Im Zentrum steht die persönliche Assistentin Simone (Milly Alcock), die für Michaela (Julianne Moore) und Milliardär Peter Kett (Kevin Bacon) arbeitet. Michaela widmet sich vor allem wohltätigen Zwecken und die beiden beschäftigen einen ganzen Haufen von Mitarbeitenden. Nebenbei hat Simone auch noch eine Affäre mit einem reichen Nachbarn. Ihr Leben scheint perfekt, doch dann holt sie die Vergangenheit in Form ihrer wütenden Schwester Devon (Meghann Fahy) ein, die sie auf der Arbeit überrascht und von ihrer kleinen Schwester verlangt sich auch um den demenzkranken Vater (Bill Camp) zu kümmern. Infolgedessen kommt es zu einem Culture Clash, denn die bodenständige Devon kommt mit der gekünstelten Welt der Superreichen und ihrer Attitüde überhaupt nicht zurecht und eckt bewusst überall an. Immer wieder steht die sehr finstere Familiengeschichte der DeWitt-Schwestern im Mittelpunkt.

Das Erzähltempo der 5-teiligen Miniserie ist gut, die Inszenierung ist überwiegend gelungen und auch das starke Ensemble kann auf ganzer Linie überzeugen. Einige Szenen wirken etwas zu absurd und gestellt (das Hinterherlaufen am Strand), so dass sich die Serie zeitweise wie Slapstick anfühlt. Einige Figuren wirkten wie eindimensionale Stereotype. Zudem muss die Story in Teilen arg gebogen werden, um noch zu funktionieren. Dass Devon nach diesem Auftakt „eine zweite Chance” erhält, ist beispielsweise schon Quatsch und danach spielt äußerst häufig der unwahrscheinliche Zufall eine zu große Rolle. Dennoch war ich über weite Strecken gut unterhalten und mochte den Zynismus.

„Sirens” ist nicht der große Wurf geworden, aber dennoch eine durchaus gelungene, wenn auch etwas zu oberflächliche und sprunghafte Dramaserie mit bizarren Charakteren. Freunde von „White Lotus” können einen Blick hinein wagen, müssen allerdings Abstriche bei der Handlung machen. Zudem fügt die Serie dem Thema Arm und Reich wenig Neues hinzu und aus der interessanten Schwesternbeziehung entwickelt sich zu wenig. Somit bleibt eine überwiegend unterhaltsame Serie mit Makeln.

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Am 13. September 1987 stahlen zwei Schrottsammler ein metallenes Gerät aus einer stillgelegten Klinik. Kurze Zeit später verkaufen sie es weiter an einen Händler, der es weiter öffnet und dabei ein im Dunkeln leuchtendes Pulver freisetzt. Weil er keine Ahnung davon hat, aber fasziniert ist, verteilt er es an Bekannte und Freunde. Tage später werden die Leute in der Umgebung krank. Durch einige glückliche Zufälle wird Radioaktivität vermutet und das Protokoll eingeleitet. Die ersten Episoden fokussieren sich auf den Ausbruch des radioaktiven Materials, wie es zur Verbreitung kommen konnte und wie man die radioaktiv verseuchten Stellen ermittelt. Dabei kämpfen die Wissenschaftler gegen Politiker, die am liebsten alles vertuschen würden und auch gegen die Kontaminierten selbst, die es sehr schwer haben die eigene Situation zu verstehen. Im Verlauf wechselt die Handlung mehr zu den Doktoren, die versuchen Kontaminierte zu retten, und behandelt die Fragen nach Verantwortlichkeiten und nach einem Endlager für den radioaktiven Müll.

Die Ensemble-Serie ist hochwertig produziert und relativ klassisch inszeniert. Die Darsteller sind gut und bringen der Zuschauerschaft die Geschichte mit einer passenden Emotionalität näher. Das Erzähltempo ist anfangs höher, später wird ein größerer Zeitraum erzählt und die Handlung fächert sich etwas auf. Ich empfand den Anfang als stark, der Ausbruch wird besser erzählt als die Zeit danach. Manchmal liegt mir der Fokus etwas zu sehr auf den persönlichen Problemen einiger weniger Personen. So ist beispielsweise die Beziehung zwischen dem jungen Physiker und seiner Freundin wenig relevant, nimmt aber einen großen Stellenwert ein. Einige Szenen sind zudem etwas zu deutlich auf Emotionalität hin gebaut und mit der passenden traurigen Musik unterlegt, was die Serie gar nicht nötig hätte. Viele Figuren sind mir zu sehr nach dem „Malen nach Zahlen”-Prinzip angelegt.

„Nuklearer Notfall” ist zwar ein falscher Titel, aber dennoch eine gute 5-teilige Miniserie. Wer noch nichts von dem realen Unfall wusste, kann sich hier weiterbilden und erhält gleichermaßen eine unterhaltsame, schockierende und bittere Serie. Besonders grotesk wirkt der sorglose Umgang der Bürger ein Jahr nach Chernobyl, das Kompetenzgeschacher und die rückgratlosen Politiker sind hingegen wenig überraschend. Auch das fehlende Verständnis in der Bevölkerung für die Wissenschaft wird gut transportiert. Natürlich kommt die Miniserie nicht an den Genrekönig „Chernobyl” heran, aber dennoch ist die Serie sehenswert und empfehlenswert für Fans von Dokudramen.

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Zum Review von Staffel 1.

Obwohl „Beef” nur als Miniserie geplant war, sorgte der Erfolg für eine 2. Staffel der Netflixserie. Glücklicherweise ist der Creator Lee Sung Jin erneut federführend und auch häufiger auf dem Regiestuhl dabei, so dass die Qualität hochgehalten wird. Die Symbiose zwischen dem US-amerikanischen Rache- und Rivalitäten-Drama und dem koreanischen K-Drama gelingt sehr gut. Dafür sorgt vor allem der unfassbar gute Cast. Die Hauptrollen spielen Carey Mulligan und Oscar Isaac als älteres Pärchen, die bereits in einem meiner Lieblinge „Drive” eine toxische Beziehung darstellen, und Cailee Spaeny mit Charles Melton als jüngeres Pärchen, die versuchen ihren Arbeitgeber zu erpressen. Auf koreanischer Seite überzeugt Youn Yuh-jung als Milliardärin und besonders freute ich mich über die kurzen Auftritte von Song Kang-ho („Parasite”, „Memories of Murder”). Allein für die schauspielerischen Leistungen, die alle etwas overacten und ziemlich egoistische Arschlöcher verkörpern, die gerne das Gesetz zum eigenen Vorteil brechen, lohnt sich die 2. Staffel. Alle sind im „White Lotus”-Modus. Doch natürlich muss auch der Inhalt passen.

Die Handlung ist diesmal komplizierter gestaltet. Weg von den Kleinigkeiten eines Streits auf der Straße bei dem man sich anhupt, hin zu waschechter Erpressung. Das jüngere Pärchen filmt eines Abends einen gewalttätig aussehenden Ehestreit zwischen dem Leiter des Country Clubs und seiner Frau, die nach außen hin die perfekte Ehe führen. Ashley (Spaeny) wittert sofort ihre Chance. Eigentlich ist sie eine Kellnerin ohne College-Abschluss, doch nun kann sich durch Erpressung zur Sekretärin von Josh (Isaac) aufsteigen, zudem versucht sie ihren Freund auch im Country Club unterzubringen. Denn sie haben Geldsorgen und sie hat einen starken Kinderwunsch, der in einer herrlich absurden und für sich stehenden 4. Folge stark porträtiert wird. Das ältere Pärchen möchte sich das natürlich nicht gefallen lassen und sucht nach Möglichkeiten Ashley auffliegen zu lassen. Doch nicht nur ihre Streitigkeiten untereinander, sondern auch die Milliardärin, die den Club kauft, sorgen dafür, dass sich die Geschichte ganz anders entwickelt. Denn ab der Hälfte geht es primär um die Vertuschung eines Mordes, um Geldwäsche und wer zum Strohmann des großen Finanzbetrugs wird und dafür büßen muss. Alles gipfelt in einer recht absurden letzten Folge in Seoul, mit einer brillanten Kampfsequenz in der Mitte, in der sich alle Figuren zwischen Moral, Liebe und dem Geld für ihre eigene Zukunft entscheiden müssen. 

