Am 13. September 1987 stahlen zwei Schrottsammler ein metallenes Gerät aus einer stillgelegten Klinik. Kurze Zeit später verkaufen sie es weiter an einen Händler, der es weiter öffnet und dabei ein im Dunkeln leuchtendes Pulver freisetzt. Weil er keine Ahnung davon hat, aber fasziniert ist, verteilt er es an Bekannte und Freunde. Tage später werden die Leute in der Umgebung krank. Durch einige glückliche Zufälle wird Radioaktivität vermutet und das Protokoll eingeleitet. Die ersten Episoden fokussieren sich auf den Ausbruch des radioaktiven Materials, wie es zur Verbreitung kommen konnte und wie man die radioaktiv verseuchten Stellen ermittelt. Dabei kämpfen die Wissenschaftler gegen Politiker, die am liebsten alles vertuschen würden und auch gegen die Kontaminierten selbst, die es sehr schwer haben die eigene Situation zu verstehen. Im Verlauf wechselt die Handlung mehr zu den Doktoren, die versuchen Kontaminierte zu retten, und behandelt die Fragen nach Verantwortlichkeiten und nach einem Endlager für den radioaktiven Müll.

Die Ensemble-Serie ist hochwertig produziert und relativ klassisch inszeniert. Die Darsteller sind gut und bringen der Zuschauerschaft die Geschichte mit einer passenden Emotionalität näher. Das Erzähltempo ist anfangs höher, später wird ein größerer Zeitraum erzählt und die Handlung fächert sich etwas auf. Ich empfand den Anfang als stark, der Ausbruch wird besser erzählt als die Zeit danach. Manchmal liegt mir der Fokus etwas zu sehr auf den persönlichen Problemen einiger weniger Personen. So ist beispielsweise die Beziehung zwischen dem jungen Physiker und seiner Freundin wenig relevant, nimmt aber einen großen Stellenwert ein. Einige Szenen sind zudem etwas zu deutlich auf Emotionalität hin gebaut und mit der passenden traurigen Musik unterlegt, was die Serie gar nicht nötig hätte. Viele Figuren sind mir zu sehr nach dem „Malen nach Zahlen”-Prinzip angelegt.

„Nuklearer Notfall” ist zwar ein falscher Titel, aber dennoch eine gute 5-teilige Miniserie. Wer noch nichts von dem realen Unfall wusste, kann sich hier weiterbilden und erhält gleichermaßen eine unterhaltsame, schockierende und bittere Serie. Besonders grotesk wirkt der sorglose Umgang der Bürger ein Jahr nach Chernobyl, das Kompetenzgeschacher und die rückgratlosen Politiker sind hingegen wenig überraschend. Auch das fehlende Verständnis in der Bevölkerung für die Wissenschaft wird gut transportiert. Natürlich kommt die Miniserie nicht an den Genrekönig „Chernobyl” heran, aber dennoch ist die Serie sehenswert und empfehlenswert für Fans von Dokudramen.

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Anders als bei der thematisch vergleichbaren britischen Serie „Toxic Town” kämpfen diesmal nicht die geschädigten Mütter von Industrieabfällen um ihr Recht, sondern die Ärztin Jolanta Wadowska-Król (Joanna Kulig). Sie bemerkt schnell, dass die Kinder, die direkt neben den Bleihütten, der Schwerindustrie und dem Bergbau leben, nicht ihrem Alter entsprechend entwickelt sind. Doch ihr fällt auch auf, dass das Problem vertuscht werden soll, indem die schwerkranken Kinder auf verschiedene Krankenhäuser aufgeteilt werden. Schnell verschwinden auch ihre ersten Laborproben und die Staatssicherheit droht ihr. Obwohl ihre Familie, Kollegen und auch die Familien der Arbeiter mit den geschädigten Kindern nicht hinter ihr stehen, verfolgt sie weiterhin ihr Ziel. Parallel wird auch aus dem Inneren des Machtapparats erzählt. Weil der Chef der Sowjetunion Breschnew sich für einen Besuch der lokalen Industrie und als Zeichen der Verbundenheit der beiden Völker angekündigt hat, möchte sich die Region herausputzen und speziell die Erträge aus ihren Industriebetrieben steigern. Dabei stellt sich heraus, dass ganz bewusst auf Sicherheit und Filter verzichtet wird, um ein paar Prozent mehr herauskitzeln – ohne jegliche Rücksicht auf Verluste und Menschenleben. Die Mutter und Ärztin muss lange gegen Windmühlen anrennen, bis sie endlich Unterstützung erhält.

Die solide produzierte Serie fängt die Atmosphäre innerhalb einer Arbeiterschaft im Sozialismus sowohl visuell als auch emotional gut ein. Die Arbeiter und ihre Familien sind so von der Tradition ihrer Familien im Bergbau, dem Stolz darauf, aber auch der Kontrolle ihrer Fabrik (die sie nun mal bezahlen) und des Politbüros indoktriniert, dass ihnen lange Zeit egal ist, dass ihre Kinder schwer krank werden. Generell ist das Verständnis in der Bevölkerung und auch in der Familie der Hauptfigur dafür so unfassbar gering, dass es für den aufgeklärten Zuschauer extrem frustrierend wirkt. Obwohl so viele Kinder krank werden, komplett apathisch aussehen, Blut husten und zum Teil sogar sterben, kommt nichts bei irgendjemandem an. Sei es bei der Tochter der Ärztin, die unbedingt ins Schwimmbad muss, um ihren Schwarm zu treffen, oder bei den Arbeiterfamilien, die ihre Kinder schön viel draußen in den Industrieabfällen spielen lassen. Erst nach viel Hartnäckigkeit wird das zum Ende besser. Gleichermaßen führt das dazu, dass die Serie in Folge 3 und 4 etwas auf der Stelle tritt, weil der Kampf gegen dieselben Windmühlen beginnt redundant zu wirken. Aber mit dem großen Finale, speziell der starken letzten Episode, war ich voll befriedet. Visuell sieht man zwar, dass die Fabrik und einige andere Bilder computergeneriert sind, aber das Elendsviertel neben der Industrie sieht authentisch dreckig aus, mit all den herumfliegenden Partikeln und der Farbgebung der Bilder. Die Darsteller sind überwiegend gut, die Inszenierung ist klassisch. Eine kleine Triggerwarnung: Speziell zu Beginn werden viele leidende Kinder gezeigt, was einen durchaus mitnehmen kann.

„Die Bleikinder” ist eine wichtige polnische Serie, die ein großes Versäumnis der Vergangenheit der Öffentlichkeit präsentiert und gleichzeitig einer Heldin zu ihrem späten Ruhm verhilft. Das Politdrama vor Kulisse eines vertuschenden Staats kann auf vielen Ebenen überzeugen, ist nur in der Mitte etwas lang und teilweise arg frustrierend, weil Menschen einfach nicht Klartext miteinander reden. Dennoch lohnt sich die Serie als unterhaltsame Geschichtsstunde.

