Im Zentrum der Handlung steht Nola (Samirah Breuer, sehr gut), die von Berlin mit ihrer Mutter in die brandenburgische Provinz zieht. Sie leidet unter Panikattacken, weil offenbar in der Vergangenheit etwas Traumatisches vorgefallen ist. In der Schule freundet sie sich mit Corvin (Florian Geißelmann, gut) an, dem besten Freund des verstorbenen Linus. Als die Schattenseite erste Geheimnisse lüftet, gerät auch Nola schnell ins Visier. Denn scheinbar verbirgt sie ein riesiges Geheimnis. Doch die App gibt ihr eine Möglichkeit die Enthüllung zu verhindern: Sie soll Corvins Smartphone entsperrt aushändigen. Für Nola stellt sich die Frage mit wem sie sich verbünden will. Während die beiden den Betreiber der Schattenseite zu ermitteln versuchen, wird das Drama rund um die zahlreichen Figuren und ihre schockierenden Geheimnisse voll auserzählt. Zu den klassischen Schul-, Freundschafts- und Liebes-Themen gesellen sich auch ein überraschend großer Haufen schwerer Themen: Essstörungen, Vergewaltigung, Drogen, Panikattacken, Lehrer-Schülerbeziehung & Sex mit Minderjährigen (seltsam viel Zeit für diese beiden Nebenhandlungsstränge), Mobbing und allen voran Suizid. Manchmal wirkt die Story dadurch etwas überfrachtet, sie bleibt so aber auch durchgehend interessant. 

Leider mischen sich darunter ein paar Quatschigkeiten, um die Handlung voranzubringen. Beispielsweise, wenn der Laptop des Schüler DJs, der bei einer schicken Spendengala für alte Leute auflegt, durchsucht wird, oder wenn der Basketball-Spieler während des Spiels raus zu seinem Handy rennt oder auch wenn das selbstbelastende Erpressungsmaterial unverschlüsselt auf dem Desktop liegt. Auch die Einsamkeit der Tunnelszene und ein paar kleine Punkte sind etwas merkwürdig. Doch das alles fällt nicht weiter ins Gewicht, was an einer tadellosen Produktion, einem frischen Setting mit interessanten, ambivalenten Charakteren, unverbrauchten Schauspielern und einer guten Inszenierung liegt. Stilsichere Bilder, als Farbkonzept ein schönes Neonpink aus der Refn-Schule und ein paar hübsch inszenierte (Plan-)Sequenzen runden das visuelle stimmige Gesamtbild ab, da stört auch die etwas hässliche Darstellung der App nicht weiter. Zudem ist die Synth-Musik cool. 

„Schattenseite” bietet ein gut konzipiertes Mysterium und überzeugt mit seiner hohen Authentizität, die von frischen Darstellern auf den Punkt gebracht wird. „Voll” würden mir die Figuren darauf antworten, denn sie wirken nicht so geschrieben, sondern echter. Somit ist die 6-teilige Miniserie ein mutiger, stylischer und frischer Thriller mit einem guten Erzähltempo. Das finale Ende wirkt aber leider etwas forciert, etwas doof und zu sehr auf Fortsetzung gebastelt. Doch trotz ihrer Makel lohnt sich die Serie, die durchgehend unterhaltsam ist. Lasst euch von der schwachen IMDb-Note nicht abschrecken.

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Staffel 5 präsentiert die finale Konfrontation zwischen Butcher und Homelander.  „The Boys” ist weiterhin hochgradig politisch und versucht sich an der Satire. Das gelingt in dieser Staffel wieder besser, weil man hemmungslose Blasphemie betreibt. Denn Homelander und seine Schergen wollen ihn als legitimen Nachfolger von Jesus inszenieren, gründen eine eigene Kirche und beenden die Trennung von Kirche und Staat. Homelander soll Gott sein. Währenddessen versuchen Butcher und die Boys (die sich überraschend schnell zusammengerauft haben) „V One”, das ursprüngliche Superhelden-Mittel, in die Hände zu bekommen und parallel einen Virus gegen alle Superhelden zu entwickeln. Den wollen aber nicht alle aus der Gruppe freisetzen, was zu internen Streitigkeiten führt. Generell wechseln in dieser Staffel die Charaktere häufiger die Seiten als ihre Unterwäsche und werden überraschend problemlos bei der Gegenseite aufgenommen. Hinterfragt wird nicht viel, nachgedacht noch weniger, stattdessen hangelt man sich von einer Actionsequenz zur nächsten und streut stets „emotional harte” Gespräche ein. Als Parodie auf Superheldenfilme funktioniert dies hervorragend, etwas Qualität bleibt aber auf der Strecke. Das Tempo bleibt hingegen in der gesamten Staffel hoch. Furz-, Wichse-, Pisse- und Kacke-Momente sind weiterhin in großen Massen vorhanden und bilden zusammen mit den Blutfontänen eine unvergleichliche Symbiose, wodurch man die Serie unter 1000 schnell erkennt. Die schauspielerischen Leistungen sind okay.

Die große Konfrontation ist überraschend konventionell, klein und ereignislos, zudem wird auf die neue „V One”-Kraft kaum eingegangen. Die Actionsequenzen sind nicht mehr zwingend eine Stärke der Serie. Auch das Finale ist seltsam Standard und viele Abschlüsse für Charaktere wirken gewollt und gehetzt. Zudem gibt es kein Verständnis von Zeit und Raum (was vor allem nervt, wenn Charaktere nicht fliegen können). Somit scheitert die Serie letztlich nicht an ihrem Ende, aber sie ist nicht ausgereift – so sind beispielsweise das „Gen V” Spin-off und seine Charaktere auch überraschend egal. Man hat das Gefühl, dass mehr möglich war und man sich für das Finale mehr Zeit hätte nehmen sollen. Mir gefiel der Handlungsstrang rund um die Göttlichkeit allerdings als frisches und mutiges Satireelement sehr gut.

Somit hat die Serie leider keinen glorreichen Abschluss bekommen, sondern einen etwas gehetzten und überraschend konventionellen. Eine Katastrophe ist es aber nicht geworden.  Denn die Serie ist als Parodie auf Superhelden und als extrem politische Satire auf die USA gelungen.

Ob ich auf das Spin-off Prequel „Vought Rising“ aber noch Bock habe, weiß ich aktuell nicht.

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Im Zentrum steht die persönliche Assistentin Simone (Milly Alcock), die für Michaela (Julianne Moore) und Milliardär Peter Kett (Kevin Bacon) arbeitet. Michaela widmet sich vor allem wohltätigen Zwecken und die beiden beschäftigen einen ganzen Haufen von Mitarbeitenden. Nebenbei hat Simone auch noch eine Affäre mit einem reichen Nachbarn. Ihr Leben scheint perfekt, doch dann holt sie die Vergangenheit in Form ihrer wütenden Schwester Devon (Meghann Fahy) ein, die sie auf der Arbeit überrascht und von ihrer kleinen Schwester verlangt sich auch um den demenzkranken Vater (Bill Camp) zu kümmern. Infolgedessen kommt es zu einem Culture Clash, denn die bodenständige Devon kommt mit der gekünstelten Welt der Superreichen und ihrer Attitüde überhaupt nicht zurecht und eckt bewusst überall an. Immer wieder steht die sehr finstere Familiengeschichte der DeWitt-Schwestern im Mittelpunkt.