Der etwas ernsthaftere Ansatz mit einer Erpressung im Country Club und dem vermeintlichen Kampf zwischen Arm und Reich wird von der noch reicheren koreanischen Milliardärin schön satirisch beendet. Im Angesicht der Superreichen, die sich alles erlauben können, kämpfen am Boden alle mit ähnlichen Mitteln, egal ob sie Schulden haben oder ein Haus besitzen. Wenn auf einmal Attentäter auf einen angesetzt werden können oder man dazu gezwungen wird Finanzbetrug zu begehen, gleicht sich alles in der Mitte an und wird mit Füßen getreten. Diese Erkenntnis ist zwar nicht neu, wird aber hervorragend herausgestellt. Einige haben mit dem Ende ihre Probleme, auch ich war damit auf menschlicher Ebene natürlich nicht einverstanden und ich empfand es auch nicht zu 100% nachvollziehbar. Dennoch illustriert das Ende perfekt auf satirischer Ebene, wer eben gewinnt. Spoiler: Es ist nicht die Moral.

Die Produktion der Serie ist ausgesprochen hochwertig, die Drehorte werden schön miteinander verknüpft. Die Inszenierung bildet gemeinsam mit einer gelungenen musikalischen Untermalung eine schöne Verbindung und zeigt einige kreative Einfälle. Das Erzähltempo der Serie ist gelungen, ich mochte den Einstieg und hatte nur in der 5. und 6. Episode das Gefühl, dass die 8-teilige Staffel kurz durchhängt. Danach kulminiert alles in einem verrückten Finale, das man in Folge 1 so sicherlich nicht kommen sah. Die absurden Racheaktionen stehen nicht mehr so im Fokus, aber ab und an blitzt das Skurrile, das Bizarre weiterhin durch, was zu unterhaltsamen Momenten führt. Dennoch ist Staffel 2 keine Comedy mehr, sondern ein klares Drama mit Thrillerelementen. 

Die zweite Staffel von „Beef” bleibt dem Grundkonzept treu, geht aber eigene Wege. Mir gefiel die Weiterentwicklung in Richtung „White Lotus”, andere werden vielleicht etwas den Vibe und die Essenz der ersten Staffel vermissen. Ich möchte die 2. Staffel für alle Fans von Dramen, Rivalitäten und Gesellschaftssatire mit einem Hang zur Absurdität empfehlen. Da es sich um eine Anthologie-Serie handelt, muss man die 1. Staffel nicht gesehen haben.

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Die nur 8-teilige Serie mit Folgen zwischen 20 und 30 Minuten ist deutlich weniger bunt, klischeebeladen und fröhlich als viele High School Vergleichsserien. Dadurch wirkt „High School” deutlich realistischer, allerdings auch etwas depressiver. Die Serie basiert auf dem gleichnamigen Buch der beiden Schwestern. Zu Beginn kommen Tegan (Railey Gilliland) und Sara (Seazynn Gilliland) an eine neue Schule und suchen dort Anschluss. Gegenseitigen Halt können oder wollen sie sich seit Kurzem nicht mehr geben, weil sie sich auseinandergelebt haben und immer häufiger streiten. Die Schwestern geraten in unterschiedliche Freundeskreise, wobei besonders Sara arg darunter leidet, dass ihre lesbische Beziehung zu Phoebe (Olivia Rouyre) geheim bleiben muss und auf sehr steinigen Wegen gebaut ist. Ein wiederkehrendes Thema ist, dass sich ständig jemand wie das fünfte Rad am Wagen fühlt – egal, ob in Freundschafts- oder Liebesfragen. Im Verlauf werden unterschiedliche Freundschaften geschlossen, während es immer wieder Probleme mit ihrer Mutter (Cobie Smulders, „How I Met Your Mother”) gibt, die sie gerne mal belügen. Ab der Mitte finden die Schwestern durch die Musik zueinander.

Ein gelungener Kniff ist die Erzählweise aus verschiedenen Perspektiven, wodurch einige Figuren eine größere Tiefe bekommen. Zudem sieht man so einige Szenen zweimal und bemerkt, wie sie teilweise anders erzählt werden, weil die Wahrnehmung der Charaktere immer ihren Blickwinkel prägt. Ein gerne gewähltes Stilmittel, was ich beispielsweise in „The Affair” schon gerne mochte, aber auch hier exzellent funktioniert. Generell ist die Inszenierung sehr gut, die Musik wird schön mit dem Inhalt verwoben und einige Kameraeinstellungen sind sehr gelungen. Das mit weitgehend unbekannten Gesichtern gespickte Darstellerinnenensemble ist ganz großartig und sorgt für eine hohe Authentizität der Geschichte. 

Das Erzähltempo ist zwar nicht das höchste, aber dennoch wird die Handlung nie langweilig. Schön finde ich, dass sich Zeit genommen wird, den Charakteren ihren Raum für Entwicklung zu geben. Als etwas zu ausgeprägt und stellenweise konstruiert, empfand ich die Eifersuchts-Thematik. Das ist allzu bekannt bei Liebschaften und aufgrund der unausgesprochenen Zwischentöne manchmal schwer zu erkennen, ob man auf Freundschaften eifersüchtig ist oder verliebt ist. Nur weil jemand eine andere Person umarmt, muss man z.B. nicht von einer Party fliehen. Zudem empfand ich das offene Ende als etwas enttäuschend. Doch es passt auch zu einer Serie, die stets leicht depressiv wirkt und entgegen klassischer Verläufe von High School Filmen und Serien konstruiert ist. Vielleicht ist das wahre Leben eben einfach so. 

Zusammenfassend möchte ich „High School” absolut empfehlen. Ich hätte mich am Ende über eine Folgestaffel gefreut, was vermutlich das beste Kompliment ist. Fans von Coming-of-Age Dramen kommen auf ihre Kosten, das gut gespielte Zwillingsduo ist ein Extrabonus. Auch wenn die Serie das Rad nicht neu erfindet, gelingt eine dichte, glaubwürdige Atmosphäre. Gemeinsam mit der Musik führt das gerade in der zweiten Hälfte zu einem starken Gesamtwerk. Ein kleiner Geheimtipp, weil die Serie leider fast niemand kennt.

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Im Zentrum der Serie stehen vier Personen. Nate, ein Barbesitzer mit einer gehörlosen Tochter (Bonus dafür, dass die Schauspielerin wirklich gehörlos ist), der mit seiner Frau eigentlich in Trennung lebt, dessen Leben aber durch eine Krebsdiagnose auf den Kopf gestellt wird. Kris, eine höher gestellte Managerin in einem Plattenlabel, die aber gefeuert wird, weil sie mit der heutigen Musikwelt und Emporkömmlingen über Social Media nichts anfangne kann und hofft den Geheimtipp in Bars zu finden (als ob sie 70 wäre, aber sie ist tatsächlich 40). Walter, ein Witwer, der mit der Trauer umzugehen versucht und dessen Freunde ihm mal mehr und mal weniger behilflich sind. Und Aria, eine junge Frau, die unbedingt schwanger werden will, aber auch noch super musikalisch talentiert ist – die erste Verbindung dürfte damit schon klar sein. Darüber hinaus gibt es noch einige andere Charaktere, die für kleine Handlungsstränge verantwortlich sind. So geht es einmal darum, ob die Liebe auch einen Umzug in eine andere Stadt übersteht oder darum, wie schwer es ist mit jemand anderem zusammenzuleben. Auch ein neunmalkluges neunjähriges, sympathisches Kind darf nicht fehlen. Die Serie zeigt den Alltag der Charaktere.

