eine ordentliche Tiefe, die visuellen Effekte sind meistens hübsch anzusehen. Das Ensemble spielt ihre Charaktere überwiegend gut, für meinen Geschmack sind viele der Figuren „komplett drüber“, so dass ich mich schon wieder in einem Anime wähnte. Das bedient nicht zwingend meine Interessen, aber es führt dazu, dass Fans von Manga & Anime sich schnell zuhause fühlen. 

Die 2. Staffel der Action-Abenteuer Serie mit vielen Kampfszenen und dem eigenartigen Anime-Humor knüpft nahtlos an Stärken und Schwächen der 1. Staffel an. Inhaltlich begibt sich die Strohhutbande auf die Grand Line und muss sich dort einigen Herausforderungen stellen, meist auf verschiedenen Inseln. Dabei treffen die Helden beispielsweise auf einen riesigen Wal, Riesen oder auch Dinosaurier. Doch auch die Barockfirma mit ihren zahlreichen Schergen, die teils abenteuerliche Superheldenkräfte haben, ist ihnen stets auf den Fersen. Großer Bösewicht der Staffel ist Wapol. Ich bin weiterhin Fan von der offensichtlichen Liebe für das Vorbild, das ist schließlich nicht bei allen Adaptionen der Fall. Die meisten Kampfsequenzen sehen ganz gut aus und wirken aufwändig, wenngleich es manchmal ein paar zu viele Schnitte gibt, um fehlende Kampfskills der Schauspieler zu kaschieren. Generell sind die Darsteller weiterhin maximal solide und viele overacten hemmungslos, so dass man sich im Anime wähnt. Mir fiel es manchmal schwer Charaktere ernst zu nehmen, wie den Typen der explosive Popel wirft oder Smoker, der stets zwei Zigarren im Mund hat. Das funktioniert für mich im Anime besser als in einer Realserie, aber aus dieser Absurdität kann man auch einen gewissen Unterhaltungswert ziehen. So absurd wie One Piece ist kaum eine Realserie. Auch die Requisiten und Kulissen erkennt man manchmal etwas zu deutlich, wodurch sich die Serie manchmal eher wie ein Fanprojekt als wie eine Millionenproduktion anfühlt. Jedoch stimmt – wie auch bei den meisten Fanprojekten – die Leidenschaft und die Freude am Projekt, das Herz sitzt sicherlich am rechten Fleck. Somit bleibt ein ähnliches Fazit wie für die 1. Staffel. Fans des Anime finden es super, alle anderen werden es aufgrund des ganzen Wahnwitzes etwas schwerer haben. Dennoch ist die Adaption weiterhin gelungen.

Somit ist die Netflix-Adaption eine schöne, bunte, drollige Serie für jeden, der einem Crew-Abenteuer mit vielen Kämpfen und jeder Menge Comedy nicht abgeneigt ist. Fans von Anime und Manga werden die Serie tendenziell sogar noch etwas besser finden. Ich bin gespannt, wie viele Staffeln die Netflix Serie letztlich umfassen wird, die 3. soll bereits 2027 folgen.

The post One Piece – Gelingt die Realfilm Adaption des Klassikers? Review Staffel 1 & 2 first appeared on Are you series?.

Die nur 8-teilige Serie mit Folgen zwischen 20 und 30 Minuten ist deutlich weniger bunt, klischeebeladen und fröhlich als viele High School Vergleichsserien. Dadurch wirkt „High School” deutlich realistischer, allerdings auch etwas depressiver. Die Serie basiert auf dem gleichnamigen Buch der beiden Schwestern. Zu Beginn kommen Tegan (Railey Gilliland) und Sara (Seazynn Gilliland) an eine neue Schule und suchen dort Anschluss. Gegenseitigen Halt können oder wollen sie sich seit Kurzem nicht mehr geben, weil sie sich auseinandergelebt haben und immer häufiger streiten. Die Schwestern geraten in unterschiedliche Freundeskreise, wobei besonders Sara arg darunter leidet, dass ihre lesbische Beziehung zu Phoebe (Olivia Rouyre) geheim bleiben muss und auf sehr steinigen Wegen gebaut ist. Ein wiederkehrendes Thema ist, dass sich ständig jemand wie das fünfte Rad am Wagen fühlt – egal, ob in Freundschafts- oder Liebesfragen. Im Verlauf werden unterschiedliche Freundschaften geschlossen, während es immer wieder Probleme mit ihrer Mutter (Cobie Smulders, „How I Met Your Mother”) gibt, die sie gerne mal belügen. Ab der Mitte finden die Schwestern durch die Musik zueinander.

Ein gelungener Kniff ist die Erzählweise aus verschiedenen Perspektiven, wodurch einige Figuren eine größere Tiefe bekommen. Zudem sieht man so einige Szenen zweimal und bemerkt, wie sie teilweise anders erzählt werden, weil die Wahrnehmung der Charaktere immer ihren Blickwinkel prägt. Ein gerne gewähltes Stilmittel, was ich beispielsweise in „The Affair” schon gerne mochte, aber auch hier exzellent funktioniert. Generell ist die Inszenierung sehr gut, die Musik wird schön mit dem Inhalt verwoben und einige Kameraeinstellungen sind sehr gelungen. Das mit weitgehend unbekannten Gesichtern gespickte Darstellerinnenensemble ist ganz großartig und sorgt für eine hohe Authentizität der Geschichte. 