Das Erzähltempo der 5-teiligen Miniserie ist gut, die Inszenierung ist überwiegend gelungen und auch das starke Ensemble kann auf ganzer Linie überzeugen. Einige Szenen wirken etwas zu absurd und gestellt (das Hinterherlaufen am Strand), so dass sich die Serie zeitweise wie Slapstick anfühlt. Einige Figuren wirkten wie eindimensionale Stereotype. Zudem muss die Story in Teilen arg gebogen werden, um noch zu funktionieren. Dass Devon nach diesem Auftakt „eine zweite Chance” erhält, ist beispielsweise schon Quatsch und danach spielt äußerst häufig der unwahrscheinliche Zufall eine zu große Rolle. Dennoch war ich über weite Strecken gut unterhalten und mochte den Zynismus.

„Sirens” ist nicht der große Wurf geworden, aber dennoch eine durchaus gelungene, wenn auch etwas zu oberflächliche und sprunghafte Dramaserie mit bizarren Charakteren. Freunde von „White Lotus” können einen Blick hinein wagen, müssen allerdings Abstriche bei der Handlung machen. Zudem fügt die Serie dem Thema Arm und Reich wenig Neues hinzu und aus der interessanten Schwesternbeziehung entwickelt sich zu wenig. Somit bleibt eine überwiegend unterhaltsame Serie mit Makeln.

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Triggerwarnungen für Mobbing, Suizide, Gewalt, Cuttermesser und viel Blut sind bei dieser Serie angebracht. Im Zentrum stehen Se-ah und ihre Freundesgruppe, die allesamt gerade volljährig sind und noch zur Schule gehen. Ein etwas unbeliebterer Schüler stellt ihnen eine mysteriöse App vor, die Wünsche erfüllt. Zunächst halten das alle für Schwachsinn, doch nachdem sich der Schüler am Ende der ersten Folge öffentlichkeitswirksam die Kehle aufschlitzt, nimmt die Geschichte Fahrt auf. Schon bald geht es um Schamanismus und das Brechen von Flüchen. Im weiteren Verlauf wird auch die blutgetränkte Entstehung der App in Rückblenden erzählt.

Die erste Folge der 8-teiligen Miniserie ist die schwächste. Das Teenie Schuldrama mit typischen Figurenkonstellationen und möglichen Beziehungen steht noch zu deutlich im Vordergrund. Ich war erst ab Folge 3 überzeugt, in der die Serie auf eine übernatürliche Ebene gehoben wird. Man muss zwar akzeptieren, dass es Schamanismus, Geister und Flüche gibt, aber speziell visuell erschließt die dritte Folge dadurch eine neue, kreative Ebene und hebt die Serie auf eine höhere Stufe. Besonders gut gefiel mir die Origin-Story in Folge 6, am Ende dreht die Serie noch einmal auf. Zwar ist nicht alles zu 100% logisch und manchmal wirkt das alles ziemlich dumm. Beispielsweise verlieren die Charaktere viel zu viel Blut, sind aber kurz darauf wieder topfit. Doch das kann man in einer Horrorlogik verschmerzen. Der Abschluss der Serie ist einigermaßen rund. Allerdings wird noch eine Fortsetzung angedeutet, die ich aber nicht unbedingt brauche.

Die Serie ist modern und stark produziert, die Inszenierung ist für eine Netflix-Serie überdurchschnittlich. Sie ist stylisch, wobei man ihr teils den Vorwurf von „style over substance” machen kann. Es gibt einige kreative Regie-Ideen und immer wieder werden starke, bedrohliche Bilder erschaffen. Die Actionsequenzen sind in Ordnung, die dynamische Kamera fängt das Geschehen stark ein. Einige Horrormomente gelingen großartig, wobei die Serie fast gänzlich auf Jumpscares verzichtet und stattdessen auf Atmosphäre oder visuelle Schockmomente mit viel Blut setzt. Die Darsteller overacten anfangs etwas und der Humor gelingt nur selten, wenn allerdings der Horrorthriller dominiert, können die Schauspieler zeigen, dass sie ihr Handwerk beherrschen. Zwar sind auch einige Momente mit zu viel Zeitlupe etwas überinszeniert, aber cool sind es meist dennoch aus.

„If Wishes Could Kill” ist eine gelungene Miniserie, die für Fans von Horror mit Teenagern, viel Blut und traumatischen Geschichten absolut sehenswert ist. Zudem sollte man kein Problem mit dem Übernatürlichen, Geistern und Flüchen haben. Ich empfehle, dass man die Serie nicht nur anhand ihrer ersten Folge beurteilt, sondern ihr mindestens bis nach Folge 3 eine Chance gibt. Danach sollte man hoffentlich im Bann sein und die Serie zu Ende schauen wollen. Natürlich ist daran nicht alles gut oder sonderlich schlau, aber ich mochte die kreativ inszenierte Horrorserie letztlich für das, was sie sein will. Die Serie gibt es in deutscher Synchronisation auf Netflix.

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Am 13. September 1987 stahlen zwei Schrottsammler ein metallenes Gerät aus einer stillgelegten Klinik. Kurze Zeit später verkaufen sie es weiter an einen Händler, der es weiter öffnet und dabei ein im Dunkeln leuchtendes Pulver freisetzt. Weil er keine Ahnung davon hat, aber fasziniert ist, verteilt er es an Bekannte und Freunde. Tage später werden die Leute in der Umgebung krank. Durch einige glückliche Zufälle wird Radioaktivität vermutet und das Protokoll eingeleitet. Die ersten Episoden fokussieren sich auf den Ausbruch des radioaktiven Materials, wie es zur Verbreitung kommen konnte und wie man die radioaktiv verseuchten Stellen ermittelt. Dabei kämpfen die Wissenschaftler gegen Politiker, die am liebsten alles vertuschen würden und auch gegen die Kontaminierten selbst, die es sehr schwer haben die eigene Situation zu verstehen. Im Verlauf wechselt die Handlung mehr zu den Doktoren, die versuchen Kontaminierte zu retten, und behandelt die Fragen nach Verantwortlichkeiten und nach einem Endlager für den radioaktiven Müll.

