Weil die 10-teilige Miniserie auf den Memoiren zweier Marines basiert, verzichtet sie auf einen strategischen Gesamtblick auf den Pazifikkrieg. Stattdessen greift sie prägnante, bekannte und teilweise kriegsentscheidende Schlachten heraus und porträtiert sie in ihrem ganzen Grauen. Diese episodische Erzählweise erfüllt zwar einen höheren Realismusanspruch, erschwert es jedoch, eine tiefere Bindung zu den Figuren aufzubauen. Man begleitet die Soldaten nicht kontinuierlich, sondern wird – genau wie die Marines selbst – unvorbereitet in die jeweiligen Einsätze hineingeworfen: erst nach Guadalcanal, später nach Peleliu, Iwo Jima und Okinawa. 

Etwas seltsam erscheinen die Episoden, in denen das Liebesleben der Marines im Mittelpunkt steht. Die formelhafte 3. Episode mit einer zarten Romanze in Australien und die Liebesgeschichte in der 8. Folge führen weit weg vom Krieg und bremsen das Erzähltempo aus. Auf der anderen Seite funktionieren sie als starker Kontrast. Denn bald darauf müssen die Marines wieder an die Front, durch Schlamm kriechen, ihre Kameraden sterben sehen und desorientiert nur knapp dem Tod entkommen – oder ihn sogar finden. 

Ohnehin sind die Kampfsequenzen die größte Stärke der Serie. Man sieht der Serie an, dass sie mit über 200 Millionen Dollar Budget unfassbar teuer war und überwiegend nicht in Studios gedreht wurde. Die unpersönlichen Gefechte, die permanenten Granateneinschläge und die kurzen Befehle ohne große Erklärungen verbinden sich zusammen mit der unruhigen Kamera und einer wuchtigen Soundkulisse zu einem Mix, der das Grauen des Krieges perfekt unterstreicht. Doch noch stärker ist die Charakterisierung der Soldaten. Während nur wenige als Helden inszeniert werden, zeigt die Serie weitaus mehr verrohte Männer, die darauf gedrillt wurden, japanische Soldaten zu töten, und dabei ihr Gewissen, ihre Moral und letztlich sich selbst verlieren. Gerade Rami Maleks („Mr. Robot”) Charakter „Snafu” sorgt immer wieder für schockierende Szenen. Generell ist das Darstellerensemble überzeugend. Zwar sind keine großen Stars dabei, aber alle erfüllen ihre Aufgaben sehr gut.

„The Pacific” ist düsterer, dreckiger und realistischer als „Band of Brothers”, weil das psychische Trauma und die moralische Abstumpfung der Soldaten radikaler herausgearbeitet werden. Dieser Ansatz überzeugte mich und rückt die Miniserie tonal näher an „Apocalypse Now” heran als an ihren Vorgänger, bei dem Kameradschaft und ein gewisser Pathos im Mittelpunkt standen. Leider bremsen die fragmentarische Erzählweise und die Landgänge die Handlung immer wieder aus, zudem wirken die Spezialeffekte an einigen Stellen leider ein wenig aus der Zeit gefallen.

Zusammenfassend möchte ich die Antikriegsserie „The Pacific” als ideales Komplementärwerk zu „Band of Brothers” empfehlen. In einigen Facetten ist sie sogar stärker, in vielen anderen wiederum nicht. Dennoch ist „The Pacific” gerade wegen ihres anderen Fokus absolut sehenswert und lädt zu einer tiefergehenden Online-Recherche ein.

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Penny (Robyn Malcolm, überragend) wirkt wie eine gefestigte Frau, die als Lehrerin voll im Leben steht und dennoch einen guten Zugang zu der Jugend hat. Ihr großer Schatz sind ihre Tochter Grace (Tara Canton) und ihr kleiner Enkel Walt, mit dem sie gerne viel Zeit verbringt. Doch eines Tages wird ihr Leben komplett auf den Kopf gestellt: Die Geister der Vergangenheit suchen sie in Form ihres Ex-Manns heim. Phil (Peter Mullan, „Ozark”, „Westworld”, sehr stark) kehrt nach 5 Jahren im schottischen „Exil” zurück nach Neuseeland und zieht sofort bei der gemeinsamen Tochter ein. 

Innerhalb der ersten Episode wird deutlich, warum für Penny eine Welt zusammenbricht. Auf einer Party vor 5 Jahren sah sie, wie Phil gemeinsam mit dem leicht bekleideten 15-jährigen Olli (Ian Blackburn, sehr gut) im Bett lag und ihn sanft streichelte, nachdem dieser sich zuvor übergeben hatte. Penny entschied sich damals, die Situation zu eskalieren und ihren damaligen Mann öffentlich des Kindesmissbrauchs zu bezichtigen. Zudem drängte sie „das Opfer” zur Polizei zu gehen. Der sah dafür aber keinen Grund, denn Phil war „nur nett”. Auch die polizeilichen Untersuchungen führten zu nichts, Phil wurde niemals angeklagt. Einige hielten und halten immer noch zu Penny, doch viele in der Kleinstadt sind der Meinung, sie habe sich die Geschichte nur ausgedacht, um Phil zu schaden. Am meisten kränkt Penny aber, dass ihre Tochter und ihr Sohn den Vater wieder in ihre Leben lassen wollen. Angetrieben von dem Wunsch, andere vor Phil zu schützen, begibt sie sich auf einen destruktiven Trip. Sie schlägt blind in alle Richtungen aus und trifft frustrierende, objektiv „dumme” Entscheidungen. 

Die Miniserie ist handwerklich solide produziert, das Neuseeland-Setting wird durchaus frisch, wobei sich ein großer Teil der dialoglastigen Serie in geschlossenen Räumen abspielt. Das absolute Faustpfand sind die starken Darsteller. Robyn Malcolm spielt eine Frau, fernab der typischen Hollywood-Heldinnen, die fehlerbehaftet ist und ständig impulsive, falsche Entscheidungen trifft. Ihr „Widersacher” hingegen ist ein charmanter Kerl, der scheinbar seine Würde behalten hat und nie laut wird. Diese Dynamik sorgt für eine herausragende moralische Ambiguität. Zu Beginn glaubt man Penny, doch mit der Zeit mehren sich die Zweifel an ihrer Geschichte – sowohl bei ihren Unterstützern und Freunden innerhalb der Serie als auch vor dem Bildschirm bei der Zuschauerschaft. 