Das Erzähltempo ist zwar nicht das höchste, aber dennoch wird die Handlung nie langweilig. Schön finde ich, dass sich Zeit genommen wird, den Charakteren ihren Raum für Entwicklung zu geben. Als etwas zu ausgeprägt und stellenweise konstruiert, empfand ich die Eifersuchts-Thematik. Das ist allzu bekannt bei Liebschaften und aufgrund der unausgesprochenen Zwischentöne manchmal schwer zu erkennen, ob man auf Freundschaften eifersüchtig ist oder verliebt ist. Nur weil jemand eine andere Person umarmt, muss man z.B. nicht von einer Party fliehen. Zudem empfand ich das offene Ende als etwas enttäuschend. Doch es passt auch zu einer Serie, die stets leicht depressiv wirkt und entgegen klassischer Verläufe von High School Filmen und Serien konstruiert ist. Vielleicht ist das wahre Leben eben einfach so. 

Zusammenfassend möchte ich „High School” absolut empfehlen. Ich hätte mich am Ende über eine Folgestaffel gefreut, was vermutlich das beste Kompliment ist. Fans von Coming-of-Age Dramen kommen auf ihre Kosten, das gut gespielte Zwillingsduo ist ein Extrabonus. Auch wenn die Serie das Rad nicht neu erfindet, gelingt eine dichte, glaubwürdige Atmosphäre. Gemeinsam mit der Musik führt das gerade in der zweiten Hälfte zu einem starken Gesamtwerk. Ein kleiner Geheimtipp, weil die Serie leider fast niemand kennt.

The post High School – Alternative Zwillinge, Freundschaften, Liebe & Musik = Geheimtipp. Review first appeared on Are you series?.

Die 8-teilige Horrorminiserie hat mich seit langem mal wieder völlig kalt erwischt und positiv überrascht. Dabei musste ich mich kurz überwinden sie anzuschauen, weil ich kein Fan von (Jumpscare-)Horror bin und mich die ewig gleichen Bilder aus den dunklen Wäldern und den im Haus versteckten Horrorgestalten eher langweilen. Doch auf das, was mich dann erwartete, war ich nicht vorbereitet. Und Jumpscares gibt es glücklicherweise nicht viele, sie werden eher pointiert eingesetzt.

Die Geschichte beginnt mit Rachel (Camila Morrone, The Night Manager”), die ihren Freund Nicky (Adam DiMarco, „The White Lotus”) in einer Woche in der gruseligen Winterhütte seiner Familie irgendwo im Nirgendwo heiraten möchte. Bereits auf der Fahrt dahin erleben die beiden kleine Albträume und speziell Rachel hat das Gefühl in großer Gefahr zu sein. Leider lässt das nicht nach, nachdem sie Nickys Familie trifft. Denn diese ist komisch, mag sie nicht und wirkt fast wie aus einem Resident Evil Teil. Zudem wirken sie zum Teil arg überzeichnet (Portia). Nachdem man in Folge 2 nur „LAUF” rufen möchte und sich fragt, was die gute Rachel noch da hält, stellt die Handlung danach alles auf den Kopf und verlässt allzu eingetretene Pfade. Ein gelungener Kunstgriff, um die Serie spannend zu halten, mit dem allerdings viele offenbar ein Problem hatten. Das Erzähltempo ist in der Mitte der Serie vielleicht ein wenig zu zäh, aber dennoch gelingt eine enthüllungsreiche, visuell hammerharte 4. Folge, eine großartige Dinnerparty in Episode 5 und eine überragende Plansequenz in der 7. Folge. Das Ende liefert visuell komplett ab und führt die Geschichte zu einem passenden Ende.

Visuell, inszenatorisch und musikalisch wurde ich in eine Welt hineingezogen, die schnell ihre eigene Identität entwickelt. Dabei hilft eine hypnotische Topleistung von Hauptdarstellerin Camila Morrone, die in vielen langen Plansequenzen gemeinsam mit dem anderen Cast zeigen kann, was sie schauspielerisch drauf hat. Zudem habe ich mich natürlich über Ted Levine („Monk”) und Zlatko Buric („Copenhagen Cowboy”) gefreut. Jede der Regisseurin beweist ein feines Gespür für Symbolik und ausdrucksstarke Bilder, die mit einer stets dynamischen Kamera stilsicher eingefangen werden. Die Musik ist treibend, erinnerte mich an Raffertie von „The Substance” und untermalt die Atmosphäre gekonnt.

Weil meine Rezeption und die Mainstream Meinung auseinanderdriften, versuche ich mich an einer Erklärung dafür: Online liest man viel davon, dass es zu viele lose Enden gibt und man angeblich unnötig auf falsche Fährten geführt wird. Ich kann diese Auffassung nur sehr bedingt teilen. Denn das meiste ergibt Sinn, man muss ihn nur finden und verstehen. Die Serie arbeitet mit viel Symbolik, Metaphern und Vergleichen. Fast alles kann man auf Rachels Situation beziehen, wenn man ein wenig darüber nachdenkt oder aufmerksam zuhört. Hinzu kommt, dass die Handlung häufig nur Dinge andeutet (die Kiste in Folge 1 z.B.), was Zuschauern sauer aufstößt. Aber ich möchte ein Plädoyer für vage Andeutungen halten und gegen den Hang zum Hörspiel, den heutige Produktion gerne mal haben, damit man sie problemlos am second screen verfolgen kann. Man muss nicht alles auserzählen, man muss nicht alles für die Zuschauer buchstabieren. Manchmal reicht es völlig mit dem Finger auf etwas zu zeigen, was man interpretieren kann. Vielleicht bin ich da aber auch anders gestrickt, weil ich David Lynch Filme mag, die 2000 mal mehr andeuten und interpretiert werden wollen, als diese Miniserie. Ich verstehe aber, dass Anspielungen im heutigen Horrorgenre seltener vorkommen und sich deswegen für einige fehl am Platz anfühlen. Leider. Außerdem wird sich über angeblich ziellose Dialoge beschwert. Auch das kann ich nicht teilen. Viele der Dialoge zeigen sehr gut, wie sehr Rachel sich für ihren künftigen Ehemann und dessen Familie verbiegen muss, wie sehr sie darunter leidet und dass sie dennoch das Gefühl hat es tun zu müssen. Für manche mag dieser feministische Ansatz in einer Horrorserie wohl auch fehl am Platze sein, ich empfand es als erfrischend und möchte die Miniserie in dieser Hinsicht mit dem – aus meiner Sicht gelungenen – „Men” von Alex Garland vergleichen. 