Die Ensemble-Serie ist hochwertig produziert und relativ klassisch inszeniert. Die Darsteller sind gut und bringen der Zuschauerschaft die Geschichte mit einer passenden Emotionalität näher. Das Erzähltempo ist anfangs höher, später wird ein größerer Zeitraum erzählt und die Handlung fächert sich etwas auf. Ich empfand den Anfang als stark, der Ausbruch wird besser erzählt als die Zeit danach. Manchmal liegt mir der Fokus etwas zu sehr auf den persönlichen Problemen einiger weniger Personen. So ist beispielsweise die Beziehung zwischen dem jungen Physiker und seiner Freundin wenig relevant, nimmt aber einen großen Stellenwert ein. Einige Szenen sind zudem etwas zu deutlich auf Emotionalität hin gebaut und mit der passenden traurigen Musik unterlegt, was die Serie gar nicht nötig hätte. Viele Figuren sind mir zu sehr nach dem „Malen nach Zahlen”-Prinzip angelegt.

„Nuklearer Notfall” ist zwar ein falscher Titel, aber dennoch eine gute 5-teilige Miniserie. Wer noch nichts von dem realen Unfall wusste, kann sich hier weiterbilden und erhält gleichermaßen eine unterhaltsame, schockierende und bittere Serie. Besonders grotesk wirkt der sorglose Umgang der Bürger ein Jahr nach Chernobyl, das Kompetenzgeschacher und die rückgratlosen Politiker sind hingegen wenig überraschend. Auch das fehlende Verständnis in der Bevölkerung für die Wissenschaft wird gut transportiert. Natürlich kommt die Miniserie nicht an den Genrekönig „Chernobyl” heran, aber dennoch ist die Serie sehenswert und empfehlenswert für Fans von Dokudramen.

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Zum Review von Staffel 1.

Obwohl „Beef” nur als Miniserie geplant war, sorgte der Erfolg für eine 2. Staffel der Netflixserie. Glücklicherweise ist der Creator Lee Sung Jin erneut federführend und auch häufiger auf dem Regiestuhl dabei, so dass die Qualität hochgehalten wird. Die Symbiose zwischen dem US-amerikanischen Rache- und Rivalitäten-Drama und dem koreanischen K-Drama gelingt sehr gut. Dafür sorgt vor allem der unfassbar gute Cast. Die Hauptrollen spielen Carey Mulligan und Oscar Isaac als älteres Pärchen, die bereits in einem meiner Lieblinge „Drive” eine toxische Beziehung darstellen, und Cailee Spaeny mit Charles Melton als jüngeres Pärchen, die versuchen ihren Arbeitgeber zu erpressen. Auf koreanischer Seite überzeugt Youn Yuh-jung als Milliardärin und besonders freute ich mich über die kurzen Auftritte von Song Kang-ho („Parasite”, „Memories of Murder”). Allein für die schauspielerischen Leistungen, die alle etwas overacten und ziemlich egoistische Arschlöcher verkörpern, die gerne das Gesetz zum eigenen Vorteil brechen, lohnt sich die 2. Staffel. Alle sind im „White Lotus”-Modus. Doch natürlich muss auch der Inhalt passen.

Die Handlung ist diesmal komplizierter gestaltet. Weg von den Kleinigkeiten eines Streits auf der Straße bei dem man sich anhupt, hin zu waschechter Erpressung. Das jüngere Pärchen filmt eines Abends einen gewalttätig aussehenden Ehestreit zwischen dem Leiter des Country Clubs und seiner Frau, die nach außen hin die perfekte Ehe führen. Ashley (Spaeny) wittert sofort ihre Chance. Eigentlich ist sie eine Kellnerin ohne College-Abschluss, doch nun kann sich durch Erpressung zur Sekretärin von Josh (Isaac) aufsteigen, zudem versucht sie ihren Freund auch im Country Club unterzubringen. Denn sie haben Geldsorgen und sie hat einen starken Kinderwunsch, der in einer herrlich absurden und für sich stehenden 4. Folge stark porträtiert wird. Das ältere Pärchen möchte sich das natürlich nicht gefallen lassen und sucht nach Möglichkeiten Ashley auffliegen zu lassen. Doch nicht nur ihre Streitigkeiten untereinander, sondern auch die Milliardärin, die den Club kauft, sorgen dafür, dass sich die Geschichte ganz anders entwickelt. Denn ab der Hälfte geht es primär um die Vertuschung eines Mordes, um Geldwäsche und wer zum Strohmann des großen Finanzbetrugs wird und dafür büßen muss. Alles gipfelt in einer recht absurden letzten Folge in Seoul, mit einer brillanten Kampfsequenz in der Mitte, in der sich alle Figuren zwischen Moral, Liebe und dem Geld für ihre eigene Zukunft entscheiden müssen. 

Der etwas ernsthaftere Ansatz mit einer Erpressung im Country Club und dem vermeintlichen Kampf zwischen Arm und Reich wird von der noch reicheren koreanischen Milliardärin schön satirisch beendet. Im Angesicht der Superreichen, die sich alles erlauben können, kämpfen am Boden alle mit ähnlichen Mitteln, egal ob sie Schulden haben oder ein Haus besitzen. Wenn auf einmal Attentäter auf einen angesetzt werden können oder man dazu gezwungen wird Finanzbetrug zu begehen, gleicht sich alles in der Mitte an und wird mit Füßen getreten. Diese Erkenntnis ist zwar nicht neu, wird aber hervorragend herausgestellt. Einige haben mit dem Ende ihre Probleme, auch ich war damit auf menschlicher Ebene natürlich nicht einverstanden und ich empfand es auch nicht zu 100% nachvollziehbar. Dennoch illustriert das Ende perfekt auf satirischer Ebene, wer eben gewinnt. Spoiler: Es ist nicht die Moral.

Die Produktion der Serie ist ausgesprochen hochwertig, die Drehorte werden schön miteinander verknüpft. Die Inszenierung bildet gemeinsam mit einer gelungenen musikalischen Untermalung eine schöne Verbindung und zeigt einige kreative Einfälle. Das Erzähltempo der Serie ist gelungen, ich mochte den Einstieg und hatte nur in der 5. und 6. Episode das Gefühl, dass die 8-teilige Staffel kurz durchhängt. Danach kulminiert alles in einem verrückten Finale, das man in Folge 1 so sicherlich nicht kommen sah. Die absurden Racheaktionen stehen nicht mehr so im Fokus, aber ab und an blitzt das Skurrile, das Bizarre weiterhin durch, was zu unterhaltsamen Momenten führt. Dennoch ist Staffel 2 keine Comedy mehr, sondern ein klares Drama mit Thrillerelementen. 

Die zweite Staffel von „Beef” bleibt dem Grundkonzept treu, geht aber eigene Wege. Mir gefiel die Weiterentwicklung in Richtung „White Lotus”, andere werden vielleicht etwas den Vibe und die Essenz der ersten Staffel vermissen. Ich möchte die 2. Staffel für alle Fans von Dramen, Rivalitäten und Gesellschaftssatire mit einem Hang zur Absurdität empfehlen. Da es sich um eine Anthologie-Serie handelt, muss man die 1. Staffel nicht gesehen haben.

The post Beef Staffel 2 – Erpressung, Rivalitäten und White Lotus Vibes. Review first appeared on Are you series?.