Alles ist Standard, alles ist mit zu viel Weichzeichner (besonders die Flashbacks) bedeckt, ein New York Gefühl kommt am Drehort Toronto nie auf, stattdessen fokussiert sich das Geschehen auf weninge Indoor-Lokalitäten und wirkt dadurch fast wie eine Sitcom. Die Handlungsstränge hat man alle so oder so ähnlich schon mal gesehen, die Schauspieler sind in Ordnung. Auffällig ist, wie einfach Konflikte aus dem Weg geschafft werden und man danach wieder miteinander umgeht, als sei das nicht mal passiert – Verrat inklusive. Auch dass einige Figuren maximal 1-2 Szenen über etwas traurig sein dürfen und danach so auftreten als sei nie etwas passiert, ist anstrengend und lässt für mich keine größere Verbindung zu den Charakteren zu. Weil sie sich nicht echt anfühlen. Ansonsten schwelen Probleme auch gerne mal, weil man es nicht schafft eine Textnachricht aus London zu schreiben und lieber die anderen raten lässt. Alles ist arg konstruiert und so gebastelt, dass es sich teilweise eher wie Science Fiction anfühlt. Als spiele „Ripple” in einer Parallelwelt. Das beste Beispiel dafür war das unfassbar quatschige Gespräch „Therapiegespräch” mit der Kundenservice-Mitarbeiterin des Internetanbieters. Ich spreche normalerweise nur mit KIs oder Menschen aus Asien, aber hier wird auch diese Gelegenheit zum zuckersüßen Gespräch, dass eine Figur über ihre Fehlgeburt hinwegtröstet. Es ist absurd. Auch dass der 70-jährige Witwer direkt nach dem Tod seiner Frau von seinen tollen Friends ein Datingprofil erstellt bekommt, finde ich unangebracht. Dass er sofort 20 Matches hat nur beknackt.

Natürlich kann man jetzt korrekterweise fragen: Hey, was erwartest du eigentlich? „Ripple” soll einfach seicht sein, positiv sein, keine zu große Fallhöhe haben und etwas, was sich wie eine warme Decke um einen legt, wenn man es nebenbei schaut. Daran ist erstmal nicht viel auszusetzen und „Ripple” funktionierte anfangs für mich auch noch auf diesem Niveau. Doch mit der Zeit störte mich der nicht betriebene Aufwand – die weichgezeichneten Flashbacks mit Charakteren, die bis auf eine andere Perücke gleich aussehen, obwohl sie halb so alt sein sollen, die fehlende Varianz an Locations und ständigen Wasserrohrbrüche, die die Handlung vorantreiben sollen. Irgendwann fand ich das alles einfach nicht mehr glaubwürdig. Hier werden nicht Menschen präsentiert, die von ihren neuen Freunden in schwierigen Zeiten aufgefangen werden und sich gegenseitig unterstützen, hier werden nur geschriebene Figuren gezeigt, denen ich hier Handeln schnell nicht mehr abkaufen kann. Weiterhin nicht hilfreich sind die steten Zeitsprünge, weil ohne mit der Wimper zu zucken Tage oder Wochen vergehen.

Auf einem oberflächlichen Niveau kann man „Ripple” als seichtes Ensemble-Drama durchaus empfehlen. Wenn man aber etwas in die Tiefe geht und normale Serienmaßstäbe daran ansetzt, gibt es zu viele Fallstricke, um die Serie anzupreisen. Ich fand sie noch ok, aber eher für Hallmark als für Netflix.

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Ein starker Riz Ahmed trägt die Serie auf seinen Schultern, ein paar gute Gastauftritte amüsieren. Nach dem gescheiterten Versuch beim Casting, hat seine Figur Shah nur noch eine verzweifelte Idee relevant zu bleiben. Er liefert sich den Paparazzi aus, um so Gerüchte zu erzeugen, dass er der nächste James Bond werden könnte. Zunächst genießt er die Anerkennung, aber schnell wird er von ablehnenden Online-Kommentaren eingeholt und ein Schweinekopf wird durch das Fenster seiner Familie als Drohung geworfen. Diese plötzliche Popularität zwingt ihn dazu sich mit seiner eigenen Identität als Sohn pakistanischer Einwanderer zu befassen. Dabei bemerkt er, dass er sich auf Wunsch wie ein Chamäleon verändert und für beide Seiten ein Bindeglied ist, ohne sich irgendwo zuhause zu fühlen. Eine große Eid Mubarak-Feier, ein Trip mit der Exfreundin und eine mutmaßliche Entführung sollen ihm dabei helfen sich selbst zu finden.

Der aufgedrückte „Comedy”-Stempel ist für die Serie nicht zuträglich. Denn stattdessen handelt es sich um ein klassisches Drama, das als Meta-Satire funktioniert. Die Idee das Bond-Casting so prominent in einer Handlung zu verwenden, ist brillant. Leider ist der Culture Clash und die Frage nach der Identität zu Beginn etwas arg klassisch gehalten und fügt kaum Neues hinzu. Auch die Buddy-Comedy konnte für mich nicht so recht greifen. Außerdem ist Shah speziell anfangs wirklich keine sympathische Figur, was den Einstieg erschwert. Ich konnte mit der zweiten Hälfte, die immer absurder wurde, besser connecten. Eine starke Plansequenz leitet in Episode 4 eine Roadmovie-Nacht ein, in der eine alte Liebe verhandelt wird. Folge 5 ist wie ein Actionfilm inszeniert. Natürlich ist auch vorher in Folge 3 der Bollywood-Exkurs großartig, aber die Nebenhandlung von Online Hatern und Entschuldigungsvideos empfand ich als zu oberflächlich.

Die nur 6-teilige, insgesamt nicht mal dreistündige, Miniserie „Bait” verhandelt die Frage nach der eigenen Identität durchaus gekonnt, bot mir darin aber zu wenig Neues. Doch die Reise durch die verschiedenen Genres, die stark inszeniert und von einer gekonnten Kameraarbeit begleitet ist, holte mich besser ab. Insofern ist „Bait” nicht der große Wurf geworden, aber in seiner Meta-Satire durchaus gelungen. Am besten kann man sich bei einer solchen Kürze aber an einem oder zwei Abenden selbst eine Meinung dazu bilden.

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Am besten ist es, wenn man von der Handlung so wenig wie möglich weiß, deshalb halte ich es kurz. Carol (Rhea Seehorn), eine bekannte Autorin von Romantasy, wird direkt in die Apokalypse hineingeworfen. Doch das Besondere ist, dass nicht alle zu Zombies werden, sondern zu extrem netten Menschen. Carol teilt ihre vermeintliche Immunität mit einer sehr begrenzten Anzahl von Personen weltweit. Während sie versucht, die Menschheit zu retten, sehen viele ihrer Kollegen das ganz anders. Und so versucht sich Carol mit der Situation zu arrangieren. Oder findet sie etwa doch einen Weg, ihre Ziele zu erreichen?

Auch wenn die Prämisse der Serie etwas seltsam klingt, möchte ich schon mal vorwegnehmen: „Pluribus” lohnt sich. Trotz der angeführten Vergleichswerke habe ich noch nie eine Serie wie diese gesehen, sie sorgt für frischen Wind auf dem Serienmarkt – und das in wundervoller Optik. Es ist erstaunlich, wie Vince Gilligans Serien eine gemeinsame visuelle Identität verbindet, kaum jemand nutzt solche Kameraperspektiven und schafft es solch eindringliche, erinnerungswürdige Bilder zu erschaffen. Zudem ist das große Budget anhand der vielseitigen Schauplätze rund um die Welt verteilt, der zahlreichen Statisten und der steten Nutzung von Hubschraubern sowie Flugzeugen, ganz offensichtlich. Das führt zu einer großen Authentizität und zu einem Haufen von absurden Szenen, wenn beispielsweise ein kleiner Bagger eingeflogen wird. Die Comedy zündet, die Inszenierung ist großartig, die Darsteller sind klasse, die Locations atemberaubend und die Story ist originell. Doch hapert es auch irgendwo? 