Natürlich fand ich auch nicht alles überragend. Teilweise ist es mir etwas zu klischeehaft und ich hätte die Familie des Bräutigam etwas weniger absurd gestaltet. Dazu kommt, dass ich nicht zwingend „Team Flüche” bin und dass die Mitte leicht langatmig gerät. Doch das ist alles absolut verschmerzbar und es bleibt bei kleineren Makeln. Denn letztlich war ich gefesselt und seit langem nicht mehr so daran interessiert eine Serie schnell weiterzuschauen. „Something very bad is going to happen” zog mich in ihren Bann. Executive Producer sind übrigens die Duffer Brothers, die Serie ist trotzdem nicht zwingend etwas für Fans von „Stranger Things”. 

Die Miniserie wird von populären Websites wie IMDb viel zu negativ bewertet. Fans von psychologischem Horror oder auch feministischem Horror, wie „The Substance” kommen voll auf ihre Kosten, ansonsten sind auch Dramafans, die eine durchdachte Inszenierung schätzen, jederzeit willkommen. Doch vorsichtig, manchmal gruselt man sich und es wird blutig. Dennoch möchte ich den Geheimtipp breitflächig empfehlen. „Something very bad is going to happen” mag einen herausfordern, aber es lohnt sich. Traut euch (ob auch am Altar dürft ihr dann entscheiden). Und hört auf keinen Fall schon nach Folge 2 auf!

The post Something very bad is going to happen – Blutiger Psychohorror & Geheimtipp! Review Miniserie first appeared on Are you series?.

Am besten ist es, wenn man von der Handlung so wenig wie möglich weiß, deshalb halte ich es kurz. Carol (Rhea Seehorn), eine bekannte Autorin von Romantasy, wird direkt in die Apokalypse hineingeworfen. Doch das Besondere ist, dass nicht alle zu Zombies werden, sondern zu extrem netten Menschen. Carol teilt ihre vermeintliche Immunität mit einer sehr begrenzten Anzahl von Personen weltweit. Während sie versucht, die Menschheit zu retten, sehen viele ihrer Kollegen das ganz anders. Und so versucht sich Carol mit der Situation zu arrangieren. Oder findet sie etwa doch einen Weg, ihre Ziele zu erreichen?

Auch wenn die Prämisse der Serie etwas seltsam klingt, möchte ich schon mal vorwegnehmen: „Pluribus” lohnt sich. Trotz der angeführten Vergleichswerke habe ich noch nie eine Serie wie diese gesehen, sie sorgt für frischen Wind auf dem Serienmarkt – und das in wundervoller Optik. Es ist erstaunlich, wie Vince Gilligans Serien eine gemeinsame visuelle Identität verbindet, kaum jemand nutzt solche Kameraperspektiven und schafft es solch eindringliche, erinnerungswürdige Bilder zu erschaffen. Zudem ist das große Budget anhand der vielseitigen Schauplätze rund um die Welt verteilt, der zahlreichen Statisten und der steten Nutzung von Hubschraubern sowie Flugzeugen, ganz offensichtlich. Das führt zu einer großen Authentizität und zu einem Haufen von absurden Szenen, wenn beispielsweise ein kleiner Bagger eingeflogen wird. Die Comedy zündet, die Inszenierung ist großartig, die Darsteller sind klasse, die Locations atemberaubend und die Story ist originell. Doch hapert es auch irgendwo? 

Leider durchaus. Während die erste Episode noch absolut brillant und die zweite ganz formidabel ist, wird danach das Tempo spürbar herausgenommen. Es gibt zwar in der Mitte noch eine große Enthüllung, aber ansonsten fokussiert sich viel auf Carols Umgang mit der Krise und das Abhören von viel zu langen Telefonansagen. Das Erzähltempo ist bewusst entschleunigend gewählt und widersetzt sich damit heutigen Sehgewohnheiten. Es liefert aber auch spektakuläre Szenen an Drehorten über den Globus verteilt. Gegen Ende der 1. Staffel kommt es zu einem ungewöhnlichen Twist, speziell die Charakterentwicklung in der finalen Folge habe ich leider nicht ganz nachvollziehen können, es wirkte etwas forciert. Zudem bin ich mir noch nicht sicher, wie interessant die Bedrohung wirklich ist. Doch das Ende der 1. Staffel ist erneut absolut fantastisch und macht Lust auf mehr.

Zusammenfassend ist „Pluribus” noch nicht so gut wie „Breaking Bad” oder „Better Call Saul”, aber „Saul” hatte auch eher einen ruhigeren Beginn. Ich bin sehr gespannt, wie es weitergeht und habe immer noch große Hoffnungen, aber auch leichte Zweifel, dass sich das Konzept ewig trägt. „Pluribus” sollten sich alle ansehen, die eine einzigartige Serie suchen, die Vorgängerserien mögen oder vom gleichförmigen Serienmarkt gelangweilt sind. Das Anschauen lohnt sich, es hilft, wenn man etwas Geduld und einen gewissen Hang zur Absurdität mitbringt.

The post Pluribus – Was taugt die neue Serie des Breaking Bad Machers? Review Staffel 1 first appeared on Are you series?.