Die 8-teilige Miniserie basiert auf dem gleichnamigen Roman. Lisa Nova (Rosa Salazar) hat in Los Angeles ein Gespräch mit einem bekannten Filmproduzenten, der von ihrem verstörenden Horror-Kurzfilm begeistert ist. Darin sieht er etwas Besonderes und möchte eine Langzeitadaption drehen. Doch als Lisa seine sexuellen Avancen ablehnt, entscheidet er sich, ihr den Film wegzunehmen und einen anderen Regisseur zu besetzen. Lisa ist völlig verzweifelt und landet bei einer seltsamen Frau, die verspricht den Betrüger zu bestrafen. Dafür muss Lisa nicht nur Zutaten wie seine Schamhaare beisammen suchen, sondern auch einen Haufen ekelhafter Dinge essen und trinken, die sie auf ganz üble und schaurige schlechte Drogentrips führt. Das ist nur der Anfang einer Story, die immer weiter ins Absurde eskaliert. Irgendwann geht es um Magie, Zombies, wachsende Körperteile, Körperwandler und mehr verrückten Kram. Dabei muss sich Lisa auch mit den Dämonen ihrer Vergangenheit auseinandersetzen.

Visuell und inszenatorisch ist „Brand New Cherry Flavor” eine Wucht. Die Kulissen & Requisiten sind großartig, die Lichtstimmung ist faszinierend, die Kameraeinstellungen sind kreativ, die digitalen und physischen Horror- und Splattereffekte können überzeugen – besonders das „Wackelmonster” gefiel mir sehr gut. Auch der Einsatz von Popmusik ist sehr gelungen. Das Erzähltempo ist durchaus hoch, es passiert viel innerhalb der Episoden und man muss sehr viel akzeptieren, um nicht den Spaß an der Story zu verlieren. Mir war das an einigen Stellen einfach zu blöd, was mich immer wieder herausriss. Ständig wird man mit neuen Realitäten aus dem Reich der Magie konfrontiert. Etwas weniger Absurdität (looking at you „Sexszene” in Episode 4) würde helfen, um kein zu großes Kopfschütteln hervorzurufen und damit eine Distanz aufzubauen. Zudem hilft nicht, dass die Schauspieler zum Teil hemmungslos overacten. Rosa Salazar ist zwar zu Beginn stark, aber wenn sie eine Verfluchung oder eine Vergiftung spielen muss, dann ist das nicht mehr so überzeugend. Dennoch bleibt sie die stärkste Darstellerin in einem Ensemble, das häufiger (unfreiwillig?) komische Momente heraufbeschwört. Die Zombies sind dabei am schlimmsten. Später gibt es auch offensichtlich gewollte Comedymomente und zahlreiche Ekelszenen, die mich nicht für sich gewinnen konnten.

Zusammenfassend ist es schwer „Brand New Cherry Flavor” etwas vorzuwerfen. Denn inszenatorisch gelingt sie auf allen Ebenen und ist vermutlich genau das Werk geworden, was sich die Macher vorstellten. Letztlich scheiden sich die Geister am Inhalt. Manchen wird diese fluchhaltige Horrorgeschichte mit Magie, Zombies, Blutschwüren und Monstern zu quatschig sein, bei anderen könnte diese ungeahnte Melange voll ins Schwarze treffen. Ich gehöre leider zur ersten Gruppe. Mir gefiel der Start, als es sich um eine Rachegeschichte handelte, bei der nicht klar war, ob es Flüche gibt oder nicht, deutlich besser als das Übernatürliche danach. Aber das ist Geschmackssache.

Deshalb ist die Miniserie für alle empfehlenswert, die im übernatürlichen Horrorbereich eine frische, absurde und eigenartige Geschichte sehen wollen. Alle anderen wird die Geschichte wohl ab einem gewissen Punkt nicht mehr mitreißen können. Allgemeintauglich ist die Serie sicher nicht, aber in der Nische kann sie gut funktionieren. Für mich tat sie es aber leider nicht. Auch, weil ich das Ende nicht mochte.

The post Brand New Cherry Flavor – Rache, Flüche, Magie und Horror. Review Miniserie first appeared on Are you series?.

Die Animeserie, die auf dem gleichnamigen noch laufenden Manga basiert, versucht einen ganzen Haufen von aktuellen Themen und Problemen unter einen Hut zu bekommen und übt dabei deutliche Gesellschaftskritik. Sie richtet sich sehr deutlich an Erwachsene. Zunächst erinnert die Handlung fast an eine unbeschwerte High School-Serie. Charlie muss sich an der Schule zurechtfinden, wobei er natürlich der Außenseiter, aber auch auf eine Freundin trifft und zum ersten Mal seine Kräfte demonstriert. Danach versucht sich die Serie kurzzeitig an philosophischen Fragen und verbaut darin auch das Veganismus-Thema. Dann stehen die Terrorgruppe und ein brutal heftiger Terroranschlag, für den man eine Triggerwarnung aussprechen muss (Amoklauf) im Vordergrund. Auch Vorverurteilungen und falsche Gerüchte, die einen Mob zu Gewalt aufrufen, werden thematisiert. Tierrechte, Gesetze und die Frage nach der Rechtslage rund um Charlie werden ebenso verhandelt. In „Darwin’s Incident” steckt damit eine ganze Reihe von Themen, die allerdings mal besser und mal schlechter beleuchtet werden. Manches wirkt oberflächlich, einige Charaktere verkörpern ausschließlich Stereotype, um bestimmte Inhalte in den Mittelpunkt zu rücken. Auch die direkte Verknüpfung von Veganismus und Terrorismus wirkt auf den ersten Blick recht absurd, wird aber gut durch eine Mobmentalität mit gelebten Hexenjagden unterfüttert. Die Serie wirkt in ihren guten Momenten dystopisch und in ihren schlechten unglaubwürdig.

Insgesamt empfand ich die fehlende Vorhersehbarkeit als eine große Stärke von „Darwin’s Incident. Ich hätte zu Beginn niemals erwartet, dass sich alles so entwickelt und so viele Themen angeschnitten werden. Manchmal hätte ich mir mehr Konzentration auf weniger Inhalte gewünscht, wodurch mehr Raum zur Entfaltung möglich gewesen wäre. Aber letztlich muss man das bewerten, was man bekommt und nicht das, was hätte sein können. Dabei kam mir die Logik hinter den Aktionen der Terrororganisation zu kurz. Bis zum Ende habe ich ihren großen Plan nicht vollends nachvollziehen können. Warum sie bestimmte Dinge taten und was sie sich davon genau versprachen, wurde leider nicht wirklich erklärt.

Der Zeichenstil ist hübsch, die Actionsequenzen sind ansehnlich. Das schwankende Erzähltempo ist etwas seltsam. Nach einem recht ruhigen Beginn gibt es die wirklich krassen Folgen (à 25 Minuten) in der Mitte der 13-teiligen 1. Staffel, das Ende trudelt etwas aus und wird zum Cliffhanger für eine neue Bedrohung. Selten hat mich eine Handlungsstrang (Amok) so überrascht, eine solch fiese Inszenierung innerhalb eines Anime hätte ich nicht erwartet und presste mich vor Spannung und Ekel in den Sitz. Die beiden Episoden saßen wie ein tiefer Schlag in die Magengrube. Auch die Actionsequenz in Folge 10 ist überzeugend.