Leider durchaus. Während die erste Episode noch absolut brillant und die zweite ganz formidabel ist, wird danach das Tempo spürbar herausgenommen. Es gibt zwar in der Mitte noch eine große Enthüllung, aber ansonsten fokussiert sich viel auf Carols Umgang mit der Krise und das Abhören von viel zu langen Telefonansagen. Das Erzähltempo ist bewusst entschleunigend gewählt und widersetzt sich damit heutigen Sehgewohnheiten. Es liefert aber auch spektakuläre Szenen an Drehorten über den Globus verteilt. Gegen Ende der 1. Staffel kommt es zu einem ungewöhnlichen Twist, speziell die Charakterentwicklung in der finalen Folge habe ich leider nicht ganz nachvollziehen können, es wirkte etwas forciert. Zudem bin ich mir noch nicht sicher, wie interessant die Bedrohung wirklich ist. Doch das Ende der 1. Staffel ist erneut absolut fantastisch und macht Lust auf mehr.

Zusammenfassend ist „Pluribus” noch nicht so gut wie „Breaking Bad” oder „Better Call Saul”, aber „Saul” hatte auch eher einen ruhigeren Beginn. Ich bin sehr gespannt, wie es weitergeht und habe immer noch große Hoffnungen, aber auch leichte Zweifel, dass sich das Konzept ewig trägt. „Pluribus” sollten sich alle ansehen, die eine einzigartige Serie suchen, die Vorgängerserien mögen oder vom gleichförmigen Serienmarkt gelangweilt sind. Das Anschauen lohnt sich, es hilft, wenn man etwas Geduld und einen gewissen Hang zur Absurdität mitbringt.

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Manon (Alba Gaïa Bellugi) lebt zuhause mit ihren beiden Geschwistern und ihrer Mutter. Eines Abends schießt sich die Mutter völlig auf sie ein und beschimpft sie, auch weil Manon – wie immer im Stress – mit beiden Händen die Nudeln voller Soße isst. Der Streit eskaliert und Manon kommt in eine triste Erziehungsanstalt, weil die Richterin ihr diese letzte Chance gewähren möchte. Dort verlangt der Leiter von seinen Mitarbeitern Dienst nach Vorschrift, hat auch kein Problem damit die Mädchen abzuschreiben und stets mit dem Gefängnis zu drohen. Die Mädchen rebellieren ständig, haben eine sehr kurze Zündschnur und so kommt es zu zahlreichen Streitereien unter den Teenagerinnen und auch mit den Erwachsenen. Speziell eine Lehrerin schafft es aber einen gewissen Zugang zu den Mädchen über das Theater zu finden, es gibt ein paar Helfer. Neben dem schwierigen Zusammenleben im Erziehungsheim muss Manon auch ihre viel zu aufdringliche, manipulative Mutter managen, die ein ganz seltsamer Charakter ist.

Die zweite Staffel knüpft relativ organisch an die erste an und fokussiert sich mehr auf typische Probleme von jungen Erwachsenen. Das Setting ist nicht mehr ganz so spannend und einzigartig wie in Staffel 1, stattdessen werden eher klassische Probleme verhandelt. Dennoch ist das emotional intensiv, weil man das Gefühl hat die Hauptfigur aufgrund der 1. Staffel schon gut zu kennen. Speziell im hinteren Teil saß ich kopfschüttelnd vor dem TV, weil ich das alles nicht für Manon wollte.

Die beiden „Manon” Miniserien, die jeweils 3 Folgen à etwa 1h enthalten, sind beide sehr intensive Jugenddramen, die eine aggressive, zutiefst traurige, aber auch sympathische Manon in den Mittelpunkt stellen, die permanent mit sich selbst und der Welt hadert. Dabei gelingen einige herzzerreißende Szenen, aber auch einige triumphale. Dem Mädchen mit ausgeprägtem Gerechtigkeitsbedürfnis fehlt vor allem die echte Liebe von Elternfiguren, ihre Mutter ist eine Katastrophe. Das Erzähltempo ist hoch, die Atmosphäre ist dicht, die Inszenierung ist klassisch, die Produktion ist solide, die Darsteller sind gut. Die erste Miniserie ist einen Tick besser, weil das Setting weniger verbraucht ist.

Zusammenfassend möchte ich beide „Manon” Teile empfehlen. Natürlich handelt es sich um keine leichte Kost, sondern um intensive Coming-of-Age Dramen, die einen emotional angreifen können. Die französischen Serien haben zwar kleinere Makel, sind aber überwiegend sehenswert und kleine Geheimtipps. Wer intensive, bittere Jugend-Dramen mag, wird bei „Manon” nicht enttäuscht – obwohl die Serien manchmal noch etwas tiefer gehen oder böser sein dürften.

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Die Ausgangslage ist absurd: Toni (Anton „Fatoni” Schneider) versucht sich in Berlin als Rapper, hat aber kaum Erfolg und arbeitet stattdessen als Pizzabäcker. Kurz vor einem bevorstehenden Rap Battle erhält er den Anruf, dass seine Mutter verstorben ist, was er zum Thema macht und damit Aufsehen erregt. Zur Beerdigung seiner wenig geliebten Mutter kehrt er in sein Heimatdorf, das titelgebende „Kacken an der Havel” in der brandenburgischen Provinz zurück, wo ihn auch sein 13-jähriger Sohn (Sky Arndt) erwartet, von dem er bisher nichts weiß. Doch eigentlich will er nur schnell zurück nach Berlin, weil dort ein Label nach seinem Battle-Rap-Auftritt Interesse an ihm zeigt und ihn eventuell unter Vertrag nehmen möchte. Nun muss Toni Familie und die große Chance auf die Musikkarriere unter einen Hut bekommen.

Natürlich ist die Story eher sekundär und dient nur als Vehikel für einen Haufen von Absurditäten, Referenzen, Gags und Metakommentaren. Wie man diese Comedy bewertet, wird sehr subjektiv sein. Ich war froh, dass es sich nicht um ein Feuerwerk von Fäkal uns Sexualhumor handelt, sondern man auch offensichtlich Spaß an anderen Dingen hatte. Großartig ist beispielsweise die völlig verrückte Obsession mit dem Film „Armageddon„, die in einer fantastisch-kitschigen letzten Folge mündet. Auch dass Veronica Ferres das Dorf als Bürgermeisterin mit harter Hand regiert, ist sehr amüsant. Auch die Netflix und Streaming-Metagags (Tudum) haben mich abgeholt, genau wie einige schöne anderen Referenzen und Musikeinlagen (Haddaway), die ich nicht alle vorwegnehmen möchte. Ich bin sicher, dass es für Deutsch-Raps Fans noch zahlreiche andere Eastereggs gibt, die ich aber aufgrund fehlender Vorbildung nicht bemerkt habe. Natürlich gibt es auch einige seltsamere Handlungsstränge, wie die Cousinen-Geschichte, die Stiefvater-Nummer und das sprechende Entlein namens Tupac, womit die Serie vielleicht etwas (unnötig) übertreibt. So wandelt die Serie auf dem Mittelweg zwischen cringe und lustig, die Bewertung, was einem gefällt, bleibt subjektiv. Auf jeden Fall bietet die Serie aber viel an.

Für mich waren einige Charaktere zu stark überzeichnet und das Erzähltempo nimmt sich in der Mitte einen Hänger. Die Darsteller sind alle recht zweckmäßig und schienen Spaß bei der Sache gehabt zu haben, obgleich man keine überragenden Leistungen finden wird. Mich konnte die Serie mit einigen guten Gags, einem interessanten Start und einem tollen Ende überzeugen. Somit ist „Kacken an der Havel” deutlich besser als es der schwache Titel vermuten lässt. Ich empfehle mal einen Blick zu wagen. Man wird schnell feststellen, ob die Familiengeschichte oder der spezielle Humor einen erreicht oder nicht.