Das ist extrem clever gelöst, führt aber in der Mitte erzählerisch zu einigen Längen und frustrierenden Momenten. Ständig möchte man Penny zurufen, dass sie mit ihren Handlungen sich ständig selbst sabotiert und mehr auf ihre Mitmenschen hören sollte. Psychologisch ist das zwar konsequent, als Zuschauer aber phasenweise anstrengend.  Letztlich zahlt sich dieser zähe Mittelteil, der sich zeitweise in Nebensträngen zu verlieren droht, im fulminanten Finale jedoch aus: Im Finale war ich angespannt wie selten und rutschte nervös auf der Kante meines Stuhls hin und her. Hier wird die Story zum atemberaubenden Thriller.

„After the Party” ist ein großartig gespieltes Familiendrama über die verheerenden Auswirkungen eines mutmaßlichen Missbrauchs. Das Drama ist sorgsam konstruiert und lebt von seinem brillanten Cast. Trotz kleinerer Längen und manch glücklicher Zufälle im Skript ist diese Miniserie – sofern man vom Thema nicht getriggert wird – ein echter Geheimtipp im frischen Neuseeland-Setting.

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Die Handlung startet in den 1960er Jahren in Hollywood. Albert S. Ruddy (Miles Teller) ist eigentlich Programmierer, möchte aber als Filmproduzent durchstarten und erzielt einen ersten Achtungserfolg mit einer Sitcom. Daraufhin versucht er es bei Paramount und wird vom dortigen Chef Robert Evans (Matthew Goode) unter seine Fittiche genommen und mit Verfilmung des absoluten Buch-Bestsellers betraut. Ruddy muss die kreative Vision von Francis Ford Coppola (Dan Fogler) gegen alle innerhalb von Paramount verteidigen – er nimmt den Buchautor als Drehbuchautor, er unterstützt die Wahl von Al Pacino als Michael (Anthony Ippolito, herausragend), obwohl dieser „zu klein für die Rolle ist”, er drückt die Hauptrolle für Marlon Brando durch. Zeitgleich sucht er Wege, um die reale Mafia zu beschwichtigen, denn diese droht damit, den Film zu sabotieren, weil ihnen das Buch nicht gefiel. Dadurch gerät er in den Strudel der organisierten Kriminalität. Gegen Ende spielen vor allem kreative Differenzen mit den höheren Studio-Bossen eine Rolle. Darf der Film wirklich so lang sein? Wie vermarktet man ihn? Wie macht man ihn zum Erfolg? Die Miniserie zeichnet diesen komplizierten Weg zum Ruhm gekonnt nach und feiert durch zahlreiche Referenzen das New Hollywood Kino.

„The Offer” ist perfekt für Filmfans und Cineasten. Nicht, weil die Inszenierung der Miniserie selbst herausragend ist, sondern weil Meilensteine der Filmgeschichte abgefeiert werden. Die Kritiker stoßen sich wohl leider an vielen Ecken und Kanten dieser 10-teiligen Miniserie, dem Mainstream hingegen gefällt sie sehr gut. Ich hatte viel Spaß mit der Geschichte, obwohl ich zugeben muss, dass vermutlich auch 8 Episoden ausgereicht hätten und sich die Erzählung ab und an zu sehr in Nebenhandlungssträngen verstrickt. Etwas mehr Stringenz hätte der Miniserie geholfen, dennoch ist sie nicht langweilig, wenn man sich auf die Figuren einlässt. Für mich gab es einige magische Momente: Häufig werden bekannte Szenen in ihrer Entstehung am Set gezeigt. Das sind besondere Leckerbissen, von denen ich gerne noch mehr gesehen hätte. Dennoch taugt die Geschichte durch die zahlreichen Twists und Hindernisse bereits ohne den großen „Der Pate”-Bezug als eigenständige „Ein Mann (und seine Sekretärin) entgegen allen Widerständen”-Story. Man muss den Film nicht zwingend kennen, aber es erhöht natürlich den Sehgenuss. Zudem bekam ich nach der Miniserie direkt Lust „Der Pate” zu streamen.

„The Offer” ist eine unterhaltsame Dokudrama-Serie über die Entstehung eines Meisterwerks der Filmhistorie – erzählt als Heldengeschichte. Das starke Ensemble spielt die realen Vorbilder überzeugend, die Inszenierung ist solide. Natürlich ist die Geschichte etwas dramatisiert, man sollte keine Dokumentation erwarten. Aber Fans des alten Hollywood-Kinos und Freunde von Filmen über das Filmemachen (aus Produzentensicht) kommen auf ihre Kosten.

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In den 50er Jahren treffen sich Hawk (Matt Bomer) und Tim (Jonathan Bailey), die beide für die US-amerikanische Regierung arbeiten. Schnell entbrennt eine leidenschaftliche Liebe, die allerdings extrem kompliziert ist, weil offen Homosexuelle von der Gesellschaft geächtet werden. Das intensiviert sich in der McCarthy-Ära, als vom gleichnamigen Senator eine Verdächtigungswelle („Red Scare”) gegen angebliche Kommunisten innerhalb des Regierungsapparats losgetreten wurde. Diese weitete sich kurz darauf auch auf Schwule und Lesben aus („Lavender Scare”), weil man glaubte, dass diese aufgrund ihrer sexuellen Orientierung einfach erpressbar wären. Dieser historische Kontext erklärt, warum Hawk und Tim ihre Liebe nicht ausleben können, sondern sich immer verstecken müssen – speziell, wenn sie weiterhin Karriere machen wollen. Somit driften die beiden häufig auseinander. Hawk denkt daran, sich offen mit einer Frau zu verheiraten und eine Familie zu gründen, Tim hat große Probleme mit seiner Religiosität, die er nicht so recht mit seiner sexuellen Orientierung in Einklang bringen kann. Doch ohne den jeweils anderen können die beiden auch nicht.

Die ersten 5 Episoden fokussieren sich noch sehr auf die 50er Jahre, zwischen den folgenden 3 Folgen finden größere Zeitsprünge statt. Die ganze Zeit über gibt es eine Rahmenhandlung, die im Jahr 1986 spielt, in der Hawk verzweifelt versucht, Kontakt zu einem an Aids erkrankten Tim herzustellen. Aufgrund dieser Konstruktion nimmt die Geschichte speziell im letzten Drittel deutlich an Fahrt auf, in den ersten 5 Folgen gibt es ein paar Längen und Redundanzen. Dennoch fällt das kaum ins Gewicht einer Geschichte, die nicht nur oberflächlich von den ganzen Diskriminierungen der Schwulen- und auch der Schwarzen-Community in einem Nebenhandlungsstrang (durch Jelani Alladin getragen) erzählt. Sei es von der steten Angst entdeckt zu werden, den intimen Befragungen und pseudowissenschaftlichen Tests von Ärzten, die jemanden der Homosexualität „überführen” sollten oder ekelhaften Elektroschocktherapien zur „Heilung”. Dabei kommt auch die Rolle von Lucy (Allison Williams) nicht zu kurz, die unbewusst als Scheinfrau für Hawk agiert. Was macht es mit einer Frau und einer Familie, wenn der Vater und Ehemann eine Lüge lebt? 