„Darwin’s Incident” ist eine hochpolitische Animeserie, die auch vor knallharten Themen keinesfalls zurückschreckt. Dabei ist sie manchmal allerdings etwas zu oberflächlich und das Erzähltempo wirkt etwas seltsam. Dennoch möchte ich den Mut der Serie loben und sie vorsichtig für Leute empfehlen, die in ihrem Anime mal etwas ganz Anderes sehen wollen. Nicht alles davon glänzt, aber man wird überrascht. Ich bin hooked und freue mich auf weitere Folgen.

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Die Live-Action Netflix Variante profitiert von Manga-Schöpfer Eiichiro Oda, der als „creative consultant” an der Serie beteiligt ist – vielleicht kommt die Serie auch deshalb gut bei Fans an. Die 1. Staffel umfasst die sogenannte Eastblue-Saga des Mangas, verändert dabei allerdings auch etwas. Der schrullige Pirat Monkey D. Ruffy (Iñaki Godoy) schart in einer Fantasiewelt eine Reihe von anderen Piraten um sich, die sich zur Strohhut-Bande formieren um letztlich den „One Piece”, den sagenumwobenen großen Schatz, zu finden, damit Ruffy seinen Traum verwirklichen kann. Doch dies wollen auch viele andere Piraten und somit stellen sich der Gruppe stets neue Gefahren und Gegner in den Weg. Noch zu erwähnen ist, dass One Piece ordentlich in den Fantasybereich hineingleitet, weil verschiedene Figuren Superkräfte haben. So kann beispielsweise Ruffy nach dem Genuss einer bestimmten Frucht seine Gliedmaßen bis in die gefühlte Unendlichkeit verlängern, ansonsten sind viele Figuren begnadete Schwert- oder Faustkämpfer.

In der deutschen Synchronisation setzt man clevererweise auf Altbewährtes, ein Großteil der Anime-Stimmen vertont auch in der Netflix-Variante ihre Figuren, vor allem Ruffy funktioniert sehr gut und schafft eine gewisse Vertrautheit. Generell fängt die Serie den Vibe des Animes mit seiner Mischung aus Comedy und Kampfsequenzen gut ein und bleibt dem Ausgangsmaterial wohl relativ treu. Hervorzuheben sind die vielen schön gebauten Sets, nicht alles wird hier mit CGI gelöst, die Produktion der Serie ist ziemlich gut. Auch deswegen passt dieser wilde Mix aus Abenteuer, Fantasy und Comedy überraschend gut. Die Kampfchoreographien sind überwiegend ganz gut, der Humor ist quatschig dämlich, die Figuren bekommen mit ihren Origin-Stories eine ordentliche Tiefe, die visuellen Effekte sind meistens hübsch anzusehen. Das Ensemble spielt ihre Charaktere überwiegend gut, für meinen Geschmack sind viele der Figuren „komplett drüber“, so dass ich mich schon wieder in einem Anime wähnte. Das bedient nicht zwingend meine Interessen, aber es führt dazu, dass Fans von Manga & Anime sich schnell zuhause fühlen. 

Die 2. Staffel der Action-Abenteuer Serie mit vielen Kampfszenen und dem eigenartigen Anime-Humor knüpft nahtlos an Stärken und Schwächen der 1. Staffel an. Inhaltlich begibt sich die Strohhutbande auf die Grand Line und muss sich dort einigen Herausforderungen stellen, meist auf verschiedenen Inseln. Dabei treffen die Helden beispielsweise auf einen riesigen Wal, Riesen oder auch Dinosaurier. Doch auch die Barockfirma mit ihren zahlreichen Schergen, die teils abenteuerliche Superheldenkräfte haben, ist ihnen stets auf den Fersen. Großer Bösewicht der Staffel ist Wapol. Ich bin weiterhin Fan von der offensichtlichen Liebe für das Vorbild, das ist schließlich nicht bei allen Adaptionen der Fall. Die meisten Kampfsequenzen sehen ganz gut aus und wirken aufwändig, wenngleich es manchmal ein paar zu viele Schnitte gibt, um fehlende Kampfskills der Schauspieler zu kaschieren. Generell sind die Darsteller weiterhin maximal solide und viele overacten hemmungslos, so dass man sich im Anime wähnt. Mir fiel es manchmal schwer Charaktere ernst zu nehmen, wie den Typen der explosive Popel wirft oder Smoker, der stets zwei Zigarren im Mund hat. Das funktioniert für mich im Anime besser als in einer Realserie, aber aus dieser Absurdität kann man auch einen gewissen Unterhaltungswert ziehen. So absurd wie One Piece ist kaum eine Realserie. Auch die Requisiten und Kulissen erkennt man manchmal etwas zu deutlich, wodurch sich die Serie manchmal eher wie ein Fanprojekt als wie eine Millionenproduktion anfühlt. Jedoch stimmt – wie auch bei den meisten Fanprojekten – die Leidenschaft und die Freude am Projekt, das Herz sitzt sicherlich am rechten Fleck. Somit bleibt ein ähnliches Fazit wie für die 1. Staffel. Fans des Anime finden es super, alle anderen werden es aufgrund des ganzen Wahnwitzes etwas schwerer haben. Dennoch ist die Adaption weiterhin gelungen.

Somit ist die Netflix-Adaption eine schöne, bunte, drollige Serie für jeden, der einem Crew-Abenteuer mit vielen Kämpfen und jeder Menge Comedy nicht abgeneigt ist. Fans von Anime und Manga werden die Serie tendenziell sogar noch etwas besser finden. Ich bin gespannt, wie viele Staffeln die Netflix Serie letztlich umfassen wird, die 3. soll bereits 2027 folgen.

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Die nur 8-teilige Serie mit Folgen zwischen 20 und 30 Minuten ist deutlich weniger bunt, klischeebeladen und fröhlich als viele High School Vergleichsserien. Dadurch wirkt „High School” deutlich realistischer, allerdings auch etwas depressiver. Die Serie basiert auf dem gleichnamigen Buch der beiden Schwestern. Zu Beginn kommen Tegan (Railey Gilliland) und Sara (Seazynn Gilliland) an eine neue Schule und suchen dort Anschluss. Gegenseitigen Halt können oder wollen sie sich seit Kurzem nicht mehr geben, weil sie sich auseinandergelebt haben und immer häufiger streiten. Die Schwestern geraten in unterschiedliche Freundeskreise, wobei besonders Sara arg darunter leidet, dass ihre lesbische Beziehung zu Phoebe (Olivia Rouyre) geheim bleiben muss und auf sehr steinigen Wegen gebaut ist. Ein wiederkehrendes Thema ist, dass sich ständig jemand wie das fünfte Rad am Wagen fühlt – egal, ob in Freundschafts- oder Liebesfragen. Im Verlauf werden unterschiedliche Freundschaften geschlossen, während es immer wieder Probleme mit ihrer Mutter (Cobie Smulders, „How I Met Your Mother”) gibt, die sie gerne mal belügen. Ab der Mitte finden die Schwestern durch die Musik zueinander.