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Anders als bei der thematisch vergleichbaren britischen Serie „Toxic Town” kämpfen diesmal nicht die geschädigten Mütter von Industrieabfällen um ihr Recht, sondern die Ärztin Jolanta Wadowska-Król (Joanna Kulig). Sie bemerkt schnell, dass die Kinder, die direkt neben den Bleihütten, der Schwerindustrie und dem Bergbau leben, nicht ihrem Alter entsprechend entwickelt sind. Doch ihr fällt auch auf, dass das Problem vertuscht werden soll, indem die schwerkranken Kinder auf verschiedene Krankenhäuser aufgeteilt werden. Schnell verschwinden auch ihre ersten Laborproben und die Staatssicherheit droht ihr. Obwohl ihre Familie, Kollegen und auch die Familien der Arbeiter mit den geschädigten Kindern nicht hinter ihr stehen, verfolgt sie weiterhin ihr Ziel. Parallel wird auch aus dem Inneren des Machtapparats erzählt. Weil der Chef der Sowjetunion Breschnew sich für einen Besuch der lokalen Industrie und als Zeichen der Verbundenheit der beiden Völker angekündigt hat, möchte sich die Region herausputzen und speziell die Erträge aus ihren Industriebetrieben steigern. Dabei stellt sich heraus, dass ganz bewusst auf Sicherheit und Filter verzichtet wird, um ein paar Prozent mehr herauskitzeln – ohne jegliche Rücksicht auf Verluste und Menschenleben. Die Mutter und Ärztin muss lange gegen Windmühlen anrennen, bis sie endlich Unterstützung erhält.

Die solide produzierte Serie fängt die Atmosphäre innerhalb einer Arbeiterschaft im Sozialismus sowohl visuell als auch emotional gut ein. Die Arbeiter und ihre Familien sind so von der Tradition ihrer Familien im Bergbau, dem Stolz darauf, aber auch der Kontrolle ihrer Fabrik (die sie nun mal bezahlen) und des Politbüros indoktriniert, dass ihnen lange Zeit egal ist, dass ihre Kinder schwer krank werden. Generell ist das Verständnis in der Bevölkerung und auch in der Familie der Hauptfigur dafür so unfassbar gering, dass es für den aufgeklärten Zuschauer extrem frustrierend wirkt. Obwohl so viele Kinder krank werden, komplett apathisch aussehen, Blut husten und zum Teil sogar sterben, kommt nichts bei irgendjemandem an. Sei es bei der Tochter der Ärztin, die unbedingt ins Schwimmbad muss, um ihren Schwarm zu treffen, oder bei den Arbeiterfamilien, die ihre Kinder schön viel draußen in den Industrieabfällen spielen lassen. Erst nach viel Hartnäckigkeit wird das zum Ende besser. Gleichermaßen führt das dazu, dass die Serie in Folge 3 und 4 etwas auf der Stelle tritt, weil der Kampf gegen dieselben Windmühlen beginnt redundant zu wirken. Aber mit dem großen Finale, speziell der starken letzten Episode, war ich voll befriedet. Visuell sieht man zwar, dass die Fabrik und einige andere Bilder computergeneriert sind, aber das Elendsviertel neben der Industrie sieht authentisch dreckig aus, mit all den herumfliegenden Partikeln und der Farbgebung der Bilder. Die Darsteller sind überwiegend gut, die Inszenierung ist klassisch. Eine kleine Triggerwarnung: Speziell zu Beginn werden viele leidende Kinder gezeigt, was einen durchaus mitnehmen kann.

„Die Bleikinder” ist eine wichtige polnische Serie, die ein großes Versäumnis der Vergangenheit der Öffentlichkeit präsentiert und gleichzeitig einer Heldin zu ihrem späten Ruhm verhilft. Das Politdrama vor Kulisse eines vertuschenden Staats kann auf vielen Ebenen überzeugen, ist nur in der Mitte etwas lang und teilweise arg frustrierend, weil Menschen einfach nicht Klartext miteinander reden. Dennoch lohnt sich die Serie als unterhaltsame Geschichtsstunde.

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Rachel Sennott, die ich in Shiva Baby und Bottoms ganz fantastisch fand, spielt nicht nur Hauptfigur Maia, sondern ist auch die Creatorin der Serie, die teilweise auch für das Drehbuch und die Regie verantwortlich ist. Es ist ihr Baby und insofern wundert es nicht, dass die Dialoge am Puls der Zeit sind oder das zumindest versuchen zu sein. Die dargestellte Influencer und Agenten-Bubble dürfte allerdings auf viele etwas abschreckend wirken. Die sehr starken Gegenreaktionen online kann ich allerdings nicht ganz verstehen oder teilen.

Zu Beginn feiert Maia ihren 27. Geburtstag und hat den Wunsch in ihrer Agentur für Influencer, Models und Co. Karriere zu machen. Daheim wartet ihr „normaler” Freund Dylan (Josh Hutcherson), doch ihr Leben wird von ihrer früheren besten Freundin Tallulah (Odessa A’zion, „Grand Army”) auf den Kopf gestellt, die aus New York zu ihrem Geburtstag anreist. Tallulah ist Influencerin und hatte auch mal einige größere Jobs, doch nun ist bei ihr Flaute angesagt. Nach etwas hin und her entscheidet sich Maia Tallulah zu managen und schnell gelingen erste Erfolge. Die erweiterte Freundesgruppe hat währenddessen mit Selbstfindung, Liebschaften und weiteren Problemen zu kämpfen.

Die Comedy zieht sich vor allem aus der Absurdität des Influencer-Geschäfts und den klassischen Mechanismen dessen. Klickfarmen, durchgescriptete, „spontane” Tik Toks, Fake-Freundschaften, verlogene Werbekampagnen, Machtgeschacher und ein bisschen #Metoo. Überraschen konnte mich davon allerdings nichts, wenig ist wirklich entlarvend, stattdessen bleibt die Handlung eher an der Oberfläche für ein paar eher billigere Gags. Manchmal funktionieren die, manchmal weniger, häufig gibt es Cringe-Momente. Highlights sind die selbstreferentiellen Sennott Gags (ihr „jüdisches Aussehen”) und der Gastauftritt von Elijah Wood. Ich war überwiegend solide unterhalten und habe verstanden, dass die unsympathischen Charaktere Teil des Konzepts sind. Sie nerven dennoch manchmal. Aber auch in den offensichtlichen Vorbildern fand man nicht alle Figuren super.

Kürzlich sagte Sennott, dass für sie „Girls” eine riesige Inspiration in vielerlei Hinsicht war. Insofern muss man nicht lange suchen, um die Prämisse von „I Love LA” zu verstehen: „Girls” im modernen LA in der oberflächlichen ans Smartphone geketteten Gen Z-Influencer-Bubble. Ob „I Love LA” dem Vorbild gerecht wird, muss die Generation selbst entscheiden. Ich belasse es gern bei der 1. Staffel, weil die Serie mir zu wenig Neues erzählt und die Figuren bisher nicht genügend Tiefe besitzen. Denn „I Love LA“ ist aktuell primär eine Comedy und keine großartige Dramedy mit emotionalen Spitzen.

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Eine Triggerwarnung gibt es für die typischen Kriegsthemen: Es gibt Blut, viele Leichen und fiese Sprüche. Die Serie ist manchmal schwer anzusehen, vor allem aufgrund des Verhaltens der Soldaten, aber auch aufgrund einiger verstörender Bilder. Die teure Miniserie, der man ansieht, dass sie tatsächlich in einem Irak-ähnlichen Terrain gedreht wurde, stammt aus der Feder von Ed Burns und David Simon, den „The Wire”-Machern. Deshalb spürt man die Liebe zum Detail und das atmosphärisch dichte, aber eher langsamere Erzähltempo führt dazu, dass man sich irgendwann fast selbst wie ein Teil der Truppe fühlt. Wäre diese doch bloß nicht so schwer erträglich… Testosterongeschwängerte Typen, die es gar nicht erwarten können in den Krieg zu ziehen, schief Popmusik der 2000er singen, ständig über Masturbation sinnieren und sich untereinander permanent streiten. Das ist zwar alles (wohl) authentisch, aber auch anstrengend. Die Schauspieler sind allerdings alle sehr gut, das Highlight ist sicherlich Alexander Skarsgård, aber der ganze Cast ist glaubwürdig und sorgt für eine gelungene Immersion. 