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Die deutsche Sophie von Anhalt-Zerbst (Elle Fanning) wird mit dem russischen Kaiser Peter III. (Nicholas Hoult) vermählt. Doch Peter stellt sich als vollkommen inkompetenter Herrscher und Lebemann heraus, der das Feiern, den Alkohol, viel Sex, etwas Krieg und zahlreiche Gewaltmomente als zentrale Elemente seiner Herrschaft versteht. Die junge Katharina ist davon angewidert und fühlt sich mehr zu den aufklärerischen Ideen rund um Voltaire hingezogen. Auch durch einige Vertraute am Hof, die der jeweils anderen Seite die Pest an den Hals wünschen, schaukelt sich die Rivalität so hoch, dass die beiden Mordpläne gegeneinander entwickeln. Dieses Thema zieht sich durch alle 3 Staffeln der Serie, die insgesamt 30 Episoden á 50-60 Minuten umfasst. Es gibt offene Konflikte, Situationen der Gefangenschaft, es wird sich aber auch überraschend zusammengerauft und in Teilen liegt der Fokus auf anderen Kriegen (mit Schweden oder den Osmanen) oder den Nebenfiguren.

Faustpfand der Serie sind ihre wunderbaren Darsteller. Speziell Fanning und Hoult brillieren als übergroße Figuren, die sowohl Comedy als auch großes Drama bieten. Aber auch das restliche Ensemble überzeugt. Das Erzähltempo der Serie ist in Ordnung, speziell in der Mitte der Staffeln (mit Ausnahme der letzten) gibt es einige Exkursfolgen, die etwas das große Ziel aus den Augen verlieren, aber dennoch unterhalten können. Primär der Anfang und das Ende der jeweiligen Staffeln sind allerdings Highlights.

Die Humorfarbe ist dunkel, sexuell und makaber mit etwas Fäkalhumor. Es gibt ständig neue Liebschaften, Sex in Kostümen und Intrigen. Anfangs empfand ich diese freche, teils wirklich bösartige und überraschend gewalttätige Darstellungsform für eine Comedy als sehr erfrischend, interessant und überwiegend lustig. In den Folgestaffeln stellte sich aber eine gewisse Sättigung ein, speziell zu den stets ähnlichen Sexwitzchen. Der satirische Aspekt ist hingegen durchgehend überzeugend und konzentriert sich vor allem auf die Machtgier der zahlreichen Figuren – von weltlich bis religiös. Doch Humor und Satire sind wie immer subjektiv. Viele werden damit nichts anfangen können, für andere trifft es genau ins Schwarze. Handwerklich ist die komödiantischen Momente gut gemacht, schön aufgebaut und stimmig von den Darstellern vorgetragen. Für mich nutzte sich die Comedy etwas ab, weil man sich humoristisch nicht genügend neu erfindet, um mich ständig am Schmunzeln zu halten. Stattdessen gefielen mir später die machtpolitischen Auswüchse besser – wenn es tatsächlich um Strategien zum Mordkomplott, die Umsetzung von Reformen oder Verhandlungen und Kriegen mit anderen Nationen geht. In Sachen Kostüme und Produktion ist die Serie ohnehin überzeugend (bis auf einige CGI-Tiere).

Historisch akkurat ist davon wenig, die Story hangelt sich an einigen realen Figuren und Ereignissen entlang, erfindet aber auch einiges dazu und fiktionalisiert viel. Daher eignet sich „The Great” nur anteilig für Geschichtsfans und ist nicht mehr als ein Einstiegspunkt, wenn man mehr über die Zeit wissen möchte. 

„The Great” ist eine sehenswerte Comedy mit fortlaufender Handlung, die Machtpolitik, Intrigen und Kostümdrama gekonnt mit Humor verbindet. Eine gewagte Mischung, die allerdings aufgeht. Fans von Kostümdramen oder Comedys sollten sich die erste Folge ansehen. An dessen Ende weiß man, ob man etwas mit dem schrägen Humor und dem Vibe der Serie anfangen kann. Mir gefiel es zu Beginn sehr gut, allerdings gab es mit der Zeit einige Abnutzungserscheinungen. Dennoch ist „The Great” eine ganz eigene und ungewöhnliche Serie mit starken Darstellern.

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Die Voraussetzungen für die zunächst 8-teilige Serie waren eigentlich großartig und auch der Stil, der„Peaky Blinders” auszeichnet, findet sich in der Serie wieder. Visuell ist „House of Guinness” nichts vorzuwerfen, es gibt einige spannende inszenatorische Ideen und Kniffe und auch die Schauspieler sind überwiegend okay bis gut. Nach einem expositionshaltigen Beginn driftet die Handlung allerdings nach einer ganz guten 3. Folge völlig in die Schmonzette ab. Wen kann man heiraten? Muss es jemand von der Liste sein? Aus welchen Gründen wird geheiratet? Wie vertuscht man die Homosexualität? Darf die Frau dann auch einen anderen Mann nebenher haben? Was, wenn sich Gefühle und mehr entwickeln? Und wie viel hat die eigentlich zukunftsgewandte Frau am Ende zu sagen? Dann lauert unter allem nach der theoretisch interessante Handlungsstrang der irischen Unabhängigkeit, der allerdings lange auch nur dafür da zu sein scheint eine weitere Liebschaft groß aufzubauen und auszuerzählen… Alles dreht sich nur um die Kids und wie sie ihr Liebesleben gestalten, während sie sich gerne mal streiten. Somit wird die Serie spätestens ab Folge 4 zum Groschenroman und findet erst mit dem Wahlkampf in der letzten Episode wieder an einen interessanten Punkt, nur um dann schwach auf einem Cliffhanger zu enden.

„House of Guinness” ist visuell und inszenatorisch überzeugend, doch die Handlung erreicht leider nur selten ein hohes Niveau. Eines meiner Highlights war der interessante Storystrang rund um die USA und die Expansion dort. Doch leider fällt dieser zu kurz aus, dennoch freute ich mich Jack Gleeson (König Joffrey, „Game of Thrones”) mal wieder zu sehen. Er kann es immer noch, wie man in der Szene sieht, wo er jemanden einschüchtert. 

Vielleicht wurde „House of Guinness” ein Opfer meiner falschen Erwartungen. Ich hätte mir definitiv weniger Liebe und mehr Action, mehr Rivalitäten, mehr irischen Unabhängigkeitskampf und mehr Unternehmensleitung gewünscht. So wirkt die Story arg eingefahren und es fehlt Tiefe. Auf der positiven Seite fokussiert sich die Handlung vollends auf ihre Charaktere, die man zumindest teilweise durchaus mögen kann. Mir war es letztlich zu wenig und ich vermute, dass auch reine Schmonzetten-Fans nicht ganz auf ihre Kosten kommen werden. 

Das alles klingt schlechter als die Serie ist, da vor allem die Enttäuschung aus mir spricht. Letztlich ist „House of Guinness” eine Historiendrama-Serie, die Liebschaften und Familiendrama in den Vordergrund stellt und weniger ein gelungenes Zeitportrait liefert als „Peaky Blinders”. Generell erreicht es nur visuell die Klasse des offensichtlichen Vergleichswerks. Dennoch ist „House of Guinness” keine Vollkatastrophe und hat seine Stärken, doch weiterschauen werde ich wohl nicht.