Sehr positiv ist, dass die beiden Hauptrollen an offen queere Darsteller vergeben wurden. Das spürt man auch in der Chemie der beiden Hauptfiguren zueinander, die beiden spielen ausgesprochen überzeugend. Diese Authentizität merkt man auch an den doch recht expliziten Sexszenen, viel Dirty Talk und ein paar ausgelebten Fetischen/Kinks, die heterosexuelle Darsteller vielleicht nicht so ausgespielt hätten. Die Produktion ist darüber hinaus absolut solide. Inszenatorisch gibt es keine herausragend kreativen Kniffe, einzig die ständigen Zeitsprünge brechen das Klassische etwas auf. Die Kostüme sind gut, speziell die 50er Jahre wirken sehr authentisch. Die Alterungsmasken sehen okay, aber nicht großartig aus. 

„Fellow Travelers” ist über weite Strecken ein Politthriller, bei dem es um die stets reale Gefahr geht, dass die beiden Hauptcharaktere auffliegen könnten. Dennoch steht die Liebesgeschichte mit zahlreichen romantischen Szenen, viel Sex und typischen Höhen und Tiefen im Mittelpunkt. Durch die historische Einbettung und den diskriminierenden Kontext trägt die Serie naturgemäß ein anderes Gewicht als eine schwule Lovestory, die heutzutage spielt. Genau das gefiel mir ausgesprochen gut. Die Romanze selbst gewinnt hingegen keine Originalitätspreise, aber durch die Chemie der beiden Figuren wirkt sie authentisch. Zudem sind die Figuren keine durchweg positiven, sondern glänzen mit innerer Zerrissenheit und komischen Angewöhnheiten. Ich bin weiterhin kein ausgewiesener Fan des Genres (egal ob homo- oder heterosexuell), aber in „Fellow Travelers” werden Politik, Geschichte und Liebe kunstvoll miteinander verwoben.

Ich weiß nicht, ob „Fellow Travelers” vielleicht sogar die beste Serie über eine schwule Liebe ist, dafür habe ich zu wenige Vergleichsserien gesehen. Für mich landet das Romanzen-Epos aber aufgrund der historischen Tiefe in meinen persönlichen Top 5 der Serienromanzen (egal ob queer oder straight). Fans von „Heartstopper” oder „Heated Rivalry” können vielleicht auch mal einen Blick hineinwagen, obwohl der historische Kontext für einen gänzlich anderen Vibe und eine andere Schwere sorgt. Ansonsten ist „Fellow Travelers” etwas für Freunde von historischen Politthrillern.

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Am besten ist es, wenn man von Bargains Geschichte so wenig wie möglich weiß und sich überraschen lässt. Doch Obacht, die Themen sind fies und es wird blutig. Zu Beginn trifft die junge Park Ju-young (Jeon Jong-seo, „Burning”) in einem Hotelzimmer einen möglichen Freier (Jin Seon-kyu, „Kingdom”, der ihre Jungfräulichkeit erkaufen möchte, aber Zweifel an ihrer Geschichte hegt. Bald darauf wird die Geschichte allerdings viel größer und noch viel zynischer, blutiger und fieser.

Das große Faustpfand der Serie ist ihre Machart. Alle Folgen zusammen fühlen sich wie ein großer, langer One-Shot, eine Plansequenz ohne jegliche Schnitte an. Es gibt zwar ab und an bei Szenenwechsel ein paar versteckte Cuts (wie bei „Birdman”), doch die Sogwirkung entfaltet sich dennoch mühelos. Alles wirkt ungleich intensiver und authentischer, die Schauspieler müssen wirklich Arbeit verrichten und sich nicht nur im Schuss-Gegenschuss Worte zuwerfen. Das gibt der ohnehin bedrückenden Atmosphäre das gewisse Etwas. Wie schon bei „Adolescence” gelingt das auch bei „Bargain” überragend – vorausgesetzt man kann damit etwas anfangen. Einigen ist diese Machart einfach zu anstrengend und intensiv, zudem schließt sie jeglichen Second Screen Konsum aus. Aber eigentlich sollte es doch kein Malus für eine Serie sein, wenn sie einen besonders stark hineinzieht und die volle Aufmerksamkeit einfordert, sondern ein Punkt auf der Pro-Seite.

Thematisch erinnerte mich die Serie an eine Mischung aus „Squid Game” (oh Wunder) und „der Schacht”. Denn der vertikale Überlebenskampf steht im Vordergrund, stets wird nach oben geblickt, wo man die rettende Sicherheit erwartet. Zudem fehlen gänzlich Sympathiefiguren, jeder Charakter ist fehlerhaft und manchmal sogar ziemlich wahnsinnig. Im Bereich des Organhandels und der Rache dachte ich an Sympathy for Mr. Vengeance. „Bargain” bedient sich demnach bei koreanischen (modernen) Klassikern und nutzt durch die Nutzung von Plansequenzen eine eher westliche Bildsprache. Eine großartige Idee, die komplett aufgeht. Visuell setzt man auf viel Dunkelheit, entsättigte Bilder und eine dreckige Optik, die sehr passend zum Inhalt ist. Die Kulissen sind top, das Hotel wirkt durchaus echt. Auch die Spezialeffekte sehen überraschend solide aus.

Ein paar Makel gibt es allerdings. Letztlich ist der Weg das Ziel, manchmal wirken einige Sequenzen etwas redundant, speziell im Mittelteil, was zu leichten Längen fühlt. Leider sind auch nicht alle Schauspieler auf dem Topniveau von Jeon Jong-seo. So ganz greifbar und nachvollziehbar sind manche Charakterentscheidungen zwar nicht und die Idee zum Ausbruch negiert vieles Vorheriges. Aber das Ende gefiel mir wieder sehr gut und macht Lust auf eine Fortsetzung.