Manon (Alba Gaïa Bellugi) lebt zuhause mit ihren beiden Geschwistern und ihrer Mutter. Eines Abends schießt sich die Mutter völlig auf sie ein und beschimpft sie, auch weil Manon – wie immer im Stress – mit beiden Händen die Nudeln voller Soße isst. Der Streit eskaliert und Manon kommt in eine triste Erziehungsanstalt, weil die Richterin ihr diese letzte Chance gewähren möchte. Dort verlangt der Leiter von seinen Mitarbeitern Dienst nach Vorschrift, hat auch kein Problem damit die Mädchen abzuschreiben und stets mit dem Gefängnis zu drohen. Die Mädchen rebellieren ständig, haben eine sehr kurze Zündschnur und so kommt es zu zahlreichen Streitereien unter den Teenagerinnen und auch mit den Erwachsenen. Speziell eine Lehrerin schafft es aber einen gewissen Zugang zu den Mädchen über das Theater zu finden, es gibt ein paar Helfer. Neben dem schwierigen Zusammenleben im Erziehungsheim muss Manon auch ihre viel zu aufdringliche, manipulative Mutter managen, die ein ganz seltsamer Charakter ist.

Die zweite Staffel knüpft relativ organisch an die erste an und fokussiert sich mehr auf typische Probleme von jungen Erwachsenen. Das Setting ist nicht mehr ganz so spannend und einzigartig wie in Staffel 1, stattdessen werden eher klassische Probleme verhandelt. Dennoch ist das emotional intensiv, weil man das Gefühl hat die Hauptfigur aufgrund der 1. Staffel schon gut zu kennen. Speziell im hinteren Teil saß ich kopfschüttelnd vor dem TV, weil ich das alles nicht für Manon wollte.

Die beiden „Manon” Miniserien, die jeweils 3 Folgen à etwa 1h enthalten, sind beide sehr intensive Jugenddramen, die eine aggressive, zutiefst traurige, aber auch sympathische Manon in den Mittelpunkt stellen, die permanent mit sich selbst und der Welt hadert. Dabei gelingen einige herzzerreißende Szenen, aber auch einige triumphale. Dem Mädchen mit ausgeprägtem Gerechtigkeitsbedürfnis fehlt vor allem die echte Liebe von Elternfiguren, ihre Mutter ist eine Katastrophe. Das Erzähltempo ist hoch, die Atmosphäre ist dicht, die Inszenierung ist klassisch, die Produktion ist solide, die Darsteller sind gut. Die erste Miniserie ist einen Tick besser, weil das Setting weniger verbraucht ist.

Zusammenfassend möchte ich beide „Manon” Teile empfehlen. Natürlich handelt es sich um keine leichte Kost, sondern um intensive Coming-of-Age Dramen, die einen emotional angreifen können. Die französischen Serien haben zwar kleinere Makel, sind aber überwiegend sehenswert und kleine Geheimtipps. Wer intensive, bittere Jugend-Dramen mag, wird bei „Manon” nicht enttäuscht – obwohl die Serien manchmal noch etwas tiefer gehen oder böser sein dürften.

The post Dreimal Manon & Manon, 20 Jahre – Intensives Jugenddrama. Review first appeared on Are you series?.

„Vladimir” basiert auf dem gleichnamigen Buch der Autorin Julia May Jonas, die auch in diese 8-teilige, insgesamt rund 4-stündige Miniserie involviert war. Im Zentrum der Handlung steht M (Rachel Weisz), eine Professorin, die in einen Shitstorm gelangt, weil ihr Ehemann und Professor-Kollege (John Slattery, schön ihn mal wieder zu sehen, „Mad Men”) in seiner Laufbahn ständig Affären mit seinen Studentinnen hatte. Diese Affären werden nun untersucht, weil man heutzutage das Machtgefälle mehr berücksichtigt und sich fragt, ob diese Affären wirklich einvernehmlich waren. Die vordergründig feministische M muss sich nun für eine Seite entscheiden (sehr ähnlich zum aktuellen „After the Hunt”), doch das ist für sie weniger relevant, weil sie stattdessen ihre Augen auf den neuen jungen Kollegen Vladimir (Leo Woodall) wirft. Sie ergeht sich in Sex-Träumen mit ihm und versucht ihm fast peinlich näher zu kommen. In der Mitte der Handlung probiert sie auch über eine Freundschaft mit seiner aktuellen Freundin an ihn heranzukommen. Ob Vladimir diese Anschmachtungsversuche erwidert oder nicht, bleibt lange die Frage und kulminiert in einer recht absurden finalen Folge.

Was mich am meisten ansprach, ist die Machart. Hauptfigur M bricht die 4. Wand und spricht direkt mit den Zuschauern. Man versucht die Buchherkunft nicht zu verschleiern. Auch die Produktion ist solide und die Darsteller sind in Ordnung. Doch letztlich ist das für mich inhaltlich nicht weit von „50 Shades of Grey” entfernt. Soft-Erotik in Buch- und Miniserien-Form, nicht als Romantasy getarnt, sondern im Uni und #Metoo-Milieu. Ab und an fühlt man sich auch an „You“ erinnert. Doch letztlich geiert eine ältere Frau einfach auf den Junior Professor und erregt sich an seinem Körper und seinem Intellekt. Über die volle Laufzeit ändert sich daran wenig. Die finale Folge hätte das Potential gehabt, dem Ganzen eine sehr interessante Wendung zu geben, entscheidet sich aber leider anders, so dass mich das Ende auch nicht überzeugen konnte.

Zusammenfassend ist „Vladimir” ein bisschen Soft-Erotik mit wenig überzeugender Nebenstory. Wer genau das gerne sieht, der schaut zu, alle anderen können sich diese Netflix-Miniserie sparen.

The post Vladimir – Wohin führt die Obsession für den jüngeren Kollegen? Review Miniserie first appeared on Are you series?.