Ein gelungener Kniff ist die Erzählweise aus verschiedenen Perspektiven, wodurch einige Figuren eine größere Tiefe bekommen. Zudem sieht man so einige Szenen zweimal und bemerkt, wie sie teilweise anders erzählt werden, weil die Wahrnehmung der Charaktere immer ihren Blickwinkel prägt. Ein gerne gewähltes Stilmittel, was ich beispielsweise in „The Affair” schon gerne mochte, aber auch hier exzellent funktioniert. Generell ist die Inszenierung sehr gut, die Musik wird schön mit dem Inhalt verwoben und einige Kameraeinstellungen sind sehr gelungen. Das mit weitgehend unbekannten Gesichtern gespickte Darstellerinnenensemble ist ganz großartig und sorgt für eine hohe Authentizität der Geschichte. 

Das Erzähltempo ist zwar nicht das höchste, aber dennoch wird die Handlung nie langweilig. Schön finde ich, dass sich Zeit genommen wird, den Charakteren ihren Raum für Entwicklung zu geben. Als etwas zu ausgeprägt und stellenweise konstruiert, empfand ich die Eifersuchts-Thematik. Das ist allzu bekannt bei Liebschaften und aufgrund der unausgesprochenen Zwischentöne manchmal schwer zu erkennen, ob man auf Freundschaften eifersüchtig ist oder verliebt ist. Nur weil jemand eine andere Person umarmt, muss man z.B. nicht von einer Party fliehen. Zudem empfand ich das offene Ende als etwas enttäuschend. Doch es passt auch zu einer Serie, die stets leicht depressiv wirkt und entgegen klassischer Verläufe von High School Filmen und Serien konstruiert ist. Vielleicht ist das wahre Leben eben einfach so. 

Zusammenfassend möchte ich „High School” absolut empfehlen. Ich hätte mich am Ende über eine Folgestaffel gefreut, was vermutlich das beste Kompliment ist. Fans von Coming-of-Age Dramen kommen auf ihre Kosten, das gut gespielte Zwillingsduo ist ein Extrabonus. Auch wenn die Serie das Rad nicht neu erfindet, gelingt eine dichte, glaubwürdige Atmosphäre. Gemeinsam mit der Musik führt das gerade in der zweiten Hälfte zu einem starken Gesamtwerk. Ein kleiner Geheimtipp, weil die Serie leider fast niemand kennt.

The post High School – Alternative Zwillinge, Freundschaften, Liebe & Musik = Geheimtipp. Review first appeared on Are you series?.

Ein starker Riz Ahmed trägt die Serie auf seinen Schultern, ein paar gute Gastauftritte amüsieren. Nach dem gescheiterten Versuch beim Casting, hat seine Figur Shah nur noch eine verzweifelte Idee relevant zu bleiben. Er liefert sich den Paparazzi aus, um so Gerüchte zu erzeugen, dass er der nächste James Bond werden könnte. Zunächst genießt er die Anerkennung, aber schnell wird er von ablehnenden Online-Kommentaren eingeholt und ein Schweinekopf wird durch das Fenster seiner Familie als Drohung geworfen. Diese plötzliche Popularität zwingt ihn dazu sich mit seiner eigenen Identität als Sohn pakistanischer Einwanderer zu befassen. Dabei bemerkt er, dass er sich auf Wunsch wie ein Chamäleon verändert und für beide Seiten ein Bindeglied ist, ohne sich irgendwo zuhause zu fühlen. Eine große Eid Mubarak-Feier, ein Trip mit der Exfreundin und eine mutmaßliche Entführung sollen ihm dabei helfen sich selbst zu finden.

Der aufgedrückte „Comedy”-Stempel ist für die Serie nicht zuträglich. Denn stattdessen handelt es sich um ein klassisches Drama, das als Meta-Satire funktioniert. Die Idee das Bond-Casting so prominent in einer Handlung zu verwenden, ist brillant. Leider ist der Culture Clash und die Frage nach der Identität zu Beginn etwas arg klassisch gehalten und fügt kaum Neues hinzu. Auch die Buddy-Comedy konnte für mich nicht so recht greifen. Außerdem ist Shah speziell anfangs wirklich keine sympathische Figur, was den Einstieg erschwert. Ich konnte mit der zweiten Hälfte, die immer absurder wurde, besser connecten. Eine starke Plansequenz leitet in Episode 4 eine Roadmovie-Nacht ein, in der eine alte Liebe verhandelt wird. Folge 5 ist wie ein Actionfilm inszeniert. Natürlich ist auch vorher in Folge 3 der Bollywood-Exkurs großartig, aber die Nebenhandlung von Online Hatern und Entschuldigungsvideos empfand ich als zu oberflächlich.

Die nur 6-teilige, insgesamt nicht mal dreistündige, Miniserie „Bait” verhandelt die Frage nach der eigenen Identität durchaus gekonnt, bot mir darin aber zu wenig Neues. Doch die Reise durch die verschiedenen Genres, die stark inszeniert und von einer gekonnten Kameraarbeit begleitet ist, holte mich besser ab. Insofern ist „Bait” nicht der große Wurf geworden, aber in seiner Meta-Satire durchaus gelungen. Am besten kann man sich bei einer solchen Kürze aber an einem oder zwei Abenden selbst eine Meinung dazu bilden.

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Die 8-teilige Horrorminiserie hat mich seit langem mal wieder völlig kalt erwischt und positiv überrascht. Dabei musste ich mich kurz überwinden sie anzuschauen, weil ich kein Fan von (Jumpscare-)Horror bin und mich die ewig gleichen Bilder aus den dunklen Wäldern und den im Haus versteckten Horrorgestalten eher langweilen. Doch auf das, was mich dann erwartete, war ich nicht vorbereitet. Und Jumpscares gibt es glücklicherweise nicht viele, sie werden eher pointiert eingesetzt.

Die Geschichte beginnt mit Rachel (Camila Morrone, The Night Manager”), die ihren Freund Nicky (Adam DiMarco, „The White Lotus”) in einer Woche in der gruseligen Winterhütte seiner Familie irgendwo im Nirgendwo heiraten möchte. Bereits auf der Fahrt dahin erleben die beiden kleine Albträume und speziell Rachel hat das Gefühl in großer Gefahr zu sein. Leider lässt das nicht nach, nachdem sie Nickys Familie trifft. Denn diese ist komisch, mag sie nicht und wirkt fast wie aus einem Resident Evil Teil. Zudem wirken sie zum Teil arg überzeichnet (Portia). Nachdem man in Folge 2 nur „LAUF” rufen möchte und sich fragt, was die gute Rachel noch da hält, stellt die Handlung danach alles auf den Kopf und verlässt allzu eingetretene Pfade. Ein gelungener Kunstgriff, um die Serie spannend zu halten, mit dem allerdings viele offenbar ein Problem hatten. Das Erzähltempo ist in der Mitte der Serie vielleicht ein wenig zu zäh, aber dennoch gelingt eine enthüllungsreiche, visuell hammerharte 4. Folge, eine großartige Dinnerparty in Episode 5 und eine überragende Plansequenz in der 7. Folge. Das Ende liefert visuell komplett ab und führt die Geschichte zu einem passenden Ende.