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Die 5-teilige Miniserie erzählt auf verschiedenen Zeitebenen vom Untergang und der Zeit danach. In einer aufklärenden, starken letzten Folge wird letztlich das Puzzle zusammengesetzt. Ohne Exposition startet die 1. Folge temporeich. Es soll nachts ein Schiffsunglück der Frachtfähre Jan Heweliusz mit über 60 Menschen an Bord gegeben haben, der nicht diensthabende Kapitän wird aus dem Bett geschmissen und in die Einsatzzentrale gebracht, während die Rettungsmaßnahmen in der Ostsee noch laufen. In Aufnahmen, die an „Titanic” erinnern, werden nachts mit einer (etwas zu viel) wackelnden Kamera Teile der Ereignisse gezeigt. Das Schiff gerät in einen Orkan und bekommt Schieflage, setzt einen „Mayday” ab, es soll evakuiert werden, Chaos bricht aus und durch die Neigung der Fähre über 70 Grad ist es schwer, die Rettungsboote zu besteigen. Einige Mitglieder der Crew schaffen es in Rettungsinseln, Helikopter und andere Schiffe sind an der Rettung beteiligt, bei der noch einiges schief geht. Doch insgesamt können 9 Crewmitglieder gerettet werden, die in deutschen Krankenhäusern behandelt werden. 

Danach widmet sich die Serie den Folgen der Katastrophe. Dabei wird schnell deutlich, dass das Inhaber-Unternehmen der Heweliusz zwar ganz genau wusste, wie problematisch das Schiff war, weil es schon vorher zu zahlreichen Unfällen gekommen war, aber nur am Selbsterhalt interessiert ist. Wenn man die Schuld der Crew zuschieben könnte, würde die Versicherung zahlen und nicht der Staat Polen selbst (dem das Unternehmen gehört) müsste Entschädigungen zahlen. Gleichermaßen werden auch die Hinterbliebenen der verstorbenen Seemänner gezeigt, die wiederum mit dem fehlenden Gehaltsausfall, ausbleibenden Entschädigungen und sogar Regressforderungen konfrontiert werden. In diesen Morast der Korruption wird auch der nicht diensthabende Kapitän hineingezogen, dem eindringlich der Kopf gewaschen wird alles für das Unternehmen zu tun, der jedoch auch nicht seine ehemaligen Kollegen entehren möchte – somit ermittelt er als Beisitzer in der Gerichtsverhandlung, die allerdings nicht fair erscheint.

Nachdem der Anfang temporeich mit eindrucksvollen Wasserszenen (die nicht ganz so glaubwürdig aussehen wie in Vergleichswerken, aber dennoch gut sind) einer Katastrophe gelingt, braucht es in der Mitte etwas, um den roten Faden zu finden. Beispielsweise wirken die Szenen im deutschen Krankenhaus oder einige zu lange Schlaglichter auf bestimmte Familien etwas seltsam. Doch wenn die Gerichtsverhandlung am Horizont lauert und man in den Gerichtssaal eintaucht, dann ist die Miniserie spannend und interessant. Besonders wenn sich die Untergangsszenen der Nacht und die Szenen im Gerichtssaal abwechseln, brilliert die Serie und kulminiert in einer bitteren, auflösenden und interessanten letzten Episode.

Nicht alle Schauspieler und ihre Dialoge sind großartig, nicht alle Handlungsstränge hätte man in dieser Breite gebraucht, doch „Heweliusz” ist dennoch eine sehenswerte Serie über ein Unglück, dass wohl auch heute noch in Polen diskutiert wird und zahlreiche weitere Gerichtsverhandlungen noch sich zog. Eine relevante Serie, die zum Nachlesen bei Wikipedia einlädt. Wikipedia stellt die Ereignisse allerdings etwas anders dar als die Serie, insofern bin ich nicht so sicher, wie sehr die Netflix Miniserie Verschwörungstheorien aufgreift oder tatsächlich besser recherchiert ist als Wikipedia. Ich fand die Geschichte, wie sie die Serie präsentiert, allerdings besser, interessanter und spannender.

„Heweliusz” ist sowohl etwas für Fans des Historiendramas, Begeisterte von (realen) Katastrophen auf See und den damit verbundenen Wasserszenen, als auch für Interessenten von Gerichtsdramen, bei denen die menschlichen Einzelschicksale nicht zu kurz kommen und die Korruption vorherrscht. Ich war weitgehend gut unterhalten, speziell im hinteren Abschnitt ordentlich wütend und am Ende etwas resigniert. Trotz einiger Makel möchte ich die recht unbekannte polnische Serie deswegen durchaus empfehlen. Die Serie gibt es auf deutsch synchronisiert bei Netflix.

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Die israelisch-amerikanische Serie, die in ihrer ersten Staffel 8 Folgen lang ist und wohl noch eine Fortsetzung bekommen soll, überzeugt mit ihrer Darstellung der 1970er Jahre. Das Setting eines Kibbuz am See in Nordisrael und auch in München wird gut getroffen. Im Zentrum stehen Uri (Masucci) und seine Familie rund um Frau Anna (Ania Bukstein), Tochter und Sohn, die beide Anfang 20 sind. Uri versucht ein großes Geschäft für Wasserfilter ans Laufen zu bekommen und erhält frühzeitig ein Angebot von Deutschen in Höhe von 30 Millionen DM, womit er die Schulden des gesamten Kibbuz tilgen könnte. Die Tochter der Familie studiert und trifft dort auf einen Forscher aus den USA, den sie auf das spannende Thema des generationsübergreifenden Traumas bei Holocaustüberlebenden bringt. Fortan lebt dieser Forscher im Kibbuz und spricht mit zahlreichen Einwohnern. Dabei wird deutlich, dass Uri und Anna eine traumatische Vergangenheit verbindet und sie sich damals in einem Auffanglager nach Kriegsende noch in Deutschland kennen und lieben lernten. Anna wird durch Forscher von einem Aufklärungsdrang gepackt. Nachdem sie ihre Vergangenheit 25 Jahre lang beiseite schob, möchte sie nun genau wissen, was mit ihrer Familie passiert ist und auch ob Uri als Holocaustüberlebender in Auschwitz noch Verwandte hat. Dabei stößt sie allerdings auf einige Ungereimtheiten. Parallel wird Uri vom Mossad angeheuert, um eine SS-Bande zu unterwandern, die Verbindungen nach Brasilien zu Mengele hat. Dort muss er sich und seine Tarnung in spannungsgeladenen Gesprächen immer wieder auf die Probe stellen.

„The German” ist gut gespielt, Masucci lernte sogar extra hebräisch für die Rolle. Das Setting ist gut, die Inszenierung ist solide, die Grundgeschichte ist spannend und überraschend. Dabei wird allerdings schnell deutlich, dass die Handlung rund um Agenten und Spionage die interessanteste ist, die allerdings nicht den größten Raum einnimmt. Darüber hinaus ist auch Annas Suche und Durchforsten von Archiven mit ihren neuen Erkenntnissen aufregend. Wären diese beiden Handlungsstränge die einzigen relevanten, dann hätte mir die Serie noch besser gefallen. Leider gibt es noch zahlreiche weitere Zutaten für diese Dramaserie, vor allem unnötigerweise unzählige Liebschaften. Dass die Tochter mit dem Forscher anbandelt, der durch die Aufarbeitung des Traumas eine bedeutsame Komponente in die Geschichte einbringt, passt noch gut. Doch was soll der Sohn der Familie? Durch seinen Mist am Anfang wird sein Vater erpresst, danach ist er irrelevant für die Geschichte. Mal ist er traurig, dann wieder nicht, dann geht es an die nächste Freundin, Schuld scheint er kaum zu fühlen. Er ist wirklich ein komplett hassenswerter Charakter, dessen Liebschaften dennoch viel Raum einnehmen. Wenn das generationsübergreifende Trauma an seinem Beispiel gezeigt werden sollte, ist das für mich leider nicht gelungen. Auch viele andere Affären und Verwicklungen hätte es für mich nicht gebraucht. All dies bläht die so spannende Grundgeschichte mit SS-Spionage und dem Nachforschen über die dunkle Vergangenheit leider unnötig auf, wodurch das Tempo immer wieder herausgenommen wird. Schade!