Die Ausgangslage ist absurd: Toni (Anton „Fatoni” Schneider) versucht sich in Berlin als Rapper, hat aber kaum Erfolg und arbeitet stattdessen als Pizzabäcker. Kurz vor einem bevorstehenden Rap Battle erhält er den Anruf, dass seine Mutter verstorben ist, was er zum Thema macht und damit Aufsehen erregt. Zur Beerdigung seiner wenig geliebten Mutter kehrt er in sein Heimatdorf, das titelgebende „Kacken an der Havel” in der brandenburgischen Provinz zurück, wo ihn auch sein 13-jähriger Sohn (Sky Arndt) erwartet, von dem er bisher nichts weiß. Doch eigentlich will er nur schnell zurück nach Berlin, weil dort ein Label nach seinem Battle-Rap-Auftritt Interesse an ihm zeigt und ihn eventuell unter Vertrag nehmen möchte. Nun muss Toni Familie und die große Chance auf die Musikkarriere unter einen Hut bekommen.

Natürlich ist die Story eher sekundär und dient nur als Vehikel für einen Haufen von Absurditäten, Referenzen, Gags und Metakommentaren. Wie man diese Comedy bewertet, wird sehr subjektiv sein. Ich war froh, dass es sich nicht um ein Feuerwerk von Fäkal uns Sexualhumor handelt, sondern man auch offensichtlich Spaß an anderen Dingen hatte. Großartig ist beispielsweise die völlig verrückte Obsession mit dem Film „Armageddon„, die in einer fantastisch-kitschigen letzten Folge mündet. Auch dass Veronica Ferres das Dorf als Bürgermeisterin mit harter Hand regiert, ist sehr amüsant. Auch die Netflix und Streaming-Metagags (Tudum) haben mich abgeholt, genau wie einige schöne anderen Referenzen und Musikeinlagen (Haddaway), die ich nicht alle vorwegnehmen möchte. Ich bin sicher, dass es für Deutsch-Raps Fans noch zahlreiche andere Eastereggs gibt, die ich aber aufgrund fehlender Vorbildung nicht bemerkt habe. Natürlich gibt es auch einige seltsamere Handlungsstränge, wie die Cousinen-Geschichte, die Stiefvater-Nummer und das sprechende Entlein namens Tupac, womit die Serie vielleicht etwas (unnötig) übertreibt. So wandelt die Serie auf dem Mittelweg zwischen cringe und lustig, die Bewertung, was einem gefällt, bleibt subjektiv. Auf jeden Fall bietet die Serie aber viel an.

Für mich waren einige Charaktere zu stark überzeichnet und das Erzähltempo nimmt sich in der Mitte einen Hänger. Die Darsteller sind alle recht zweckmäßig und schienen Spaß bei der Sache gehabt zu haben, obgleich man keine überragenden Leistungen finden wird. Mich konnte die Serie mit einigen guten Gags, einem interessanten Start und einem tollen Ende überzeugen. Somit ist „Kacken an der Havel” deutlich besser als es der schwache Titel vermuten lässt. Ich empfehle mal einen Blick zu wagen. Man wird schnell feststellen, ob die Familiengeschichte oder der spezielle Humor einen erreicht oder nicht.

The post Kacken an der Havel – Comedy meets Rapkarriere und Familie. Review Staffel 1 first appeared on Are you series?.

Anders als bei der thematisch vergleichbaren britischen Serie „Toxic Town” kämpfen diesmal nicht die geschädigten Mütter von Industrieabfällen um ihr Recht, sondern die Ärztin Jolanta Wadowska-Król (Joanna Kulig). Sie bemerkt schnell, dass die Kinder, die direkt neben den Bleihütten, der Schwerindustrie und dem Bergbau leben, nicht ihrem Alter entsprechend entwickelt sind. Doch ihr fällt auch auf, dass das Problem vertuscht werden soll, indem die schwerkranken Kinder auf verschiedene Krankenhäuser aufgeteilt werden. Schnell verschwinden auch ihre ersten Laborproben und die Staatssicherheit droht ihr. Obwohl ihre Familie, Kollegen und auch die Familien der Arbeiter mit den geschädigten Kindern nicht hinter ihr stehen, verfolgt sie weiterhin ihr Ziel. Parallel wird auch aus dem Inneren des Machtapparats erzählt. Weil der Chef der Sowjetunion Breschnew sich für einen Besuch der lokalen Industrie und als Zeichen der Verbundenheit der beiden Völker angekündigt hat, möchte sich die Region herausputzen und speziell die Erträge aus ihren Industriebetrieben steigern. Dabei stellt sich heraus, dass ganz bewusst auf Sicherheit und Filter verzichtet wird, um ein paar Prozent mehr herauskitzeln – ohne jegliche Rücksicht auf Verluste und Menschenleben. Die Mutter und Ärztin muss lange gegen Windmühlen anrennen, bis sie endlich Unterstützung erhält.

Die solide produzierte Serie fängt die Atmosphäre innerhalb einer Arbeiterschaft im Sozialismus sowohl visuell als auch emotional gut ein. Die Arbeiter und ihre Familien sind so von der Tradition ihrer Familien im Bergbau, dem Stolz darauf, aber auch der Kontrolle ihrer Fabrik (die sie nun mal bezahlen) und des Politbüros indoktriniert, dass ihnen lange Zeit egal ist, dass ihre Kinder schwer krank werden. Generell ist das Verständnis in der Bevölkerung und auch in der Familie der Hauptfigur dafür so unfassbar gering, dass es für den aufgeklärten Zuschauer extrem frustrierend wirkt. Obwohl so viele Kinder krank werden, komplett apathisch aussehen, Blut husten und zum Teil sogar sterben, kommt nichts bei irgendjemandem an. Sei es bei der Tochter der Ärztin, die unbedingt ins Schwimmbad muss, um ihren Schwarm zu treffen, oder bei den Arbeiterfamilien, die ihre Kinder schön viel draußen in den Industrieabfällen spielen lassen. Erst nach viel Hartnäckigkeit wird das zum Ende besser. Gleichermaßen führt das dazu, dass die Serie in Folge 3 und 4 etwas auf der Stelle tritt, weil der Kampf gegen dieselben Windmühlen beginnt redundant zu wirken. Aber mit dem großen Finale, speziell der starken letzten Episode, war ich voll befriedet. Visuell sieht man zwar, dass die Fabrik und einige andere Bilder computergeneriert sind, aber das Elendsviertel neben der Industrie sieht authentisch dreckig aus, mit all den herumfliegenden Partikeln und der Farbgebung der Bilder. Die Darsteller sind überwiegend gut, die Inszenierung ist klassisch. Eine kleine Triggerwarnung: Speziell zu Beginn werden viele leidende Kinder gezeigt, was einen durchaus mitnehmen kann.