„Bargain” wurde mit seinem schwachen IMDb-Rating komplett abgestraft, bekam allerdings Serienpreise aus Cannes und auch vom deutschen Seriencamp. Der Mainstream kommt mit den schweren Themen, der intensiven (oder negativ: „anstrengenden”) Machart und den fehlenden Sympathieträgern offenbar nicht so gut klar, erwartete vielleicht etwas mehr in Richtung „Squid Game”. Fans von Plansequenzen, Cineasten und Interessierte, die gerne Serien schauen, die sich vom sonstigen Einheitsbrei deutlich abheben, entdecken mit „Bargain” ein kleines Juwel – auch wenn es nicht makellos ist. Ich möchte die 6-teilige Miniserie mit einer Gesamtlaufzeit von etwa 200 Minuten vollumfänglich empfehlen.

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Mobbing scheint in Korea wirklich ein großes Thema zu sein. „Pyramid Game” ist von 2024, ähnelt in seinen Themen aber sehr „Teach You a Lesson” von 2026. Nur wird die Gewalt an Schulen diesmal nicht mit Gewalt von noch weiter oben (und Erwachsenen) beantwortet, sondern von einer neuen Schülerin, die gewaltlos das Mobbing-Spiel von innen heraus zerstören möchte. Seong Su-ji (Kim Ji-yeon, „Twenty Five, Twenty One”) wird an ihrer neuen Schule in das Pyramid Game eingeführt und schikaniert, weil sie diese unfairen Machtverhältnisse nicht hinnehmen möchte. Schnell bemerkt sie, dass auch ein Großteil der Lehrer das Mehrklassensystem zwischen Arm und Reich (+ einflussreich) duldet und sie die Zerschlagung des Systems selbst in die Hand nehmen muss. Dafür sucht sie sich nach und nach Unterstützerinnen und bemerkt im Verlauf der Handlung, was echte Freundinnen sind und wie verdammt einflussreich die große Böse eigentlich ist.

Beim Ansehen muss man die ein oder andere Hürde der Glaubwürdigkeit überspringen. Die Grundannahme der großen Bösen, dass es eben Mobbing in einer guten Klasse braucht, ist sehr zynisch, aber noch passend. Doch als sie das Pyramid Game auch noch stolz den Eltern vorgestellt wird, bröckelt die Plausibilität. Zudem ist sie einfach so mächtig, wie Darth Vader – durch den Großkonzern, der hinter ihrer Familie steht, respektiert aber dennoch demokratische Entscheidungen… Man muss dieses gebaute kleine Ökosystem als abgeschotteten Lebensraum verstehen und diese Logik nicht hinterfragen, um Spaß mit der Serie zu haben. Dann ist sie aber durchaus unterhaltsam.

Die Produktion ist genretypisch in Ordnung, die Darstellerinnen sind überwiegend solide bis gut. Viele Close-ups und Blickduelle zum eindringlichen Soundtrack dominieren die Sendeminuten. Die insgesamt 10 Folgen sind etwas zu lang für das Erzählte, sodass irgendwann eine gewisse Redundanz aufkommt. Man hätte den Beginn etwas schneller erzählen können, da die Mitte mit ihrer Suche nach Mehrheiten eigentlich interessant ist. Das Finale kommt etwas früh und abrupt in Folge 9, gefällt aber gut. Die Geschehnisse danach sind überraschend und etwas weit hergeholt. Eine Länge von 8 Episoden wäre super gewesen.

„Pyramid Game” ist ein solides K-Drama an einer Schule, das erneut eindringlich Koreas Problem mit Mobbing unterstreicht. Die Serie hat das Herz am rechten Fleck und vereint typische Strukturen des K-Dramas (auch etwas Slapstick & Comedy) zu einer soliden Serie einer Rebellion von Unten gegen Oben. Das ist unterhaltsam, auch wenn ein paar Makel den Sehgenuss ab und an stören.

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Aoteru Misumi lebt ein ruhiges Leben mit seiner Frau im Bezirk Yamato. Doch eines Tages kommt der Innenminister Yamatos zu Gast, der durch seine äußerste Brutalität und Skrupellosigkeit auffällt. Misumis Frau stößt die Schikane der lokalen Bevölkerung auf und sie prangert diese Missstände öffentlich an. Ein Fehler, der Misumi dazu bringt, ein klares Ziel zu verfolgen: Er möchte Japan wiedervereinen. Nach einer actiongeladenen ersten Folge werden zunächst viele verschiedene Figuren eingeführt und die Hauptfiguren müssen sich innerhalb der Armee zurechtfinden. Danach verlagert sich der Fokus auf die Innenpolitik und Expansionspläne Yamatos. Später wird der Konflikt mit dem rivalisierenden Seii heiß, auch hier wird sich viel Zeit für die „Diktatorin”, ihren Weg zur Macht, ihre Unterstützer und ihre Kriegspläne genommen. 

Die Serie ist gut produziert und entwickelt schnell eine visuell ganz eigene Identität, bei der man die Manga-Herkunft sehr deutlich bemerkt. Viele Farben werden verwendet, viele Geräusche visuell dargestellt, die Gesichter immer wieder in violette Farbe getaucht. Zudem fällt die Serie durch ihre Brutalität auf, häufiger werden Köpfe abgehackt und das Blut spritzt. Interessant ist, dass es gar nicht so viele Schlacht- oder Actionsequenzen gibt, wie man vermuten könnte. Stattdessen wird extrem viel geredet, geplant, gedacht, taktiert und intrigiert. Die eigentlichen Schlachten werden recht knapp abgehandelt und von einer Erzählerin untermalt, die so klingt, als würde sie aus einem Geschichtsbuch vorlesen. Man sollte also keine falschen Erwartungen an die Serie haben: Es ist eine Laberserie mit einzelnen Schlachtszenen und visuellen sowie inszenatorisch spannenden Ideen.

Das Erzähltempo der Serie ist gut. Nach einem starken Beginn nimmt sich die Exposition recht viel Zeit. Sobald Seii auf den Plan tritt, wird es aber schnell interessant. Was mir fehlte war Worldbuilding. Zu Beginn wird einmal kurz umrissen, was mit dem alten Japan geschah, aber mir fehlte der Tiefgang bei der Bevölkerung. Der Militär- und Machtapparat der Länder wird durchleuchtet und ausgiebig betrachtet, doch leider kommt die normale Bevölkerung dabei zu kurz. Deswegen fehlte mir etwas das Gefühl für die Länder und warum welche Gruppierung wie weit technologisch entwickelt ist (Bogen gegen Schusswaffen). 

„Nippon Sangoku” ist eine Serie wie keine andere. Weil nicht die Schlachten, sondern die Planung der Schlachten, Taktik und Intrigen im Vordergrund stehen. Der hohe Dialoganteil kommt unerwartet, aber er funktioniert und die Handlung wird durch zahlreiche visuelle Spielereien nicht langweilig. Die Zielgruppe dürfte recht nischig sein, aber ich möchte empfehlen mal reinzuschauen, wenn man sich für Anime, Dystopie, Militär oder Politik interessiert.