Für mich hätten deswegen auch 6 Folgen ausgereicht, die sich auf die genannten wichtigen Themen fokussieren. So war ich leider nicht durchgehend unterhalten, sondern manchmal leider etwas genervt. Doch die Zuspitzung und die Enthüllungen bringen die Serie nach ruhigem Beginn in der Mitte auf eine neue Stufe, die mir sehr gut gefiel. Deswegen ist die Bewertung etwas ambivalent. Das Ende ist polarisierend. Für mich funktioniert es hervorragend als zynisches offenes Ende, aber tatsächlich ist es wohl eher ein Aufgalopp für eine 2. Staffel. An der ich durchaus noch Interesse hätte. 

„The German” ist eine interessante Serie, die geschickt eine Spionagegeschichte mit großem Familiendrama und Traumata vor dem lauernden dunklen Schatten des Holocausts verbindet. Darsteller und Setting sind sehr gut, leider gönnt sich die Geschichte zu viele wenig interessante Nebenhandlungsstränge, die die spannende Haupthandlung verwässern. Dennoch wirkt die Geschichte frisch und unverbraucht, wodurch es eine kleine Empfehlung gibt. Die Serie von 2025 ist noch sehr unbekannt und aktuell ein klarer Geheimtipp.

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„Death by Lightning” wird grob aus zwei Erzählperspektiven präsentiert. Einmal steht James A. Garfield (Michael Shannon) im Mittelpunkt, der abgeschieden als Farmer lebt, allerdings auch Abgeordneter ist und zum Nominierungsparteitag seiner Republikanischen Partei reist – ohne große Ambitionen, nur als Unterstützer. Doch auf dem Parteitag kristallisiert sich nach unzähligen Wahlgängen heraus, dass der vordergründig ambitionslose, allerdings fähige Mann mit dem Herz am rechten Fleck ein Kompromisskandidat werden könnte, der den Stillstand überbrückt. Gleichermaßen sucht der Berufsbetrüger und Scharlatan Charles Guiteau (Matthew Macfadyen, „Succession”) vollkommen verzweifelt nach irgendeiner Möglichkeit berühmt zu werden. Er will, dass sein Name in die Geschichte eingeht. Deswegen schmeißt ihn der Ehemann seiner Schwester raus, sie wollen ihn in ein Sanatorium stecken, weil seine Ideen immer wahnhaftere Züge annehmen. Doch dem entzieht sich Guiteau, er versucht daraufhin hartnäckig in die Nähe des Präsidentschaftskandidaten zu kommen, irgendwie eine Hintertür zur Macht zu finden, was ihm in Form von Chester A. Arthur (Nick Offerman) vielleicht sogar gelingen könnte. Garfield hingegen zeigt sich als Staatsmann, der die Korruption und das Postengeschacher bekämpfen möchte, aber auch Bürgerrechte für Afroamerikaner nach dem Krieg angehen will. Mit seiner idealistischen Art eckt er damit an.

Die Miniserie ist ein formidabel ausgestattetes Historiendrama, dem man die dargestellte Zeit, das Setting, gut abnimmt. Die Kulissen sind schön, der Blick in die Hintergründe ist vielleicht nicht immer ganz überzeugend. Doch das Darstellerensemble überzeugt auf ganzer Linie. Aber obwohl Matthew Macfadyen ganz großartig spielt, ist seine Figur eigentlich nur traurig, bleibt aber dennoch recht oberflächlich, so dass ich von seinem Handlungsstrang nicht ganz überzeugt war. Die Politik rund um Intrigen, Inhalte, Rivalitäten, Wahlkampf und echten Fortschritt sowie das Familiendrama um Präsident Garfield ist hingegen sehr gelungen. „Death by Lightning” ist stilsicher inszeniert und solide produziert, der Fokus bleibt allerdings stets auf dem Inhalt. Besonders am Ende empfand ich allerdings einige Charaktere als etwas „übersinnlich”, mit zu viel Weitblick. Viele dieser Momente wirken eher wie ein Metakommentar der Schöpfer auf unsere heutige Gegenwart – Stichwort Rassismus, Fake News bei Medizin, Politikverdrossenheit und die historische Einordnung des Geschehenen – was der Serie leider etwas von ihrer Glaubwürdigkeit nimmt.

Man kann sich die Frage stellen, für wen diese Geschichte heutzutage eigentlich gemacht ist. Denn sie ist sehr nischig, erzählt aus einer eher unbekannteren, ruhigeren Zeitepoche der USA und ist vor allem Politdrama. Mir gefiel die Miniserie dennoch. Die politischen Momente empfand ich als spannend und interessant, es erinnerte mich an Vergleichsserien wie „House of Cards” oder „Borgen”, deren Fans ich auch „Death by Lightning” ans Herz legen möchte. Die Miniserie ist überwiegend unterhaltsam und wunderbar ausgestattet, sowohl im Setting als auch mit starken Darstellern. Somit gelingt die Historiendrama-Serie für Fans des Genres auf vielen Ebenen, obgleich noch etwas fehlt, um die Vergleichsserien zu übertrumpfen.

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Im Zentrum der Serie stehen Dolours (Lola Petticrew & Maxine Peake) und Marian Price (Hazel Doupe, sehr gut und Helen Behan), die aus einer zutiefst republikanischen Familie in Belfast stammen und über das Leid und die steten Kampfhandlung in ihrer Umgebung – trotz guter Bildungschancen – radikalisiert werden. Sie treten der IRA bei und wollen darin mehr sein als nur Handlanger und Sanitäter, wie es zuvor für Frauen üblich war. Dabei lernen sie zahlreiche Entscheidungsträger kennen und arbeiten sich langsam innerhalb der Organisation hoch, während immer wieder in Andeutungen auch das Verschwinden der 10-fachen Mutter Jean McConville verhandelt wird, wobei die Zusammenhänge zunächst nicht klar werden. Generell werden viele verschiedene Zeitebenen bespielt, so erzählt eine deutlich ältere Dolours einer Person des sogenannten „Belfast Project” in einer Rückblende und Rahmenhandlung von den Ereignissen ver Vergangenheit.