„Die Bleikinder” ist eine wichtige polnische Serie, die ein großes Versäumnis der Vergangenheit der Öffentlichkeit präsentiert und gleichzeitig einer Heldin zu ihrem späten Ruhm verhilft. Das Politdrama vor Kulisse eines vertuschenden Staats kann auf vielen Ebenen überzeugen, ist nur in der Mitte etwas lang und teilweise arg frustrierend, weil Menschen einfach nicht Klartext miteinander reden. Dennoch lohnt sich die Serie als unterhaltsame Geschichtsstunde.

The post Die Bleikinder – Kranke Kinder im Schatten der Fabrik. Review Miniserie first appeared on Are you series?.

Die ehrgeizige Investigativjournalistin Katja Solonen ist neu in der finnischen Stadt Tampere und beschäftigt sich in einem ihrer frühen Artikel mit einem ehemaligen Ex-Fußballstar, der sich eigentlich mit einer Millionen Euro am Bau eines neuen Fußballstadions beteiligen wollte, dies aber weiterhin nicht geschehen ist. Ihr Artikel führt zu zahlreichen Anfeindungen im Web (die durch eingeblendete Tweets angedeutet werden) und in ihrem Alltag, zudem ist der Bürgermeister der Stadt nach ihren Nachfragen nicht gut auf sie zu sprechen. Doch schnell nimmt die Geschichte eine neue Wendung, als der besagte Ex-Fußballprofi in Barcelona verstirbt, die dortige Polizei geht von einem Mord aus. Doch dieser Mord bedeutet nicht das Ende, sondern ist der Auftakt, um eine viel größere Verschwörung aufzudecken.

Spätestens an dieser Stelle entscheidet sich „Enemy of the People” kein klassischer Krimithriller zum Miträtseln zu sein, sondern stattdessen die Erzählung, wie die ehrgeizige Journalistin den Hintermännern auf die Schliche kommt. Das nimmt leider etwas die Spannung heraus, weil man bereits in Folge 2 den Täter und kurz darauf auch alle Drahtzieher kennt – man weiß ständig mehr als die Hauptfigur, wodurch die Geschichte ziemlich vorhersehbar wird. Ich hätte es bevorzugt, wenn sich die Serie mehr dem Thriller verschrieben hätte und noch länger Informationen im Dunkeln gelassen hätte. So wird die Geschichte fast aus zwei Perspektiven erzählt, einmal Aufklärer-, einmal Täterseite. Wenn man sich darauf einlässt, wird allerdings eine solide konstruierte Kriminalgeschichte erzählt. Einige Handlungsstränge hätte ich so nicht gebraucht (die Affäre), einige Dinge hätten besser erklärt sein können (das Schneeballsystem), andere Momente besser auserzählt werden dürfen (Hasskommentare im Web). Doch im Kern ist Katjas Drang, den Fall aufzuklären, interessant und gut erzählt. Speziell die Hindernisse im Inneren, als sie von ihrem Chefredakteur gemaßregelt wird, zeichnen ein überzeugendes und leider allzu realistisches Bild von (Lokal-)Redaktionen, deren Leiter sich mit Bürgermeister und weiteren Personen in Machtpositionen gut stellen müssen. Auch der „Boys Club” wirkt realistisch.

Die Produktion ist solide, die Darstellerleistungen sind in Ordnung, die Inszenierung ist klassisch, das Erzähltempo könnte teilweise etwas höher sein, aber die 8 Folgen à etwa 40 Minuten langweilen auch nicht. Ich mochte die Atmosphäre und die Reporterarbeit, leider sind einige Charakterentscheidungen gerade gen Ende aber etwas unverständlich. Wer würde bei einem Mordverdächtigen ins Auto einsteigen und ihn zu seiner Waldhütte begleiten? Genau. Niemand. Letztlich sind dies aber kleinere Makel, denn die Hauptgeschichte funktioniert von vorne bis hinten.

„Enemy of the People” ist eine solide Journalismus-Serie mit Verschwörung und Mord, die das Rad nicht neu erfindet und sich selbst etwas die Spannung nimmt, aber im Kern gut konzipiert ist. Eine uneingeschränkte Empfehlung gibt es aufgrund der Makel nicht, aber man kann sie sich durchaus mal ansehen.

The post Enemy of the People – Der Mord an einem Ex-Fußballprofi ist erst der Anfang. Review Miniserie first appeared on Are you series?.