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Die Animationsserie funktioniert visuell. Sie bedient sich der Ästhetik des Spiels und nutzt auch diverse Versatzstücke und Soundeffekte. Besonders gelungen empfand ich die Sequenzen, in denen kurzzeitig die Kamera aus dem Game verwendet wird. Die Animationen sehen gut, aber nicht großartig aus. Inhaltlich referenziert man viel und verliert sich teils in Anspielungen und (vermeintlichen) Insider-Gags (wie dem Kostüm-Crewmate). Allerdings versucht man sich auch an eigenen Ideen. Gerade anfangs erscheint alles noch als sehr wirr und chaotisch. Man möchte möglichst viel in die etwa 13-minütigen Episoden hineinzuquetschen und versucht sich sogar an einer Exposition zu den Figuren, die allerdings alle recht dümmlich und stereotyp wirken. Der Humor ist relativ flach, ab und an gibt es aber auch gute Beobachtungen oder gesellschaftskritische Kommentare, die man so gar nicht erwartet hätte. 

Deshalb ist die Serie bis zur Mitte ziemlich banal, überfrachtet und relativ langweilig. Kann man (nebenbei) schauen, kann man aber auch lassen. Doch glücklicherweise bringt Episode 7, die auf „Die 12 Geschworenen” anspielt, endlich die Wende. Durch eine dezimierte Teilnehmerzahl hat man Zeit Figurenkonstellationen auszuspielen. Der Fokus auf das gegenseitige Beschuldigen und die Auswirkungen solcher Behauptungen hilft der Handlung sehr, die sich überraschend auch um emotionale Tiefe bemüht. Auch danach wird sich auf die Stärken des Spiels fokussiert: Das Endgame, wenn es um Sieg oder Niederlage geht. Die letzten zwei Folgen sind dann actionreicher und ganz amüsant.

„Among Us” kann man sich durchaus ansehen, zumindest, wenn man früher das Videogame gespielt hat. Die erste Hälfte ist sehr chaotisch und wirr, in der zweiten Hälfte findet die Handlung aber ihren Rhythmus und liefert einige gute Momente. Insofern können Fans mit der Serie ihren Spaß haben. Personen, die bisher keine Berührungspunkte mit dem Videogame hatten, wird die Serie vermutlich eher nicht überzeugen können.

The post Among Us – Die späte Adaption des Covid-Hype-Games hat ihre Momente. Review first appeared on Are you series?.

Die vierteilige Miniserie (Gesamtlaufzeit etwa 3 Stunden) präsentiert einen der größten Justizskandale Großbritanniens und gibt den Betroffenen die Aufmerksamkeit, die sie verdienen. Durch die Serie wurde das Problem der breiten Öffentlichkeit bekannt, so dass sich die britische Regierung gezwungen sah Stellung zu beziehen und Hilfe zu versprechen. Die Miniserie erreichte damit sogar gesellschaftlich etwas und ist ein weiterer Meilenstein auf dem Weg zur Entschädigung für die zahlreichen Opfer, die auch heute noch um Gerechtigkeit kämpfen, denn die juristische Aufarbeitung ist weiterhin nicht abgeschlossen.

Inszenatorisch ist die Serie solide, es gibt keine Spielereien, die ablenken. Stattdessen liegt der Fokus komplett auf der faszinierenden und schockierenden Geschichte und bedient sich klassischer musikalischer Untermalung. Die Darsteller sind allesamt sehr gut (speziell Toby Jones und Monica Dolan) und spielen die häufig echten Menschen sehr überzeugend. Man fiebert und fühlt mit, wenn die Initiative von Mr. Bates erneut Rückschläge kassiert, man sieht, was dieses institutionelle Fehlverhalten der Post für die einzelnen Filialleiter bedeutet und man hofft mit, wenn es endlich Hoffnung auf Gerechtigkeit gibt. Wenn man vorher vom Thema noch nichts weiß, ist der Einstieg in die Serie etwas schwierig, aber schnell zieht das Tempo an.

„Mr.Bates gegen die Post” ist ein starkes Dokudrama, das keine Risiken eingeht, sondern die Geschichte geradlinig und mit Fokus auf die Betroffenen erzählt. Allen Fans von Dokudramen, Gerichtsdramen, True Crime und „David gegen Goliath”-Serien möchte ich die britische Miniserie empfehlen.

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Im Zentrum der 6-teiligen französischen Miniserie, die überwiegend authentisch in Kasachstan gedreht wurde, steht die französische Astronautin Anna (Céline Sallette), die mit einer Gruppe von Astronauten vom russisch verwalteten Kosmodrom Baikonur starten soll. Doch aufgrund einer Panikattacke startet nicht sie, sondern ihr amerikanischer Kollege (Lex Shrapnel), mit dem sie eine kurze, aber intensive Affäre hatte. Der US-Astronaut sorgt beim Andocken dann später für den katastrophalen Unfall. Schnell wird sich innerhalb der Verwaltung gegenseitig beschuldigt, wer für den Vorfall verantwortlich war. War es Sabotage? Vielleicht von den Amerikanern? Oder doch von den Russen? Parallel entfaltet sich eine Handlung in der kasachischen Steppe. Ein Kommissar (Daniyar Alshinov) findet eine Leiche, deren Kopf abgetrennt wurde. Nach einiger Zeit stellt sich heraus, dass es sich bei der Leiche um den amerikanischen Astronauten handelt. Doch wie kann dieser gleichermaßen auf der Erde und im Weltall sein? 

Die Serie ist überraschend konsequent und durchaus brutal. Großartig ist das unverbrauchte Setting. Kasachstan sieht man in Serien schließlich selten und es gelingen einige wunderbare Kamerashots und Bilder von Orten, die man so nicht kennt. Generell ist die Produktion auf einem hohen Niveau. Die Weltraumkomponenten sehen gut aus, die Schauplätze sind super, man bekommt ein Gefühl für die Kasachen. Die Darsteller sind solide. Was die Serie erheblich ausbremst, ist ihre Langsamkeit. Zudem werden einige Geheimnisse etwas zu früh gelüftet. So schaut man eher den Figuren beim Rätseln über die Verschwörung zu als, dass man selbst rätseln muss. Denn als Zuschauer wird man schnell ins Bild gesetzt. Immerhin bleibt das große Weltraumgeheimnis, das irgendwann recht plakativ mit Schrödingers Katze erklärt wird, als das letzte große Mysterium. 