Die Frage ist nur, ob man so gerne hineingezogen wird. Denn mir fiel es schwer mitanzusehen, dass der Krieg hier so wahnsinnig positiv aufgefasst wird, diese Soldaten wirklich fürs Töten leben. „Generation Kill” ist kein „Band of Brothers” oder Filme über den Vietnamkrieg, wo ein aufkommender Kriegs-Enthusiasmus zu Kriegsbeginn sich später in Verzweiflung verwandelt. Stattdessen wurde der Krieg eben schnell „gewonnen”, die Jungs können gar nicht genug von Feuergefechten kriegen und fühlen sich stets übergangen oder fehl am Platz, wenn sie keine Menschen erschießen dürfen. Häufig werden auf dem Papier unsinnige Entscheidungen von Vorgesetzten getroffen, um sich Orden oder Anerkennung für Beförderungen und die eigene Karriere zu verdienen, statt die Sicherheit der eigenen Soldaten und das Verhindern von zivilen Opfern an oberste Stelle zu stellen. Während andere Werke gut den „Antikriegsfilm” repräsentieren, gelingt das in „Generation Kill” nicht über den Großteil der Figuren, sondern primär über die Bilder und die häufigen Entscheidungen der US-Armee Zivilisten wegzubomben, weil man sich nicht auf die Aufklärung verlässt oder es Kommunikationsprobleme gibt. Dennoch geht es danach schnell weiter, die Autorität hat schließlich gesprochen und dem ist Folge zu leisten – die Szenen, wo dem bewusst widersprochen/sich widersetzt wird, waren für mich die stärksten.

Das alles möchte ich der Serie allerdings ausdrücklich nicht ankreiden. Sie ist durch den „embedded” Reporter authentisch und dadurch besonders glaubwürdig. Generell habe ich andere Anforderungen der „Unterhaltung” an Werke über Kriege als an andere Filme. Doch hier wuchs mit zunehmender Zeit meine Distanz zu den Figuren, weil ich kaum jemanden sympathisch fand. Dennoch ist die Miniserie eine hervorragende Illustration einer Generation von Soldaten, die nicht mehr von Vietnam und anderen Misserfolgen geprägt ist, sondern von Blutdurst und dem Hang, sich einen Namen zu machen. Dieser Wechsel in der Gedankenwelt wird großartig dargestellt.

„Generation Kill” gelingt damit letztlich genau das, was die Miniserie erreichen möchte. Die Handlung ist eine authentische Nacherzählung einer Invasion, die möglichst nah an den Soldaten bleibt und eine gewisse Weitsicht (z.B. ob man als Befreier oder Besatzer wahrgenommen wird, ob es Massenvernichtungswaffen gibt) immer nur kurz andeutet. Stattdessen werden schnell die nächsten Probleme innerhalb der Truppe verhandelt oder es werden neue (unsinnige) Befehle erteilt, die sich ständig ändern, weil die Führung recht planlos wirkt. Zusammenfassend kann man „Generation Kill” wenig vorwerfen, ich war aber nie so beeindruckt wie von „Band of Brothers”. Vermutlich auch, weil ich bei einem Kriegsfilm die „leidende Komponente” etwas direkter benötige, um voll involviert zu sein.

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Die 5-teilige Miniserie erzählt auf verschiedenen Zeitebenen vom Untergang und der Zeit danach. In einer aufklärenden, starken letzten Folge wird letztlich das Puzzle zusammengesetzt. Ohne Exposition startet die 1. Folge temporeich. Es soll nachts ein Schiffsunglück der Frachtfähre Jan Heweliusz mit über 60 Menschen an Bord gegeben haben, der nicht diensthabende Kapitän wird aus dem Bett geschmissen und in die Einsatzzentrale gebracht, während die Rettungsmaßnahmen in der Ostsee noch laufen. In Aufnahmen, die an „Titanic” erinnern, werden nachts mit einer (etwas zu viel) wackelnden Kamera Teile der Ereignisse gezeigt. Das Schiff gerät in einen Orkan und bekommt Schieflage, setzt einen „Mayday” ab, es soll evakuiert werden, Chaos bricht aus und durch die Neigung der Fähre über 70 Grad ist es schwer, die Rettungsboote zu besteigen. Einige Mitglieder der Crew schaffen es in Rettungsinseln, Helikopter und andere Schiffe sind an der Rettung beteiligt, bei der noch einiges schief geht. Doch insgesamt können 9 Crewmitglieder gerettet werden, die in deutschen Krankenhäusern behandelt werden. 

Danach widmet sich die Serie den Folgen der Katastrophe. Dabei wird schnell deutlich, dass das Inhaber-Unternehmen der Heweliusz zwar ganz genau wusste, wie problematisch das Schiff war, weil es schon vorher zu zahlreichen Unfällen gekommen war, aber nur am Selbsterhalt interessiert ist. Wenn man die Schuld der Crew zuschieben könnte, würde die Versicherung zahlen und nicht der Staat Polen selbst (dem das Unternehmen gehört) müsste Entschädigungen zahlen. Gleichermaßen werden auch die Hinterbliebenen der verstorbenen Seemänner gezeigt, die wiederum mit dem fehlenden Gehaltsausfall, ausbleibenden Entschädigungen und sogar Regressforderungen konfrontiert werden. In diesen Morast der Korruption wird auch der nicht diensthabende Kapitän hineingezogen, dem eindringlich der Kopf gewaschen wird alles für das Unternehmen zu tun, der jedoch auch nicht seine ehemaligen Kollegen entehren möchte – somit ermittelt er als Beisitzer in der Gerichtsverhandlung, die allerdings nicht fair erscheint.

Nachdem der Anfang temporeich mit eindrucksvollen Wasserszenen (die nicht ganz so glaubwürdig aussehen wie in Vergleichswerken, aber dennoch gut sind) einer Katastrophe gelingt, braucht es in der Mitte etwas, um den roten Faden zu finden. Beispielsweise wirken die Szenen im deutschen Krankenhaus oder einige zu lange Schlaglichter auf bestimmte Familien etwas seltsam. Doch wenn die Gerichtsverhandlung am Horizont lauert und man in den Gerichtssaal eintaucht, dann ist die Miniserie spannend und interessant. Besonders wenn sich die Untergangsszenen der Nacht und die Szenen im Gerichtssaal abwechseln, brilliert die Serie und kulminiert in einer bitteren, auflösenden und interessanten letzten Episode.

Nicht alle Schauspieler und ihre Dialoge sind großartig, nicht alle Handlungsstränge hätte man in dieser Breite gebraucht, doch „Heweliusz” ist dennoch eine sehenswerte Serie über ein Unglück, dass wohl auch heute noch in Polen diskutiert wird und zahlreiche weitere Gerichtsverhandlungen noch sich zog. Eine relevante Serie, die zum Nachlesen bei Wikipedia einlädt. Wikipedia stellt die Ereignisse allerdings etwas anders dar als die Serie, insofern bin ich nicht so sicher, wie sehr die Netflix Miniserie Verschwörungstheorien aufgreift oder tatsächlich besser recherchiert ist als Wikipedia. Ich fand die Geschichte, wie sie die Serie präsentiert, allerdings besser, interessanter und spannender.

„Heweliusz” ist sowohl etwas für Fans des Historiendramas, Begeisterte von (realen) Katastrophen auf See und den damit verbundenen Wasserszenen, als auch für Interessenten von Gerichtsdramen, bei denen die menschlichen Einzelschicksale nicht zu kurz kommen und die Korruption vorherrscht. Ich war weitgehend gut unterhalten, speziell im hinteren Abschnitt ordentlich wütend und am Ende etwas resigniert. Trotz einiger Makel möchte ich die recht unbekannte polnische Serie deswegen durchaus empfehlen. Die Serie gibt es auf deutsch synchronisiert bei Netflix.