Visuell, inszenatorisch und musikalisch wurde ich in eine Welt hineingezogen, die schnell ihre eigene Identität entwickelt. Dabei hilft eine hypnotische Topleistung von Hauptdarstellerin Camila Morrone, die in vielen langen Plansequenzen gemeinsam mit dem anderen Cast zeigen kann, was sie schauspielerisch drauf hat. Zudem habe ich mich natürlich über Ted Levine („Monk”) und Zlatko Buric („Copenhagen Cowboy”) gefreut. Jede der Regisseurin beweist ein feines Gespür für Symbolik und ausdrucksstarke Bilder, die mit einer stets dynamischen Kamera stilsicher eingefangen werden. Die Musik ist treibend, erinnerte mich an Raffertie von „The Substance” und untermalt die Atmosphäre gekonnt.

Weil meine Rezeption und die Mainstream Meinung auseinanderdriften, versuche ich mich an einer Erklärung dafür: Online liest man viel davon, dass es zu viele lose Enden gibt und man angeblich unnötig auf falsche Fährten geführt wird. Ich kann diese Auffassung nur sehr bedingt teilen. Denn das meiste ergibt Sinn, man muss ihn nur finden und verstehen. Die Serie arbeitet mit viel Symbolik, Metaphern und Vergleichen. Fast alles kann man auf Rachels Situation beziehen, wenn man ein wenig darüber nachdenkt oder aufmerksam zuhört. Hinzu kommt, dass die Handlung häufig nur Dinge andeutet (die Kiste in Folge 1 z.B.), was Zuschauern sauer aufstößt. Aber ich möchte ein Plädoyer für vage Andeutungen halten und gegen den Hang zum Hörspiel, den heutige Produktion gerne mal haben, damit man sie problemlos am second screen verfolgen kann. Man muss nicht alles auserzählen, man muss nicht alles für die Zuschauer buchstabieren. Manchmal reicht es völlig mit dem Finger auf etwas zu zeigen, was man interpretieren kann. Vielleicht bin ich da aber auch anders gestrickt, weil ich David Lynch Filme mag, die 2000 mal mehr andeuten und interpretiert werden wollen, als diese Miniserie. Ich verstehe aber, dass Anspielungen im heutigen Horrorgenre seltener vorkommen und sich deswegen für einige fehl am Platz anfühlen. Leider. Außerdem wird sich über angeblich ziellose Dialoge beschwert. Auch das kann ich nicht teilen. Viele der Dialoge zeigen sehr gut, wie sehr Rachel sich für ihren künftigen Ehemann und dessen Familie verbiegen muss, wie sehr sie darunter leidet und dass sie dennoch das Gefühl hat es tun zu müssen. Für manche mag dieser feministische Ansatz in einer Horrorserie wohl auch fehl am Platze sein, ich empfand es als erfrischend und möchte die Miniserie in dieser Hinsicht mit dem – aus meiner Sicht gelungenen – „Men” von Alex Garland vergleichen. 

Natürlich fand ich auch nicht alles überragend. Teilweise ist es mir etwas zu klischeehaft und ich hätte die Familie des Bräutigam etwas weniger absurd gestaltet. Dazu kommt, dass ich nicht zwingend „Team Flüche” bin und dass die Mitte leicht langatmig gerät. Doch das ist alles absolut verschmerzbar und es bleibt bei kleineren Makeln. Denn letztlich war ich gefesselt und seit langem nicht mehr so daran interessiert eine Serie schnell weiterzuschauen. „Something very bad is going to happen” zog mich in ihren Bann. Executive Producer sind übrigens die Duffer Brothers, die Serie ist trotzdem nicht zwingend etwas für Fans von „Stranger Things”. 

Die Miniserie wird von populären Websites wie IMDb viel zu negativ bewertet. Fans von psychologischem Horror oder auch feministischem Horror, wie „The Substance” kommen voll auf ihre Kosten, ansonsten sind auch Dramafans, die eine durchdachte Inszenierung schätzen, jederzeit willkommen. Doch vorsichtig, manchmal gruselt man sich und es wird blutig. Dennoch möchte ich den Geheimtipp breitflächig empfehlen. „Something very bad is going to happen” mag einen herausfordern, aber es lohnt sich. Traut euch (ob auch am Altar dürft ihr dann entscheiden). Und hört auf keinen Fall schon nach Folge 2 auf!

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Am besten ist es, wenn man von der Handlung so wenig wie möglich weiß, deshalb halte ich es kurz. Carol (Rhea Seehorn), eine bekannte Autorin von Romantasy, wird direkt in die Apokalypse hineingeworfen. Doch das Besondere ist, dass nicht alle zu Zombies werden, sondern zu extrem netten Menschen. Carol teilt ihre vermeintliche Immunität mit einer sehr begrenzten Anzahl von Personen weltweit. Während sie versucht, die Menschheit zu retten, sehen viele ihrer Kollegen das ganz anders. Und so versucht sich Carol mit der Situation zu arrangieren. Oder findet sie etwa doch einen Weg, ihre Ziele zu erreichen?

Auch wenn die Prämisse der Serie etwas seltsam klingt, möchte ich schon mal vorwegnehmen: „Pluribus” lohnt sich. Trotz der angeführten Vergleichswerke habe ich noch nie eine Serie wie diese gesehen, sie sorgt für frischen Wind auf dem Serienmarkt – und das in wundervoller Optik. Es ist erstaunlich, wie Vince Gilligans Serien eine gemeinsame visuelle Identität verbindet, kaum jemand nutzt solche Kameraperspektiven und schafft es solch eindringliche, erinnerungswürdige Bilder zu erschaffen. Zudem ist das große Budget anhand der vielseitigen Schauplätze rund um die Welt verteilt, der zahlreichen Statisten und der steten Nutzung von Hubschraubern sowie Flugzeugen, ganz offensichtlich. Das führt zu einer großen Authentizität und zu einem Haufen von absurden Szenen, wenn beispielsweise ein kleiner Bagger eingeflogen wird. Die Comedy zündet, die Inszenierung ist großartig, die Darsteller sind klasse, die Locations atemberaubend und die Story ist originell. Doch hapert es auch irgendwo? 