„Infiniti” hat viele gute Seiten. Vor allem im visuellen Bereich, der Grundidee, dem Setting und der Konsequenz. Leider erschwert das sehr langsame Erzähltempo den Sehgenuss. Speziell in der Mitte tritt man extrem auf der Stelle. Außerdem helfen die zahlreichen Zeitsprünge mit teils redundantem Inhalt nicht dabei das Tempo hochzuhalten. Zudem kann sich die eigentlich spannende Verschwörung nicht ganz entfalten, weil man als Zuschauer zu früh zu viel weiß. Dennoch hat Infiniti auch seine guten Momente und speziell die letzte Folge bietet viel für Sci-Fi-Fans. Ob sich der Zeitaufwand lohnt, muss am Ende jeder selbst entscheiden. Ich fand es ganz interessant, aber das Potential wird nicht ausgeschöpft.

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Die Antwort ist ein „Ja”, allerdings mit Einschränkungen. Denn „Teach You a Lesson” schafft es durch seine versierte Machart hervorragend den Blick auf die zahlreichen Probleme in Koreas Schulsystem zu werfen. Doch die Lösung dafür ist extrem zweifelhaft: Denn auf Gewalt wird mit Gewalt reagiert, die neu zusammengestellte „Eingreiftruppe” aus Ex-Militärs „erteilt Lektionen”. Doch von vorne:

„Teach You a Lesson” bietet in jeder Folge einen neuen Problemfall an einer Schule und fühlt sich deshalb sehr formelhaft an. Allerdings gibt es auch eine übergeordnete Handlung, die sich stark an Rache orientiert. Kern einer jeden Folge ist Missstände an einer Schule aufzuzeigen. Im ersten Teil der jeweiligen Episode werden diese teils äußerst brutal ausgespielt und mit melancholischer Musik unterlegt, so dass einem die Fälle durchaus an die Nieren gehen können – vor allem, weil einige davon leider in der Realität beheimatet sind. Es geht um brutales Mobbing unter Schülern, so dass sie Selbstmord begehen. Gehänselte Schüler werden zu „Runnern” für Drogenhändler. Andere werden ausgenutzt und anderweitig gemobbt, die Täter schaffen aber eine Täter-Opfer-Umkehr, indem sie das aktuelle Mobbing-Meldesystem Koreas ad absurdum führen. Generell stürzt sich die Serie auf die zahlreichen institutionellen Probleme, die sie im koreanischen Schulsystem ausgemacht hat. Speziell positioniert sich die Serie überwiegend als Advokat für die Lehrer, die kaum noch Rechte oder Möglichkeiten haben. In einer Folge hat zwar selbst ein Lehrer Dreck am Stecken, im Allgemeinen geht es aber eher darum, dass diese selbst terrorisiert werden. Von Schülern und von Eltern. In jeder Folge wird ein neues Problem zunächst ausgiebig in den rund einstündigen Episoden präsentiert. Im zweiten Teil der jeweiligen Folge tritt dann die Eingreiftruppe auf den Plan und rächt sich stellvertretend an den Unruhestiftern. Wird gemobbt, dann wird zurück gemobbt. Wird terrorisiert, dann wird zurück terrorisiert. Wird geschlagen, dann wird zurückgeschlagen. Stellvertretende Selbstjustiz (aber legitimiert), wenn man so möchte und logisch eingebettet in eine koreanische Filmlandschaft, die Rachegeschichten liebt.

Diese „Auge um Auge”-Idee kann man noch irgendwo in Ordnung finden, wenn eine Mutter, die zuvor eine Lehrerin mit ständigen Nachrichten und Anweisungen zu allen Uhrzeiten terrorisiert hat und fast in Selbstmord trieb, dem nun spielerisch selbst ausgesetzt wird, um ihr die Augen zu öffnen. Wenn allerdings die Schüler blutig geschlagen und von dem „Lehrpersonal” erniedrigt werden, tritt das den guten Geschmack mit Füßen. Deshalb muss sich die Serie den Vorwurf der autoritären Fantasie gefallen lassen. Die Rachesequenzen sind zwar stilistisch überhöht und comichaft dargestellt, wodurch sie sich der Realität in gewisser Weise entziehen. Doch das reißt die Serie selbst ein, indem sie die Eingreiftruppe in die realistisch wirkende politische Landschaft Koreas integriert. Immer wieder gibt es Schlagabtäusche auf politischer Ebene, es geht darum, ob die Eingreiftruppe politisch legitimiert werden soll oder nicht. Dieser Spagat ist deshalb schwierig und gelingt nicht wirklich. Was aber gelingt, ist es Aufmerksamkeit zu schaffen. Und vielleicht gelingt das durch diesen überharten, überinszenierten und verrückten „Lösungsansatz” besser, als wenn man nach echten Lösungen suchen würde. Das wäre zwar pädagogisch sinnvoller, aber ohne die Action-, Comedy- und Racheelemente würden die Serie viel weniger Menschen sehen. Mein wohlwollender Blick ist deshalb, dass die Serie großartig auf Missstände hinweist und damit ein breites Publikum erreicht. Teil der Lösung sollten die dargestellten Methoden keinesfalls sein, aber vielleicht können durch die Empörung die institutionellen Probleme des Schulsystems in der koreanischen Politik besser beleuchtet werden. Manchmal muss man schockieren, damit man gehört wird. Die Serie kann man als klaren Auftrag an die Politik verstehen, selbst vernünftige Methoden zu entwickeln.

Fernab dieser politischen Dimensionen, die wir „aus dem Elfenbeinturm” in Deutschland distanziert betrachten können (obwohl wir natürlich auch Probleme mit Gewalt an Schulen, Mobbing oder der Frage, wie man mordende strafunmündige Kinder belangt, zu tun haben), stellt sich noch die Frage, wie unterhaltsam die Serie ist. In diesem Bereich kann man kaum meckern. Die Klaviatur eines ausgefeilten Genremix wird gekonnt gespielt. Die Inszenierung ist stark, Produktion und Darsteller sind gut, der Aufwand einer jeden Folge mit neuem Cast und neuer Geschichte ist bemerkenswert. Die Racheformel funktioniert und bedient Selbstjustiz-Gelüste, die Comedy fügt sich überraschend gut ein. Mir war es etwas zu formelhaft und mir stießen einige deutliche Stereotype, mit denen die Serie zuhauf arbeitet, manchmal auf. In der Einzelbetrachtung der 10 Folgen gefiel mir der Fokus auf die Eltern, wie sie Lehrer und ihre eigenen Kinder unter Druck setzen, generell besser als der gewaltreiche Mobbingfokus unter den Schülern, da diese Themen noch nicht so oft besprochen wurden und auch in Deutschland ein Schlaglicht verdient haben.