Nach dem klassischen Aufstieg rüttelt die Mitte die Miniserie richtig wach und leitet sie auf interessantere, ambivalente Spuren. Zu Beginn taucht man tief in die IRA ein und versteht, warum sie zu Kämpfern wurden, die schließlich auch Terroristen sind. Zu verherrlichend wird es nie, stattdessen blickt die Handlung vor allem im letzten Drittel sehr stark auf andere Aspekte. So wird auch das Verschwinden von Bürgern durch die IRA („the Disappeared”) nicht ausgespart, sondern aufgelöst und die internen Konflikte innerhalb der Organisation werden überdeutlich. Erzählerisch beginnt die 9-teilige Miniserie etwas traditionell und langsamer, Folge 5 bietet allerdings ein erstes Highlight, Episode 6 ist die beste der ganzen Serie und wechselt gekonnt das Genre. Die aktuellere Zeit bringt es, trotz einer schwächeren Folge 7, zu einem gelungenen, tragischen und bitteren Abschluss.

Das Thema der Troubles ist in Deutschland leider nicht so leicht zu vermitteln, aber „Say Nothing” ist ein gut produzierter und solide inszeniertes Gesamtwerk, das sowohl für Kenner als auch für neue Interessenten geeignet ist. Vor allem die jüngeren Darsteller sind stark, es gibt einige großartige und fiese Szenen und das Thema ist auch heute noch relevant, um den Konflikt in Nordirland zu verstehen. Geschichtsinteressierte sollten sich die Miniserie ansehen, aber auch Fans des klassischen Dramas werden nicht enttäuscht sein. „Say Nothing” ist eine gute Miniserie mit starker Mitte, deren Anfang und Ende (auf hohem Niveau) nicht ganz mithalten können.

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„The Queen’s Gambit” ist im Kern eine Dramaserie, obwohl das Schachthema auch in den „Special Interest“ Bereich hineinpasst. Doch die Serie ist universeller, da das Drama-Biopic, die Coming-of-Age Themen und die große Außenseitergeschichte im Mittelpunkt steht. Diese Konzeption und Mischung ist sehr gelungen, denn so können nicht nur Schachbegeisterte oder zumindest passable Schachspieler Spaß an der Serie finden, sondern alle. Schachvorkenntnisse benötigt man nicht, ich kenne auch nicht mehr als die Grundregeln und hatte keine Probleme. Vielleicht sind begeisterte Schachspieler sogar eher enttäuscht, dass der Fokus nicht mehr auf den Spielen liegt.

Die 7-teilige Miniserie beginnt in den 1950er Jahren in den USA. Die junge 9-jährige Waise Beth Harmon lernt dort von einem Hausmeister Schach und brilliert durch ihr Talent Züge visualisieren zu können. Dort entwickelt sie allerdings auch eine Medikamentenabhängigkeit, die sich durch ihr Leben zieht. Bald darauf wird Beth von einem kinderlosen Ehepaar adoptiert und beginnt in den 1960er Jahren an zahlreichen Schachturnieren teilzunehmen und die männlich dominierte Schachwelt aufzumischen. Wie sich das für ein gutes Biopic gehört, scheint sie nach oben kaum Grenzen zu haben.

„Das Damengambit” enthält viele Versatzstücke klassischer Biopics. Es werden mehrere verschiedene Zeiträume abgebildet, es gibt Zeitsprünge, Coming-of-Age-Elemente, Alkohol & Drogenkonsum, ein bisschen Liebe, eine ordentliche Portion Tragik, einige schwierige Charaktere und große Ziele. Ich würde die Serie als Spielberg-esk bezeichnen. Sie folgt klaren, bewährten Mustern und die Produktion weiß auf ganzer Linie zu überzeugen. Man kann einige schöne Ideen in Sachen Kamera und Schnitt (Stichwort Montagen) bestaunen, die fantasievolle Decken-Visualisierung der Stellungen ist ein spannender optischer Kunstgriff. Die Schauspieler sind alle gut, gerade Anya Taylor-Joy geht in ihrer Rolle auf. Darüber hinaus rundet ein starker Soundtrack die Miniserie gut ab. 

Die Serie ist grundsolide und unterhaltsam, man weiß allerdings bereits zu Beginn, wie es ausgeht. Ein klein wenig hat mir deshalb das Besondere gefehlt und teilweise wirken die Sequenzen etwas unrealistisch und kulissenhaft. Aber das ist Kritik auf hohem Niveau. Insgesamt ist „The Queen’s Gambit” eine klassische Biopic-Miniserie, die allgemeinverträglich ist und die Klaviatur gekonnt spielt. Auch weit nach dem Hype ist die Serie immer noch sehenswert.

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Inhaltlich folgt die Handlung dem bekannten Kriegsverlauf, die Figuren basieren auf echten Soldaten, ihre Kommentare in Interviewsituationen leiten die jeweiligen Folgen ein und führen zu einer hohen Authentizität, vor allem, wenn sie von Kameraden erzählen, die den Heimweg nicht erleben durften. Jede Folge fokussiert sich speziell auf einen Charakter, dessen Geschichte in das große Ganze eingearbeitet wird. Ein Faustpfand der Serie ist, dass sich mehr Zeit für ein Psychogramm, eine Darstellung der mentalen Verfassung, der Soldaten genommen wird und der Soldat nicht als simple Kampfmaschine dargestellt wird. Insgesamt gibt es eine ganze Reihe von Haupt- und Nebencharakteren, sodass der Überblick anfangs etwas schwierig ist, das wird nach einigen Folgen jedoch besser. 

Die Bilder ähneln im Wesentlichen denen etablierter Kriegsfilme, aufgrund von Tom Hanks und Steven Spielberg liegt „Der Soldat James Ryan” als Nr.1 Vergleichswerk auf der Hand. Visuell brachial erzählt, schreckt die Inszenierung nicht vor harten Szenen zurück, sondern zeigt die Gräuel des Krieges. Dabei ist die Serie allerdings nicht übermäßig heroisierend, sondern realistischer. Interessant ist, dass auch das Fehlverhalten der Alliierten gezeigt wird, wenn von dieser Seite Kriegsverbrechen begangen werden. Dabei werden natürlich auch die Gewalttaten der Nazis und deutschen Soldaten nicht unter den Tisch gekehrt. Inhaltlich und visuell gelingt der Serie somit ein Rundumblick, der aufgrund der Laufzeit mehr in die Tiefe gehen kann und bei dem jede Folge so hochwertig produziert ist wie ein Film. Das Darstellerensemble setzt sich aus damals noch eher unbekannten Gesichtern zusammen, Damian Lewis („Homeland”) wäre heutzutage der größte Name. Diese Auswahl von frischen Darstellern sorgt für eine höhere Authentizität, weil die Figuren reale Menschen, damalige Soldaten spielen und man darin nicht zu sehr den jeweiligen Schauspieler sehen soll. Einige Dialoge sind sehr stark und bitter geschrieben, die Darsteller sind weitgehend überzeugend.

Nach der ersten Episode, die leichte „Full Metal Jacket”-Vibes versprüht, ist der D-Day das erste Highlight. Danach schreitet der Feldzug der Alliierten weiter voran, die Stimmung ist eher positiv und die großen Highlights bleiben aus. Ab Folge 6 wird es aber extrem bitter, das Tempo zieht deutlich an, die Gefahren werden omnipräsenter und es gilt schwierige Entscheidungen im kalten Winter 1945 zu treffen. Mit dem Wald von Bastogne erreicht die Serie nochmal eine neue Dimension, denn etwas, was sich mit Krieg beschäftigt, ist nur dann wirklich gut, wenn auch flächendeckend gelitten wird. Die Episoden 6 und 7 sind großartig in ihrer Präsentation der Belagerungssituation, der zerstörten Moral aufgrund von toten Kameraden, Führungsversagen und des Winters, die Sequenz mit dem Sanitäter im Kampf ist beispielsweise überragend. Folge 9 ist die Episode, die einen spätestens emotional zerstört, wenn es um die Befreiung eines Konzentrationslagers geht… alleine beim Gedanken daran bekomme ich heute noch Gänsehaut. Die letzte Folge bietet einen gelungenen Abschluss.