Ich könnte groß über fehlende Glaubwürdigkeit der Charaktere sprechen, die alle von Schauspielern (häufig schwach) verkörpert werden, die mindestens 5-10 Jahre älter als ihre Rolle sind. Ich könnte mich darüber beschweren, wie „Stranger Things“ ein einziges CGI-Gewitter mit schwach aussehenden Kulissen, noch hässlicheren Hintergründen und fragwürdiger Ausleuchtung ist. Ich könnte mich über zahlreiche sinnlose Gespräche aufregen, die Figurenentwicklungen möglichst ungelenk durchs Reden statt durch Aktionen („Show don’t tell!“) vorantreiben. Ich könnte laut fragen, was die ganze Nummer mit dem Militär eigentlich soll und inwiefern vor dem Zeitsprung rund ums Militär wirklich alles gut ist (und warum Hopper ungestraft x Leute töten darf). Ich könnte mich über ein Ende aufregen, was die Zuschauer selbst wählen lässt, ob es eine gewisse Gravitas gibt oder nicht. Oder mich fragen, wie sinnig die Opferlogik eigentlich ist. Oder genauer auf die ganzen möglichen Plotholes, Anschlussfehler und nicht durchdachte Sequenzen blicken. Oder den komischen „Stein der Weisen“ mitsamt „Abyss“ und anderen Forschungsbösartigkeiten hinterfragen. Ich könnte mich aber auch über gelungene Referenzen, einen charmanten Cast, einige wundervolle Kamerashots und Schnitte, ein paar stimmige Gags, schöne Musikmontagen, einige epische Kampfmomente (Let’s go Will!), die würdevolle Verabschiedung vieler Figuren und großartige Credits freuen. Auch wenn die positiven Punkte kürzer erscheinen, ist Staffel 5 weit von einer Katastrophe entfernt. Man bekommt die Story einigermaßen stimmig zu Ende erzählt, man sieht die Charaktere und die Welt gern wieder und kann stellenweise mitfiebern.

„Stranger Things“ war eine nostalgische jugendliche Abenteuerserie, eine Coming-of-Age-Geschichte mit Science-Fiction- und Horrorelementen mit etwas Verschwörungsthriller: Eine Hommage an King und Spielberg. Doch die Serie wurde von ihrem unglaublichen Erfolg übermannt und größer, als man je geglaubt hätte. Trotz zahlreicher Makel und Produktionsprobleme über die Jahre (Schauspieler ohne gemeinsame Drehzeit, Schauspieler, die zu schnell altern, zu viel Abstand zwischen den Staffeln) konnte die Fanbase stetig erweitert und bei der Stange gehalten werden (trotz einiger fragwürdiger Handlungsstränge), so dass die Serie zu einem Phänomen bei Nostalgikern, jungen Erwachsenen und Vielen dazwischen wurde. Das ist bemerkenswert. „Stranger Things“ war dennoch nie die Überserie, nie auf „Breaking Bad„-Niveau, nie auf „The Sopranos„-Niveau, nie auf früherem „Game of Thrones“-Niveau. Insofern kann man dies auch nicht von einer finalen letzten Staffel erwarten, die letztlich vieles zeigt, was bereits die vorherigen Staffeln ausmachte und – zumindest in den großen Momenten – einigermaßen richtig liegt. Dabei blicken die Macher – die Duffer Brothers – auch nochmal nostalgisch zurück auf die letzten 10 Jahre und versuchen den Abschluss so zu gestalten, wie sie glauben, dass die Zuschauer es gern sehen wollen würden. Und genau das reicht vielleicht am Ende auch aus und passt perfekt in unsere heutige Zeit, die häufig den Remix der Originalität vorzieht, im Mainstream selten mutig ist und in Greenscreen-Welten aufgehen kann. Insofern ist „Stranger Things“ nicht die beste Serie der letzten 10 Jahre, aber eine der beliebtesten, prägendsten und meistgeschauten. Und das sagt doch einiges aus. So oder so: Das Ende ist folgerichtig und passt zur Serie. Wirklich gut ist es aber nicht.

The post Stranger Things Staffel 5 – Wähle dein eigenes Ende! first appeared on Are you series?.

Rachel Sennott, die ich in Shiva Baby und Bottoms ganz fantastisch fand, spielt nicht nur Hauptfigur Maia, sondern ist auch die Creatorin der Serie, die teilweise auch für das Drehbuch und die Regie verantwortlich ist. Es ist ihr Baby und insofern wundert es nicht, dass die Dialoge am Puls der Zeit sind oder das zumindest versuchen zu sein. Die dargestellte Influencer und Agenten-Bubble dürfte allerdings auf viele etwas abschreckend wirken. Die sehr starken Gegenreaktionen online kann ich allerdings nicht ganz verstehen oder teilen.

Zu Beginn feiert Maia ihren 27. Geburtstag und hat den Wunsch in ihrer Agentur für Influencer, Models und Co. Karriere zu machen. Daheim wartet ihr „normaler” Freund Dylan (Josh Hutcherson), doch ihr Leben wird von ihrer früheren besten Freundin Tallulah (Odessa A’zion, „Grand Army”) auf den Kopf gestellt, die aus New York zu ihrem Geburtstag anreist. Tallulah ist Influencerin und hatte auch mal einige größere Jobs, doch nun ist bei ihr Flaute angesagt. Nach etwas hin und her entscheidet sich Maia Tallulah zu managen und schnell gelingen erste Erfolge. Die erweiterte Freundesgruppe hat währenddessen mit Selbstfindung, Liebschaften und weiteren Problemen zu kämpfen.

Die Comedy zieht sich vor allem aus der Absurdität des Influencer-Geschäfts und den klassischen Mechanismen dessen. Klickfarmen, durchgescriptete, „spontane” Tik Toks, Fake-Freundschaften, verlogene Werbekampagnen, Machtgeschacher und ein bisschen #Metoo. Überraschen konnte mich davon allerdings nichts, wenig ist wirklich entlarvend, stattdessen bleibt die Handlung eher an der Oberfläche für ein paar eher billigere Gags. Manchmal funktionieren die, manchmal weniger, häufig gibt es Cringe-Momente. Highlights sind die selbstreferentiellen Sennott Gags (ihr „jüdisches Aussehen”) und der Gastauftritt von Elijah Wood. Ich war überwiegend solide unterhalten und habe verstanden, dass die unsympathischen Charaktere Teil des Konzepts sind. Sie nerven dennoch manchmal. Aber auch in den offensichtlichen Vorbildern fand man nicht alle Figuren super.