Leider durchaus. Während die erste Episode noch absolut brillant und die zweite ganz formidabel ist, wird danach das Tempo spürbar herausgenommen. Es gibt zwar in der Mitte noch eine große Enthüllung, aber ansonsten fokussiert sich viel auf Carols Umgang mit der Krise und das Abhören von viel zu langen Telefonansagen. Das Erzähltempo ist bewusst entschleunigend gewählt und widersetzt sich damit heutigen Sehgewohnheiten. Es liefert aber auch spektakuläre Szenen an Drehorten über den Globus verteilt. Gegen Ende der 1. Staffel kommt es zu einem ungewöhnlichen Twist, speziell die Charakterentwicklung in der finalen Folge habe ich leider nicht ganz nachvollziehen können, es wirkte etwas forciert. Zudem bin ich mir noch nicht sicher, wie interessant die Bedrohung wirklich ist. Doch das Ende der 1. Staffel ist erneut absolut fantastisch und macht Lust auf mehr.

Zusammenfassend ist „Pluribus” noch nicht so gut wie „Breaking Bad” oder „Better Call Saul”, aber „Saul” hatte auch eher einen ruhigeren Beginn. Ich bin sehr gespannt, wie es weitergeht und habe immer noch große Hoffnungen, aber auch leichte Zweifel, dass sich das Konzept ewig trägt. „Pluribus” sollten sich alle ansehen, die eine einzigartige Serie suchen, die Vorgängerserien mögen oder vom gleichförmigen Serienmarkt gelangweilt sind. Das Anschauen lohnt sich, es hilft, wenn man etwas Geduld und einen gewissen Hang zur Absurdität mitbringt.

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Manon (Alba Gaïa Bellugi) lebt zuhause mit ihren beiden Geschwistern und ihrer Mutter. Eines Abends schießt sich die Mutter völlig auf sie ein und beschimpft sie, auch weil Manon – wie immer im Stress – mit beiden Händen die Nudeln voller Soße isst. Der Streit eskaliert und Manon kommt in eine triste Erziehungsanstalt, weil die Richterin ihr diese letzte Chance gewähren möchte. Dort verlangt der Leiter von seinen Mitarbeitern Dienst nach Vorschrift, hat auch kein Problem damit die Mädchen abzuschreiben und stets mit dem Gefängnis zu drohen. Die Mädchen rebellieren ständig, haben eine sehr kurze Zündschnur und so kommt es zu zahlreichen Streitereien unter den Teenagerinnen und auch mit den Erwachsenen. Speziell eine Lehrerin schafft es aber einen gewissen Zugang zu den Mädchen über das Theater zu finden, es gibt ein paar Helfer. Neben dem schwierigen Zusammenleben im Erziehungsheim muss Manon auch ihre viel zu aufdringliche, manipulative Mutter managen, die ein ganz seltsamer Charakter ist.

Die zweite Staffel knüpft relativ organisch an die erste an und fokussiert sich mehr auf typische Probleme von jungen Erwachsenen. Das Setting ist nicht mehr ganz so spannend und einzigartig wie in Staffel 1, stattdessen werden eher klassische Probleme verhandelt. Dennoch ist das emotional intensiv, weil man das Gefühl hat die Hauptfigur aufgrund der 1. Staffel schon gut zu kennen. Speziell im hinteren Teil saß ich kopfschüttelnd vor dem TV, weil ich das alles nicht für Manon wollte.

Die beiden „Manon” Miniserien, die jeweils 3 Folgen à etwa 1h enthalten, sind beide sehr intensive Jugenddramen, die eine aggressive, zutiefst traurige, aber auch sympathische Manon in den Mittelpunkt stellen, die permanent mit sich selbst und der Welt hadert. Dabei gelingen einige herzzerreißende Szenen, aber auch einige triumphale. Dem Mädchen mit ausgeprägtem Gerechtigkeitsbedürfnis fehlt vor allem die echte Liebe von Elternfiguren, ihre Mutter ist eine Katastrophe. Das Erzähltempo ist hoch, die Atmosphäre ist dicht, die Inszenierung ist klassisch, die Produktion ist solide, die Darsteller sind gut. Die erste Miniserie ist einen Tick besser, weil das Setting weniger verbraucht ist.

Zusammenfassend möchte ich beide „Manon” Teile empfehlen. Natürlich handelt es sich um keine leichte Kost, sondern um intensive Coming-of-Age Dramen, die einen emotional angreifen können. Die französischen Serien haben zwar kleinere Makel, sind aber überwiegend sehenswert und kleine Geheimtipps. Wer intensive, bittere Jugend-Dramen mag, wird bei „Manon” nicht enttäuscht – obwohl die Serien manchmal noch etwas tiefer gehen oder böser sein dürften.

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„Vladimir” basiert auf dem gleichnamigen Buch der Autorin Julia May Jonas, die auch in diese 8-teilige, insgesamt rund 4-stündige Miniserie involviert war. Im Zentrum der Handlung steht M (Rachel Weisz), eine Professorin, die in einen Shitstorm gelangt, weil ihr Ehemann und Professor-Kollege (John Slattery, schön ihn mal wieder zu sehen, „Mad Men”) in seiner Laufbahn ständig Affären mit seinen Studentinnen hatte. Diese Affären werden nun untersucht, weil man heutzutage das Machtgefälle mehr berücksichtigt und sich fragt, ob diese Affären wirklich einvernehmlich waren. Die vordergründig feministische M muss sich nun für eine Seite entscheiden (sehr ähnlich zum aktuellen „After the Hunt”), doch das ist für sie weniger relevant, weil sie stattdessen ihre Augen auf den neuen jungen Kollegen Vladimir (Leo Woodall) wirft. Sie ergeht sich in Sex-Träumen mit ihm und versucht ihm fast peinlich näher zu kommen. In der Mitte der Handlung probiert sie auch über eine Freundschaft mit seiner aktuellen Freundin an ihn heranzukommen. Ob Vladimir diese Anschmachtungsversuche erwidert oder nicht, bleibt lange die Frage und kulminiert in einer recht absurden finalen Folge.

Was mich am meisten ansprach, ist die Machart. Hauptfigur M bricht die 4. Wand und spricht direkt mit den Zuschauern. Man versucht die Buchherkunft nicht zu verschleiern. Auch die Produktion ist solide und die Darsteller sind in Ordnung. Doch letztlich ist das für mich inhaltlich nicht weit von „50 Shades of Grey” entfernt. Soft-Erotik in Buch- und Miniserien-Form, nicht als Romantasy getarnt, sondern im Uni und #Metoo-Milieu. Ab und an fühlt man sich auch an „You“ erinnert. Doch letztlich geiert eine ältere Frau einfach auf den Junior Professor und erregt sich an seinem Körper und seinem Intellekt. Über die volle Laufzeit ändert sich daran wenig. Die finale Folge hätte das Potential gehabt, dem Ganzen eine sehr interessante Wendung zu geben, entscheidet sich aber leider anders, so dass mich das Ende auch nicht überzeugen konnte.

Zusammenfassend ist „Vladimir” ein bisschen Soft-Erotik mit wenig überzeugender Nebenstory. Wer genau das gerne sieht, der schaut zu, alle anderen können sich diese Netflix-Miniserie sparen.

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