„Teach You a Lesson” ist aus verschiedenen Gründen sehenswert. Erstens, weil es ein unterhaltsamer Genremix ist, zweitens, weil es deutlich auf Missstände hinweist und drittens, weil es polarisiert und diskussionswürdig ist. Ich verstehe aber jeden, der die Serie als „autoritären Müll” ablehnt. Mit meiner wohlwollenden Lesart hatte ich Spaß mit der Serie und wurde das ein oder andere Mal auch emotional erwischt. Obwohl mir das Formelhafte weniger zusagen und die Gewaltrache mir stellenweise zu weit ging, mochte ich die mutige, verrückte Idee eines Genremix an einer Schule.

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Im Zentrum der Handlung steht Nola (Samirah Breuer, sehr gut), die von Berlin mit ihrer Mutter in die brandenburgische Provinz zieht. Sie leidet unter Panikattacken, weil offenbar in der Vergangenheit etwas Traumatisches vorgefallen ist. In der Schule freundet sie sich mit Corvin (Florian Geißelmann, gut) an, dem besten Freund des verstorbenen Linus. Als die Schattenseite erste Geheimnisse lüftet, gerät auch Nola schnell ins Visier. Denn scheinbar verbirgt sie ein riesiges Geheimnis. Doch die App gibt ihr eine Möglichkeit die Enthüllung zu verhindern: Sie soll Corvins Smartphone entsperrt aushändigen. Für Nola stellt sich die Frage mit wem sie sich verbünden will. Während die beiden den Betreiber der Schattenseite zu ermitteln versuchen, wird das Drama rund um die zahlreichen Figuren und ihre schockierenden Geheimnisse voll auserzählt. Zu den klassischen Schul-, Freundschafts- und Liebes-Themen gesellen sich auch ein überraschend großer Haufen schwerer Themen: Essstörungen, Vergewaltigung, Drogen, Panikattacken, Lehrer-Schülerbeziehung & Sex mit Minderjährigen (seltsam viel Zeit für diese beiden Nebenhandlungsstränge), Mobbing und allen voran Suizid. Manchmal wirkt die Story dadurch etwas überfrachtet, sie bleibt so aber auch durchgehend interessant. 

Leider mischen sich darunter ein paar Quatschigkeiten, um die Handlung voranzubringen. Beispielsweise, wenn der Laptop des Schüler DJs, der bei einer schicken Spendengala für alte Leute auflegt, durchsucht wird, oder wenn der Basketball-Spieler während des Spiels raus zu seinem Handy rennt oder auch wenn das selbstbelastende Erpressungsmaterial unverschlüsselt auf dem Desktop liegt. Auch die Einsamkeit der Tunnelszene und ein paar kleine Punkte sind etwas merkwürdig. Doch das alles fällt nicht weiter ins Gewicht, was an einer tadellosen Produktion, einem frischen Setting mit interessanten, ambivalenten Charakteren, unverbrauchten Schauspielern und einer guten Inszenierung liegt. Stilsichere Bilder, als Farbkonzept ein schönes Neonpink aus der Refn-Schule und ein paar hübsch inszenierte (Plan-)Sequenzen runden das visuelle stimmige Gesamtbild ab, da stört auch die etwas hässliche Darstellung der App nicht weiter. Zudem ist die Synth-Musik cool. 

„Schattenseite” bietet ein gut konzipiertes Mysterium und überzeugt mit seiner hohen Authentizität, die von frischen Darstellern auf den Punkt gebracht wird. „Voll” würden mir die Figuren darauf antworten, denn sie wirken nicht so geschrieben, sondern echter. Somit ist die 6-teilige Miniserie ein mutiger, stylischer und frischer Thriller mit einem guten Erzähltempo. Das finale Ende wirkt aber leider etwas forciert, etwas doof und zu sehr auf Fortsetzung gebastelt. Doch trotz ihrer Makel lohnt sich die Serie, die durchgehend unterhaltsam ist. Lasst euch von der schwachen IMDb-Note nicht abschrecken.

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Staffel 5 präsentiert die finale Konfrontation zwischen Butcher und Homelander.  „The Boys” ist weiterhin hochgradig politisch und versucht sich an der Satire. Das gelingt in dieser Staffel wieder besser, weil man hemmungslose Blasphemie betreibt. Denn Homelander und seine Schergen wollen ihn als legitimen Nachfolger von Jesus inszenieren, gründen eine eigene Kirche und beenden die Trennung von Kirche und Staat. Homelander soll Gott sein. Währenddessen versuchen Butcher und die Boys (die sich überraschend schnell zusammengerauft haben) „V One”, das ursprüngliche Superhelden-Mittel, in die Hände zu bekommen und parallel einen Virus gegen alle Superhelden zu entwickeln. Den wollen aber nicht alle aus der Gruppe freisetzen, was zu internen Streitigkeiten führt. Generell wechseln in dieser Staffel die Charaktere häufiger die Seiten als ihre Unterwäsche und werden überraschend problemlos bei der Gegenseite aufgenommen. Hinterfragt wird nicht viel, nachgedacht noch weniger, stattdessen hangelt man sich von einer Actionsequenz zur nächsten und streut stets „emotional harte” Gespräche ein. Als Parodie auf Superheldenfilme funktioniert dies hervorragend, etwas Qualität bleibt aber auf der Strecke. Das Tempo bleibt hingegen in der gesamten Staffel hoch. Furz-, Wichse-, Pisse- und Kacke-Momente sind weiterhin in großen Massen vorhanden und bilden zusammen mit den Blutfontänen eine unvergleichliche Symbiose, wodurch man die Serie unter 1000 schnell erkennt. Die schauspielerischen Leistungen sind okay.

Die große Konfrontation ist überraschend konventionell, klein und ereignislos, zudem wird auf die neue „V One”-Kraft kaum eingegangen. Die Actionsequenzen sind nicht mehr zwingend eine Stärke der Serie. Auch das Finale ist seltsam Standard und viele Abschlüsse für Charaktere wirken gewollt und gehetzt. Zudem gibt es kein Verständnis von Zeit und Raum (was vor allem nervt, wenn Charaktere nicht fliegen können). Somit scheitert die Serie letztlich nicht an ihrem Ende, aber sie ist nicht ausgereift – so sind beispielsweise das „Gen V” Spin-off und seine Charaktere auch überraschend egal. Man hat das Gefühl, dass mehr möglich war und man sich für das Finale mehr Zeit hätte nehmen sollen. Mir gefiel der Handlungsstrang rund um die Göttlichkeit allerdings als frisches und mutiges Satireelement sehr gut.