Insgesamt ist „Band of Brothers” die absolute Blaupause für Kriegsserien. So sollte es sein. Auch wenn die Serie kaum Neues erzählt, ist das Niveau extrem hoch. Insofern ist die 10-teilige Miniserie klassisch, aber sehr sehenswert, eine essentielle Serie, die man als Serienfan gesehen haben sollte.

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„Das Boot” handelt von einer deutschen U-Boot Besatzung im 2. Weltkrieg, die 1941 Handelsschiffe (Versorgungsschiffe) auf dem Atlantik versenken soll. Das gelang zuvor besser, aber mittlerweile schützten die Alliierten ihre Schiffe mit eigenen Zerstörern, die mit Wasserbomben auch U-Boote attackieren konnten, die Zukunft sieht daher düsterer aus, die Gefahr für die Besatzung wird spürbarer. In Person des Leutnant Werner (Herbert Grönemeyer) kommt zu Beginn ein „Kriegsberichterstatter“ mit an Bord um Propagandabilder und -Geschichten auf- und mitzunehmen. Dabei gerät das U96 in zahlreiche Extremsituationen, die sich zunächst auf Angriffe und Gegenangriffe im Atlantik fokussieren, später auf einen großen Sturm und im letzten Drittel auf eine Durchbruchssituation an der Straße von Gibraltar. Dabei wird das Personal psychisch stark belastet.

Das Gesamtwerk „Das Boot” ist eine spannungsgeladene Tour de Force, gerade in den Actionsequenzen packend inszeniert und gut gespielt. Doch die Langversion lässt auch den ruhigen Momente des Wartens auf die Alarmbereitschaft und des tristen Lebens unter Wasser genügend Raum, der die Gesamtatmosphäre stark unterstützt. Für manche mag das Tempo der Miniserie, vor allem nach heutigen Sehgewohnheiten, zu langsam sein, für die bleibt der Director’s Cut. Ich fand es zielführend und stimmig auch die nachdenklichen Sequenzen sehen zu können, die den Charakteren deutlich mehr Raum zur Entfaltung geben. „Das Boot” ist ein produktionstechnisches Meisterwerk. Der 1 zu 1 Nachbau eines U-Boot-Inneren, die dynamische Kameraführung, die stimmige Musik, die großartigen Außenszenen, deren man ihr Alter aufgrund von Miniaturen nicht wirklich ansieht und die überragende Endsequenz können durchweg brillieren. Das ist wirklich großartig, nicht nur für einen deutschen Film, sondern überhaupt.

Auch die Darsteller wirken überwiegend authentisch. Vor allem Jürgen Prochnow als „Der Alte“ ist fantastisch in diesem Film, der so viele Filmkarrieren startete oder zumindest maßgeblich befeuerte. Martin Semmelrogge, Uwe Ochsenknecht, Heinz Hoenig, Jan Fedder, Ralf Richter und noch viele andere bekannte Gesichter sind Teil der Crew, herausstechend gut ist Erwin Leder als Johann. Man könnte kritisieren, dass viele der Figuren nicht sonderlich vielschichtig sind, sondern stattdessen Stereotype darstellen, an denen sich im Film auch nicht viel ändert. Stereotype der Region, aus denen die jeweilige Figur stammt und einen dementsprechenden Dialekt darbietet, was manchmal ans „Overacting” grenzt. Stereotype der uneingeschränkten Unterstützer des Nazi-Regimes. Einzig Prochnows und Grönemeyers Charakteren wird etwas mehr Komplexität und Entwicklung eingeräumt, der Kriegsberichterstatter funktioniert gleichzeitig als Anknüpfungspunkt für die Zuschauer, weil er genauso wie die Zuschauer zum ersten Mal in dieser Situation hineingeworfen wird. Trotz der Klischees wirken die Charaktere sehr greifbar und lassen eine Verbindung zwischen dem Zuschauer und der Crew zu. Das Ende ist absolut stimmig und großartig (in einem Take) inszeniert.

Die Geschichte von U-96 sollte man als den definierenden deutschen Kriegsfilm (neben „Der Untergang”) mit seiner packenden Atmosphäre auf jeden Fall einmal gesehen haben. Nach meiner erstmaligen Sichtung der Miniserie kann ich diese Version sehr empfehlen und sehe ansonsten nur den Director’s Cut als mögliche Alternative, alle anderen Optionen sparen zu viel aus und lassen den Charaktere nicht genügend Raum zum Atmen. Insgesamt ist die „Das Boot” Miniserie von 1985 auch heute noch absolut sehenswert, ein zeitloses Werk.

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Im Korea des Mittelalters scheint der König an Pocken erkrankt zu sein. In Staffel 1 hat der Kronprinz Lee Chang (Ju Ji-hoon) daran Zweifel, als er eines Tages geheim in den Palast eindringt, bemerkt er nur einen fauligen Geruch und Tiergeräusche. Er entscheidet sich den Arzt des Königs aufzusuchen, um das Mysterium zu verstehen. Doch der Ort von Dr. Lee wurde von einer Seuche befallen, zudem erzählt die Assistentin des Arztes, Seo-bi (Bae Doona, „Stranger”, „The Silent Sea”) dem Kronprinzen von einem Kraut, dass angeblich Tote wiederbeleben kann… Währenddessen spitzt sich die Lage um den König zu und viele Personen scharren mit den Hufen, um das Machtvakuum auszufüllen und die Nachfolge des Machthabers anzutreten.

Die Serie ist großartig inszeniert und fängt schöne Bilder ein. Das Acting kann man als „typisch Koreanisch“ bezeichnen, was für den normalen Seriengucker als „overacted“ wahrgenommen werden kann, aber man gewöhnt sich schnell daran. Gegenüber Vergleichsserien kann „Kingdom” sogar doppelt punkten. Erstens, weil die Zombies etwas anderen Regeln als sonst folgen, zweitens, weil man nicht die ewige Frage stellen kann: Haben die noch nie einen Film gesehen, oder warum kennen sie keine Zombies? Denn es ist das Mittelalter, insofern ist es absolut glaubwürdig, dass die Figuren keine Zombies kennen. Zu Beginn noch etwas ruhig erzählt und ziellos wirkend, nimmt die 1. Staffel ab Folge 3 Fahrt auf, wenn das große Ganze nach und nach erkennbarer wird. Staffel 1 endet mitten in der Handlung.