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Die finale 6. Staffel des Elendsepos führt endlich zur überfälligen Rebellion in Gilead – doch leider viel zu kurz, weil vorher viel Zeit in redundanten Schlangenlinien verbracht wird und man am Ende das Spannende kurz und das Uninteressante viel zu lang zeigt. Zudem enttäuscht die finale Folge wie in kaum einer anderen Serie (noch nicht ganz so schlimm wie „Game of Thrones”), weil sie statt eines Showdowns einfach gedankenversunken mitten in der Geschichte aufhört… doch von vorne. 

Ich hatte mich auf die letzte Staffel durchaus gefreut. Die 4. und 5. Staffel wirkten komplett ziellos, man bemerkte deutlich, dass die Vorlage von Margaret Atwoods Roman bereits mit dem Ende der 2. Staffel endete. Doch während man Staffel 3 noch halbwegs schlau fortführte, regierte danach die gähnende, streckende Leere, die in der 5. Staffel ihren traurigen Höhepunkt fand. Dennoch hatte ich Hoffnungen für eine finale Staffel, weil ich endlich den Kampf gegen Gilead priorisiert sehen wollte, die 6. Staffel hätte alle Möglichkeiten gehabt das Genre etwas zu wechseln und zu einer „Kriegsstaffel” mit Guerilla-Elementen zu werden. Doch das wird sie nicht, beziehungsweise nur extrem kurz. Es gibt keine ausgefeilten Planungen, man schlittert einfach so in die Konfrontation rein und weiß gar nicht, was passiert. Enttäuschend.

Doch im Verlauf gibt es zahlreiche Probleme. Zwar sind die Bilder immer noch schön und teilweise voller Symbolik, aber besonders wenn Elisabeth Moss Regie führt, wirken die Folgen häufig recht inhaltsleer, was mit zahlreichen Zeitlupen, Geigenmusik, Chorälen und natürlich einer June, die intensiv in die Kamera schaut, aufgefangen werden soll. Doch das gelingt nicht. Zudem wiederholen sich die Gespräche der Figuren dauerhaft, sie kommen ständig wieder zusammen und werden durch „äußere Umstände” getrennt, die nicht selten unsinnig erscheinen. Somit werden zahlreiche „letzte Gespräche” der Vergangenheit retrospektiv entwertet. Das wird sogar so schlimm, dass die Serie selbst ihren Metakommentar dazu abgibt, sinngemäß heißt es irgendwann: „Jetzt müssen wir nicht wieder so bedeutungsschwanger tun, als sei das unser letztes Treffen, wie sonst immer: Deswegen bis bald!” Darüber hinaus versucht sie die Serie an ein paar Vergleichen in unsere reale Welt rund um das Triggerthema der Vergewaltigung, die ganz gut gelingen. 

Außerdem sind die Charaktere wieder herrlich sprunghaft. Luke wollte in den vergangenen Staffeln nur endlich gemeinsam mit seiner Familie in Frieden leben, jetzt ist er Kriegstreiber. June wollte Leute umbringen, jetzt will sie kaum etwas mit der Rebellion zu tun haben. Doch dann kommt dieser ständige Undercover-Unsinn. June ist ein bunter Hund, ein Symbol für die Mägde, aber sicherlich doch auch ultrabekannt für Gilead und seinen „Augen”, seinen Geheimdienst. Dennoch kann sie sich frei bewegen, auch über die Grenzen. Zudem ist sie mit ihrer Emotionalität die schlechteste, um diese Jobs durchzuführen, bei denen auch immer etwas schiefgeht und sie von anderen Personen gerettet werden muss – häufig Charaktere, die „zufällig“ vor Ort sind. Nachdem man in den ersten beiden Staffeln das Regime Gilead noch gut greifen konnte, ist die mittlerweile aufgebaute Welt ein Durcheinander: Wo sind die Grenzen? Wie werden sie bewacht? Warum kann sich June frei bewegen? Wer kooperiert mit wem? Wie stark ist denn jetzt die CIA oder die US-Armee und was können sie bewirken? Warum gibt es in Gilead mehr Kinder als im Rest der Welt? Warum sollte eine Musterstadt dafür sorgen, dass die ganze Welt Gilead anerkennt? Warum tauscht Gilead ihr Wissen um die Fortpflanzung nicht mit anderen für eine globale Vormachtstellung, es wird nur etwas von „Wir haben die Luft und das Wasser gereinigt” geredet. Wie? Und kommt darauf kein anderes Land der Welt? Doch warum diese vielen Fragen beantworten, wenn man stattdessen grimmig in die Kamera schauen und repetitive Handlungsstränge vorantreiben kann… 

Ich habe mich schon etwas in Rage geschrieben, aber das liegt daran, dass ich die 1. Staffel großartig finde und auch die 2. noch sehr gut. Man kann sich nur über etwas besonders ärgern, was man mal sehr gemocht hat. Dennoch wäre ich befriedet gewesen, wenn man sich in der 2. Hälfte komplett der Rebellion und dem Krieg gewidmet hätte. Leider wirkt das alles gehetzt und überstürzt, zudem umfasst es lediglich die Folgen 8 und 9. Wenn es spannend wird, gibt es stattdessen einen Zeitsprung von einigen Tagen und June erzählt nur in Zeitlupe, welche spannenden Dinge passiert sind… Gaben die Produktionsmittel nicht mehr her? Warum zeigt man nicht den Zerfall einer Diktatur von innen und außen? Alle hätten sich verdient, am Ende Gilead komplett brennen zu sehen, aber damit hätte man wohl das Spin-off, welches 15 Jahre nach den Ereignissen der Hauptserie spielen soll, sabotiert. Deshalb ist das Ende äußerst halbgar. Auch weil June ihr Ziel, weswegen sie am Ende von Staffel 2 blieb, nicht erreicht. Bitter ist, dass die Story dann aufhört, wenn es interessant wird. Mit einer schwülstigen Rückblickfolge, die mitten in der Staffel schon mies gewesen wäre, aber als Ende einer Serie einem Schlag ins Gesicht gleicht.

Ich bleibe bei meiner vorherigen Einschätzung: Man hätte auch echt gut nach Staffel 2 einen Schlussstrich ziehen können, mindestens 4,5 & 6 ziehen das Gesamtrating weiter hinunter. Staffel 1 allein wäre bei einer 87% gelandet, mit Staffel 2 zusammen wäre die Top 100 immer noch erreicht worden. So wurde die Bewertung immer schlechter.

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Im Zentrum der Serie steht Carmen Berzatto (Jeremy Allen White, großartig), der nach Chicago zu seiner zerrütteten Familie zurückkehrt. Sein Bruder Michael (Jon Bernthal) hat kürzlich Selbstmord begangen und Carmen das Familienrestaurant überlassen. Carmy arbeitete zuvor in der gehobenen Gastronomie und Sterneküche, gewann sogar einen Nachwuchspreis. Nun trifft er auf die eingefahrenen Strukturen des gemütlichen, aber heruntergekommenen „The Beef” und seine Mitarbeiter – nebenbei verzweifelt er an der unternehmerischen Seite. Denn leider gibt es massive Geldprobleme und Geldgeber, die ihr Investment zurückfordern. Dazu holt sich Carmen noch Syd (Ayo Edebiri, stark) als Sous-Chefin ins Team, die sehr engagiert und auch fähig ist. Gemeinsam versuchen sie den Laden umzubauen, vor allem entgegen den Ideen von Richie (Ebon Moss-Bachrach, authentisch), dem besten Freund des verstorbenen Michael, der sich gegen vieles wehrt.