Kürzlich sagte Sennott, dass für sie „Girls” eine riesige Inspiration in vielerlei Hinsicht war. Insofern muss man nicht lange suchen, um die Prämisse von „I Love LA” zu verstehen: „Girls” im modernen LA in der oberflächlichen ans Smartphone geketteten Gen Z-Influencer-Bubble. Ob „I Love LA” dem Vorbild gerecht wird, muss die Generation selbst entscheiden. Ich belasse es gern bei der 1. Staffel, weil die Serie mir zu wenig Neues erzählt und die Figuren bisher nicht genügend Tiefe besitzen. Denn „I Love LA“ ist aktuell primär eine Comedy und keine großartige Dramedy mit emotionalen Spitzen.

The post I Love LA – „Girls“ in der Influencer-Bubble? Review Staffel 1 first appeared on Are you series?.

Eine Triggerwarnung gibt es für die typischen Kriegsthemen: Es gibt Blut, viele Leichen und fiese Sprüche. Die Serie ist manchmal schwer anzusehen, vor allem aufgrund des Verhaltens der Soldaten, aber auch aufgrund einiger verstörender Bilder. Die teure Miniserie, der man ansieht, dass sie tatsächlich in einem Irak-ähnlichen Terrain gedreht wurde, stammt aus der Feder von Ed Burns und David Simon, den „The Wire”-Machern. Deshalb spürt man die Liebe zum Detail und das atmosphärisch dichte, aber eher langsamere Erzähltempo führt dazu, dass man sich irgendwann fast selbst wie ein Teil der Truppe fühlt. Wäre diese doch bloß nicht so schwer erträglich… Testosterongeschwängerte Typen, die es gar nicht erwarten können in den Krieg zu ziehen, schief Popmusik der 2000er singen, ständig über Masturbation sinnieren und sich untereinander permanent streiten. Das ist zwar alles (wohl) authentisch, aber auch anstrengend. Die Schauspieler sind allerdings alle sehr gut, das Highlight ist sicherlich Alexander Skarsgård, aber der ganze Cast ist glaubwürdig und sorgt für eine gelungene Immersion. 

Die Frage ist nur, ob man so gerne hineingezogen wird. Denn mir fiel es schwer mitanzusehen, dass der Krieg hier so wahnsinnig positiv aufgefasst wird, diese Soldaten wirklich fürs Töten leben. „Generation Kill” ist kein „Band of Brothers” oder Filme über den Vietnamkrieg, wo ein aufkommender Kriegs-Enthusiasmus zu Kriegsbeginn sich später in Verzweiflung verwandelt. Stattdessen wurde der Krieg eben schnell „gewonnen”, die Jungs können gar nicht genug von Feuergefechten kriegen und fühlen sich stets übergangen oder fehl am Platz, wenn sie keine Menschen erschießen dürfen. Häufig werden auf dem Papier unsinnige Entscheidungen von Vorgesetzten getroffen, um sich Orden oder Anerkennung für Beförderungen und die eigene Karriere zu verdienen, statt die Sicherheit der eigenen Soldaten und das Verhindern von zivilen Opfern an oberste Stelle zu stellen. Während andere Werke gut den „Antikriegsfilm” repräsentieren, gelingt das in „Generation Kill” nicht über den Großteil der Figuren, sondern primär über die Bilder und die häufigen Entscheidungen der US-Armee Zivilisten wegzubomben, weil man sich nicht auf die Aufklärung verlässt oder es Kommunikationsprobleme gibt. Dennoch geht es danach schnell weiter, die Autorität hat schließlich gesprochen und dem ist Folge zu leisten – die Szenen, wo dem bewusst widersprochen/sich widersetzt wird, waren für mich die stärksten.

Das alles möchte ich der Serie allerdings ausdrücklich nicht ankreiden. Sie ist durch den „embedded” Reporter authentisch und dadurch besonders glaubwürdig. Generell habe ich andere Anforderungen der „Unterhaltung” an Werke über Kriege als an andere Filme. Doch hier wuchs mit zunehmender Zeit meine Distanz zu den Figuren, weil ich kaum jemanden sympathisch fand. Dennoch ist die Miniserie eine hervorragende Illustration einer Generation von Soldaten, die nicht mehr von Vietnam und anderen Misserfolgen geprägt ist, sondern von Blutdurst und dem Hang, sich einen Namen zu machen. Dieser Wechsel in der Gedankenwelt wird großartig dargestellt.

„Generation Kill” gelingt damit letztlich genau das, was die Miniserie erreichen möchte. Die Handlung ist eine authentische Nacherzählung einer Invasion, die möglichst nah an den Soldaten bleibt und eine gewisse Weitsicht (z.B. ob man als Befreier oder Besatzer wahrgenommen wird, ob es Massenvernichtungswaffen gibt) immer nur kurz andeutet. Stattdessen werden schnell die nächsten Probleme innerhalb der Truppe verhandelt oder es werden neue (unsinnige) Befehle erteilt, die sich ständig ändern, weil die Führung recht planlos wirkt. Zusammenfassend kann man „Generation Kill” wenig vorwerfen, ich war aber nie so beeindruckt wie von „Band of Brothers”. Vermutlich auch, weil ich bei einem Kriegsfilm die „leidende Komponente” etwas direkter benötige, um voll involviert zu sein.

The post Generation Kill – Fröhlich in den Irak einmarschieren. Review Miniserie first appeared on Are you series?.