Staffel 2 ist stringenter in seinem Ablauf, da die Staffel, dank der Geschehnisse der 1. Staffel, mitten in der Action starten darf. Inhaltlich wird die Geschichte nahtlos fortgesetzt und die Ergründung der Ursprünge der Zombies steht mehr im Vordergrund. Die Massenszenen der Zombie-Angriffe sind ein wahrer Hingucker und übertreffen auch viele Szenen aus „The Walking Dead”, weil man ohne (besonders sichtbares) CGI vorgeht und stattdessen mit vielen Statisten arbeitet. Vor allem wenn ich die Action brodelt, ist die Serie sehr ansehnlich. Die Handlung benötigt keine Exposition mehr, die 6 Folgen haben ein tolles Pacing und bieten weiterhin sehr hübsche Bilder. Schauspielerisch ist die Serie nicht überragend und die Comedyversuche bleiben meistens Versuche, aber das stört kaum. So ganz bleibt die Geschichte seiner Logik aus meiner Sicht nicht treu, wenn Leute eigentlich lange tot sein müssten, aber doch noch irgendwo hinkrabbeln können, um wichtige Botschaften zu erteilen. Aber das sind Kleinigkeiten, denn in seiner Kernkompetenz ist „Kingdom” gelungen und fühlt sich frischer an als Vergleichsserien.

Staffel 2 ist sicher besser als 1, grundsätzlich lohnt es sich beide Staffeln in einem Rutsch zu schauen, weil sie nahtlos aneinander anschließen und dieselbe Geschichte erzählen. „Kingdom” ist ein schön inszenierter Genremix, der überraschend gut funktioniert. Es gibt zwar ein paar kleinere Makel, aber als Fan von Zombiefilmen und -serien sollte man sich diese spezielle Variante im koreanischen Historiengewand nicht entgehen lassen.

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Das gelingt so halb gut. Der Aufwand für die Serie ist wirklich beeindruckend. Es gibt riesige Sets, es wurde tatsächlich auf Rennstrecken gedreht (die dann per CGI zu Monaco, Suzuka, Imola und Co. bearbeitet werden), viele Statisten wurden verpflichtet und die Nachbildung der damaligen Rennautos, die von Stuntleuten gefahren werden, ist ebenso sehr gelungen. In Sachen Details und klassischer Racing-Action ist die Serie hoch anzusiedeln. Natürlich behilft man sich mit vielen Nahaufnahmen der Gesichter, von kuppelnden Füßen und Händen am Lenkrad, damit man nicht so unfassbar viel am Computer generieren muss, aber das passt zu Rennfilmen. Dazu werden die neuen Aufnahmen durchaus gekonnt mit den Originalaufnahmen der Zeit vermischt. Denn sehr viel von der F1 Geschichte ist natürlich damals im TV ausgestrahlt worden und somit schaut immer irgendwo jemand Formel 1 auf einen Röhrenfernseher, um für eine gewisse Übersicht und Authentizität zu sorgen. Trotzdem sieht man manchmal, dass die Rennstrecken nicht dort sind, wo sie behaupten (nicht in Great Britain) und in der Formel Ford wird gefühlt in der Serie nur auf der einen Rennstrecke gefahren. Aber egal, mit fortschreitender Dauer, vor allem in der Formel 1, wird der Aufwand viel größer. Fazit der Rennaction: Das ist (fast) alles wirklich cool und das Faustpfand der Serie.

Doch die Serie hat leider auch Probleme. Zunächst fällt auf, dass es keinerlei künstlerische Distanz zur Figur Senna gibt. Er wird mehrfach symbolisch heiliggesprochen, man merkt, dass hier Fans ihr Idol verfilmt haben. Ständig wird er (und damit das brasilianische Volk) von irgendwem benachteiligt (was zum Teil sicher auch korrekt ist), aber es wird sich keine Zeit für die Gegenseite genommen. Stattdessen spielt die Serie vollkommen in die Legendenbildung hinein und lässt jegliche Objektivität oder Einordnung vermissen. Dazu hat man sich im Liebesleben ein paar Freiheiten genommen und verbringt viel Zeit außerhalb der Strecke (weil auf der Strecke natürlich viel teurer ist), was eher mäßig spannend ist und häufiger in den Telenovela Bereich abgleitet.

Wirklich greifbarer und weniger göttlich wird die Figur des Senna durch die private Charakterisierung kaum. Dabei helfen auch die Überdramatisierung und „reaction shots“ (Großaufnahme von Gesichtern, wie sie eine Reaktion „overacten”) in einigen schwächeren Dialogen nicht. Zudem fühlt sich die Serie arg sequenziert an, es wirkt mehr wie eine Abfolge von Szenen als eine zusammenhängende Geschichte. Zunächst das Rennen, danach wieder Privatleben, dann wieder die recht ungelenke Figur der fiktiven Journalistin (gespielt von Kaya Scodelario), dann wieder eine ganze Saison, danach das Heimrennen, dann bisschen Zoff außerhalb der Strecke mit X (meistens Prost oder der FIA), danach wieder Liebesgeschichte und dann wiederholt sich der ganze Spaß. Es sind ähnliche Versatzstücke, die sich in vorgegebenen Mustern immer wieder repetieren. Das gute Darstellerensemble (Gabriel Leone als Senna passt) hilft allerdings hierbei, die Schauspieler machen es gut und versuchen ihre echten Vorbilder passend darzustellen.

Was letztlich bleibt, ist eine Helden-Serie mit einer großartigen Dramaturgie, denn die Realität schreibt in diesem Fall die besten und schlimmsten Geschichten. Das verrückte Breakout Rennen in Monaco, die irre Rivalität mit Prost, die 1989 und 90 jeweils in Crashs ihr Ende fand, das tragische Imola-Wochenende 1994. Das sind einige der bedeutendsten Momente der Formel 1 Geschichte. Letztlich verhilft die Realität der Serie deswegen zu einer gelungenen Underdog-Story mit tragischem Ende und macht sie gemeinsam mit den starken Rennszenen und dem detailverliebten Nachbilden der Rennstrecken per CGI sehenswert. Die fantastische Senna Doku hat bei der Charakterisierung von Mensch und Rennfahrer aber einen besseren Job erledigt.

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Die Serie basiert auf der realen Reaktorkatastrophe von Tschernobyl vom 26. April 1986. Dabei ist die Serie nicht zu 100% akkurat, erschafft beispielsweise eine Figur der Wissenschaftlerin, allerdings ist überraschend viel tatsächlich passiert. Der absurde Hubschrauberabsturz oder die heldenhaften Bergleute wären unter vielen anderen als Vorgeschmack zu nennen. Eine Serie, die erheblich zum Studium von Wikipedia einlädt und auch zum Ansehen anderer Dokus und Video- und Bildaufnahmen dazu, die es trotz sowjetischer Geheimhaltungsversuche tatsächlich gibt. Die Serie gilt aufgrund ihrer großen Überschneidung zur tatsächlichen Realität teilweise auch als „Dokudrama”.