Letztlich beobachtet man einen Haufen von kaputten Charakteren mit zahlreichen Problemen bei ihrer Arbeit. Dabei fällt auf, dass vor allem Kommunikation keine Stärke der Beteiligten ist. Deswegen ist „The Bear” eine Serie mit vielen Reibungen, viel Streit, vielen Schimpfwörtern, viel Geschrei und Konflikten. Die Serie ist dialoglastig, dabei aber authentisch, was besonders in der englischen Originalsprache zum Vorschein kommt. Häufig wird übereinander gesprochen, teilweise geredet, ohne dass wirklich etwas gesagt wird, nicht jeder sagt immer den cleversten Satz. Doch in dieser stakkatoähnlichen Geschwindigkeit, die Stress induziert, habe ich das zuletzt bei „The Newsroom” spürte. Dabei helfen natürlich die durch die Bank großartigen Darsteller, die ihre Figuren glaubwürdig darstellen. Gepaart werden die starken Dialoge mit einer guten Portion Kulinarik und Alltag im Restaurant. Dem Essen, dem Kosten, Zubereiten und Ausprobieren neuer Gerichte wird Zeit eingeräumt, gelungene Kamerashots lassen einem teilweise das Wasser im Mund zusammenlaufen. Die Szenen in der Küche selbst: Wow, das ist purer Stress, pures Adrenalin, wie ich es selten erlebt habe. 

Überraschend und überragend ist die hohe Anzahl an Gaststars, die innerhalb der Serie auftauchen und sich manchmal sogar zu echten Nebenfiguren entwickeln. Ich möchte nicht alles spoilern, aber Jamie Lee Curtis und Will Poulter werden irgendwann ganz organisch dem Cast hinzugefügt. Dazu gibt es einige aufsehenerregende Cameos. Offenbar möchte jeder Schauspieler ein Teil dieser Serie sein. Zurecht? Absolut, doch das Pacing ist nicht immer fantastisch, teilweise tritt die Haupthandlung etwas zu sehr auf der Stelle, was vor allem in der deprimierenden 3. Staffel besonders auffällt. Schön ist, dass es in jeder Staffel stets Highlightfolgen gibt, die auch gerne mal die Zeitebene oder das Setting wechseln und die Beziehungen zueinander vorantreiben. Ich bin gespannt, wie viele Staffeln es noch geben wird, das Ende der 4. Staffel glich einem großen Knall.

Zusammenfassend ist „The Bear” eine großartige, einzigartige Dramaserie im Restaurant, die von ihrer Authentizität, ihrem Ensemble und ihrer kreativen Inszenierung lebt. Darüber bietet sie in der Person von Carmen das wohl charakteristischste nervöse Kopfnicken der Seriengeschichte. Nicht jede Folge ist überragend, aber einige sind außergewöhnlich gut und das hohe Aufkommen an Gaststars ist beeindruckend. Teilweise dürfte die Haupthandlung etwas schneller voranschreiten, aber letztlich sind dies kleinere Makel. Denn „The Bear” ist ein echter Serien-Leckerbissen, den man sich nicht entgehen lassen sollte!

Wer es noch etwas detaillierter zu den jeweiligen Staffeln braucht, hier gibt es Einschätzung pro Staffel:

Staffel 1: Die große Storyline passt nicht immer und die Konflikte treten manchmal auch etwas lang auf der Strecke. So sind nicht alle Folgen auf einem Topniveau und haben auch mal schwächere Szenen, aber stets auch gute. Die großen Stärken entwickelt die Serie, wenn die Dinge nicht so laufen wie geplant. Doch zum Ende der Staffel findet „The Bear” richtig ihren Rhythmus und brilliert mit einer unfassbar schönen One Shot-Folge aus der Küche. Generell sind die Folgen 7 und 8 dann Sterneküche. Sehr, sehr gut.

Staffel 2 wirkt zunächst wie Übergangsstaffel bei der es noch deutlich mehr um die Charaktere hinter dem Essen geht als zuvor, doch danach entwickelt sie sich zu etwas Großem. Der extreme Umbau des Restaurants ist lange Zeit Thema und Carm erhält auch eine Lovestory (die ich negativer bewerten würde, wenn Claire (Molly Gordon) nicht so gut wäre) und so tritt die erste Hälfte der Staffel etwas auf der Stelle. Doch danach wird die Qualität auf eine neue Stufe gehoben und es gibt einige losgelöste Highlight-Folgen. Marcus in Kopenhagen (Folge 4) ist schon gut, die über eine Stunde lange Folge 6 ist das unbestrittene und kalkulierte Highlight der Staffel. Es ist ein Rückblick auf ein besonderes Familienessen der Berzattos mit Gaststars und wahnsinnig viel Feuer und Konflikten. Atemlos, nicht durch die Nacht, sondern durch Weihnachten. Und dann kommt Folge 7 mit Richie, der ein Praktikum in einem 3-Sterne Restaurant macht. Mit einem weiteren fantastischen und überraschenden Gaststar (Olivia Coleman), holt vor allem diese Folge die Feel Good-Momente hervor (auch wenn das alles vielleicht etwas „einfach“ ist). Generell ist die 2. Staffel überraschend mit mehr Feel Good ausgestattet, aber am Ende ist der Bär immer noch der Bär und schlägt einem in einer atemberaubenden letzten Folge doch wieder die Zähne aus. So muss es sein. 

Staffel 3 kann man auch als die depressive Staffel bezeichnen, die hauptsächlich frustriert. Sie kann an das fantastische Niveau der zweiten Hälfte der zweiten Staffel leider nicht anknüpfen. Teilweise wirken einige Episoden etwas zu kunstvoll oder fast selbstverliebt inszeniert, dabei bleiben das Tempo und die Hauptgeschichte auf der Strecke. Denn nach der großartiger Neueröffnungsfolge möchte Carm nun die Uhren auf Alleinherrschaft und Sterneküche zurückdrehen und stößt dabei alle vor den Kopf. Inhaltlich entwickelt sich innerhalb der Handlung leider nicht viel, die Konflikte bleiben die ganze Staffel ähnlich, spitzen sich zu und werden nicht ordentlich angegangen, geschweige denn aufgelöst. Die erste Folge ist eine Art reine Montagefolge, in der sehr wenig geredet wird und stattdessen die dröhnende Ambient Musik auf Carmens Gemüt drückt. Die folgenden Episoden 2 und 3 sind Glanzstücke der puren Stressunterhaltung, man kann gar nicht anders, als sich involviert fühlen und selbst gestresst zu werden. Danach verliert die Serie etwas den roten Faden und ergeht sich auch mehr in versuchten Comedymomenten der beiden Fak-Brüder, was nur manchmal gelingt. Die Rückblickfolge 6 rund um Tinas Weg zum Restaurant ist interessant, aber letztlich mit vorherbestimmtem Ende, die Geburtsfolge 8 um Jamie Lee Curtis ist stark, die abschließende Folge eine schöne Verbeugung vor den realen Sterneköchen und deren Handeln. Generell können die Cameos und Gastauftritte weiterhin überzeugen, es werden sogar immer mehr, weil scheinbar jeder Lust hat bei „The Bear” mal dabei zu sein – zurecht. Denn die Darsteller, die Inszenierung, die Musik und die Stressmomente in der Küche sind weiterhin großartig. Dennoch kann Staffel 3 das hohe Niveau nicht ganz halten.

In Staffel 4 kehrt die Serie zu alter Form zurück. Carmen gibt seine Blockadehaltung auf und so ergibt sich wieder ein deutlich vernünftigeres Arbeiten im Restaurant. Nach gutem Start in die Staffel, wird es danach etwas ruhiger, ehe die Hochzeitsfolge 7 den Höhepunkt der Staffel bedeutet, an dem so ziemlich jede Storyline irgendwie kulminiert und zahlreiche weitere Gaststars sich die Ehre geben (wer will eigentlich nicht dabei sein? Wahnsinn). Doch die letzten beiden Folgen, besonders die finale Episode toppt dies nochmal in Sachen Dramatik. Wie in der letzten Folge eigentlich nur geredet wird, aber endlich mal alles auf den Tisch gebracht wird und harte Entscheidungen getroffen werden – das ist brillant-minimalistisch inszeniert und lässt den Darstellern großen Raum. Ich bin sehr gespannt, wie es danach weitergehen wird. Generell ist die 4. Staffel wieder auf einem hohen Niveau unterwegs, für mich ist es die bisher zweitbeste Staffel nach Staffel 2 und vor Staffel 1.

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