Somit hat die Serie leider keinen glorreichen Abschluss bekommen, sondern einen etwas gehetzten und überraschend konventionellen. Eine Katastrophe ist es aber nicht geworden.  Denn die Serie ist als Parodie auf Superhelden und als extrem politische Satire auf die USA gelungen.

Ob ich auf das Spin-off Prequel „Vought Rising“ aber noch Bock habe, weiß ich aktuell nicht.

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Im Zentrum steht die persönliche Assistentin Simone (Milly Alcock), die für Michaela (Julianne Moore) und Milliardär Peter Kett (Kevin Bacon) arbeitet. Michaela widmet sich vor allem wohltätigen Zwecken und die beiden beschäftigen einen ganzen Haufen von Mitarbeitenden. Nebenbei hat Simone auch noch eine Affäre mit einem reichen Nachbarn. Ihr Leben scheint perfekt, doch dann holt sie die Vergangenheit in Form ihrer wütenden Schwester Devon (Meghann Fahy) ein, die sie auf der Arbeit überrascht und von ihrer kleinen Schwester verlangt sich auch um den demenzkranken Vater (Bill Camp) zu kümmern. Infolgedessen kommt es zu einem Culture Clash, denn die bodenständige Devon kommt mit der gekünstelten Welt der Superreichen und ihrer Attitüde überhaupt nicht zurecht und eckt bewusst überall an. Immer wieder steht die sehr finstere Familiengeschichte der DeWitt-Schwestern im Mittelpunkt.

Das Erzähltempo der 5-teiligen Miniserie ist gut, die Inszenierung ist überwiegend gelungen und auch das starke Ensemble kann auf ganzer Linie überzeugen. Einige Szenen wirken etwas zu absurd und gestellt (das Hinterherlaufen am Strand), so dass sich die Serie zeitweise wie Slapstick anfühlt. Einige Figuren wirkten wie eindimensionale Stereotype. Zudem muss die Story in Teilen arg gebogen werden, um noch zu funktionieren. Dass Devon nach diesem Auftakt „eine zweite Chance” erhält, ist beispielsweise schon Quatsch und danach spielt äußerst häufig der unwahrscheinliche Zufall eine zu große Rolle. Dennoch war ich über weite Strecken gut unterhalten und mochte den Zynismus.

„Sirens” ist nicht der große Wurf geworden, aber dennoch eine durchaus gelungene, wenn auch etwas zu oberflächliche und sprunghafte Dramaserie mit bizarren Charakteren. Freunde von „White Lotus” können einen Blick hinein wagen, müssen allerdings Abstriche bei der Handlung machen. Zudem fügt die Serie dem Thema Arm und Reich wenig Neues hinzu und aus der interessanten Schwesternbeziehung entwickelt sich zu wenig. Somit bleibt eine überwiegend unterhaltsame Serie mit Makeln.

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Triggerwarnungen für Mobbing, Suizide, Gewalt, Cuttermesser und viel Blut sind bei dieser Serie angebracht. Im Zentrum stehen Se-ah und ihre Freundesgruppe, die allesamt gerade volljährig sind und noch zur Schule gehen. Ein etwas unbeliebterer Schüler stellt ihnen eine mysteriöse App vor, die Wünsche erfüllt. Zunächst halten das alle für Schwachsinn, doch nachdem sich der Schüler am Ende der ersten Folge öffentlichkeitswirksam die Kehle aufschlitzt, nimmt die Geschichte Fahrt auf. Schon bald geht es um Schamanismus und das Brechen von Flüchen. Im weiteren Verlauf wird auch die blutgetränkte Entstehung der App in Rückblenden erzählt.

Die erste Folge der 8-teiligen Miniserie ist die schwächste. Das Teenie Schuldrama mit typischen Figurenkonstellationen und möglichen Beziehungen steht noch zu deutlich im Vordergrund. Ich war erst ab Folge 3 überzeugt, in der die Serie auf eine übernatürliche Ebene gehoben wird. Man muss zwar akzeptieren, dass es Schamanismus, Geister und Flüche gibt, aber speziell visuell erschließt die dritte Folge dadurch eine neue, kreative Ebene und hebt die Serie auf eine höhere Stufe. Besonders gut gefiel mir die Origin-Story in Folge 6, am Ende dreht die Serie noch einmal auf. Zwar ist nicht alles zu 100% logisch und manchmal wirkt das alles ziemlich dumm. Beispielsweise verlieren die Charaktere viel zu viel Blut, sind aber kurz darauf wieder topfit. Doch das kann man in einer Horrorlogik verschmerzen. Der Abschluss der Serie ist einigermaßen rund. Allerdings wird noch eine Fortsetzung angedeutet, die ich aber nicht unbedingt brauche.

Die Serie ist modern und stark produziert, die Inszenierung ist für eine Netflix-Serie überdurchschnittlich. Sie ist stylisch, wobei man ihr teils den Vorwurf von „style over substance” machen kann. Es gibt einige kreative Regie-Ideen und immer wieder werden starke, bedrohliche Bilder erschaffen. Die Actionsequenzen sind in Ordnung, die dynamische Kamera fängt das Geschehen stark ein. Einige Horrormomente gelingen großartig, wobei die Serie fast gänzlich auf Jumpscares verzichtet und stattdessen auf Atmosphäre oder visuelle Schockmomente mit viel Blut setzt. Die Darsteller overacten anfangs etwas und der Humor gelingt nur selten, wenn allerdings der Horrorthriller dominiert, können die Schauspieler zeigen, dass sie ihr Handwerk beherrschen. Zwar sind auch einige Momente mit zu viel Zeitlupe etwas überinszeniert, aber cool sind es meist dennoch aus.

„If Wishes Could Kill” ist eine gelungene Miniserie, die für Fans von Horror mit Teenagern, viel Blut und traumatischen Geschichten absolut sehenswert ist. Zudem sollte man kein Problem mit dem Übernatürlichen, Geistern und Flüchen haben. Ich empfehle, dass man die Serie nicht nur anhand ihrer ersten Folge beurteilt, sondern ihr mindestens bis nach Folge 3 eine Chance gibt. Danach sollte man hoffentlich im Bann sein und die Serie zu Ende schauen wollen. Natürlich ist daran nicht alles gut oder sonderlich schlau, aber ich mochte die kreativ inszenierte Horrorserie letztlich für das, was sie sein will. Die Serie gibt es in deutscher Synchronisation auf Netflix.

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