Zu Beginn der Geschichte beobachten wir Waleri Legassow (Jared Harris), wie er wichtige Audioaufnahmen zur Katastrophe von Tschernobyl aufnimmt, die sich zwei Jahre zuvor ereignete. Offenbar sind diese Aufnahmen brenzlig, weil er sie für die Nachwelt versteckt. Daraufhin erhängt er sich. In der Folge wechselt die Handlung an den Tag des Reaktorunfalls. Eine Explosion ereignet sich, die schwangere Ljudmila (Jessie Buckley) und ihr Mann, ein Feuerwehrmann sehen dies, er eilt zum Unfallort. Im Inneren des Kraftwerks ignoriert der Kontrollraum zunächst Berichte, dass ein Reaktor explodiert sei. Zu groß ist das Vertrauen in die Systeme, zu groß der Unglaube, dass es zu einer solchen Katastrophe bei der „sicheren” Technologie überhaupt kommen könnte. Doch schon bald erleiden die helfenden Feuerwehrleute nukleare Verbrennungen, die Mitarbeiter vor Ort überzeugen sich teilweise sorglos selbst und erleiden die tödliche Strahlenkrankheit. Insgesamt wird deutlich, wie viele Leute in der näheren Umgebung davon betroffen sind. Dennoch wird der Vorfall gegenüber Moskau von den Verantwortlichen heruntergespielt. 

Darüber hinaus muss ich nicht sonderlich viel erzählen, die Geschichte nimmt ihren Lauf, den sie auch real nahm. Immer wieder steht die Geheimniskrämerei der Sowjets und Entscheidungsträger im Widerspruch mit den Wissenschaftlern und der tatsächlichen Realität. Es zeigt sich, wie Propaganda in einem der schlimmsten Fälle wirken kann: Wenn jeder wirklich glaubt, dass man großartig, unantastbar und fehlerlos ist, dann weiß auch niemand, wie man auf Probleme und Fehler reagiert, weil es diese formell eben nicht gibt. Menschen, die nicht Teil dieses seltsamen Gedankenkonstrukts sind, wird nicht geglaubt, sie werden sogar für ihre realistischen Aussagen gerügt und teilweise verfolgt. Etwas, was mich zutiefst frustriert zurückließ, dessen Darstellung ich aber als überaus gelungen innerhalb der Serie empfinde.

„Chernobyl” ist clever konzipiert und mit einer überragenden Produktion gesegnet, auch im Make-up Bereich (vor allem in Folge 3) weiß die Serie zu überzeugen. Besonders interessant empfand ich, dass sich die Serie auch auf die Zeit danach und die Aufklärung der Reaktorkatastrophe fokussiert, etwas, was man im Gegensatz zur Katastrophe selbst vorher noch nicht alles wusste. Die Serie sieht extrem hochwertig aus und fand die bestmöglichen Drehorte. Das Setting fühlt sich echt an, was vor allem daran liegt, dass sowohl in Litauen als auch im echten stillgelegten Kernkraftwerk Ignalina gedreht wurde, was bautechnisch als „die Schwester von Chernobyl“ gilt. Die Serie versprüht so ein hohes Maß an Authentizität. Dabei helfen die guten Darsteller, die nicht die oberste Darstellerriege verkörpern, aber dennoch stark agieren. Dabei übertrumpfen sie allerdings nie die realen Personen, die sie spielen, was bei einer auf realen Menschen basierenden Serie die Glaubwürdigkeit weiter unterstützt.

Die Serie brilliert durch ihr starkes Pacing. Einzig Folge 4 ist etwas schwächer als der Rest, weil es sich einen Exkurs rund um die Jäger gönnt, der nicht zum sonst hohen Tempo und den anderen sehr wichtigen und aussagekräftigen Szenen passt. Dennoch fügt er sich gut in die Atmosphäre der Serie ein. Die fünfte und letzte Episode erklärt abschließend nochmal auf Laienniveau, wie es zu dieser Katastrophe kommen konnte und wie sehr zahlreiche Entscheider danach die falschen oder gar keine Entscheidungen trafen, so dass die Katastrophe immer größer und schlimmer werden konnte. Spätestens jetzt, aber auch bereits während großer Teile der Serie, sitzt man kopfschüttelnd-ungläubig-wütend vor dem Bildschirm, noch mehr als bei einer fiktionalen Serie. 

Durch die einordnende letzte Folge dient „Chernobyl” als hervorragendes Instrument um die Unfähigkeit und Ignoranz von autoritären Staaten zu zeigen und die verheerenden Folgen von Fehlern in Atomkraftwerken. Neben vielen erinnerungswürdigen Dialogen, stechen auf der positiven Seite vor allem die heldenhaften Figuren (& echten Menschen) heraus, die ihr Leben aufs Spiel setzten, um andere zu schützen. Insgesamt muss man „Chernobyl“ als Serienfan gesehen haben. Für mich aktuell (2025) die beste Miniserie des 21. Jahrhunderts.

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Im Wesentlichen spielt die Handlung in Saint-Malo, Frankreich, im Jahr 1944, einige Tage bevor die US-Amerikaner die Stadt von den Deutschen befreien. Dabei hilft ihnen eine junge, blinde Frau namens Marie-Laure (Aria Mia Loberti) die verschlüsselte Nachrichten der Resistance vordergründig „harmlos“ verpackt, per Radio vorliest und damit geheime Nachrichten für die Alliierten an den Deutschen vorbeischmuggelt. Doch diese Nachrichten schnappt der deutsche Funker-Soldat Werner (Louis Hofmann, „Dark”) auf, er entscheidet sich aber schnell, dies zu verbergen, weil er bereits vor dem Krieg diese Frequenz hörte, sie ihn von einer größeren Welt träumen ließ und er ohnehin keine großen Sympathien für die Nazis hegt. Außerdem verliebt er sich in die Stimme. Fortan sucht er sie und begibt sich damit auch auf einen Konfrontationskurs mit der eigenen Armee, während der Angriff der Amerikaner immer näher rückt.

Darüber hinaus gibt es noch eine seltsame Nebenstory um einen Diamanten, den Lars Eidingers Charakter – in seinem Hans Landa Cosplay – unbedingt haben möchte und zahlreiche Rückblenden, die das Tempo herausnehmen und meistens Dinge erzählen, die man bereits wusste. Die Darsteller sind das Faustpfand der Serie. Die tatsächlich blinde und daher sehr authentische Aria Mia Loberti spielt sehr gut, Louis Hofmann kann hoffentlich unabhängig des Gesamtwerks seinen internationalen Siegeszug antreten. Hugh Laurie ist eine nette und gut spielende Überraschung, Mark Ruffalo ist in der deutschen Synchronisation auch super, im Original aber wohl grauenvoll aufgrund eines seltsam gespielten französischen Akzents. Leider habe ich aber auch ein Problem mit der deutschen Synchronisation, wenn deutsche Darsteller als deutsche Soldaten oder auch Franzosen der Resistance untereinander englisch sprechen. Das wirkt dann doch etwas dumm bei einer Kriegsserie, die zumindest den Anschein erwecken möchte, historisch vernünftig zu sein.

Alles in allem wirkt die Serie sehr fragmentiert, gerade durch die zahlreichen Einzelsequenzen und Rückblenden. Leider muss auch sehr häufig der Zufall helfen, damit das vermeintliche Schicksal seinen Weg gehen kann. Auch die Logik darf man nicht auf die Goldwaage legen. Und vom Kitsch habe ich noch gar nicht angefangen. Aufgrund dieser ganzen Makel bleibt „Alles Licht, das wir nicht sehen“ insgesamt klar unter seinen Möglichkeiten, auch wenn einzelne Versatzstücke sehr gut sind, funktioniert das Gesamtbild leider nur auf visueller Ebene, aber nicht auf inhaltlicher.

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